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Hommage à Lucien Clergue, aux origines de l’exposition photographique

Capturelucien“Il a réalisé 800 000 clichés et est l’initiateur des “Rencontres d’Arles” : le photographe Lucien Clergue est mort cette nuit à l’âge de 80 ans. 

Le revoir : http://france3-regions.francetvinfo.fr/provence-alpes/2014/11/15/le-photographe-arlesien-lucien-clergue-est-decede-592660.html

Lucien Clergue était très fier d’avoir été exposé par Steichen au  Museum of Modern Art de New York en 1961 et au
“Louvre (musée des Arts décoratifs)” en 1962. Le commissaire de cette exposition parisienne, était François Mathey.

Dans notre entretien du 21 mai 2011 , il se souvenait avoir eu cette chance grâce à une première exposition de ses photographies à Zurich : “J’avais exposé en 1958 au musée des Arts et métiers de Zurich. Le musée était mitoyen avec l’École des arts et métiers, qui était très célèbre en Europe et où avaient étudié les grands noms de la photographie suisse : Robert Franck, Burri, Werner Bischoff (qui est mort trop jeune). L’exposition d’Edward Steichen, « Family of man », était montrée au même moment dans ce musée. C’est donc à ce moment-là qu’Edward Steichen, ou son assistante Grace Mayer ont dû voir mon travail. Il a acheté neuf de mes photos qui sont ainsi entrées dans le fonds photographique du MoMA. J’ai ensuite été exposé au MoMA deux ans plus tard, en 1961, aux côtés de Yasuhiro Ishimoto et de Bill Brandt : Edward Steichen faisait une série d’expositions intitulées « Diogenes with a camera » et m’a fait figurer dans la cinquième et dernière d’entre elles. J’avais vingt-sept ans, c’était inespéré. Edward Steichen a achevé sa carrière au musée sur cette exposition”.

Comment  Mathey a-t-il eu l’idée d’organiser cette exposition ? Je n’en sais rien, peut-être avait-il entendu parler de l’exposition de New York. Il était dans une veine d’expositions de photographes, il avait exposé auparavant Cartier-Bresson, puis après moi, je crois, Denis Brihat. Nous avons préparé ensemble l’exposition, avec son assistante,  (Yolande Amic) et avec qui nous avons réglé bien des détails”.

A l’époque, par exemple, j’ai réalisé et payé l’affiche (le musée n’avait pas de moyens pour cela). Je l’ai même distribuée moi-même rue de Rivoli, au grand dam de Jean Cocteau ! Avec l’accord de François Mathey, l’affiche mentionnait que l’exposition se déroulait au « Louvre, Pavillon de Marsan, musée des Arts décoratifs ». On avait l’impression d’exposer au Louvre, ce qui est vrai, d’une certaine façon, puisqu’il s’agit des bâtiments du Louvre. Pour accéder à l’exposition, on montait le grand escalier pour se diriger vers de grandes salles, à droite, munies de grandes fenêtres.”
Les lieux d’expositions étaient rares à cette époque : le musée des Arts décoratifs était connu pour favoriser la photographie mais il n’y avait pas beaucoup d’autres lieux d’exposition, ni d’ailleurs de marché :
Il n’y avait pas grand-chose, c’est d’ailleurs pourquoi j’ai créé en 1970 les Rencontres de la photographie d’Arles. À vrai dire, c’était le vide sidéral ! Le seul lieu valable c’était le hall de la Bibliothèque Nationale, rue de Richelieu, où une fois par an, dans le cadre d’un concours national mélangeant amateurs et professionnels, nous montions les photos sur des panneaux en bois.”

La photographie n’était pas alors considérée comme un art  : ” Le fait d’avoir exposé au MoMA à New York a déclenché toutefois des choses. L’exposition chez François Mathey a provoqué quant à elle la réaction de Jean-Marie Drot qui est venu, pour la télévision, réaliser un film sur moi, à Arles, accompagné de toute son équipe. Il avait déjà réalisé toute une série d’émissions sur les artistes contemporains, cela a donc joué un rôle certain dans la reconnaissance de mon travail. Mais il ne faut pas oublier qu’à l’époque, le MNAM ne s’occupait pas du tout de la photographie, il n’y avait pas de galeries, ni à Paris, ni à New York et pas d’amateurs ni de collectionneurs non plus : il n’y avait pas de marché. Mon exposition à New York en 1961 n’a pas abouti à la signature d’un quelconque contrat avec une galerie, cela n’existait tout simplement pas à l’époque”.

