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Dessins d’exception du musée Pouchkine

Le musée Pouchkine, à la Fondation Custodia, présente en 200 dessins, un condensé éblouissant de l’histoire de l’art et du dessin européens, du XVe au XXe siècle. L’ensemble des espaces d’expositions disponibles de la Fondation ont été mobilisés pour offrir une scénographie aérée, simple et bien éclairée.

Comme le précise Ger Luijten, directeur de la Fondation Custodia : « Les dessins du Musée Pouchkine sont mondialement connus mais n’ont, pour certains, jamais été montrés en Europe, et je suis heureux d’accueillir ces trésors ».

Albrecht Dürer (Nuremberg 1471 – 1528 Nuremberg), Putti danseurs et musiciens, avec un trophée antique, 1495
Plume et encre noire, 271 × 314 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Giuseppe Cesari, dit le Cavalier d’Arpin, les Collecteurs d’impôts (1591-1596).
Rembrandt Harmensz van Rijn (Leyde 1606 – 1669 Amsterdam), Étude d’une femme tenant un enfant dans les bras, vers 1650
Plume et encre brune, rehauts de blanc, 110 × 67 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Jean-Honoré Fragonard (Grasse 1732 – 1806 Paris), L’Attaque, fin des années 1770 Encre brune à la pointe du pinceau et lavis brun sur un tracé à la pierre noire, 343 × 460 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Nicolas Poussin (Les Andelys 1594 – 1655 Rome), Zénobie trouvée sur les bords de l’Araxe, vers 1640 Plume et encre brune, lavis brun, traces de pierre noire, 146 × 205 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Jacques-Louis David (Paris 1748 – 1825 Bruxelles), Étude pour la figure d’Hersilie, 1796.
Pierre noire, estompe, craie blanche sur papier beige, 488 × 395 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Caspar David Friedrich, Deux hommes au bord de la mer (1830-1835). Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Le panorama est exceptionnel : Dürer, Véronèse, Rubens, Fragonard, Tiepolo, Caspar David Friedrich, Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec et Van Gogh,Signac, mais aussi Franz Marc, Grotz, Kandisky, puis Picasso des années 1900, Matisse, des esquisses de la Danse et des dessins des années 1940, Léger des années 1950…
Picasso, Etude pour la Composition à la tête de mort (1908). (c) Succession Picasso. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Vassili Kandinsky, Composition E (vers 1915). Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Portrait de Lydia Delektorskaya (1945). (c) Succession Matisse. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Musée Pouchkine. 500 ans de dessins de maîtres. Commissariat : Marina Lochak, directrice du Musée Pouchkine.

Figurent des oeuvres d’artistes russes moins connus, du XIXe siècle, comme Karl Brioullov :

Karl Brioullov (Saint-Pétersbourg 1799 – 1852 Manziana), Vallée d’Ithôme avant l’orage ; Chemin de Sinano après l’orage, 1835
Aquarelle sur un tracé au graphite. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

L’exposition permet également de découvrir les dessins de nombreux artistes de l’avant garde russe créés à partir des années 1900 et qui ont été conservés à Moscou : Chagall, Larionov, Gontcharova, Malevitch (alors figuratif), Tatline ..

mais aussi le peintre et illustrateur Alexandre Deineïka “qui a joué un rôle majeur dans le développement de l’art soviétique dans les années 1920”.

Vladimir Tatline (Moscou 1885 – 1953 Moscou), Un Szlachcic de Pologne, 1913 Aquarelle, lavis d’encre noire, graphite sur carton. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Kasimir Malevitch (Kiev 1878 – 1935 Léningrad), Enfants dans un pré, 1908.
Graphite et  gouache. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Conformément a la politique habituelle de médiation de la Fondation Custodia, une brochure gratuite destinée aux visiteurs, rassemble les notices détaillées de chaque dessin présenté.

