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La révolution Miró : encore et toujours un autre.

Invitation à l’exposition Miro au Grand Palais en 1974.

Le Grand Palais n’avait pas consacré d’exposition rétrospective à Miró depuis 1974. Un documentaire espagnol le dépeint alors comme un peintre poétique, naïf, surréaliste, aux signes énigmatiques.

L’exposition de 1974 en images.

Depuis le 3 octobre 2018 l’exposition Miró au Grand Palais attire des milliers de visiteurs chaque jour. Entre toiles, dessins, sculptures et céramiques accompagnées de poésies, l’exposition propose 150 chefs-d’œuvre de l’artiste catalan né en 1893, décédé en 1983.

Affiche exposition Miró, 2018.

Chaque période d’exposition a sa vision du peintre :

Après Jean Leymarie en 1974, c’est Jean-Louis Prat, commissaire de l’exposition et ami du peintre, qui rend hommage à 70 ans de création.

Entre 1974 et 2018, le Centre Pompidou lui avait consacré une exposition en 1999 au Capc à Bordeaux et une exposition en 2004 à Paris (240 oeuvres – dont 120 peintures).

Au-delà de la «peinture-poésie» ou de la « peinture de rêve » par lesquelles l’œuvre de Miró a été longtemps exclusivement désignée, apparaît ainsi une peinture « primordiale », une peinture à l’aube de la peinture, se cherchant elle-même dans une liberté absolue, qui sera donnée à apprécier. (Commissaire :  Agnès de la Beaumelle), 2004.

Pour Jean-Louis Prat, en 2018 :« A travers la peinture, le dessin, la céramique et la sculpture, Miró a inventé un nouveau monde. Cette exposition permet de le suivre tout au long de sa vie marquée par une création ininterrompue, en constant renouvellement ».

« Pour moi, disait Miró, conquérir ma liberté, c’est conquérir la simplicité. Alors, à la limite, une ligne, une couleur suffisent à faire le tableau. » (Pierre Bourcier, « Miró au coeur de la joie », Les Nouvelles Littéraires, 1968).

Le carnaval d’Arlequin, 1924.
Portrait de paysan catalan, 1924.

Coups tirés, trous coupés, patchs collés : l’assassinat du support : De très réels petits trous, de la taille d’une tête d’épingle, visibles seulement à la loupe, constellaient déjà subrepticement la surface solaire de Tête de paysan catalan [1924) et entamaient l’intégrité de la toile .

Dès les années 1920, se traduit dans ses œuvres, le mot d’ordre par lequel Miró s’est rendu fameux, et qui avait des résonances profondes en lui : assassiner la peinture.

Photo : ceci est la couleur de mes rêves, 1925.

C’est cette fois le rebelle, engagé dans les combats de son temps et de son pays, qui est clairement mis en avant.

Projet d’affiche Aidez l’Espagne, 1937.

Si l’engagement de Miró aux côtés des républicains espagnols est connu, l’exposition souligne qu’il s’est également intéressé  aux mouvements politiques et culturels de son époque : il suit avec intérêt les évènements de mai 68 à Paris où il séjourne alors. Il se lie avec les mouvements étudiants et artistiques catalans qui manifestent contre le franquisme en mai 68.

Joan Miró. Mai 68. 1968–73.
© Succession Miró/ADAGP, Paris et DACS, Londres 2011.

Il ne participera à l’inauguration officielle de sa première exposition rétrospective voulue par les  autorités espagnoles à Barcelone en 1968, comme le rappelle le DVD qui accompagne l’ exposition,  Joan MIRÓ, le feu intérieur (extraits). Ce film documentaire relate l’histoire du peintre et de ses oeuvres, en donnant une grande place aux témoignages, notamment celui de son petit-fils en charge de la gestion de son œuvre, de Josep Royo avec qui il a créé des tapisseries, des héritiers de son galeriste Aimé Maeght, et de Josep Llorens Artigas avec qui il réalisa ses céramiques. 