Il exposait des nus dans la mer, des animaux, des études de marécages. Lucien Clergue avait bien voulu témoigné sur Mathey et cette exposition dont il se souvenait avec plaisir : “Jean Cocteau, Georges Mathieu, Michel Tournier, César étaient présents au vernissage“. Mathey avait “un côté très humain, très direct, il se mettait au service de l’artiste, il n’y a pas eu de heurts. D’autres artistes m’ont fait part de son comportement très respectueux, il était merveilleux. Il n’était pas très grand, sa corpulence lui donnait un air un peu terrien, accroché à la terre, il était sans doute d’origine paysanne, il faisait preuve vis-à-vis de moi, si jeune, de beaucoup d’attention : c’était très agréable”.

Lucien Clergue est retourné plus tard au musée des Arts décos : “Beaucoup plus tard, car une partie de mon travail a consisté à réaliser des surimpressions de photos de nus ou de corridas sur des tableaux, j’ai eu l’accord de Marie-Claude Beaud[1] pour aller dans les salles du musée prendre quelques photos, mais je suis allé plus souvent au Louvre dans le cadre de ce travail”.

corrida


Le tournage du Testament d’Orphée par Lucien Clergue : Le photographe Lucien  CLERGUE raconte le tournage du film Le Testament d’Orphée dans le Val d’Enfer des Baux de Provence : http://www.ina.fr/video/I00006527

[1]Directrice générale des musées de l’UCAD (et directrice du musée de la Publicité), de 1996 à 1999.

Philippe Hiquily, un sculpteur “baroque” presque oublié

Né en 1925, à Montmartre, décédé en 2013, Philippe Hiquily n’a pas cessé de créer durant les  années 1950 à 1960, il appartient alors à la même génération de sculpteurs en vogue, comme César et Arman, mais sa carrière s’infléchit vers 1965. Il n’a jamais souhaité intégrer un quelconque mouvement d’artistes comme les Nouveaux Réalistes : http://www.hiquily.com/fr/biographie?PHPSESSID=pa02isoe9o88c93b7bpuiuj0n5

Ses sculptures girouettes monumentales  http://culturebox.francetvinfo.fr/expositions/sculpture/le-sculpteur-philippe-hiquily-est-mort-134071

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font l’objet d’une exposition- vente, en cours au Donjon de Vez jusqu’au 14 septembre 2014 :

affiche_vezPhilippe Hiquily, Girouettes (Marbella-Shanghaï),1963/2010, acier, 3,5m. © Bruno Simon courtesy Artcurial.

Ses œuvres proches au début de celles de Germaine Richier, sont d’inspiration fantastique, onirique, et qualifiées en 1962 de baroques :  http://www.hiquily.com/fr/oeuvres

Pour une liste de ses expositions personnelles, voir : http://www.hiquily.com/en/expositions?PHPSESSID=pa02isoe9o88c93b7bpuiuj0n5

Le musée des Arts décoratifs à Paris met en valeur actuellement l’une de ses créations datant de 1960, un guéridon au cristal de roche : Linda Pinto propose un « piano-bar  à vin » avec un guéridon Onirique en laiton doré et cristal de roche créé à la fin des années 60 par Philippe Hiquily. Les claviers, que l’on retrouve d’un côté et de l’autre du guéridon, et son centre faisant office de « bar » projettent le visiteur dans une ambiance « jazzy » : http://galeriecaroledecombe.com/2014/08/19/ad-au-musee-des-arts-decoratifs/

997-81gueridon hiquily

 

 

 

 

 

 

 

Philippe Hiquily a créé au cours des années 1960 d’autres objets- sculptures comme ce plafonnier exposé en 1962 au musée des Arts décoratifs :

plafonnier2

Feuille de laiton martelée, 48 cm x 100 cm. Edition limitée à 8 exemplaires + 4 E.A., signés et numérotés, Edition suivant un modèle original de 1960 Ancienne Collection de la Galerie du Dragon : http://www.jmlelouch.com/268/

(l’exposition Antagonisme II l’Objet, mars 1962 ), a réuni de très nombreux artistes qui ont proposé près de 500 objets : sculpture, peinture, dessin, bijoux d’artistes, meubles, mobilier, lampe, luminaires, architecture, céramique, tapis, tapisserie, vitrail (commissariat François Mathey et Yolande Amic): http://www.librairiedesarchives.com/Antagonismes-2-L-Objet.html

