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Un musée au parcours clair et fluide : deux expositions temporaires et une installation au musée Guimet

 

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Guimet est un musée au parcours clair, fluide, sans ces barrières brutales, qui se dressent en général entre les espaces consacrés aux expositions temporaires et le domaine réservé aux collections permanentes : ici, les expositions vous conduisent tout naturellement à visiter l’ensemble des collections présentées.

Des œuvres contemporaines sont en outre mêlées aux présentations des collections anciennes, juste signalées par un caraco bleu, de ce bleu caractéristique du logo du musée.

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La répartition des œuvres suit un découpage par zone géographique. Dans ce domaine des arts asiatiques, tous les modes d’expression sont confondus, exposés ensemble : sculptures, tapisseries, textiles, dessins, estampes, céramiques et  maquettes d’architectures.

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Clair, aéré, calme, c’est véritablement une scénographie agréable aux lumières douces, que ce musée propose.

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Guimet lui même est présent, dans la rotonde bibliothèque consacrée aux expositions d’arts graphiques, où quelques statues voisinent avec les livres anciens.

S’achève bientôt l’exposition de photographies d’Araki Figure incontournable de la photographie contemporaine japonaise, Nobuyoshi Araki est connu mondialement : « Un choix très important sera extrait des milliers de photographies que l’artiste a réalisées de 1965 à 2016, depuis l’une de ses séries les plus anciennes intitulée Théâtre de l’amour en 1965 jusqu’à des oeuvres inédites, dont sa dernière création de 2015 réalisée spécifiquement pour le musée sous le titre Tokyo-Tombeau. Après une première découverte de la presque totalité des livres conçus par Araki suivie d’une introduction aux grandes thématiques de son oeuvre – les fleurs, la photographie comme récit autobiographique, sa relation avec son épouse Yoko, l’érotisme, le désir, mais aussi l’évocation de la mort -, l’exposition évoquera son studio, laboratoire d’idées. […] À mi-parcours de l’exposition, le visiteur s’introduit dans l’atelier d’Araki et découvre la démesure de sa production photographique, mise en regard d’oeuvres issues des collections du MNAAG : estampes, photographies et livres anciens, illustrant les liens que l’artiste a entretenus avec la permanence d’une inspiration japonaise ».

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Les pêcheuses d’abalones, Kitagawa Utamaro (1753-1806), vers 1797-1798, Ancienne collection Louis Gonse, MA 1582 (C) RMN-Grand Palais (musée Guimet, Paris) / Thierry Ollivier.

 

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Dans la rotonde, l‘installation en bambou de Shouchiku Tanabe ( Carte Blanche jusqu’au 19 septembre), s’accompagne d’une vidéo le montrant au travail.

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A venir, une exposition de miniatures indiennes qui regroupera près de 70 oeuvres choisies parmi les plus belles pages du musée national des arts asiatiques – Guimet.

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Stahly, braderie, expos à Ratilly

« François Stahly, né le 8 mars 1911 à Constance (Allemagne) et mort le 2 juillet 2006 à Meudon, est un sculpteur appartenant à la nouvelle École de Paris » nous dit Internet. C’est aussi un grand ami de la famille Pierlot pour qui il a notamment créé une sculpture qui est installée dans la cour du château de Ratilly où ce week-end il y avait à la fois une braderie et deux expositions en une. En voici quelques témoignages photographiques. Sur le site touristique de Guédélon à peu de kilomètres de là, se construit un château d’aujourd’hui,  avec les mêmes pierres que celles utilisées pour Ratilly :

69c98c53ed7b260c17118874539b147c8072e3c23d1ab2fe92fad34f21732fb4 François Mathey a bien sûr été le premier à consacrer à Stahly une rétrospective dans un musée parisien en 1966, il a également exposé les tapisseries conçues et réalisées avec son épouse Claude Stahly : Stahly-Paris66g

