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Copier, créer au musée en Herbe avec Geluck. Une évocation du Ready Museum

chat chatburenLes artistes belges sont actuellement à l’honneur à Paris : Magritte au Centre Pompidou, Hergé au Grand Palais. Plus adaptée aux enfants et de qualité, l’exposition de Philippe Geluck, « L’Art et Le Chat » au Musée en Herbe, rencontre un vrai succès, elle est prolongée  jusqu’au 02 janvier 2017. Elle a reçu plus de 65 000 visiteurs en six mois. Depuis septembre, un roulement de certaines œuvres est effectué. Une véritable Joconde du XVIème siècle prêtée par le Musée des Beaux-Arts de Quimper viendra figurer aux côtés des œuvres de Philippe Geluck. L’exposition présente en effet « nez à nez » une trentaine d’œuvres emblématiques de l’Histoire de l’Art et l’interprétation qu’en fait Le Chat de Geluck : Basquiat, Boudin, César, Fontana, Klein, Munch, Picasso, Soulages, Vasarely, Warhol, mais pas Daniel Buren, qui a refusé.

On y trouve aussi des pastiches de la Vénus de MiloJPEG - 21.7 koL’artiste belge Geluck avait déjà participé à une exposition similaire, consacrée exclusivement à la Vénus, créée et présentée au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, du 12 octobre au 11 novembre 1972, puis accueillie à Paris, au musée des Arts décoratifs, du  19 janvier au 26 février 1973 : elle s’intitulait La Vénus de Milo ou les avatars de la célébrité.

L’approche avait été saluée par Michel Conil Lacoste du journal Le Monde évoquant « Un intermède parodique  » :

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« Que n’aura-t-on pas supputé à propos de la Vénus de Milo ? Félix Ravaisson-Mollien, le philosophe, que Napoléon III avait nommé conservateur des antiques à la veille de la guerre de 1870, avait cru remarquer, en la faisant mettre en lieu sûr, que des cales de bois interposées entre les deux blocs composant la statue en « faussaient l’attitude originale » . Il pensait aussi que la déesse faisait initialement partie d’un groupe où Mars, à moins que ce ne fût Thésée, lui faisait cortège. […] Cet épisode n’a pas été retenu par les auteurs de l’amusante exposition, plus satirique que scientifique, accueillie à Paris après Bruxelles : mais c’est une gypsothèque et une bibliothèque entières que les animateurs du Ready Museum, qui l’ont imaginée, auraient dû réunir s’ils avaient voulu rendre compte de tous les essais de restitution qu’a suscités le marbre découvert en 1820 dans les Cyclades.

La matière de la présentation est essentiellement parodique. La Vénus grêlée (Cocteau) trône à l’entrée sous les espèces d’une réplique de plâtre, suffisamment patinée, du Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Autour d’elle, on lira d’abord, sous la signature de Philippe Géluck, le récit en bande dessinée, fertile en rebondissements, de la trouvaille, de la rocambolesque acquisition, du transport et de la présentation de la statue à Louis XVIII, et des documents photocopiés sur les interprétations et reconstitutions, chacune affirmée comme la seule plausible. Surtout, on verra tout un échantillonnage des variantes que les peintres et sculpteurs, à commencer par les surréalistes, ont brodées autour du célèbre marbre comme autant de mini-sacrilèges : de la Vénus restaurée encordée par Man Ray à la Déesse aux tiroirs de Dali et à la Vénus otorhinologique du même. Autour de l’Autopsie de la Vénus par Journiac (bois, plâtre et acrylique), et des Soldats soldés picorant la Vénus de Miralda, la jeune génération n’est pas en reste avec la séquence photographique et modelée d’Anne et Patrick Poirier (Arrachement à la terre et reconstitution artificielle d’un mythe), les transpositions négatives d’Adzac ou les compléments pileux de Topor. De l’édification culturelle aux entreprises du commerce, la Vénus disparaît sous un conteneur à destination du Japon ou donne lieu à toutes les dérivations publicitaires et philatéliques […]. Musée sans murs, le Ready Museum (Colette Lambrichs, Corneille Annoset) se présente comme une simple   boîte à idées qui propose des thèmes d’exposition hors des sentiers battus et les fait circuler par les circuits officiels […]. Aussi bien sommes-nous avertis qu’il s’agit d’une exposition ouverte, à laquelle chacun peut apporter sa pierre – tout en appréciant ce qu’il y a d’entrain, parfois d’esprit, dans cette exégèse visuelle sur le mode dérisoire, – par certains côtés stimulante ».

