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Mantegna et Bellini : Venise, Londres, Berlin

Les oeuvres d’Andrea Mantegna (né près de Padoue) et celles de son jeune beau-frère Giovanni Bellini (né à Venise) sont réunies dans une suite d’expositions temporaires exceptionnelles, à Venise, à Londres puis à Berlin. Si quelques unes de ces oeuvres ne seront pas de toutes les étapes du voyage, chaque lieu mettra en valeur les caractéristiques des deux artistes.

La présentation de Jésus au temple. Andrea Mantegna. Vue de l ‘exposition à la National Gallery. Londres.
Présentation de l’exposition temporaire qui ouvre à Londres en octobre.
Giovanni Villa raconte : Bellini et Mantegna à la Fondation Querini Stampalia à Venise. Les deux "présentations au temple" de Bellini et de Mantegna ont été exposées ensemble, du 21 mars 2018 au 1er juillet 2018 à la Fondazione Querini Stampalia à Venise.

A Londres et à Berlin, ce sont près de cent d’œuvres qui seront réunies.  L’ivresse de Noé (1515) de Giovanni Bellini est une œuvre identifiée par Roberto Longhi en son temps et notamment exposée par Michel Laclotte pour  clore l’exposition De Giotto à Bellini en 1956 puis ouvrir en 1993 Le Siècle de Titien au Grand Palais. Elle vient d’être restaurée : figurant à Londres, elle rejoindra son propriétaire, le Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, pour sa réouverture prochaine, le 16 novembre 2018.

L’ivresse de Noé. Giovanni Bellini après restauration. Septembre 2018.
Visite de l’exposition.
La présentation de Jésus au temple. Giovanni Bellini.
©Fondazione Querini Stampalia. Venise.
La présentation de Jésus  au temple. Andrea Mantegna.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie.

Après Londres (Commissariat : Caroline Campbell), l’exposition sera présentée à Berlin ( Commissariat: Neville Rowley) du 01.03.2019 au 30.06.2019 :

For the first time, the Staatliche Museen zu Berlin and the National Gallery, London are presenting the intricately related work of the artists Andrea Mantegna (ca. 1431-1506) and Giovanni Bellini (ca. 1435-1516). With around 100 works, this will be the first full-scale exhibition to present the work of these two masters of the Italian Renaissance side by side.

In 1453 the ambitious, dynamic painter and printmaker Andrea Mantegna, who was active in Padua, married into the Bellini family, who were among the leading painters in nearby Venice. Mantegna’s brilliant compositional innovations and his deep interest in classical antiquity made a major impact on his youngest brother-in-law, Giovanni Bellini. During this time, Bellini’s distinctive painterly style also made a deep impression on Mantegna’s work. After just 10 years of close collaboration, their paths parted. In 1460 Andrea moved to Mantua, where he remained Court Painter to the princely Gonzaga family until his death. Giovanni, on the other hand, spent his entire artistic career in Venice. They were active in very different environments, and their artistic styles developed in very different directions. Yet through all phases of their creative lives, their work provides evidence of their continuing artistic dialogue, something that can be sensed even today.

The collections of the National Gallery and the Gemäldegalerie boast an extraordinary range of high-quality works by Mantegna and Bellini. The collections include masterpieces from all creative phases of these two extraordinary artists. Additionally, the Kupferstichkabinett and the British Museum house rich collections of works on paper by Mantegna and Bellini, by their family members, and by their protégés. Around this nucleus, the exhibition gathers together a number of outstanding loans. This allows the differences and similarities in the work of these two major artists of the Renaissance to be teased out in an exemplary fashion. These unexpected connections and breathtaking juxtapositions make up the unique attraction of this exhibition.

Les travaux sur papier des deux artistes ne sont pas oubliés. Mantegna fut aussi graveur. Ces dessins et gravures proviennent notamment  de Berlin et de Londres (Kupferstichkabinett :  commissariat Dagmar Korbacher ; British Museum : commissariat Sarah Vowles).

Andrea Mantegna. Flagellation de Jésus Christ
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
Andrea Mantegna, Jésus Christ dans les limbes 
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
G. Bellini, Saint Marcus heals the hand of the cobbler Anianus 
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
Muse dansant. Andrea Mantegna.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemaldegalerie/ Jörg P. Anders.
Résurrection du Christ. Giovanni Bellini.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie / Jörg P. Anders.

L’exposition à Berlin s’accompagne d’une autre exposition consacrée à la restauration d’œuvres : Bellini plus Research and restoration (14.10.2018 – 21.07.2019) : il s’agit là d’un groupe d’œuvres peintes par Jacopo Bellini et son atelier : elles n’ont pas été montrées depuis la seconde guerre mondiale.