 Le numéro  N°884 de la Bibliothèque de Travail consacre à François Stahly Sculpteur un reportage illustré par les photographies de l’exposition de 1966.collectif-collectif-bt-bibliotheque-de-travail-n-884-francois-stahly-sculpteur-livre-862054414_ML

Mathey est resté un ami proche : il a préfacé son catalogue pour l’exposition de 1980 (Exposition du Museum am Ostwall de Dortmunt, Engen Thiemann, François Mathey, Dortmund, 1980 ), et celui pour l’exposition de 1987 à Constance : http://www.academie-des-beaux-arts.fr/membres/actuel/sculpture/Stahly/fiche.htm

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Gobelins par Nature : « Eloge de la Verdure – XVIe-XXIe siècle »

Les Gobelins exposent des tapisseries toutes périodes confondues, sur le thème de la flore, jusqu’au 19 janvier 2014 :

http://www.mobiliernational.culture.gouv.fr/fr/expositions/actualites/33/gobelins-par-nature

« Le thème de la flore est particulièrement en faveur dans la production des tapisseries dès le Moyen-Âge. Au fil du temps, en fonction des modifications du goût, de l’évolution des conditions de vie et des préoccupations artistiques, la représentation du monde végétal va s’exprimer sous différentes formes : « milles-fleurs », verdures, cycle des mois et des saisons, paysages…[…] Les Saisons de Le Brun conversent avec les Saisons de Lurçat ; les « mille-fleurs » du XVe siècle se mêlent au fleurs sauvages de Dom Robert. Les frondaisons des verdures et des paysages des XVIe et XVIIe siècles rejoignent celles de Monet, Buri, Hadju, Alechinsky, Prassinos et Traquandi ».

à la une : Jacques Monory
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Tapisserie des Gobelins
2012, Photo : Mobilier national/Isabelle Bideau.

Pour découvrir le goût de Prassinos pour la tapisserie : http://www.marioprassinos.com/tapisserie/index.htm

et moins connues, les créations de Traquandi : http://documentsdartistes.org/artistes/traquandi/repro.html et les œuvres de Dom Robert : http://www.domrobert.com

Goya, peintre témoin de son temps ou la vitalité du négatif

Désespoir noir et permanent chez Goya dans les séries d’œuvres (essentiellement des gravures issues de fonds privés) présentées actuellement à la pinacothèque de Paris, jusqu’en 16 mars 2014, Goya et la modernité :

http://www.pinacotheque.com/index.php?id=897

5-Francisco de Goya Y LucientesMême lorsqu’il s’agit de décrire des jeux d’enfants, c’est le pugilat qui domine. L’Inquisition et la décadence de la monarchie espagnole en cette fin du XVIIIe siècle, la répression issue de l’invasion française qui brouille définitivement l’image d’une France des Lumières, puis le retour de l’Inquisition, rien n’est épargné à l’artiste: censurées, ces gravures paraissent bien plus tard, se vendent mal.

Né en 1746, près de Saragosse, il est le fils d’un doreur qui travaille pour l’église. Il bénéficie à ses débuts du mécénat de l’Eglise espagnole de Saragosse, puis de celui de la Cour : au service des Bourbons d’Espagne (1775-1785), il fait des cartons de tapisserie pour décorer les demeures princières, puis nommé peintre du roi d’Espagne en 1786, il fait des portraits de Cour qui ne cachent rien des défauts physiques de ses modèles. Quelque unes de ces peintures-portraits figurent dans l’exposition, elles sont saisissantes de vérité. Un portrait d’un ami, plus humain, et une dame noble, très habillée et très sinistre, allongée comme dans la Maya nue.

Une série impressionnante de gravures sur les « désastres de guerre », « les caprices », les « proverbes » et autres productions, dont des scènes de tauromachie, sont exposées dans la pénombre, ce qui renforce le caractère cafardeux de cette présentation, fidèle aux productions de l’artiste. Parmi les tableaux, un dont la mise en scène fait penser au Dos di Mayo, mais la personne mise en joue est une femme.

