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Gigantisme, une première triennale sur “Art et Industrie” à Dunkerque

Gigantisme est une nouvelle triennale en Europe. Dès le 4 mai 2019, et jusqu’au 5 janvier 2020, une exposition de sculptures, de mobilier design, de films, de maquettes, de peintures et autres formes d’utopies manifesteront la créativité remarquable qui résulte de collaborations entre artistes, ingénieurs et architectes, depuis la seconde moitié du XXe siècle. Le Cnap est partenaire de cette manifestation. (site du CNAP).
À Dunkerque, des œuvres issues de collections publiques et privées, mais aussi de commandes spécifiques, évoquent la rencontre entre l’art et l’industrieGigantisme se déploie sur plus de 4000 m2, dans trois lieux d’exposition différents à Dunkerque : la friche industrielle de la halle AP2, le Fonds régional d’art contemporain Grand Large – Hauts-de-France (FRAC) et le Lieu d’Art et Action Contemporaine – Musée de France (LAAC).

Les artistes, designers et architectes, exposés, sont particulièrement nombreux Figurent ci-après en gras le nom de ceux dont les œuvres montrées appartiennent au Cnap et dont voici quelques illustrations tirées de la collection en ligne du CNAP :

L’Atelier A, Carla ACCARDI, A.J.S. AÉROLANDE, Céline AHOND, Jean ARP, Eero AARNIO :

Eero AARNIO, Bubble, 1968 – 1997.
Editeur : Adelta International, Dinslaken (Allemagne), 1997. CNAP.

Steve ABRAHAM & Nicolas MESSAGER,  ADO

Ado, The key (La clé), 1968. CNAP.

Roy ADZAK, ARMAN :

ARMAN, Sculpture pour la gare Saint-Lazare à Paris, ensemble. CNAP.

Dorothée BECKER, Jean-Daniel BERCLAZ, France BERTIN, Pancino BIAGIO, Max BILL , André BLOC, Pierrette BLOCH, Marcel BROODTHAERS, Heidi et Carl BUCHER, Michel, BUFFET, Carlos BUNGA, Daniel BUREN, Victor BURGIN :

Victor BURGIN, The End, 1994. CNAP.

Hera BÜYÜKTASÇIYAN, Jean-Marc BUSTAMANTE, Robert BREER, Nathalie Brevet, Hughes ROCHETTE, Louis CANE, Marcelle CAHN, René-Jean CAILLETTE, Alexander CALDER, Antonio CALDERARA, Livio CASTIGLIONI, Philippe CAZAL, CHRISTO :

CHRISTO (Christo JAVACHEFF, dit),
Vue des Champs-Elysées,
1969. CNAP.

 André CAZENAVE, CÉSAR, Kwok-Hoi CHAN, Andreas CHRISTEN :

Andreas CHRISTEN, Komplementar-Struktur n°45, 1977.
Relief monochrome. Polyester.
Donation Albers-Honegger en 2001.

 Joe COLOMBO :

Objet/Design © Ignazia Favata, Studio Joe Colombo, photo :Visuel fourni par l’éditeur Joe COLOMBO. Bloc cuisine Minikitchen. CNAP.

Gilles CONAN, Agnès et Claude COURTECUISSE D’URBRINO / DECURSU / DE PAS, DECTOR & DUPUY, Pauline DELWAULLE, Gérard DESCHAMPS, Jean DEWASNE, Noël DOLLA :

Noël DOLLA. Sad Haleine, 2005.
Acrylique sur toile, 340 x 210 cm
Achat 2006. CNAP.