Andrea Mantegna, The Agony in the Garden, vers 1455-6.
©National Gallery
Caroline Campbell, Head of Curatorial, discusses ‘The Agony in the Garden’, by Giovanni Bellini, an incredible painting by one of the most influential and celebrated Venetian artists. The talk also looks at Bellini’s pioneering portrayal of natural light, and compares his depiction of this biblical story to a painting
Giovanni Bellini, The Agony in the Garden, about 1458-60. ©National Gallery

Vidéos et commentaires pour tous sur l’art des temps nouveaux

Comment rendre compte d’un mouvement artistique présenté dans une exposition ? Comment expliciter le thème d’un tableau, les préoccupations d’un peintre du temps des Lumières ? Comment rendre compte de la fascination des temps nouveaux, des élans  exprimés par ces artistes ? Quelques vidéos captent les commentaires  des conservateurs, des commissaires-d’exposition et des médiateurs des musées, qui formulent sur ces thèmes, des commentaires destinés à tous :

Entrée de la troisième exposition de l’UAM au pavillon de Marsan, musée des Arts décoratifs, Paris, en 1932. JEAN COLLAS, MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS, FONDS JEAN COLLAS, PARIS/ADAGP, PARIS 2018

La première  a trait à l’exposition en cours sur « l’UAM », l’Union des artistes modernes, au Centre Pompidou : l’UAM fondée en 1929, dissoute en 1958, a rassemblé jusqu’à 250 artistes, décorateurs, créateurs de bijoux, de tissus, de mobilier, de tapisseries,  architectes, dont  Fernand Léger, Charlotte Perriand,  le fondateur du Salon d’Automne en 1903, Francis Jourdain, mais aussi Pierre Chareau , Sonia Delaunay, Jean Puiforcat, Robert Mallet-Stevens, l’architecte Lurçat, l’affichiste Cassandre, Le Corbusier, Jean Prouvé, le décorateur René Herbst, etc. Ils organisent au musée des Arts décoratifs, en 1949-1950 : « Formes utiles – objets de notre temps » dont l’exposition de 2018 conserve de multiples témoignages. Au total l’exposition de 2018 expose dans cette chronologie qui court sur près de quarante ans, pas moins de 780 pièces.

Certains membres de l’UAM, notamment des architectes, rejoindront dans les années 1950 le groupe Espace ( Durant l’été 1954, un événement original est organisé à Biot chez Fernand Léger, par le groupe Espace).

 Des vues de l’exposition de 2018 et une interview d’Anne-Marie Charon-Zucchelli, attachée de conservation au service architecture du musée national d’art moderne et co-commissaire de l’exposition, sont en ligne.

UAM” une aventure moderne, au Centre Pompidou, Paris
du 30 mai au 27 août 2018.

La seconde vidéo se concentre sur une œuvre,  dans la série intitulée « Talks for all » à la National Gallery : un conférencier commente de façon très pédagogique (en anglais) un tableau de Joseph Wright ‘of Derby’ (1734-1797) intitulé  » An enlightened experiment »  : le tableau appartient aux collections permanentes du musée. Cet artiste du temps des Lumières, est fier d’être originaire de Derby, la ville alors au centre de la révolution industrielle. Le tableau montre une « expérience sur un oiseau dans la pompe à air » :

« Joseph Wright hailed from Derby, a city at the centre of the Industrial Revolution. What can we learn from ‘An Experiment on a Bird in the Air Pump’ about this advancing time and how does this painting represent the Enlightenment that was taking place around him? Unpick and explore the references scattered ». 

Ce peintre a fait l’objet d’une exposition  itinérante présentée au Grand Palais en 1990, (Exposition Joseph Wright of Derby, Grand Palais, Paris, 17 mai-23 juillet 1990), à la Tate Gallery et au Metropolitan Museum (commissariat de Judy Egerton). A Paris, l’exposition n’avait pas du tout trouvé son public : elle prenait place après la présentation de peintres anglais  plus fameux (Gainsborough, Turner et Reynolds) et dont les paysages et les portraits peuvent sembler plus accessibles.

Histoires d’œils, de copies et d’authentiques

event-close-examination-fakes-mistakes-wide-bannerHistoires d’œils, de copies et d’authentiques : ces thèmes sont d’actualité. Signalons tout d’abord l’ouvrage  Histoires  d’œils, de Philippe Costamagna : « C’est un livre ami du désordre et de l’Italie, posé mais un peu fou quand même. On y parle de peinture et d’argent, d’érudits parfois bandits, mais aussi de Raphaël, de doigts de pieds christiques, de garagistes et de révélations. Philippe Costamagna est un « œil », un spécialiste du regard, l’homme qui confirme les attributions, déniche des auteurs aux tableaux oubliés, débusque les faux, tire une œuvre de l’obscurité ou l’y replonge. Révélation, intuition, coup de génie : la profession a ses légendes. Elle a aussi ses héros et ses fondateurs ».

 Moins consensuel mais aussi intéressant, une vingtaine de  pages  figurant dans un roman intitulé « Faussaire » de Jules-François Ferrillon. Un vrai faux roman ? L’auteur parle de « narration falsifiée » :  « je montre dans le livre comment on fait des faux, non du XIXème siècle, car c’est assez facile à faire ; peindre des Matisse et des Chagall ce n’est pas compliqué, mais faire un Caravage ou un Titien c’est déjà plus complexe ; cela pose une question : est-ce qu’il y a un être unique, un génie qui a fait des tableaux comme on nous le fait croire ? Non ça s’apprend, c’est une technique ». 