Affiche de l’exposition Miró en 1968, sur les Ramblas, à Barcelone.
Vue de l’exposition Miró, Barcelone, 1968.

La dernière  phase de sa création, de 1969 à 1983, reflète les nouvelles recherches qu’il mène sur les matériaux, les supports, et ses préoccupations.


Miró, Oiseaux proie fonçant sur nos ombres.  1970. Huile sur peau (vache).

L’espoir du condamné à mort, 1974.
 a achevé ce tableau le jour de l’exécution par garrot du militant catalan Salvador Puig Antich.

Plusieurs de ses oeuvres ne peuvent toutefois plus être contemplées : la première a été perdue, la deuxième effacée par l’artiste, la troisième détruite lors des attentats du 11 septembre 2001.

-La première a été créée à Paris pour le pavillon de la république espagnole à l’exposition universelle de 1937  : en avril 1937, le gouvernement espagnol commande à Miró une décoration destinée au pavillon de la République espagnole conçu pour l’Exposition universelle qui se tient à Paris du 25 mai au 25 novembre 1937. Il réalise un grand panneau mural de sept mètres de haut représentant un paysan espagnol en révolte, El Segador [Le Faucheur], qui fait face à la toile monumentale de Picasso, Guernica.

Déplacée à Valence après l’exposition, cette oeuvre ne sera jamais retrouvée, sans doute détruite par les franquistes, à la différence du Guernica de Picasso qui participait à une exposition temporaire aux USA en 1939 et qui a ainsi été mis à l’abri à New York.

Miró créant Le Faucheur, 1937.

Du Faucheur subsistent quelques photographies en noir et blanc qui ont servi  à reproduire l’œuvre originale évoquée par la Galeria Mayoral, à l’occasion de l’exposition intitulée « Artistes revolucionaris », en 2017 à Londres, commémorant le 80e anniversaire du Pavillon de la République  espagnole de 1937 à Paris.

Pavillon de la République espagnole de 1937 à Paris. Réalisation de la copie du Faucheur.
La photographie de l’oeuvre reconstituée, en noir et blanc.

-La deuxième œuvre, c’est Miró lui même qui l’a effacée à Barcelone en 1969 après  l’avoir créée sur une surface vitrée du rez-de-chaussée de l’École technique supérieure d’architecture de Barcelone, située en dessous d’une fresque de Picasso.

Miró  ne souhaitait pas réaliser une performance. Il s’agit d’une œuvre collective éphémère, produite par Miró en collaboration avec les jeunes architectes du Studio PER entre le 26 et le 28 avril 1969 et détruite le 30 juin de la même année.

Joan Miró a raconté à Georges Raillard cette période de création (Georges Raillard, Miró. Ceci est la couleur de mes rêves, Paris, 1977).

L’action découle de l’invitation du bureau d’architecture Studio PER à participer à l’exposition Miró otro, ( « l’autre Miró ») organisée par le COAC et conçue par lui. Miró otro, qui défend les aspects les plus transgressifs de son travail, finit par devenir une contre-exposition à la grande rétrospective très officielle consacrée à l’artiste qui avait été inaugurée à l’hôpital Antic de la Santa Creu à la fin de 1968.

Sur proposition de Miró, les architectes ont préparé les surfaces vitrées en peignant un fond avec les couleurs jaune, rouge, bleu et vert, accompagné de messages en catalan en faveur de la liberté de la Catalogne. Miró a ensuite terminé la peinture murale avec de la peinture noire : Ce qui m’intéressait, c’était le geste immédiat, sur un fond préparé à l’avance avec des messages en catalan en faveur de la liberté de la Catalogne.

La peinture murale faisait 44 mètres de long, la surface peinte environ 70 mètres carrés. Le 30 juin 1969, Miró a effacé la peinture murale à midi 30 juin 1969, à l’aide d’un balai et d’un solvant. Le cinéaste Pere Portabella et le photographe Colita ont documenté l’exécution et l’effacement de la peinture murale, suivis de près par la presse de l’époque.

