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Disparition de Bernard Baschet

Mort de Bernard Baschet, l’homme qui « gonflait » les guitares, Le Monde.fr | 23.07.2015 : Mort de Bernard, un an après son frère François, Bernard Baschet est mort le 17 juillet 2015 à l’âge de 97 ans, laissant dans son atelier leur travail éternellement en chantier. « Notre boulot, c’était de fabriquer des timbres musicaux », expliquait-il au visiteur en donnant à entendre les sons issus de leurs derniers instruments, nénuphars métalliques majestueux, entonnoirs dégingandés, tôles joliment froissées, qui peuplaient la petite maison de Saint-Michel-sur-Orge (Essonne), où il habitait”. En 1952, François Baschet invente avec son frère Bernard, des sculptures sonores. Ce sont des instruments de musique entièrement acoustiques sculptés dans des matériaux originaux (métal, cristal, verre, carton rigide). La galeriste Iris Clert dans ses mémoires, rappelle qu’ils ont connu un certain succès dans les années soixante:

"J’avais récemment connu les frères Baschet, inventeurs d’appareils musicaux extraordinaires composés de tubes de plexiglas : Les orgues de Cristal. En passant leurs doigts mouillés sur les tubes, un couple de musiciens, Jacques et Yvonne Lasry, interprétaient du Bach et des airs de leur composition avec une virtuosité exceptionnelle. C’était littéralement inouï. […] Les Baschet suscitaient un intérêt accru avec leurs orgues de cristal, mais sans aucun profit. Un jour François me demande : Toi qui a des idées, trouve-nous une solution. Comment vendre nos oeuvres ? - C’est impossible de les vendre puisque seuls les Lasry savent s’en servir. Vous devriez faire des objets musicaux individuels, comme des sculptures. Vous avez assez de génie pour inventer cela aussi. C’est ce qu’ils firent par la suite, avec succès. Aux USA, ils furent même invités, avec les Lasry, pour donner des concerts à la Maison Blanche. "  Iris Clert, Iris Time (L’artventure), Paris,Éditions Denoël,1978. 

En 1961, la radio télévision française leur consacre un reportage dont  l’INA garde trace. François BASCHET, interviewé par Jacques MOUSSEAU, présente les instruments qu’il a conçus et explicite sa démarche. En 1962, les deux frères participent à l’exposition collective « Antagonismes II, l’Objet », organisée au musée des Arts décoratifs, à Paris. Les frères Baschet ont ensuite bénéficié d’une exposition personnelle dans le même musée des Arts décoratifs, à Paris, du 8 avril 1964 au 4 mai 1964. En 27 jours, elle accueille 2 086 visiteurs.  L’expérience dont ils gardaient un excellent souvenir, est signalée dans l’ouvrage de François Baschet paru en 2007 : il décrit dans quelles conditions il a pu exposer son travail au musée grâce à François Mathey :

« En avril 1964, le musée des Arts décoratifs nous invite à présenter nos sculptures structures dans six salles, pendant trois semaines et demi. D’habitude, le public voit dans les musées, la consigne « ne pas toucher », nous avons mis la consigne : « prière de toucher et de jouer ». Le succès est considérable. Deux vestales assistent le directeur François Mathey, Yvonne Brunhammer et Monique Ricour. » François Baschet,Mémoires sonores, Paris : L’Harmattan, 2007. 

Les orgues de cristal exposées au musée des Arts décoratifs en 1964, ont été fabriquées chez Lalique. Leur carrière prend son envol à partir de 1965 : les expositions se multiplient : à Bruxelles, au Palais des Beaux-Arts, au Moderna Museet, à Stockholm, puis à New York, au MoMA. En 1968, ils présentent au Musée d’art moderne de la Ville de Paris leurs structures gonflables.  En 1970, ils exposent à la Art Gallerie de l’Université de Californie, à Santa Barbara. Ils sont également connus pour avoir conçu des robes en aluminium plié à la main qui habillent les actrices du film sorti en 1966,  de William Klein, Who are you Polly Magoo ? polly Le MoMA expose toujours leurs oeuvres insolites, notamment le « cristal Baschet », un lointain cousin de l’harmonica de verre. Le travail des frères Baschet constitue une base de la pédagogie de l’éveil musical. Voir également l’entretien filmé de Bernard Baschet pour Télérama , ou le documentaire de 2011, Coppice & the Baschet Aluminum Piano au Museum of Contemporary Art in Chicago.