Carlo Carrà et l’Italie s’invitent chez le douanier Rousseau

Après avoir été présentée en 2015 au Palazzo Ducale de Venise, l’exposition  « Le Douanier Rousseau : L’innocence archaïque  » est en ce moment au Musée d’Orsay. Elle propose une nouvelle approche  : Rousseau  est un inspirateur pour les artistes de son temps. Sa réception en est donc modifiée. De peintre naïf il devient l’une des souces du renouveau de la peinture du siècle qui commence.

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Il y a dix ans, l’exposition itinérante à la Tate Modern à Londres, au Grand Palais à Paris  ( 15 mars – 19 juin 2006) et à la National Gallery à Washington en 2005-2006, « Le Douanier Rousseau. Jungles à Paris », sous le commissariat de Serge Lemoine, se focalisait sur sa période tardive. L’exposition du musée d’Orsay reprend les jungles mais illustre tous les a priori sur le peintre en le confrontant aux peintres du passé, mais aussi à ses contemporains des années 1900, notamment aux peintres italiens venus à Paris à cette époque.

Henri Rousseau, dit Le douanier Rousseau, La Cascade, 1910, huile sur toile, 116,2 x 150,2 (Chicago, the Art Institute of Chacago).
Henri Rousseau, dit Le douanier Rousseau, La Cascade, 1910, huile sur toile, 116,2 x 150,2 (Chicago, the Art Institute of Chicago).

Le  Douanier Rousseau devient peintre à 40 ans :  son sens des proportions, sa difficulté à mettre en place les corps dans l’espace ou ses perspectives sont bien à lui et le positionne dans la catégorie alors moquée des peintres naïfs. La présentation d’Orsay met ses portraits issus des collections permanentes du musée en regard de tableaux de peintres Primitifs comme Ucello, mais aussi aux côtés d’œuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso, et d’artistes moins connus, comme le futuriste Carlo Carrà aux oeuvres remarquées, qui puise manifestement dans les tableaux de Rousseau une nouvelle forme d’inspiration. Une autre de ses oeuvres  figurent à l’Orangerie pour l’exposition « Apollinaire . Le regard du poète »:

Les Nageurs, Carlo Carrà - Musée de L'Orangerie.
Les Nageurs, Carlo Carrà – Musée de L’Orangerie.

Entre 1899 et 1900, Carlo Carrà est à Paris pour décorer des pavillons de l’exposition universelle. Lui aussi peintre autodidacte à ses débuts, Carrà décide de relier Giotto, Paolo della Francesca, Ucello et le Douanier Rousseau : Avec Henri Rousseau, je construis la nouvelle peinture Européenne » affirmera-t-il.

 

Carlo Carra – Les romantiques (1916).Carlo Carra - Les romantiques (1916)

 

 

Carlo Carrà : Le fiacre, hommage à La Carriole du père Junier du Douanier Rousseau. rousseau24-590x393

Carrà dessinera beaucoup, en réduisant les images à l’essentiel, pour retrouver ces “élémentaires de la peinture” perdus au sein des élaborations du XXème siècle.