Miró a ensuite fait don aux architectes du studio PER qui avaient participé à l’action, le croquis de la peinture murale dédicacé par l’artiste. A l’occasion du 40e anniversaire de la Fundació Joan Miró, ces architectes ont officialisé la donation de ce dessin à la fondation. Le croquis a été exposé à la Fondation Miró dans le cadre de l’exposition Joan Miró. 1956-1983. Sentiment, émotion, geste (2006-2007) et à l’exposition Joan Miró. L’échelle de l’évasion (2011-2012) À la Tate Modern de Londres.

Miró  disait : « Ma peinture ce n’est pas du tout un journal secret. C’est une force d’attaque qui s’extériorise ».  Georges Raillard.

Collège d’architecture de Catalogne, 1969, vue de la fresque de Picasso et de la peinture murale de Miró.
Miró achevant la peinture murale, 1969.
Miró effaçant sa peinture, 1969.

-La troisième œuvre  disparue est une tapisserie monumentale détruite le 11 septembre 2001 à New York : La « WTC Tapestry » (1974) de Joan Miró et Josep Royo, située dans le hall de la Tour Sud. C’était une tapisserie de six mètres sur dix, un mélange de laine et de chanvre.

WTC Tapestry (1974).

Célébré par l’Espagne d’après le franquisme, il restera en contact avec les jeunes artistes catalans :  Miró va peindre des costumes et des marionnettes, pour une pièce qui s’inspire d’Ubu roi d’Alfred Jarry, Mori el Mermaréalisée par la Compagnie catalane du Théâtre La Claca.

Mori el Merma a été créé en 1978 par Joan Baixas et Teresa Calafell au Teatre Principal de Palma, puis joué au Gran Teatre del Liceu de Barcelone.

Ce spectacle sera aussi présenté en 1978 au Festival d’Automne à Paris, en lien avec l’exposition que le Centre Pompidou  a consacré à ses dessins (21 septembre 1978 – 22 janvier 1979), (Commissaires du MNAM, Pierre Georgel, Isabelle Fontaine).

Vues du spectacle Mori el Merma, Archives du festival d’Automne, 1978.

Dans la dernière partie de sa vie, le peintre catalan suit de nouveaux chemins : le feu qui vient détruire ses Toiles brûlées, ses dessins d’immenses signes graphiques. Miró trempe ses doigts dans la couleur, peint avec ses poings, marche sur sa toile.

Pour Miró, il s’agit là d’un nouvel  assassinat de la peinture, à 80 ans.

Joan Miró, Toile brûlée, 1973, acrylique sur toile, déchirée et brûlée ensuite, 130× 195 cm, fondation Joan Miró, Barcelone.

-Sur la pratique de l’effacement par les artistes : Maurice Fréchuret, Effacer – Paradoxe d’un geste artistique, Les presses du réel, 2016.

-Sur Miró : Rémi Labrusse, Miró.Un feu dans les ruines, Nouvelle édition 2018.

« Once in a lifetime !  » : Matisse et Malevitch à la Tate Modern

« Once in a lifetime » :  c’est le même slogan qu’emploie la Tate Modern www.tate.org.uk, pour vanter ses deux expositions en cours :

– celle sur les papiers découpés de Matisse jusqu’au 7 septembre : http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/henri-matisse-cut-outs

Vincent Noce dans son article :http://next.liberation.fr/arts/2014/08/25/matisse-decoupes-de-genie_1086747, fait allusion à la chapelle de Vence dont la décoration a été commanditée à Matisse par les dominicains. Le père dominicain Marie-Alain Couturier écrivait à ce propos :

« L’admirable vieillesse des très grands peintres. Souvent ce qu’il y a de plus pur chez un être apparaît à la faveur de certaines déchéances et de l’usure due à l’âge. La main tremble, ne fait plus que l’essentiel. Tout le reste tombe. » in Marie-Alain Couturier, Se garder libre : Journal (1947-1954),  éditions du Cerf, 1962.