Michel DUCAROY, Gérard DUCHÊNE, Lili DUJOURIE, Jean DUPUY, Jean-Claude FARHI, Hans-Peter FELDMANN, Yolande FIÈVRE, FOIN©, Ruth FRANCKEN, Lars FREDIKSON, Yona FRIEDMAN, Wolfgang GÄFGEN, Horacio GARCIA ROSSI, Christian GERMANAZ, Mark GEFFRIAUD, Piero GILARDI, Dominique GILLIOT, LIam GILLICK, Patrick GINGEMBREGRUPPO STRUM, Brion GYSINRaymond HAINS, Simon HANTAÏ, Hans HARTUNG, Maya HAYUK, Bernard HEIDSIECK, Raymond HAINS, Auguste HERBIN, Isidore ISOU, Christian JACCARD, Alain JACQUET, Shirley JAFFE, Michel JOURNIAC, Donald JUDD, Jean-Paul JUNGMANN, Kosta KARAHALIOS, Dani KARAVAN, Ellsworth KELL, William KLEIN, Yves KLEIN, Piotr KOWALSKITetsumi KUDO, Roger LANDAULT, Walter LEBLANC, Bertrand LAVIER, Donovan LE COADOU, Sol LEWITT, Ludovic LINARD, Ana LUPAS, Robert MALAVAL, Enzo MARI, MATTA, Gordon MATTA-CLARK, Mathieu MATÉGOT, Pierre MERCIER, Ohad MEROMI, Joan MIRÓ, Anita MOLINERO, Vera MOLNAR, Jacques MONORY,François MORELLET, Flora MOSCOVICI, Joseph MOTTE, Tania MOURAUD, Serge MOUILLE,  Hans-Walter MÜLLER, Matt MULLICAN, Aurélie NEMOURS, Dennis OPPENHEIM, Bernard PAGÈS, Marta PAN, Verner PANTON, Claudio PARMIGGIANI, Pierre PAULIN, Alexandre PÉRIGOT, Gaetano PESCE :

Gaetano PESCE. Dessin. Etude pour la ville de Strasbourg – Il ponte dell’Unione (…) “Olanda”. CNAP.

Giancarlo PIRETTI, Anne & Patrick POIRIER, Gabriel POMERAND, Daniel POMMEREULLE, Charlotte POSENENSKE, Julien PRÉVIEUX, Danielle QUARANTE, MAN RAY, Jean Pierre RAYNAUD, Martial RAYSSE, Delphine REIST RENÉ-JACQUES, Guy ROTTIER, Mika ROTTENBERG, Guy de ROUGEMONT, Roland SABATIER, Niki de SAINT PHALLE, Jean-Michel SANEJOUAND, Patrick SAYTOUR, Nicolas SCHÖFFER, Allan SEKULA, Ettore SOTTSASS, Daniel SPOERRI, Peter STÄMPFLI, Antoine STINCO, STUDIO 65, SUPERSTUDIO, TAKIS

TAKIS (Panayotis VASSILAKIS, dit),
Signal I, 1968. CNAP.

UNGLEE, Roger TALLON :

Roger TALLON, Module 400, 1965. CNAP.

Hervé TÉLÉMAQUE :

Hervé TÉLÉMAQUE, Le beau Danube, 1987. CNAP.

Jean TINGUELY, Niele TORONI, Tatiana TROUVÉ, Morgane TSCHIEMBER, Richard TUTTLE, Victor VASARELY, Bernar VENET, Claude VIALLAT, Maurice-Claude VIDILI, Jacques VILLEGLÉ, Jean WIDMER, Nancy WILSON-PAJIC, Gil Joseph WOLMAN,
John. M ARMLEDER, Bernard AUBERTIN, Marion BARUCH, Thomas BAYRLE :

Thomas BAYRLE,
Knopfmann (Herr W./braune Version)
Autre titre : N°Archive TB/E 132.
1973. Impression sérigraphique sur carte. CNAP.

Direction artistique :
Keren Detton — Directrice du Frac Grand Large —Hauts-de-France
Géraldine Gourbe — Philosophe et spécialiste de la scène artistique de Los Angeles. Depuis 2015 elle œuvre à une réécriture d’une histoire culturelle de la France des années 1947 à 1981.
Grégory Lang — Commissaire indépendant et producteur, fondateur de Solang Production.
Sophie Warlop — Directrice du LAAC et du musée des Beaux-Arts de Dunkerque.