La commissaire Gabriella Belli, qui a initié cette exposition en 2015 à Venise,  révèle donc l’influence méconnue de Rousseau sur d’autres artistes, italiens, liés à la peinture métaphysique et du réalisme magique, comme Morandi, présenté italia nuovadéjà en 2006 au Grand Palais par la même commissaire italienne.

Cette exposition d’il y a dix ans, était co-produite par la RMN et le MART (musée d’Art moderne et contemporain de Trente et de Rovereto) sous la direction scientifique de Gabriella Belli, directrice du MART. L’exposition a été conçue en collaboration avec trois grands musées italiens : le musée communal de Milan, la Galerie d’Art moderne de Turin et la Galerie nationale d’Art moderne de Rome.

Anne Tronche, d’actualité, pour toujours.

Anne Tronche,  née en 1938, vient de disparaître brutalement. Critique d’art, membre du directoire de la revue Opus International jusqu’en 1989,elle a été également Inspecteur à la Création artistique du Ministère de la Culture de 1982 à 1999, et le témoin de 40 ans d’art contemporain. Elle participa avec François Mathey aux commissions d’acquisition de la délégation aux arts plastiques à partir de 1982. C’est en qualité de témoin qu’elle avait bien voulu me recevoir en 2008 et évoqué ses premières visites au musée des Arts décoratifs :

« La première exposition de lui [Mathey] dont je me souviens c’est celle de Picasso, en 1955, j’avais fait de nombreuses heures de queue, avant d’accéder dans les salles. J’étais alors très jeune, j’étais encore au lycée, et devant les œuvres que je découvrais, je me souviens d’avoir été émue aux larmes. À cette époque, Picasso était très connu, mais on n’avait guère l’occasion de voir ses œuvres dans leur diversité. On peut se demander si ce ne sont pas ces premiers chocs qui orientent nos existences, je ne sais pas ce que cette exposition a généré en moi, mais cela a été très important ».

Son portrait aux archives de la critique d’art, sa bibliographie.

Anne Tronche (1999)‎
Crédits : © Philippe Curval.‎

Elle est notamment l’auteure de deux ouvrages de synthèse :

– Anne Tronche, Hervé Gloasguen, L’Art actuel en France : du Cinétisme à l’Hyperréalisme, Paris : Balland, 1973.

– Anne Tronche, L’art des années 1960, chroniques d’une scène parisienne, paru en 2012 aux éditions Hazan :

« L’évocation de la vie artistique à Paris dans les années 1960, époque où les artistes affirmaient des ambitions avant-gardistes : Arman, Raymond Hains, Jacques Villeglé… La vie artistique à Paris, dans les années 60 : une époque où les artistes affirmaient encore des ambitions avant-gardistes : Arman, Buren, César, Yves Raynaud, Raymond Hains, Jacques Villeglé, Christian Boltanski… Une chronique rédigée par un témoin privilégié : une des critiques les plus informées de ces années clefs ».

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Photo de l’exposition Kudo. La Maison Rouge.

On doit également à Anne Tronche, comme le rappelle Le Journal des Arts, l’exposition Tetsumi Kudo,  »  La Montagne que nous cherchons est dans la serre », à La Maison Rouge, (18 février – 13 mai 2007).  Le récit d’Anne Tronche sur Kudo est en ligne. Elle développe notamment le thème favori de Kudo « La métamorphose ».

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Anne Tronche, La  montagne que nous cherchons est dans la serre, Paris, Editions Fage, 2007.

Une nouvelle extension du musée de l’Ermitage : un hommage aux frères Morozov et à Sergueï Chtchoukine

Le musée de l’Ermitage est encyclopédique. Il s’ouvre à l’art contemporain et depuis 1997, il a acquis de nouvelles œuvres d’art du XXe siècle,  comme celles de Soulages (Peinture 220 x 324cm, 19 janvier 1995 (cat. n° 1135) acquise en 2002) ou de Louise Bourgeois. qui a bénéficié d’une exposition temporaire au musée en 2001.