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Nuit de Noel», par Henri Matisse, exposé à la Tate Modern de Londres, en avril 2014.(Photo Luke MacGregor. Reuters).

et celle consacrée à Malevitch http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/malevich, jusqu’au 26 octobre prochain.

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C’est l’occasion de rappeler deux expositions pionnières à Paris :

– celle organisée en 1961 par François Mathey : Henri Matisse : Les grandes gouaches découpées, mars-mai 1961, au musée des arts décoratifs, Paris :http://musearti.hypotheses.org/?p=2897

http://musearti.hypotheses.org/?p=858

–  et celle consacrée aux artistes de l’avant garde russe figurant dans la Collection Costakis au musée Maillol (http://www.museemaillol.com/)  en 2008-2009 : http://www.lexpress.fr/culture/art-plastique/l-avant-garde-russe-dans-la-collection-costakis_710555.html

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Qui peut remplacer Kenneth Clark sur la BBC ?

Kenneth Clark,  a présenté une émission d’histoire de l’art sur la BBC  diffusée en 1969 et intitulée Civilisation.

220px-Civilisation_cover 200px-Civilisation-Skin_of_Our_TeethLa BBC entend renouveler l’expérience mais qui à qui recourir pour présenter l’émission aujourd’hui ? La revue Apollo nous fait part de la liste des pressenti(e)s :des présentateurs vedettes critiques de télévision comme Andrew Graham – Dixon, http://www.andrewgrahamdixon.com/ ou bien des historiens de l’art comme James Fox , http://www.hoart.cam.ac.uk/people/jf283@cam.ac.uk ; ou des directeurs de musées comme Neil MacGregor (du British Museum , qui a présenté Une histoire du monde en 100 objets pour Radio 4 :  http://www.bbc.co.uk/programmes/b00nrtd2) ou bien Nicholas Penny (de la National Galleryhttp://www.nationalgallery.org.uk/about-us/organisation/director/). La vraie question semble être ailleurs : le même format d’émissions peut-il aujourd’hui trouver son public ?  L’on déplore le manque de pédagogues enseignants dans les domaines de  l’éducation artistique et de l’histoire de l’art, universitaires ou conservateurs et personnels des musées, susceptibles de transmettre leurs connaissances au public, au Royaume-Uni comme à l’étranger. La télévision a également son rôle à jouer comme le rappelle la revue : http://www.apollo-magazine.com/civilisation-2-0-replace-kenneth-clark/

Voir l’exposition que consacre la Tate modern à Kenneth Clark : Kenneth Clark – Looking for Civilisation : www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/kenneth-clark-looking-civilisation

L’artiste et le musée du mois. Henri Matisse : Les grandes gouaches découpées, mars-mai 1961, au musée des arts décoratifs, Paris

Les papiers découpés de Matisse sont une nouvelle fois à l’honneur pour une exposition qui se tient cette fois-ci à Londres, à la Tate Modern : http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/henri-matisse-cut-outs

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Henri Matisse L’escargot, 1953 © Succession H. Matisse / DACS 2014

Le commissaire de l’exposition Nicholas Serota : http://www.tate.org.uk/context-comment/blogs/nicholas-serota-on-magic-matisse

Difficile de résister à la mise en valeur ici de la première exposition consacrée à Paris aux travaux du peintre en 1961, à l’initiative de François Mathey qui monte avec Mme Amic, la plus belle et la plus complète des expositions parisiennes sur ce thème, dixit Pierre Schneider, grand expert en ce domaine.