INFORMATIONS PRATIQUES :
Frac Grand Large — Hauts-de-France
503 avenue des Bancs de Flandres
59140 Dunkerque
www.fracgrandlarge-hdf.fr

LAAC
Lieu d’Art et Action Contemporaine
302 av. des Bordées
59140 DUNKERQUE
www.musees-dunkerque.eu

Des formes en mouvement, des couleurs en formation : Vasarely, le partage des formes

Billet (texte et photographies) de Nicolas Schmidt, Ingénieur de recherche, Institut d’histoire du temps présent. CNRS – Paris 8– UMR 8244.

Exposition au Centre Pompidou, Paris, 6 février – 6 mai 2019.

Plan de l’exposition – Dossier de presse.

Les créations de Victor Vasarely (1906-1997) font appel à un ensemble de disciplines scientifiques, auxquelles, a priori, on ne penserait pas en matière artistique : physique, géométrie, mathématique, médecine, cybernétique, psychologie, astronomie… Outre ses peintures sur toile, ses œuvres en trois dimensions sont réalisées dans divers matériaux, bois, plastique, papier, coton, métal, carton. Toutes tendent à associer tradition et contemporain, mêlent réalisme et abstraction, dans une sorte de mouvement perpétuel. Elles créent des espaces évoquant le minuscule ou l’immense, que l’œil peut saisir par des instruments adéquats, exemple « d’un tissu cellulaire vu au microscope ou d’un espace interstellaire observé à l’aide d’un télescope hyperpuissant (1). »

Vasarely, « GEA 1980-1981 », vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Comme un monde en permanente évolution

Les combinaisons de formes et de couleurs retiennent toute l’attention, demandent du temps pour saisir leur construction, invitent à la rêverie et résultent d’innombrables compositions de toute sorte : « Jeux de permutations, contrastes violents, papillotement de réseaux, vibration de couleurs complémentaires juxtaposées, superpositions de formes presque identiques, double formation convexe (par agrandissement de l’unité carrée de la base) ou concave (par rétrécissement de cette même unité), cercles concentriques aux centres mouvants sont autant de techniques appliquées par Vasarely afin de susciter la sensation du mouvement » (…), selon le désir de l’artiste de « susciter simultanément dans l’œil de chacun un effet et la conscience de sa facticité (2). »

Vasarely, “Zèbres”, 1932-1942, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’exposition montre les évolutions formelles de Vasarely, depuis le Bauhaus des années 1930 jusqu’au Pop art des années 1970, partant de la nature, animaux – zèbres, dont la robe naturelle se prête à l’élaboration d’une esthétique –, galets, polis par des siècles de mouvements de la mer – jusqu’à l’architecture et l’urbanisme un peu partout dans le monde – comme la conception d’établissements techniques, immeubles d’habitation, etc., les couleurs étant des composantes des constructions (et non un simple moyen de décorer ou d’égayer des façades), en passant par la médecine, « du corps et de l’âme », en utilisant régulièrement le « motif du ressort (3) » .

Vasarely, Dessins humoristiques, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).
Vasarely, Dessins humoristiques, cartels, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Logiquement, l’artiste a contribué aux secteurs culturel et artistique – couverture d’ouvrages, pochettes de disque – en passant par l’industrie – sigle des automobiles Renault ; objets utilitaires ou décoratifs…

Vasarely, Couvertures de la collection Tel, Gallimard, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’animation des images

La suggestion du mouvement et le fait de voir l’œuvre dans une temporalité, renvoient bien évidemment au cinéma, des réalisateurs les plus variés n’ayant pas manqué d’utiliser le « style » Vasarely, et plus largement l’art cinétique : c’est avec deux artistes du GRAV (Yvaral et Joël Stein) que « Dès 1964, Clouzot tourne L’Enfer avec Romy Schneider et Serge Reggiani, un film sur la jalousie dans lequel il s’inspire, pour des scènes expérimentales de délire névrotique, de l’univers de l’art cinétique avec des projections et des effets moirés (4). » On sait également que le cinéaste avait eu le projet de tourner un film sur Vasarely, comme il l’avait fait avec Picasso, mais l’artiste n’ayant pas donné suite, c’est avec les mêmes artistes (Yvaral et Joël Stein) que Clouzot reprend ces formes pour La Prisonnière (1968), où un personnage de galeriste et collectionneur, amateur d’objets d’art et de photos érotiques, expose nombre d’œuvres d’artistes versant dans l’abstraction – comme Agam ou Soto, artistes réunis pour l’exposition pionnière « Le Mouvement » en 1955 organisée à la galerie Denise René (5).

