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Vidéos et commentaires pour tous sur l’art des temps nouveaux

Comment rendre compte d’un mouvement artistique présenté dans une exposition ? Comment expliciter le thème d’un tableau, les préoccupations d’un peintre du temps des Lumières ? Comment rendre compte de la fascination des temps nouveaux, des élans  exprimés par ces artistes ? Quelques vidéos captent les commentaires  des conservateurs, des commissaires-d’exposition et des médiateurs des musées, qui formulent sur ces thèmes, des commentaires destinés à tous :

Entrée de la troisième exposition de l’UAM au pavillon de Marsan, musée des Arts décoratifs, Paris, en 1932. JEAN COLLAS, MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS, FONDS JEAN COLLAS, PARIS/ADAGP, PARIS 2018

La première  a trait à l’exposition en cours sur « l’UAM », l’Union des artistes modernes, au Centre Pompidou : l’UAM fondée en 1929, dissoute en 1958, a rassemblé jusqu’à 250 artistes, décorateurs, créateurs de bijoux, de tissus, de mobilier, de tapisseries,  architectes, dont  Fernand Léger, Charlotte Perriand,  le fondateur du Salon d’Automne en 1903, Francis Jourdain, mais aussi Pierre Chareau , Sonia Delaunay, Jean Puiforcat, Robert Mallet-Stevens, l’architecte Lurçat, l’affichiste Cassandre, Le Corbusier, Jean Prouvé, le décorateur René Herbst, etc. Ils organisent au musée des Arts décoratifs, en 1949-1950 : « Formes utiles – objets de notre temps » dont l’exposition de 2018 conserve de multiples témoignages. Au total l’exposition de 2018 expose dans cette chronologie qui court sur près de quarante ans, pas moins de 780 pièces.

Certains membres de l’UAM, notamment des architectes, rejoindront dans les années 1950 le groupe Espace ( Durant l’été 1954, un événement original est organisé à Biot chez Fernand Léger, par le groupe Espace).

 Des vues de l’exposition de 2018 et une interview d’Anne-Marie Charon-Zucchelli, attachée de conservation au service architecture du musée national d’art moderne et co-commissaire de l’exposition, sont en ligne.

UAM” une aventure moderne, au Centre Pompidou, Paris
du 30 mai au 27 août 2018.

La seconde vidéo se concentre sur une œuvre,  dans la série intitulée « Talks for all » à la National Gallery : un conférencier commente de façon très pédagogique (en anglais) un tableau de Joseph Wright ‘of Derby’ (1734-1797) intitulé  » An enlightened experiment »  : le tableau appartient aux collections permanentes du musée. Cet artiste du temps des Lumières, est fier d’être originaire de Derby, la ville alors au centre de la révolution industrielle. Le tableau montre une « expérience sur un oiseau dans la pompe à air » :

« Joseph Wright hailed from Derby, a city at the centre of the Industrial Revolution. What can we learn from ‘An Experiment on a Bird in the Air Pump’ about this advancing time and how does this painting represent the Enlightenment that was taking place around him? Unpick and explore the references scattered ». 

Ce peintre a fait l’objet d’une exposition  itinérante présentée au Grand Palais en 1990, (Exposition Joseph Wright of Derby, Grand Palais, Paris, 17 mai-23 juillet 1990), à la Tate Gallery et au Metropolitan Museum (commissariat de Judy Egerton). A Paris, l’exposition n’avait pas du tout trouvé son public : elle prenait place après la présentation de peintres anglais  plus fameux (Gainsborough, Turner et Reynolds) et dont les paysages et les portraits peuvent sembler plus accessibles.

Quand David Hockney exposait à Paris en 1974 au musée des Arts Décos et rendait hommage au Louvre

Dès 1974, grâce au British Council et au financement de l ‘AFAA ( Association française d’action artistique), David Hockney a présenté ses oeuvres à Paris au musée  des Arts décoratifs de Paris, alors dirigé par Francois Mathey, coorganisateur de l’événement.

Le catalogue, bilingue, comprend notamment un entretien de l’artiste avec  le critique Pierre Restany.

La rétrospective actuelle ne comprendra peut-être pas  ces deux illustrations -hommage au Louvre et à Paris, ville où  l’artiste  a vécu de 1973 à 1975 : la première de couverture  s’intitule « contrejour on the french style- against the day dans le style français ». 1974.