Le petit catalogue réalisé à cette époque (sur la demande de Marguerite Duthuit) par Fernand Mourlot n’en jette pas plein la vue mais garde trace de cet éblouissement :  » Mourlot sera fier, je crois, de ce petit album charmant, précis, sans sécheresse » écrit Mathey. Mourlot reproduit également pour l’affiche  Le danseur rouge. (Sur cette œuvre voir : http://www.christies.com/lotfinder/drawings-watercolors/henri-matisse-le-danseur-5157379-details.aspx )

d5157379lMatisse avait réussi à déplaire pourtant aux plus conservateurs et même à ses amis qui doutaient de la force de ces derniers travaux. Christian Zervos écrit dans Cahiers d’Art en 1949 :
« Est-il besoin de dire qu’on ne saurait faire aucun cas de ces papiers découpés qui constituent, avec les tentures décoratives, la grande affaire de l’exposition Matisse ? Pour mon compte, ils sont totalement négligeables et d’un mauvais voisinage à l’égard des tableaux. Ce qui rend de telles occupations inacceptables, c’est non seulement qu’elles ne touchent à aucune des initiatives esthétiques de Matisse, ne laissent d’en soupçonner de la tournure de son imagination ne mettent en lumière aucun de ses soucis des questions de fond, mais qu’elles nous laissent indifférents quand elles ne nous peinent de voir l’artiste trahi par son pouvoir de discrimination bien plus que par son talent. […] il était libre de se prendre d’affection pour eux. Mais, dès l’instant où il les propose à l’attention des visiteurs d’une exposition et les force, en quelque sorte, à prendre intérêt, on est en droit de trouver à redire. Je sais qu’il y a un moment où les plus vertes vieillesses ont peine à ne pas tourner à l’attendrissement pour tout ce qui sort de leurs mains ; il est néanmoins difficile de concéder à un artiste de la classe de Matisse de laisser aller son esprit sur n’importe quelle pente. Si entière que soit la confiance du créateur en ses moyens et quelque inépuisable que soit sa fertilité de ressources, il ne pourra jamais convertir en productions fortes des jeux qu’aucun coup de talent ne saurait élever au niveau de l’art ».

Le MNAM avait hésité à acheter puis avait négocié le prix le meilleur après que le musée d’Amsterdam (W. Sandberg) ou celui de Copenhague, aient exposé les gouaches et procédé aux acquisitions les plus belles qui s’imposaient. Enfin, en 1961, la critique est unanime et Michel Ragon écrit : « La plus jeune, la plus fraîche, la plus audacieuse et la plus parfaite exposition actuelle se trouve au Musée des Arts décoratifs, pour tout le printemps jusqu’au mois de mai ».

Elle se déroule du 22 mars au 15 mai 1961 et reçoit 10 708 visiteurs payants. Cela est bien sûr sans commune mesure avec l’exposition du centenaire de Matisse dont Pierre Schneider est le commissaire général, et qui reçoit (près de dix ans plus tard) 347 000 visiteurs au Grand Palais sur une période certes plus longue, d’avril à septembre 1970. En 1961, seul le public « averti » est venu. Michel Laclotte note le caractère exceptionnel de l’exposition (la présentation d’ensemble a été un éblouissement absolu). Pour Pierre Schneider, l’exposition fait date et inspire notamment les peintres américains résidant à Paris.

Un jeune témoin, prénommé Vincent, raconte : « Mercredi 22 mars 1961. Inauguration des gouaches découpées de Matisse. Le musée était à peu près vide quand nous sommes arrivés mais l’oeuvre en elle-même valait bien la petite heure que nous lui avons consacrée. Quand je dis qu’elle « valait bien » cela, j’ai l’air de faire une politesse, voire une concession ; c’est faux. Car c’est bien d’admiration qu’il s’agit, la joie du peintre survit dans l‘allégresse de la satisfaction que l’on a à faire danser ses yeux dans le rythme fort et admirable des taches de couleur ».

Sur l’exposition londonienne voir l’article d’Emma Crichton-Miller dans le numéro d’avril de la revue Apollo : http://www.apollo-magazine.com/matisse-april-apollo/

L’oeuvre d’art dans les musées : Please do not touch the objects !