“La Prisonnière”, G.H. Clouzot, 1968. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Le film donne l’occasion de parcourir un ensemble indescriptible de colonnes, reflets, labyrinthe, trompe-l’œil, panneaux mobiles, etc., tandis que le maître des lieux semble se faire le porte-parole de Vasarely, quand il prône « l’art cinétique », dit vouloir « démocratiser le produit artistique par l’idée de multiples » et n’hésite pas à revendiquer un « supermarché artistique ».

Cinémathèque Française, Paris – Essais de logos pour le Musée du Cinéma. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Ailleurs, dans une haute tour proche de la Seine, l’appartement parisien d’une actrice de films pornographiques est décoré d’un tableau de Vasarely dans l’entrée, tandis les murs sont occupés par de grandes photos érotiques, dans Peur sur la ville, d’Henri Verneuil (1975). Ou encore, un peintre, dans Les Demoiselles de Rochefort, de Jacques Demy (1967), réalisant des œuvres en tirant au pistolet sur des petites poches remplies de peinture qui vont s’étaler sur une toile (comme le faisait Niki de Saint Phalle), évoluant dans une grande pièce lumineuse portant, outre un Vasarely en noir et blanc, également un mobile de Calder, artiste ayant contribué, entre autres, avec Vasarely à l’animation des formes (6).

Pour sa part, Erotissimo, de Gérard Pirès (1968), moque publicité, érotisme, fiscalité, modernité, contestation, narcissisme, consommation, etc., tout en incluant quelques toiles de type Vasarely, étalant aussi des objets design (lampes et abat-jour, poste de télévision de forme sphérique, sculpture tarabiscotée en métal, etc.) caractéristiques de l’époque.

Le générique du film de Jacques Doniol-Valcroze, Le Viol (1967) se déroule sur un long travelling vers une œuvre de Vasarely, qui se détache progressivement d’une pénombre, sur une musique de Michel Portal. Le tableau – carrés, cercles, losanges, en différentes nuances de rouge notamment – sera revu tout au long du film, huis clos entre une jeune femme et un inconnu qui s’est introduit chez elle, pour des raisons inconnues, et la retient dans son spacieux appartement ; un gros plan sur un cercle au milieu de la peinture clôt une séquence, finissant en surexposition suivie d’un fondu au noir, contribue au trouble général.

Il n’est pas étonnant que l’artiste inspire également Jean-Christophe Averty à la télévision, lequel utilise ses recherches cinétiques pour les décors d’émissions, avec Gilbert Bécaud, Barbara, Charles Trenet, Gérard Manset, Michel Polnareff, dans des décors non signés Vasarely mais reprenant « trait pour trait son langage visuel aux tonalités futuristes (7). » Exemples de Bécaud and Co, 7 avril 1968, 2ème chaîne ou de Quatre temps, 27 décembre 1968, 1ère chaîne, ORTF.

Enfin, dans Le Celluloïd et le Marbre, d’Eric Rohmer (1965), Vasarely, entre autres, est interviewé sur « les apports plastiques décisifs du cinéma aux autres arts ancestraux qu’il qualifie de “muséaux” (8). »

Décor pour l’Opéra Tannhäuser, Opéra de Paris, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt ( DR).