Yolande Amic, 1962Yolande Amic, au milieu des “objets” de l’exposition, 1962 (INA)

Dans cette exposition, Philippe Hiquily figure auprès de : Henri-Georges Adam, Yaacov Agam, Kosta Alex, Constantin Andréou, Willy Anthoons, Jean Hans Arp, Helen Ashbee, François Baschet, Frédéric Benrath, Harry Bertoia, André Bloc, Hans Bischoffshausen, Bocian, Martine Boileau, André Borderie, Marc Boussac, René Brault dit Bro, James Brown, Nino Calos, Alexander Calder, Agustin Cardenas, Carlos, Léonora Carrington, César Baldaccini dit César, Gaston Chaissac, Jean-Claude Champagnat, Louis Chavignier, Jean-Marie Chourgnoz, Jean Cocteau, Christo Coetzee, Gio Colucci, Pietro Consagra, William N. Copley, Costas Coulentianos, Michel Courcelle, Harold Cousins, Vincent de Crozals, Gérard Cyne, Olivier Debré, Jacques Delahaye, Jean Dubuffet, Nadine Effront, Max Ernst, Claire Falkenstein, Jean Filhos, Lucio Fontana, Günter Fruhtrunk, André Gaillard, Frans de Geetere, Michel Genier, Piotr Kowalski, Philippe Muel, Alberto & Diego Giacometti, Marcel Gili, Émile Gilioli, Roseline Granet, Juan Gris, Julio Gonzales, Michel Guino, Brion Gysin, Shamal Haber, Étienne Hajdu, Davos Hanich, Pierre Héricher dit Herry, George Him & Jean Le Witt, Paul van Hoeydonck, Ping Ming Hsiung, Jean Ipousteguy, Robert Jacobsen, Marcel Jean, Paul Jenkins, Élisabeth Joulia, Iaroslav-Jean Kapera, Alain de la Bourdonnaye, Norbert Kricke, Berto Lardera, Guy Lartigue, Henri Laurens, Le Corbusier, Adrien Liegme, Frank J. Malina, Michel Mangematin & Roger Bruny, Marie-Laure, Étienne-Martin, Georges Mathieu, Janine Matthey, Roberto Echaurren Matta, Brigitte Meier-Denninghoff, Claude Mercier, Jean Messagier, James Metcalf, Meylan, Luiza Miller, Richard Mortensen, Alicia Moï, Isamu Noguchi, Alexandre Noll, Meret Oppenheim, Joan Pala, Martha Pan, Georges Patrix, Alicia Penalba, Charlotte Perriand, Philolaos, Pablo Picasso, Édouard Pignon, Edgar Pillet, Marie-Thérèse Pinto, Marc du Plantier, Henri Plisson, Gio Pomodoro, Arnaldo Pomodoro, Antoine Poncet, Man Ray, Germaine Richier, Larry Rivers, Suzanne Rodillon, Félix Roulin, Saint-Maur, Valentine Schlegel, Nicolas Schöffer, Signori, Adam Sjohölm, Yerassimos Sklavos, K.R.H. Sönderborg, Ettore Sottsass, François Stahly, Pierre Szekely, Antoni Starczewski, Vassilakis Takis, Yves Tanguy, Dorothea Tanning, Torun Bulow-Hube, Marino di Teana, Paolo Vallorz, Victor Vasarely, Raymond Veysset, André Vigneau, Claude Viseux, Jean Weinbaum, Ossip Zadkine…).

On retrouve dans les catalogues de vente des objets exposés en 1962 au musée des Arts décoratifs, une occasion de redécouvrir des créateurs comme Michel Mangematin (né en 1928) :  une grande table basse ovale, circa 1962, piètement tripode en bronze :

mangematin

L’artiste et le musée du mois. Henri Matisse : Les grandes gouaches découpées, mars-mai 1961, au musée des arts décoratifs, Paris

Les papiers découpés de Matisse sont une nouvelle fois à l’honneur pour une exposition qui se tient cette fois-ci à Londres, à la Tate Modern : http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/henri-matisse-cut-outs

matissethesnail1953

Henri Matisse L’escargot, 1953 © Succession H. Matisse / DACS 2014

Le commissaire de l’exposition Nicholas Serota : http://www.tate.org.uk/context-comment/blogs/nicholas-serota-on-magic-matisse

Difficile de résister à la mise en valeur ici de la première exposition consacrée à Paris aux travaux du peintre en 1961, à l’initiative de François Mathey qui monte avec Mme Amic, la plus belle et la plus complète des expositions parisiennes sur ce thème, dixit Pierre Schneider, grand expert en ce domaine.