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Frappé par la maladie, écœuré par la répression politique qui s’abat sur Espagne avec le retour d’exil de Ferdinand VII, Goya  se réfugie en France en 1824 pour s’installer à Bordeaux, où il retrouve d’autres libéraux espagnols qualifiés d’afrancesados. Il renoue alors avec des sujets sur la tauromachie. Il décèdera dans cette ville en avril 1828.
Sur les gravures de Goya, les « désastres de guerre », voir la publication à venir sur le site  du séminaire « Arts et Sociétés »  ( http://www.artsetsocietes.org/), Goya et les stratégies visuelles des « guerres asymétriques » par Godehard Janzing, Directeur-adjoint, Deutsches Forum für Kunstgeschichte, Centre allemand d’histoire de l’art :

« Yo lo vì!“ – je l’ai vu –, assure la légende d’une gravure de la collection des Désastres de la guerre, créée par Francisco de Goya à partir de 1810, face à la guerre d’indépendance espagnole. Le titre semble faire preuve de la volonté de l’artiste de témoigner, et de souligner que les scènes de violence, presque prises sur le vif, se sont produites telles qu’il les représente. Cette affirmation, citée autant de fois que sont exposées ou reproduites ces gravures, a marqué notre idée de l’artiste engagé, en opposition critique à la guerre.
Pourtant, l’impact politique de ces gravures resta limité à son époque – la série n’étant réellement publiée et diffusée qu’en 1863, dans une publication posthume de l’académie royale de Madrid. Est-ce un hasard si la découverte tardive des gravures de guerre de Goya a lieu au moment même où un nouveau medium entre sur le champ de bataille : la photo, qui, se plaçant du point de vue des victimes, fournit pour la première fois des preuves visuelles de la mort au combat et des horreurs de la guerre ? Le succès tardif des gravures de Goya semble fortement lié à l’apparition de cette nouvelle possibilité technique, engendrant aussi une nouvelle volonté de fournir un témoignage critique.
Toutefois, la maxime de Goya, « je l’ai vu », renvoie davantage à sa créativité en tant qu’artiste qu’à un simple acte de témoignage. Dans les gravures, c’est d’abord Goya lui-même qui fait émerger la violence, qui donne forme aux atrocités et les rend visible en recréant leurs dégénérescences. Dans ses compositions, aussi complexes que réfléchies, Goya nous livre plutôt une analyse des mécanismes de la guerre que son véritable portrait. Et c’est justement cette capacité à penser visuellement le conflit qui confère à ses images un pouvoir durable, qui continue encore aujourd’hui à offenser ou même à blesser le spectateur. »

Decorum Tapis et tapisseries d’artistes / 11 octobre 2013 – 9 février 2014 /Musée d’Art moderne de la Ville de Paris

« Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris met l’art textile en lumière avec l’exposition Decorum qui présente plus d’une centaine de tapis et de tapisseries signés par des artistes modernes (Fernand Léger, Pablo Picasso) et contemporains (Dewar & Gicquel, Vidya Gastaldon).  « Decorum » permet de découvrir les œuvres tissées, souvent insoupçonnées, d’artistes majeurs et le travail d’artistes injustement méconnus (Guidette Carbonell). Des pièces anonymes de différentes époques et régions sont également exposées afin de déceler des influences et d’engager des confrontations. Objets à la fois visuels et tactiles, esthétiques et fonctionnels, facilement transportables (Le Corbusier qualifiait ses tapisseries de « Muralnomad »), tapis et tapisseries transcendent les habituelles frontières des arts décoratifs et du design » :

http://www.mam.paris.fr/fr/expositions/decorum

sans-titreSheila Hicks, Pteras Swoop, 2011, Tissage en coton et plumes / Courtesy Sikkema Jenkins & Co, New York / Image courtesy of Sikkema Jenkins & Co., New York.