Reproduire à l’infini…

Faites pour être reprises, donnant lieu à réinventions de tous ordres, les œuvres de Vasarely semblent suivre, ou même anticiper cette possibilité de reproduction, par la photographie, qui s’est imposée au XIXe siècle : « L’œuvre d’art reproduite devient, de plus en plus, la reproduction d’une œuvre d’art destinée à être reproduite. Quantité d’épreuves sont par exemple possibles à partir d’une plaque photographique ; la question du tirage authentique n’a aucun sens (9). » Cette thèse se retrouve chez Vasarely, qui avait un moment travaillé dans la publicité :

« Conscient que l’œuvre d’art perd sa qualité d’objet de prestige et n’est plus réservée à une élite de connaisseurs, Vasarely entend concrétiser l’idéal d’une démocratisation totale de l’art, sans hiérarchie entre un original et sa copie ; une utopie qui n’a pu être totalement réalisée, le fétichisme et la valeur marchande de l’original étant restés des moteurs du marché de l’art (10). »

Tout se passe comme si le plasticien avait conçu dès le départ des œuvres faites pour être « autoreproductrices », pouvant être réutilisées par d’autres, servant en quelque sorte de matrice, pour être répétées indéfiniment, selon la volonté de Vasarely d’inscrire ses œuvres en « série », celle-ci héritée de l’artisanat, « non pas la gravure mais la tapisserie », et ayant lui-même réalisé « dès 1950 des motifs pour les ateliers d’Aubusson (11). » Plasticien et graphiste, Vasarely avait conçu un « alphabet plastique » à partir des formes de base, carré, cercle, visant une universalité de langage : manière d’aboutir à une sorte d’ « art social total » ?

VICTOR VASARELY 1953. Photographie de Sabine Weiss, vue de l’exposition, N. Schmidt (DR).

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(1)« Un folklore planétaire », L’Objet d’art, Hors-série, n° 134, février 2019. Vasarely. Le partage des formes. Exposition au Centre Pompidou, p. 49.

(2) Ibid. p. 46-47

(3) « Vasarely avant Vasarely », Ibid. p. 19.

(4)« Multiples et dérivés »,  Ibid. p. 57.

(5) « Les années cinétiques », ibid. p. 32.

(6) « De l’art cinétique à l’op. art »,  Ibid. p. 37.

(7) « Multiples et dérivés », Ibid. p. 57.

(8) Ibid. p. 56 ; guillemets de l’auteur.

(9) Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique [1936] Allia, 2012, p. 29-30.

(10) « Multiples et dérivés », op. cit. p. 55.

(11) Ibid. p. 59.

——————————————————-Références : Liens vers le site Centre Pompidou : – L’événement Vasarely. Présentation générale : – Vasarely – Le partage des formes Bande-annonce, reproduction d’œuvres :

Présentation par les commissaires de l’exposition Michel Gauthier et Arnauld Pierre. Programmation associée.

Décembre 1968 : Michel POLNAREFF interviewe le peintre Victor VASARELY dans son atelier. Source INA.

La dernière exposition rétrospective de Vasarely à Paris, a eu lieu en 1963 au musée des Arts décoratifs Palais du Louvre au Pavillon de Marsan. Source INA. Journal télévisé 13h, 7 avril 1963 – 4’15’’ .

Autres sources INA.

Op’ Art et Pop : en 1969, David Bowie demande à Vasarely de créer la pochette de son nouvel album, Space Oddity :

Pochette de l’album Space Oddity, créée par Vasarely.
Space Oddity.

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Pour en savoir plus : cinq journalistes -critiques évoquent l’exposition :

On repeint L’expo.
(Guy Boyer. Connaissance des arts).

Vasarely, l’expérience intacte au Centre Pompidou. Valérie Duponchelle.

L’héritage décalé de Vasarely. Philippe Dagen.

Exposition : Vasarely, la star des trente glorieuses. Yves Jaeglé.

Claude Parent, un architecte utopique parmi les artistes

L’architecte Claude Parent, qui vient de décéder,  est “connu pour son architecture originale au service de l’imaginaire et de l’utopie, Claude Parent est le créateur de l’architecture oblique. Élu membre de l’Académie des beaux-arts en 2005, au fauteuil de l’architecte Jean Balladur, il raconte d’un humour distancié, son parcours, son engagement passionnel au service de l’architecture et ses rencontres avec les artistes du monde de la peinture et du théâtre. Fernand Léger, Yves Klein, Michel Carrade, Sylvain Dhomme, Polieri, les architectes Nicolas Shöffer, Lionel Mirabaud, le théoricien Paul Virilio et beaucoup d’autres ont nourri ses expériences de créateur.”