Le petit catalogue réalisé à cette époque (sur la demande de Marguerite Duthuit) par Fernand Mourlot n’en jette pas plein la vue mais garde trace de cet éblouissement : ” Mourlot sera fier, je crois, de ce petit album charmant, précis, sans sécheresse” écrit Mathey. Mourlot reproduit également pour l’affiche  Le danseur rouge. (Sur cette œuvre voir : http://www.christies.com/lotfinder/drawings-watercolors/henri-matisse-le-danseur-5157379-details.aspx )

d5157379lMatisse avait réussi à déplaire pourtant aux plus conservateurs et même à ses amis qui doutaient de la force de ces derniers travaux. Christian Zervos écrit dans Cahiers d’Art en 1949 :
« Est-il besoin de dire qu’on ne saurait faire aucun cas de ces papiers découpés qui constituent, avec les tentures décoratives, la grande affaire de l’exposition Matisse ? Pour mon compte, ils sont totalement négligeables et d’un mauvais voisinage à l’égard des tableaux. Ce qui rend de telles occupations inacceptables, c’est non seulement qu’elles ne touchent à aucune des initiatives esthétiques de Matisse, ne laissent d’en soupçonner de la tournure de son imagination ne mettent en lumière aucun de ses soucis des questions de fond, mais qu’elles nous laissent indifférents quand elles ne nous peinent de voir l’artiste trahi par son pouvoir de discrimination bien plus que par son talent. […] il était libre de se prendre d’affection pour eux. Mais, dès l’instant où il les propose à l’attention des visiteurs d’une exposition et les force, en quelque sorte, à prendre intérêt, on est en droit de trouver à redire. Je sais qu’il y a un moment où les plus vertes vieillesses ont peine à ne pas tourner à l’attendrissement pour tout ce qui sort de leurs mains ; il est néanmoins difficile de concéder à un artiste de la classe de Matisse de laisser aller son esprit sur n’importe quelle pente. Si entière que soit la confiance du créateur en ses moyens et quelque inépuisable que soit sa fertilité de ressources, il ne pourra jamais convertir en productions fortes des jeux qu’aucun coup de talent ne saurait élever au niveau de l’art ».

Le MNAM avait hésité à acheter puis avait négocié le prix le meilleur après que le musée d’Amsterdam (W. Sandberg) ou celui de Copenhague, aient exposé les gouaches et procédé aux acquisitions les plus belles qui s’imposaient. Enfin, en 1961, la critique est unanime et Michel Ragon écrit : « La plus jeune, la plus fraîche, la plus audacieuse et la plus parfaite exposition actuelle se trouve au Musée des Arts décoratifs, pour tout le printemps jusqu’au mois de mai ».

Elle se déroule du 22 mars au 15 mai 1961 et reçoit 10 708 visiteurs payants. Cela est bien sûr sans commune mesure avec l’exposition du centenaire de Matisse dont Pierre Schneider est le commissaire général, et qui reçoit (près de dix ans plus tard) 347 000 visiteurs au Grand Palais sur une période certes plus longue, d’avril à septembre 1970. En 1961, seul le public « averti » est venu. Michel Laclotte note le caractère exceptionnel de l’exposition (la présentation d’ensemble a été un éblouissement absolu). Pour Pierre Schneider, l’exposition fait date et inspire notamment les peintres américains résidant à Paris.

Un jeune témoin, prénommé Vincent, raconte : “Mercredi 22 mars 1961. Inauguration des gouaches découpées de Matisse. Le musée était à peu près vide quand nous sommes arrivés mais l’oeuvre en elle-même valait bien la petite heure que nous lui avons consacrée. Quand je dis qu’elle « valait bien » cela, j’ai l’air de faire une politesse, voire une concession ; c’est faux. Car c’est bien d’admiration qu’il s’agit, la joie du peintre survit dans l‘allégresse de la satisfaction que l’on a à faire danser ses yeux dans le rythme fort et admirable des taches de couleur”.

Sur l’exposition londonienne voir l’article d’Emma Crichton-Miller dans le numéro d’avril de la revue Apollo : http://www.apollo-magazine.com/matisse-april-apollo/