Henry Darger, l’art brut et la guerre au Musée d’art moderne de la Ville de Paris

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Voici une introduction possible à l’exposition actuellement visible au musée d’art moderne de la Ville de Paris : la visite guidée proposée par le compositeur Philippe Cohen-Solal (Gotan Project) qui vient de terminer un projet musical en hommage à ce créateur de l’art brut, une victime psychologique de l’enfermement dans sa prime jeunesse, dont il a pu s’échapper.

darger lausanneL’œuvre gigantesque de Darger retrace une guerre colorée et parfois sanguinolente, entre enfants et adultes, particulièrement saisissante. Obsédé par les concepts de vulnérabilité, de protection, de contrôle, de pouvoir et de liberté, mais aussi d’esclavage, l’œuvre d’Henry Darger peut être tout à la fois sucrée et d’une violence extrême : elle a traduit magistralement sa vision (unique en son genre) d’une guerre épique.

Cette exposition propose, au delà des 45 dessins donnés au musée, par Kiyoko Lernerla veuve de son ancien logeur Nathan Lerner ,  une vison assez complète de l’ œuvre de Darger grâce notamment à des prêts émanant du MoMA de New-York, et de la Collection d’Art Brut de Lausanne.

Voir l’ouvrage (en anglais) de Klaus Biesenbach paru en 2014 :

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Hommage à Lucien Clergue, aux origines de l’exposition photographique

Capturelucien“Il a réalisé 800 000 clichés et est l’initiateur des “Rencontres d’Arles” : le photographe Lucien Clergue est mort cette nuit à l’âge de 80 ans. 

Le revoir : http://france3-regions.francetvinfo.fr/provence-alpes/2014/11/15/le-photographe-arlesien-lucien-clergue-est-decede-592660.html

Lucien Clergue était très fier d’avoir été exposé par Steichen au  Museum of Modern Art de New York en 1961 et au
“Louvre (musée des Arts décoratifs)” en 1962. Le commissaire de cette exposition parisienne, était François Mathey.

Dans notre entretien du 21 mai 2011 , il se souvenait avoir eu cette chance grâce à une première exposition de ses photographies à Zurich : “J’avais exposé en 1958 au musée des Arts et métiers de Zurich. Le musée était mitoyen avec l’École des arts et métiers, qui était très célèbre en Europe et où avaient étudié les grands noms de la photographie suisse : Robert Franck, Burri, Werner Bischoff (qui est mort trop jeune). L’exposition d’Edward Steichen, « Family of man », était montrée au même moment dans ce musée. C’est donc à ce moment-là qu’Edward Steichen, ou son assistante Grace Mayer ont dû voir mon travail. Il a acheté neuf de mes photos qui sont ainsi entrées dans le fonds photographique du MoMA. J’ai ensuite été exposé au MoMA deux ans plus tard, en 1961, aux côtés de Yasuhiro Ishimoto et de Bill Brandt : Edward Steichen faisait une série d’expositions intitulées « Diogenes with a camera » et m’a fait figurer dans la cinquième et dernière d’entre elles. J’avais vingt-sept ans, c’était inespéré. Edward Steichen a achevé sa carrière au musée sur cette exposition”.

Comment  Mathey a-t-il eu l’idée d’organiser cette exposition ? Je n’en sais rien, peut-être avait-il entendu parler de l’exposition de New York. Il était dans une veine d’expositions de photographes, il avait exposé auparavant Cartier-Bresson, puis après moi, je crois, Denis Brihat. Nous avons préparé ensemble l’exposition, avec son assistante,  (Yolande Amic) et avec qui nous avons réglé bien des détails”.