Dans une émission proposée par  Marianne Durand-Lacaze, l’Académie a salué en 2008 l’un des siens : Claude Parent, l’architecte de l’oblique , entretien avec l’académicien des beaux-arts  :

Avant l’académisme,  dans les années 1950 et 1960, Claude Parent a en effet été l’acteur d’une époque qui associait dans un même mouvement utopique, sans distinction, artistes peintres, sculpteurs et architectes  : Claude Parent a revendiqué pour sa création l’importance primordiale des rencontres et compagnonnages successifs. Les duos formés avec Ionel Schein, André Bloc, et Paul Virilio en témoignent, marquant l’actualité architecturale et intellectuelle des années 1950 et 1960.

Dès le début des années 1950, il multiplie les collaborations artistiques (Nicolas Schöffer, Yves Klein, Jean Tinguely, André Bloc) et adhère au Groupe Espace créé par André Bloc en 1951 (avec Jean Dewasne, Étienne Béothy, Jean Gorin, Félix Del Marle, Edgard Pillet, Victor Vasarely et Nicolas Schöffer), qui défend une nouvelle synthèse des arts.

De sa rencontre en 1963 avec Paul Virilio naîtra le groupe Architecture Principe (1963 – 68) – dont l’Église Sainte-Bernadette du Banlay (1963 – 66) à Nevers deviendra le projet-manifeste. Paul Virilio et Claude Parent imaginent le concept de « fonction oblique » cherchant ainsi à redéfinir nos espaces de vie en édifiant des bâtiments perturbateurs, aux sols et aux murs inclinés. L’expérimentation est son champ d’investigation permanent. Des bâtiments faits de rampes, de pentes, d’angles, privés d’ameublement – l’espace lui-même est censé déterminer la surface. Des concepts tels que « mur », « sol », « au dessus », « en dessous » sont écartés de leur signification première. Les relations sociales sont dynamisées par l’oblique et par une compréhension de l’espace pleine de spiritualité.

A la fin des années 1950, il mène une collaboration pionnière et intense avec l’artiste Yves Klein :

Au printemps 1959, Yves Klein travaille avec l’architecte Claude Parent sur son projet de Fontaines d’eau et de feu ; il dessine un projet de sculpture aéromagnétique. L’architecte Claude Parent évoque le projet des fontaines de feu dont Klein souhaitait doter les jardins du palais de Chaillot : « Ce qui intéressait Klein au maximum c’était la rencontre de l’eau et du feu avec le dégagement des fumées produites qui flattait certainement le goût wagnérien du théâtre qu’il avait. Il m’avait demandé de travailler aux fontaines de Varsovie devant le palais de Chaillot. Avec ce principe de l’eau et du feu de la rencontre d’un peu d’eau frappée diagonalement à son sommet par un jet de flamme qui dégage à ce moment-là une vapeur d’eau, une fumée dans l’atmosphère ». À travers son délire créatif, Klein avait su conférer un mythe à son personnage, celui du vide. En échange d’une « zone de sensibilité picturale et immatérielle », il exigeait suivant les dimensions de son œuvre entre un kilogramme et quelques grammes d’or fin, et dans son journal du vide, il écrivait, « Le territoire doit ressembler aux yeux de l’espace ». Actualités cinématographiques de Gaumont-Pathé « Yves Klein, quatrième dan », 3 mns 38 s, 1969.

Ainsi, Claude Parent a participé à l’exposition pionnière organisée par François Mathey, au musée des Arts décoratifs à Paris : l’exposition Antagonismes II, l’Objet, au printemps 1962 : elle associait aussi bien des peintres et sculpteurs, que des architectes : Michel Ragon, critique d’art, a salué la maquette d’un théâtre à scènes multiples d’AGAM réalisée avec l’aide de Claude Parent, mais aussi, la création d’Yves Klein présentée au sein de l’exposition : un panneau documentaire, présentant  ” l’architecture de l’air » et « la climatisation de l’atmosphère à la surface de notre globe ». Le panneau était composé d’esquisses d’architecture immatérielle, faites par l’architecte.