Le bizot groupe a salué en ces termes le 250e anniversaire de ce musée : « On 26 November 2014, Directors of the world’s largest museums, the Bizot Group members, congratulated Mikhail Piotrovsky and all the employees of the State Hermitage Museum on the 250-year anniversary of the museum. The greeting says: “The State Hermitage Museum is a unique cultural institution and the world’s leading museum. Russian history and culture are represented here as nowhere else, yet the museum is also an outstanding scientific centre. Over these 250 years the Hermitage has remained a centre of international museum cooperation”.

A l’occasion de cet anniversaire, le musée de l’Ermitage a ouvert progressivement depuis décembre 2014, de nouvelles salles  consacrées à un musée de l’art européen des XIX-XX siècles, installé dans les salles de l’Etat-Major général de la garde impériale, situées de l’autre côté de la place du Palais, et qui n’avaient jamais été utilisées jusque-là à des fins muséales. Ces salles accueillent désormais des expositions temporaires nombreuses.

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« Petersburg-square ». Sous licence CC BY 2.0 via Wikimedia Commons –

Ce changement considérable de la structure et de la disposition des collections se présente au quatrième étage par un hommage à la mémoire des célèbres collectionneurs russes, les frères Morozov et  Sergueï Chtchoukine, évoqués en 2014 au festival de l’histoire de l’art de Fontainebleau,  par Tatiana Mojenok-Ninin  » Deux conceptions de la maison-musée, une même influence fondamentale sur l’avant-garde russe : De 1900 à 1917, Chtchoukine et Morozov rassemblèrent à Moscou des dizaines de Monet, Gauguin, Cézanne, Matisse, Picasso. L’un ne suivait que son intuition et ouvrait largement ses portes aux jeunes peintres. L’autre avait besoin de conseils, et sa collection n’était connue qu’au travers de revues. Mais tous deux inspirèrent une génération entière ».

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Grâce à eux, l’Ermitage peut réunir une brillante collection de peinture française, de l’impressionnisme aux mouvements du XXe siècle. Ce nouveau parcours de la peinture française débute avec la salle Claude Monet qui réunit quatorze tableaux du maître, puis une autre salle consacrée aux natures mortes d’Henri Fantin-Latour, la salle des paysages de Camille Pissarro et d’Alfred Sisley, le parcours se poursuit avec la salle d’Edgard Degas, et sa « Place de la Concorde ». Dans les deux salles suivantes sont installées les travaux d’Auguste Renoir. Ensuite figurent les œuvres de Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, les peintres du groupe « Nabi » :  Pierre Bonnard, Edward Vuillard, Maurice Denis. les salles consacrées à Matisse, Picasso et leurs contemporains, ferment la marche et viennent d’ouvrir en juin de cette année.

Le musée de L’Ermitage souhaite que ce nouvel accrochage, cette nouvelle exposition permanente de ses collections, qu’il a réalisée à titre expérimental, « devienne l’objet d’une discussion publique » : « Il  est important pour nous de recueillir les opinions des visiteurs du musée sur ses aspects positifs comme sur ses lacunes. Nous vous proposons de laisser une inscription sur le livre d’or spécial situé dans le bâtiment  de l’Etat-Major général de la garde impériale. Vous pouvez écrire aussi un commentaire sur le blog du musée, sur le site de l’Ermitage ou adresser un  message à cette adresse redactor@hermitage.ru ».

Pour le directeur du musée, le meilleur moyen de célébrer les 250 ans de l’Ermitage,  est d’organiser « un nombre encore plus grand d’expositions et de s’ouvrir encore plus au public ».

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Sur le musée de l’Ermitage voir également le documentaire de 83 minutes de  Margy Kinmonth : L’ermitage dévoilé, 250 ans d’histoire, sorti en salle, en France en septembre 2014.