A l’époque, par exemple, j’ai réalisé et payé l’affiche (le musée n’avait pas de moyens pour cela). Je l’ai même distribuée moi-même rue de Rivoli, au grand dam de Jean Cocteau ! Avec l’accord de François Mathey, l’affiche mentionnait que l’exposition se déroulait au « Louvre, Pavillon de Marsan, musée des Arts décoratifs ». On avait l’impression d’exposer au Louvre, ce qui est vrai, d’une certaine façon, puisqu’il s’agit des bâtiments du Louvre. Pour accéder à l’exposition, on montait le grand escalier pour se diriger vers de grandes salles, à droite, munies de grandes fenêtres.”
Les lieux d’expositions étaient rares à cette époque : le musée des Arts décoratifs était connu pour favoriser la photographie mais il n’y avait pas beaucoup d’autres lieux d’exposition, ni d’ailleurs de marché :
Il n’y avait pas grand-chose, c’est d’ailleurs pourquoi j’ai créé en 1970 les Rencontres de la photographie d’Arles. À vrai dire, c’était le vide sidéral ! Le seul lieu valable c’était le hall de la Bibliothèque Nationale, rue de Richelieu, où une fois par an, dans le cadre d’un concours national mélangeant amateurs et professionnels, nous montions les photos sur des panneaux en bois.”

La photographie n’était pas alors considérée comme un art  : ” Le fait d’avoir exposé au MoMA à New York a déclenché toutefois des choses. L’exposition chez François Mathey a provoqué quant à elle la réaction de Jean-Marie Drot qui est venu, pour la télévision, réaliser un film sur moi, à Arles, accompagné de toute son équipe. Il avait déjà réalisé toute une série d’émissions sur les artistes contemporains, cela a donc joué un rôle certain dans la reconnaissance de mon travail. Mais il ne faut pas oublier qu’à l’époque, le MNAM ne s’occupait pas du tout de la photographie, il n’y avait pas de galeries, ni à Paris, ni à New York et pas d’amateurs ni de collectionneurs non plus : il n’y avait pas de marché. Mon exposition à New York en 1961 n’a pas abouti à la signature d’un quelconque contrat avec une galerie, cela n’existait tout simplement pas à l’époque”.

Il exposait des nus dans la mer, des animaux, des études de marécages. Lucien Clergue avait bien voulu témoigné sur Mathey et cette exposition dont il se souvenait avec plaisir : “Jean Cocteau, Georges Mathieu, Michel Tournier, César étaient présents au vernissage“. Mathey avait “un côté très humain, très direct, il se mettait au service de l’artiste, il n’y a pas eu de heurts. D’autres artistes m’ont fait part de son comportement très respectueux, il était merveilleux. Il n’était pas très grand, sa corpulence lui donnait un air un peu terrien, accroché à la terre, il était sans doute d’origine paysanne, il faisait preuve vis-à-vis de moi, si jeune, de beaucoup d’attention : c’était très agréable”.

Lucien Clergue est retourné plus tard au musée des Arts décos : “Beaucoup plus tard, car une partie de mon travail a consisté à réaliser des surimpressions de photos de nus ou de corridas sur des tableaux, j’ai eu l’accord de Marie-Claude Beaud[1] pour aller dans les salles du musée prendre quelques photos, mais je suis allé plus souvent au Louvre dans le cadre de ce travail”.

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Le tournage du Testament d’Orphée par Lucien Clergue : Le photographe Lucien  CLERGUE raconte le tournage du film Le Testament d’Orphée dans le Val d’Enfer des Baux de Provence : http://www.ina.fr/video/I00006527

[1]Directrice générale des musées de l’UCAD (et directrice du musée de la Publicité), de 1996 à 1999.