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Michel Ragon a écrit sur Parent une monographie critique d’un architecte.

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A la demande de Michel Ragon, en 1963, Claude Parent expose à la galerie Anderson-Mayer, aux côtés de Gilioli, Chavignier, Kowalski, Niemeyer, Gaudi, André Bloc, Claude Parent, Jacques Polieri, Alain Bourbonnais, Labourdette, Stahly, di Tinea, Schöffer, Szekely, Ionel Schein.

L’Espace de l’Art Concret à Mouans-Sartoux a consacré une exposition sur la collaboration entre l’architecte Claude Parent et l’artiste Yves Klein, du 31 mars au 25 août 2013 : YVES KLEIN / CLAUDE PARENT À MOUANS—SARTOUX.

Claude Parent a prolongé cette collaboration unique avec Yves Klein avec un projet de monument qui vise, selon ses termes, « à une interprétation architecturale de la pensée d’Yves Klein dans ce qu’elle propose de plus fondamental ».

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Claude Parent/Mémorial Yves Klein, 1964 -1965/Maquette Bois 40 x 49.5 x 49.5 cm, inv. 008 59 01, Collection FRAC Centre.

 

Philippe Hiquily, un sculpteur “baroque” presque oublié

Né en 1925, à Montmartre, décédé en 2013, Philippe Hiquily n’a pas cessé de créer durant les  années 1950 à 1960, il appartient alors à la même génération de sculpteurs en vogue, comme César et Arman, mais sa carrière s’infléchit vers 1965. Il n’a jamais souhaité intégrer un quelconque mouvement d’artistes comme les Nouveaux Réalistes : http://www.hiquily.com/fr/biographie?PHPSESSID=pa02isoe9o88c93b7bpuiuj0n5

Ses sculptures girouettes monumentales  http://culturebox.francetvinfo.fr/expositions/sculpture/le-sculpteur-philippe-hiquily-est-mort-134071

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font l’objet d’une exposition- vente, en cours au Donjon de Vez jusqu’au 14 septembre 2014 :

affiche_vezPhilippe Hiquily, Girouettes (Marbella-Shanghaï),1963/2010, acier, 3,5m. © Bruno Simon courtesy Artcurial.

Ses œuvres proches au début de celles de Germaine Richier, sont d’inspiration fantastique, onirique, et qualifiées en 1962 de baroques :  http://www.hiquily.com/fr/oeuvres

Pour une liste de ses expositions personnelles, voir : http://www.hiquily.com/en/expositions?PHPSESSID=pa02isoe9o88c93b7bpuiuj0n5

Le musée des Arts décoratifs à Paris met en valeur actuellement l’une de ses créations datant de 1960, un guéridon au cristal de roche : Linda Pinto propose un « piano-bar  à vin » avec un guéridon Onirique en laiton doré et cristal de roche créé à la fin des années 60 par Philippe Hiquily. Les claviers, que l’on retrouve d’un côté et de l’autre du guéridon, et son centre faisant office de « bar » projettent le visiteur dans une ambiance « jazzy » : http://galeriecaroledecombe.com/2014/08/19/ad-au-musee-des-arts-decoratifs/

997-81gueridon hiquily

 

 

 

 

 

 

 

Philippe Hiquily a créé au cours des années 1960 d’autres objets- sculptures comme ce plafonnier exposé en 1962 au musée des Arts décoratifs :

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Feuille de laiton martelée, 48 cm x 100 cm. Edition limitée à 8 exemplaires + 4 E.A., signés et numérotés, Edition suivant un modèle original de 1960 Ancienne Collection de la Galerie du Dragon : http://www.jmlelouch.com/268/