Cette oeuvre est aujourd’hui  au Ludwig Museum, à Budapest.

La dernière de couverture  du catalogue « two vases in the Louvre » 1974,  sera aussi sur l’affiche de cette exposition.

 « Hockey lors de son séjour à Paris occupe l’atelier qui fut autrefois celui de Balthus. Au Louvre, il photographie, dessine cette fenêtre qui lui inspirera son Contre-jour… »

David Hockney fait partie de ces nombreux artistes inspirés par le Louvre et que Pierre Schneider évoquait à l’occasion de l’exposition « Copier-créer  » organisée par Jean-Pierre Cuzin en 1993 pour célébrer le bicentenaire de ce musée : Les pille-art du Louvre, publié le 27/05/1993 :

« Dès la création du musée, les plus grands peintres s’y sont nourris des oeuvres de leurs prédécesseurs. Pour les interroger, les dévorer, et, finalement, les oublier. La preuve en 330 peintures et dessins ».

A signaler également la parution récente des articles de presse de Pierre Schneider parus sous le titre « Chroniques de l’Express (1960-1992) Le droit à la beauté ».

 

Exposition hommage au Musée Tomi Ungerer

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Tomi Ungerer vu par Christian Antonelli (détail de l’oeuvre) © Christian Antonelli.
 
Pour fêter le 85e anniversaire de Tomi Ungerer, 100 artistes de France et d’ailleurs ont taillé leurs crayons pour illustrer les liens que leur œuvre entretient avec celle de leur aîné. Si celle-ci s’est d’ores et déjà inscrite par sa diversité et sa créativité dans le vaste champ  de l’histoire de lart.
 La première rétrospective consacrée à Tomi Ungerer a eu lieu  au musée des Arts décoratifs en 1981.
 
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Connue également sous le titre de « Der kleine Unterschied » (La petite différence), devenue emblématique depuis, cette affiche fut réalisée par Tomi Ungerer pour la rétrospective que François Mathey lui organisa au Musée des Arts décoratifs de Paris à l’occasion de son 50e anniversaire.

Il ne peut s’empêcher d’ironiser sur la fonction de l’artiste avec le motif de l’éléphant trempant sa queue dans un pot de peinture … Il utilise ici son principe de choc visuel, destiné à attirer l’attention du spectateur, et qu’il obtient avec une gamme de couleurs réduite sur un fond sombre, un trait noir compact et une mise en page sobre. 

Kunihiko Moriguchi, artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, est à Paris

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Du triangle au cercle, Kunihiko Moriguchi, 2012. Photo : © Kunihiro Shikata.

Kunihiko Moriguchi est un artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, cette technique tricentenaire de peinture sur des kimonos d’apparat. Il a été élevé au rang de « Trésor national vivant » par le gouvernement japonais en 2007. Son père était également « trésor national » et l’a formé à son retour au Japon. En effet, Kunihiko Moriguchi  a vécu en Europe où il a étudié les arts graphiques.

Né en 1941, il étudie la peinture de « style japonais » (nihonga) à l’université des Arts de Kyoto. Il part pour la France à l’âge de 22 ans et étudie à l’École nationale des arts décoratifs.  Il a fréquenté le musée des Arts décoratifs, où il rencontre François Mathey.  

Il se lie d’amitié avec le critique Gaëtan Picon et le peintre Balthus qui l’invite à la Villa Médicis. Ce dernier le persuade de se consacrer à l’art du yûzen, dont le père de Kunihiko est un illustre représentant. Kunihiko Moriguchi  a réalisé son premier kimono en 1967.

Une exposition rétrospective de ses œuvres,  la première, se déroule actuellement à la Maison de la Culture du Japon jusqu’au 17 décembre prochain. Elle réunit 26 kimonos et 11 peintures de l’artiste.