La Joconde en 11 000 exemplaires

Le Louvre confirme l’acceptation du legs des 11.000 pièces de la collection du “jocondophile” Margat. Cela donne lieu à un certain nombre de commentaires :http://www.lefigaro.fr/arts-expositions/2014/06/20/03015-20140620ARTFIG00020-le-louvre-confirme-le-leg-des-11000-pieces-du-jocondophile.php

Pourquoi le Louvre accepte-t-il cette collection ? Elle semble pour certains indigne du musée qui l’accueille. En guise de boutade certains  verraient davantage cette collection au musée des ATP ( musée des arts et traditions populaires) mais ce musée créé en 1937 sous le Front Populaire par Georges- Henri Rivière (1897-1985) a fermé ses portes depuis 2005. Ou plus exactement ses collections ont rejoint celles du MUCEM, Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée : http://culturebox.francetvinfo.fr/expositions/evenements/les-arts-et-traditions-populaires-sinstallent-au-mucem-a-marseille-130875

En quoi cette collection d’objets dérivés du tableau de Mona Lisa par Léonard de Vinci ressortirait-elle des arts et traditions populaires ?  Pour Jean Margat, géologue de formation, spécialiste en hydrologie, il s’agit surtout de déconstruire le chef-d’œuvre pour ridiculiser l’idolâtrie. Il a déjà écrit sur ce thème un ouvrage paru le 1er avril (!) 1997, LE MYTHE DE LA JOCONDE. Déclinaisons sur le tableau le plus emblématique de tous les temps :

9782828905477FS“devenue un personnage à part entière, mythifié par notre société de consommation, à laquelle elle prête les multiples facettes de son visage. La Joconde et le sourire ambigu qu’elle arboré ne nous révèlent jamais entièrement sa véritable personnalité. Ses Intentions, son caractère, les sentiments que cache son visage neutre et flou, tout en elle nous échappe. C’est peut-être la raison pour laquelle nous tentons à tout prix de la travestir et de la défigurer, à travers les Innombrables pastiches qui ont été faits d’elle. Car elle est véritablement partout. En première page des magazines, elle vole la vedette aux cover-girls du XXI siècle pour mieux personnifier La Femme immuable, une sorte d’essence de la féminité qui traverserait l’espace-temps. Sur une quantité de cartes postales, elle devient l’ambassadrice du Louvre et des richesses culturelles de Paris. Elle apparaît également dans la publicité et sur toutes sortes d’affiches. Parfois même, on lui vole son identité pour remplacer son visage par celui d’hommes ou de femmes célèbres. C’est alors l’ultramédiatisation de Mona Lisa que l’on utilise, afin de symboliser la renommée internationale de personnages connus. La Joconde devient donc à la fois la déesse que l’on vénère et que l’on désacralise, selon que l’on accepte humblement son mystère ou que l’on tente irrévérencieusement de résoudre son énigme. Car les multiples caricatures qu’elle a subies ou inspirées sont en vérité autant de moyens de s’approprier ce personnage et de le comprendre. Ce sont ces pastiches et ces transfigurations que cet album retranscrit, en témoignage à la femme qui aura fait le plus fantasmer l’humanité”. Jean Margat

En enrichissant ainsi ses fonds, le musée du Louvre pourra sans doute prochainement renouveler l’esprit de l’exposition déjà réalisée en 1971 par le musée des Arts décoratifs sur le même thème grâce à des artistes idolâtres japonais :  Japon-Joconde. Joconde cent sourires, par Makoto Nakamura ( né en 1926, voir sa collection au MoMA : http://www.moma.org/collection/artist.php?artist_id=4212) et Shigeo Fukuda (1932 – 2009 http://www.graphistes-world.com/shigeo-fukuda). Il s’agissait alors de Variations graphiques sur le tableau de Vinci par ces deux graphistes japonais.japon_nakamura_fukuda_00

Sources et veille : s’informer sur les expositions, les musées, en France et ailleurs

Deux sources qui permettent de s’informer sur l’actualité des musées et des expositions et qui peuvent ainsi participer à la veille sur ces sujets de recherche :

La lettre de Raphaël Pic : http://www.artaujourdhui.info/index.php

“L’Art Aujourd’hui est une société d’édition multimédia, créée à Paris en 2001 par des professionnels de la presse, de la communication et du marketing, à l’origine de nombreuses publications innovantes qui font toujours autorité dans leur domaine, tels Stratégies pour le monde de la communication, ou le Journal des Arts pour celui de l’art.”