Francesco Mazzola, dit Parmigianino (Parme 1503 – 1540 Casal Maggiore), Études de têtes, 1525-1527 Sanguine, 198 × 135 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Du 2 février au 12 mai 2019, tlj de 12 h à 18 h sf lundi. Fondation Custodia – 121, rue de Lille – 75007, Paris.

Site Fondation custodia : http://www.fondationcustodia.fr

Le catalogue : Vincent van Gogh (Groot Zundert 1853 – 1890 Auvers-sur-Oise), Portrait d’une jeune femme (La Mousmé), 1888 Plume métallique, plume de roseau et encre noire, sur un tracé au graphite. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Le  communiqué et le Dossier de presse

Visites guidées de l’exposition sur réservation les 1er, 16 et 30 mars, le 16 avril et le 8 mai à 12h30.

Matisse, La Danse, Composition 1, 1909, esquisse, plume et encre noire, aquarelle. (c)Succession Matisse. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Une nouvelle extension du musée de l’Ermitage : un hommage aux frères Morozov et à Sergueï Chtchoukine

Le musée de l’Ermitage est encyclopédique. Il s’ouvre à l’art contemporain et depuis 1997, il a acquis de nouvelles œuvres d’art du XXe siècle,  comme celles de Soulages (Peinture 220 x 324cm, 19 janvier 1995 (cat. n° 1135) acquise en 2002) ou de Louise Bourgeois. qui a bénéficié d’une exposition temporaire au musée en 2001.

Le bizot groupe a salué en ces termes le 250e anniversaire de ce musée : “On 26 November 2014, Directors of the world’s largest museums, the Bizot Group members, congratulated Mikhail Piotrovsky and all the employees of the State Hermitage Museum on the 250-year anniversary of the museum. The greeting says: “The State Hermitage Museum is a unique cultural institution and the world’s leading museum. Russian history and culture are represented here as nowhere else, yet the museum is also an outstanding scientific centre. Over these 250 years the Hermitage has remained a centre of international museum cooperation”.

A l’occasion de cet anniversaire, le musée de l’Ermitage a ouvert progressivement depuis décembre 2014, de nouvelles salles  consacrées à un musée de l’art européen des XIX-XX siècles, installé dans les salles de l’Etat-Major général de la garde impériale, situées de l’autre côté de la place du Palais, et qui n’avaient jamais été utilisées jusque-là à des fins muséales. Ces salles accueillent désormais des expositions temporaires nombreuses.

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« Petersburg-square ». Sous licence CC BY 2.0 via Wikimedia Commons –

Ce changement considérable de la structure et de la disposition des collections se présente au quatrième étage par un hommage à la mémoire des célèbres collectionneurs russes, les frères Morozov et  Sergueï Chtchoukine, évoqués en 2014 au festival de l’histoire de l’art de Fontainebleau,  par Tatiana Mojenok-Ninin ” Deux conceptions de la maison-musée, une même influence fondamentale sur l’avant-garde russe : De 1900 à 1917, Chtchoukine et Morozov rassemblèrent à Moscou des dizaines de Monet, Gauguin, Cézanne, Matisse, Picasso. L’un ne suivait que son intuition et ouvrait largement ses portes aux jeunes peintres. L’autre avait besoin de conseils, et sa collection n’était connue qu’au travers de revues. Mais tous deux inspirèrent une génération entière”.

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Grâce à eux, l’Ermitage peut réunir une brillante collection de peinture française, de l’impressionnisme aux mouvements du XXe siècle. Ce nouveau parcours de la peinture française débute avec la salle Claude Monet qui réunit quatorze tableaux du maître, puis une autre salle consacrée aux natures mortes d’Henri Fantin-Latour, la salle des paysages de Camille Pissarro et d’Alfred Sisley, le parcours se poursuit avec la salle d’Edgard Degas, et sa “Place de la Concorde”. Dans les deux salles suivantes sont installées les travaux d’Auguste Renoir. Ensuite figurent les œuvres de Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, les peintres du groupe “Nabi” :  Pierre Bonnard, Edward Vuillard, Maurice Denis. les salles consacrées à Matisse, Picasso et leurs contemporains, ferment la marche et viennent d’ouvrir en juin de cette année.