Les thèmes du vrai, du faux, de la copie et du pastiche, sont souvent abordés dans les expositions temporaires. Ainsi en 2010  à Londres, l’exposition intitulée « A la loupe : faux, erreurs et découvertes » Close Examination : fakes, mistakes & discoveries ») à la National Gallery, illustre par des exemples concrets les différents cas de figure.

Le sujet semble aussi d’actualité s’agissant  du mobilier, comme le rappelle la Une du dernier Journal des Arts. Il aborde également le rôle des experts en quête de reconnaissance. Il se fait l’écho enfin du colloque Art et Droit qui s’est tenu à l’INHA en mai dernier et qui a permis de faire le point sur les comités d’artistes et les certificats d’authentification.

Frederick Wiseman, auteur du passionnant documentaire sur la National Gallery

national galleryDans la revue Apollo Frederick Wiseman parle de son nouveau documentaire consacré à la vie du musée londonien, la National Gallery, particulièrement captivant : on y découvre l’activité foisonnante d’un musée tourné vers l’accueil de tous les publics.
Son directeur Nicolas Penny, qui a autorisé ce tournage, a depuis quitté le musée : http://www.theguardian.com/artanddesign/2014/jun/23/nicholas-penny-announces-departure-from-national-gallery
Le site du musée :
http://www.nationalgallery.org.uk/

Frederick Wiseman talks to Apollo about his new film, National Gallery y (2014), which is released this month in the UK, takes us behind the scenes at the museum, but constantly reminds us that the paintings are the stars.

How did the film come about ?
« I had tried to film the Metropolitan Museum of Art in New York about 25 years ago, but they wanted me to pay them. I hadn’t tried any other museums in the meantime and this opportunity came up by chance because I met somebody who worked at the National Gallery, who suggested it, and then I met Nick Penny and he said, ‘Okay.’ »

There are usually more people and many more meetings in your films than there are in National Gallery. How did you approach filming paintings on walls ?

The issue was always how to shoot the paintings. I shot the paintings so that theviewer is always inside the frame so you don’t see the frame or the wall or the little plaque. The painting became so much more vibrant, more alive because it was less of an object and you really saw the painting very close.

There’s a guide who tells a group of visitors that ‘the one thing a painting doesn’t have is time’? How does this quality translate into film ?

In making a film about paintings, I changed the relationship of painting to time. You can show the paintings serially, as opposed to looking at them all at once, which is what the eye does – unless you look at a very small part. What I can do is give you close-ups of the painting: I can show you the story of the painting in a series of shots.

What was it like spending so much time – 12 weeks – in the National Gallery ?

We photographed when there was nobody else in the gallery – that was quite something. It was easier to do it then so that there wasn’t a risk of someone just walking through the frame. And it’s really annoying if you’re getting daylight from the skylight ».

http://www.apollo-magazine.com/in-the-frame-frederick-wiseman-january-apollo/

Les œuvres de Rembrandt filmées au musée par Frederick Wiseman sont particulièrement belles.
L’exposition temporaire consacrée aux derniers travaux de ce peintre, s’achève demain.
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Qui peut remplacer Kenneth Clark sur la BBC ?

Kenneth Clark,  a présenté une émission d’histoire de l’art sur la BBC  diffusée en 1969 et intitulée Civilisation.

220px-Civilisation_cover 200px-Civilisation-Skin_of_Our_TeethLa BBC entend renouveler l’expérience mais qui à qui recourir pour présenter l’émission aujourd’hui ? La revue Apollo nous fait part de la liste des pressenti(e)s :des présentateurs vedettes critiques de télévision comme Andrew Graham – Dixon, http://www.andrewgrahamdixon.com/ ou bien des historiens de l’art comme James Fox , http://www.hoart.cam.ac.uk/people/jf283@cam.ac.uk ; ou des directeurs de musées comme Neil MacGregor (du British Museum , qui a présenté Une histoire du monde en 100 objets pour Radio 4 :  http://www.bbc.co.uk/programmes/b00nrtd2) ou bien Nicholas Penny (de la National Galleryhttp://www.nationalgallery.org.uk/about-us/organisation/director/). La vraie question semble être ailleurs : le même format d’émissions peut-il aujourd’hui trouver son public ?  L’on déplore le manque de pédagogues enseignants dans les domaines de  l’éducation artistique et de l’histoire de l’art, universitaires ou conservateurs et personnels des musées, susceptibles de transmettre leurs connaissances au public, au Royaume-Uni comme à l’étranger. La télévision a également son rôle à jouer comme le rappelle la revue : http://www.apollo-magazine.com/civilisation-2-0-replace-kenneth-clark/

Voir l’exposition que consacre la Tate modern à Kenneth Clark : Kenneth Clark – Looking for Civilisation : www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/exhibition/kenneth-clark-looking-civilisation