Rédacteur en Chef, Rafael Pic : Expositions, musées, galeries, salons, enchères, livres, multimédia, l’Art en Europe et dans le monde. La lettre évoque de nouveaux musées en Europe :
– à Bruxelles, le musée  “fin de siècle” qui a ouvert le 6 décembre 2013 :
“Ces œuvres témoigneront de la multitude des disciplines artistiques entre 1868, date de la fondation de la Société libre des Beaux-Arts et 1914. Des peintres et des sculpteurs aussi renommés que Constantin Meunier, James Ensor, Henri Evenepoel, Fernand Khnopff, Léon Spilliaert ou encore Georges Minne témoignent de l’effervescence de cette période, qui s’est aussi manifestée dans tous les autres domaines de la création : littérature, opéra, musique, architecture, photographie ou poésie (Maurice Maeterlinck, Emile Verhaeren, Octave Maus, Victor Horta, Henri Van de Velde, Maurice Kufferath, Guillaume Lekeu, …). L’architecture Art Nouveau sera également évoquée, grâce à un outil de projection en 3D. Situé en plein cœur de Bruxelles, là où entre 1884 et 1914 les expositions des cercles Les XX et La Libre Esthétique ont fait de la ville l’une des capitales artistiques de la fin du XIXe siècle, ce musée se distinguera par son caractère pluridisciplinaire, grâce à un partenariat avec la Bibliothèque royale, le Théâtre royal de la Monnaie, les Musées royaux d’Art et d’Histoire, la Cinematek, la Bibliotheca Wittockiana et la Fondation Roi Baudouin, ainsi que la Région Bruxelles-Capitale dont le dépôt de la collection Gillion Crowet constituera l’un des points forts du parcours.”

musée fin-de-siècle museum – Every end is a new beginning.

Musée Fin-de-Siècle Museum
rue de la Régence, 3
1000 Bruxelles Site web http://www.fin-de-siecle-museum.be

– La fondation Arnaud qui ouvre un musée le 22 décembre 2013,  consacré à la la peinture du XIXe à Lens (Suisse) : http://fondationpa.ch/fr/100/homepage
La Tate Britain qui adopte une nouvelle présentation : http://www.tate.org.uk/
– La réouverture du Musée de Valence à compter du 14 décembre 2013.
http://www.museedevalence.fr/
La réouverture du Musée des  Beaux-Arts de Bordeaux le 19 décembre 2013.

http://www.musba-bordeaux.fr/

Plus pointu, pensé et critique, le blog bien connu des spécialistes, d’Élisabeth Lebovici, “Le beau vice” : http://le-beau-vice.blogspot.fr/?view=mosaic

Cette ancienne journaliste du quotidien Libération, titulaire d’une thèse de doctorat sur L’Argent dans le discours des artistes américains, 1980-81 à l’Université Paris X, est l’auteure de nombreuses monographies d’artistes et coorganise depuis 2006 le séminaire “Something You Should Know: artistes et producteurs” à l’EHESS, Paris.

Elle se fait l’écho notamment des rapports parfois malaisés entre recherche et musées, “au temps présent”. E. Lebovici note par exemple que le MoMA prend en compte les travaux de recherche les plus récents et modifient dans le cadre d’une prochaine exposition, ses cartels : le musée reconnaît ainsi l’apport des chercheurs, ce n’est pas toujours le cas ailleurs :

“Pour tenir compte de la recherche, qui  s’efforce de repenser l’histoire des représentations modernes au tamis des questions de genre et de sexualités, le musée a décidé de changer ses cartels pour une exposition à l’automne prochain et le fait savoir à celle qui a fait bouger les lignes.”

http://le-beau-vice.blogspot.fr/?view=mosaic#!/2013/12/qui-peur-des-etudes-de-genre-et-de.html