(l’exposition Antagonisme II l’Objet, mars 1962 ), a réuni de très nombreux artistes qui ont proposé près de 500 objets : sculpture, peinture, dessin, bijoux d’artistes, meubles, mobilier, lampe, luminaires, architecture, céramique, tapis, tapisserie, vitrail (commissariat François Mathey et Yolande Amic): http://www.librairiedesarchives.com/Antagonismes-2-L-Objet.html

Yolande Amic, 1962Yolande Amic, au milieu des “objets” de l’exposition, 1962 (INA)

Dans cette exposition, Philippe Hiquily figure auprès de : Henri-Georges Adam, Yaacov Agam, Kosta Alex, Constantin Andréou, Willy Anthoons, Jean Hans Arp, Helen Ashbee, François Baschet, Frédéric Benrath, Harry Bertoia, André Bloc, Hans Bischoffshausen, Bocian, Martine Boileau, André Borderie, Marc Boussac, René Brault dit Bro, James Brown, Nino Calos, Alexander Calder, Agustin Cardenas, Carlos, Léonora Carrington, César Baldaccini dit César, Gaston Chaissac, Jean-Claude Champagnat, Louis Chavignier, Jean-Marie Chourgnoz, Jean Cocteau, Christo Coetzee, Gio Colucci, Pietro Consagra, William N. Copley, Costas Coulentianos, Michel Courcelle, Harold Cousins, Vincent de Crozals, Gérard Cyne, Olivier Debré, Jacques Delahaye, Jean Dubuffet, Nadine Effront, Max Ernst, Claire Falkenstein, Jean Filhos, Lucio Fontana, Günter Fruhtrunk, André Gaillard, Frans de Geetere, Michel Genier, Piotr Kowalski, Philippe Muel, Alberto & Diego Giacometti, Marcel Gili, Émile Gilioli, Roseline Granet, Juan Gris, Julio Gonzales, Michel Guino, Brion Gysin, Shamal Haber, Étienne Hajdu, Davos Hanich, Pierre Héricher dit Herry, George Him & Jean Le Witt, Paul van Hoeydonck, Ping Ming Hsiung, Jean Ipousteguy, Robert Jacobsen, Marcel Jean, Paul Jenkins, Élisabeth Joulia, Iaroslav-Jean Kapera, Alain de la Bourdonnaye, Norbert Kricke, Berto Lardera, Guy Lartigue, Henri Laurens, Le Corbusier, Adrien Liegme, Frank J. Malina, Michel Mangematin & Roger Bruny, Marie-Laure, Étienne-Martin, Georges Mathieu, Janine Matthey, Roberto Echaurren Matta, Brigitte Meier-Denninghoff, Claude Mercier, Jean Messagier, James Metcalf, Meylan, Luiza Miller, Richard Mortensen, Alicia Moï, Isamu Noguchi, Alexandre Noll, Meret Oppenheim, Joan Pala, Martha Pan, Georges Patrix, Alicia Penalba, Charlotte Perriand, Philolaos, Pablo Picasso, Édouard Pignon, Edgar Pillet, Marie-Thérèse Pinto, Marc du Plantier, Henri Plisson, Gio Pomodoro, Arnaldo Pomodoro, Antoine Poncet, Man Ray, Germaine Richier, Larry Rivers, Suzanne Rodillon, Félix Roulin, Saint-Maur, Valentine Schlegel, Nicolas Schöffer, Signori, Adam Sjohölm, Yerassimos Sklavos, K.R.H. Sönderborg, Ettore Sottsass, François Stahly, Pierre Szekely, Antoni Starczewski, Vassilakis Takis, Yves Tanguy, Dorothea Tanning, Torun Bulow-Hube, Marino di Teana, Paolo Vallorz, Victor Vasarely, Raymond Veysset, André Vigneau, Claude Viseux, Jean Weinbaum, Ossip Zadkine…).

On retrouve dans les catalogues de vente des objets exposés en 1962 au musée des Arts décoratifs, une occasion de redécouvrir des créateurs comme Michel Mangematin (né en 1928) :  une grande table basse ovale, circa 1962, piètement tripode en bronze :

mangematin