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Copier, créer au musée en Herbe avec Geluck. Une évocation du Ready Museum

chat chatburenLes artistes belges sont actuellement à l’honneur à Paris : Magritte au Centre Pompidou, Hergé au Grand Palais. Plus adaptée aux enfants et de qualité, l’exposition de Philippe Geluck, « L’Art et Le Chat » au Musée en Herbe, rencontre un vrai succès, elle est prolongée  jusqu’au 02 janvier 2017. Elle a reçu plus de 65 000 visiteurs en six mois. Depuis septembre, un roulement de certaines œuvres est effectué. Une véritable Joconde du XVIème siècle prêtée par le Musée des Beaux-Arts de Quimper viendra figurer aux côtés des œuvres de Philippe Geluck. L’exposition présente en effet « nez à nez » une trentaine d’œuvres emblématiques de l’Histoire de l’Art et l’interprétation qu’en fait Le Chat de Geluck : Basquiat, Boudin, César, Fontana, Klein, Munch, Picasso, Soulages, Vasarely, Warhol, mais pas Daniel Buren, qui a refusé.

On y trouve aussi des pastiches de la Vénus de MiloJPEG - 21.7 koL’artiste belge Geluck avait déjà participé à une exposition similaire, consacrée exclusivement à la Vénus, créée et présentée au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, du 12 octobre au 11 novembre 1972, puis accueillie à Paris, au musée des Arts décoratifs, du  19 janvier au 26 février 1973 : elle s’intitulait La Vénus de Milo ou les avatars de la célébrité.

L’approche avait été saluée par Michel Conil Lacoste du journal Le Monde évoquant « Un intermède parodique  » :

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« Que n’aura-t-on pas supputé à propos de la Vénus de Milo ? Félix Ravaisson-Mollien, le philosophe, que Napoléon III avait nommé conservateur des antiques à la veille de la guerre de 1870, avait cru remarquer, en la faisant mettre en lieu sûr, que des cales de bois interposées entre les deux blocs composant la statue en « faussaient l’attitude originale » . Il pensait aussi que la déesse faisait initialement partie d’un groupe où Mars, à moins que ce ne fût Thésée, lui faisait cortège. […] Cet épisode n’a pas été retenu par les auteurs de l’amusante exposition, plus satirique que scientifique, accueillie à Paris après Bruxelles : mais c’est une gypsothèque et une bibliothèque entières que les animateurs du Ready Museum, qui l’ont imaginée, auraient dû réunir s’ils avaient voulu rendre compte de tous les essais de restitution qu’a suscités le marbre découvert en 1820 dans les Cyclades.

La matière de la présentation est essentiellement parodique. La Vénus grêlée (Cocteau) trône à l’entrée sous les espèces d’une réplique de plâtre, suffisamment patinée, du Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Autour d’elle, on lira d’abord, sous la signature de Philippe Géluck, le récit en bande dessinée, fertile en rebondissements, de la trouvaille, de la rocambolesque acquisition, du transport et de la présentation de la statue à Louis XVIII, et des documents photocopiés sur les interprétations et reconstitutions, chacune affirmée comme la seule plausible. Surtout, on verra tout un échantillonnage des variantes que les peintres et sculpteurs, à commencer par les surréalistes, ont brodées autour du célèbre marbre comme autant de mini-sacrilèges : de la Vénus restaurée encordée par Man Ray à la Déesse aux tiroirs de Dali et à la Vénus otorhinologique du même. Autour de l’Autopsie de la Vénus par Journiac (bois, plâtre et acrylique), et des Soldats soldés picorant la Vénus de Miralda, la jeune génération n’est pas en reste avec la séquence photographique et modelée d’Anne et Patrick Poirier (Arrachement à la terre et reconstitution artificielle d’un mythe), les transpositions négatives d’Adzac ou les compléments pileux de Topor. De l’édification culturelle aux entreprises du commerce, la Vénus disparaît sous un conteneur à destination du Japon ou donne lieu à toutes les dérivations publicitaires et philatéliques […]. Musée sans murs, le Ready Museum (Colette Lambrichs, Corneille Annoset) se présente comme une simple   boîte à idées qui propose des thèmes d’exposition hors des sentiers battus et les fait circuler par les circuits officiels […]. Aussi bien sommes-nous avertis qu’il s’agit d’une exposition ouverte, à laquelle chacun peut apporter sa pierre – tout en appréciant ce qu’il y a d’entrain, parfois d’esprit, dans cette exégèse visuelle sur le mode dérisoire, – par certains côtés stimulante ».