 

De nouveaux musées à naître en 2014 : le musée des Confluences à Lyon

Capture10Une sorte de cabinet de curiosités (http://www.bpi.fr/fr/les_dossiers/arts2/le_cabinet_de_curiosites_d_hier_a_aujourd_hui.html) géant du XXIe siècle ? Le musée des Confluences doit ouvrir à Lyon, entre Saône et Rhône, en décembre prochain  : voir à ce sujet le très complet reportage de FR3 Lyon https://www.dailymotion.com/video/x20d3hx_le-musee-des-confluences-en-avant-premiere_tv

Comme d’habitude aujourd’hui, le musée se résume d’abord à son architecture, ses coûts et ses surcoûts, ses retards de chantier, et toutes les difficultés liées à la programmation et à la mise en œuvre de tels travaux (voir les nouveaux musées de 2014 Soulages, Louis-Vuitton, Picasso : http://m.culturebox.francetvinfo.fr/expositions/evenements/soulages-louis-vuitton-picasso-les-nouveaux-musees-de-2014-147513) Voir les musées inaugurés les années précédentes comme le Mucem (http://www.mucem.org/)

Capture8Ici, extérieurement, le musée est un espace flottant comme un énorme nuage, qui abrite 5 000 m2 de surfaces d’exposition pour une surface totale de 22 ooo m2. Pour l’architecte en chef responsable de cette construction, ces rapports sont justifiés : il faut imaginer la surface d’exposition comme la scène d’un théâtre, une toute petite partie d’un vaste ensemble comprenant notamment les réserves et les espaces de restauration. Le musée table sur 500 000 entrées par an, comme (peu ou prou) le Centre Pompidou, Metz en 2010. L’architecture du musée lyonnais séduit et suscite déjà de nombreux futurs donateurs.

Capture6 Ses collections ont deux sources principales issues du précédent musée qui a fermé pour des raisons de sécurité : les collections de l’ancien Muséum d’histoire naturelle, et les collections du premier musée fondé par Émile Guimet, grand voyageur, héritier d’une ingénieur d’Isère à l’origine d’un bleu outremer. Émile Guimet créera aussi une véritable entreprise industrielle qui sera plus tard à l’origine de l’entreprise  Péchiney.

Émile Guimet a été célébré en 2012 à Lyon : http://www.artaujourdhui.info/a06263-un-jour-j-achetai-une-momie-emile-guimet-et-l-egypte-antique.html « Quand en 1865, Émile Guimet (1836–1918) visite l’Égypte, il ne se doute pas que ce voyage va bouleverser sa vie. Fasciné par l’archéologie, la philosophie et l’histoire des religions orientales, le jeune industriel lyonnais commence alors une exceptionnelle collection : http://www.mba-lyon.fr/static/mba/contenu/pdf/expos/dp_EG-Egypte-antique.pdf. Émile Guimet fonde un premier musée  à Lyon en 1879. Il s’agit d’une centre de diffusion culturelle qui comprend une bibliothèque et un centre d’enseignement des langues. Mais déçu du manque de succès de son initiative auprès des Lyonnais, Guimet offre ses collections à la Ville de Lyon et crée un nouveau  musée des arts asiatiques, celui-ci plus connu, à Paris (http://www.guimet.fr), il est construit sur les mêmes plans que le musée initial de Lyon.

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Anonyme, Monsieur Guimet lisant une inscription égyptienne. Encre sur papier. Lyon, Musée des Beaux-Arts.

Le musée lyonnais possède également dans ses réserves beaucoup d’œuvres en dépôt, en provenance du musée du Louvre, comme ce sphinx. Capture5

 

Le futur musée comprendra aussi des œuvres contemporaines comme cette « création du monde  » de l’artiste contemporain Inuit, Manasie Akpaliapik qui appartient aux collections du Museum de Lyon :

CaptureLa création du monde de Manasie AkpCapture2aliapik, Nunavut, Canada © Museum de Lyon8773837_p