Un intéressant article paru dans la revue Apollo de « Assistant Curator of Sculpture  au Victoria et Albert museum », intitulé Museum Etiquette: are there manners in museums anymore ? : http://www.apollo-magazine.com/museum-etiquette/

‘Please do not touch the objects. Please do not climb, poke, lick, draw on, or drape yourself around the objects. Please ?’ In museums and galleries around the globe, attendants and curators face a daily battle to protect their collections and displays from the wandering hands – and other body parts – of visitors. While trying to keep galleries accessible, friendly and interesting, we also have an imperative to protect and preserve. We encourage school groups, families, tourists and coach parties into our carefully-curated halls, and try to keep our screams internalised when we spot a six-year-old scaling the heights of a plinth, or a class of 16-year-olds shoving one another next to a glass case. Case in point: a nine-year-old girl climbs over a £6 million Donald Judd sculpture in the Tate Modern – her parents claim that she’s ‘anti-establishment’. At the other end of the damage spectrum, a Floridian artist deliberately smashes an Ai Weiwei vase in the Pérez Art Museum Miami – as a protest against the lack of local art on display. One wouldn’t wish to be accused of hysterical pearl-clutching, but it’s difficult not to wonder: are there manners in museums any more ?


Dans les musées et les galeries à travers le monde, les gardiens et les conservateurs sont confrontés à un combat quotidien pour protéger leurs collections et les objets de leurs expositions, des mains baladeuses – et d’autres parties du corps – des visiteurs . Tout en essayant de garder les musées accessibles, conviviaux et intéressants , il est impératif pour nous de les protéger et de les préserver. Les groupes scolaires, les familles, les touristes et les cars de touristes sont encouragés à visiter les salles des expositions et les responsables des musées ne saisissent pas les commissariats lorsqu’ils aperçoivent un enfant de six  ans escaladant les hauteurs d’un socle, ou un élève de 16 ans poussant un de ses camarades contre une vitrine. Exemple: une fillette de neuf ans, grimpe sur un « Donald Judd« , une sculpture de 6,000,000 £ à la Tate Modern -http://www.tate.org.uk/visit/tate-modern- ses parents affirment qu’elle est « anti-establishment ». À l’autre extrémité du spectre, un artiste de Floride fracasse délibérément un vase de Ai Weiwei dans le Pérez Miami Art Museum – http://www.pamm.org/- pour protester contre l’absence d’art local exposé en ce lieu. Difficile de ne pas se poser la question : N’y -a- t-il plus de manières  dans les musées aujourd’hui ?

Sur le fond, cette conservatrice a raison : les objets sacrés que sont les œuvres d’art dans les musées ( surtout un « Donald Judd« , de 6,000,000 £ à la Tate Modern« ) doivent être respectés et un vase ne doit pas être pris en otage pour défendre l’art local où qu’il soit. Face à cela, le prix de ces œuvres peut étonner et l’art dans les musées est parfois déconnecté de certaines réalités : il perd  sa capacité à contester, à remettre en cause, à interroger le monde, dès lors qu’il devient à son tour un objet précieux, sacré, intouchable, mais réduit paradoxalement à sa seule valeur monétaire.

WEB-AN36375334A-child-clambFury: the parents were said to be encouraging their children to climb the $10m sculpture, witnesses said (Picture: @TheodoreArt)

http://www.standard.co.uk/news/london/our-nineyearold-was-just-being-antiestablishment-say-parents-of-girl-who-climbed-on-10m-tate-modern-sculpture-9098440.html

Florida Man Deliberately Smashes $1M Vase by Chinese Artist Ai Weiwei

Ai Weiwei vase worth $1m broken in local artist protest. ai_weiwei_urn_0218

Chinese artist Ai Weiwei’s « Colored Vases » are shown at the Perez Art Museum Miami, Florida in this Dec. 3, 2013 photoZachary Fagenson—Reuters