Le musée de L’Ermitage souhaite que ce nouvel accrochage, cette nouvelle exposition permanente de ses collections, qu’il a réalisée à titre expérimental, “devienne l’objet d’une discussion publique” : “Il  est important pour nous de recueillir les opinions des visiteurs du musée sur ses aspects positifs comme sur ses lacunes. Nous vous proposons de laisser une inscription sur le livre d’or spécial situé dans le bâtiment  de l’Etat-Major général de la garde impériale. Vous pouvez écrire aussi un commentaire sur le blog du musée, sur le site de l’Ermitage ou adresser un  message à cette adresse redactor@hermitage.ru”.

Pour le directeur du musée, le meilleur moyen de célébrer les 250 ans de l’Ermitage,  est d’organiser “un nombre encore plus grand d’expositions et de s’ouvrir encore plus au public”.

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Sur le musée de l’Ermitage voir également le documentaire de 83 minutes de  Margy Kinmonth : L’ermitage dévoilé, 250 ans d’histoire, sorti en salle, en France en septembre 2014.

 

Art sacré : la salle Matisse aux musées du Vatican

06_evento_matisseen 2011, les musées du Vatican ( http://www.museivaticani.va/2_IT/pages/MV_Home.html) ont inauguré une Salle Matisse, un autre hommage aux dernières années de création de l’artiste actuellement célébrées aux USA ( après la Tate Modern de Londres: http://musearti.hypotheses.org/?p=2897=)

la décoration de la Chapelle du Rosaire de Vence a été réalisée entre 1948 et 1952  :

http://mv.vatican.va/2_IT/pages/z-Info/MV_Info_Evento06.html

“I Musei Vaticani si è inaugurata la Sala Matisse, interamente dedicata ai bozzetti preparatori della Chapelle du Rosaire di Vence, in Provenza” :http://www.arte.rai.it/articoli/sala-matisse/2113/default.aspx

François Mathey a exposé Matisse  (http://musearti.hypotheses.org/?p=4420 )et a participé activement à la création de la section contemporaine des musées du Vatican bien avant son inauguration par Paul VI en 1973.

L’abbé Morel avait été chargé par Pie XII, après la guerre, de travailler à l’extension, au XXe siècle, des collections de la pinacothèque vaticane.  Le pape Paul VI amplifie le mouvement car pour lui ” Le thème est le suivant : il faut restaurer l’amitié entre l’Eglise et les artistes”, in  Paul VI aux artistes, Chapelle Sixtine, 7 mai 1964.

En 1970, le père Régamey nommé à Rome se préoccupe de faire reconnaître le travail de la commission diocésaine d’art sacré de Besançon. Il saisit Lucien Ledeur des projets du secrétaire du Pape, Mgr Macchi qui souhaite créer au Vatican des salles sur l’art religieux moderne. Dans ces salles vont figurer des œuvres de Rouault, du Père Couturier et des maquettes des vitraux de Manessier pour l’église des Bréseux.

Depuis 2000, la Collezione d’Arte Contemporanea dei Musei Vaticani, soit 800 œuvres de 250 artistes internationaux, est dirigée par Micol Forti : http://www.micolforti.it/

Forti M (2008). Paolo VI e le Collezioni Vaticane, in « Arte Cristiana », vol. XCVI, n. 847, luglio-agosto 2008, pp. 247-252.

Pour en savoir plus sur  François Mathey  et l’art sacré  :

http://www.lespressesdureel.com/sommaire.php?id=2947&menu=

http://www.lespressesdureel.com/ouvrage.php?id=2947&menu=

 

Le Pape Paul VI est également à l’origine d’une collection d ‘art contemporain moins connue et située à Brescia, celle de l’Associazione Arte e Spiritualità : Constituée de divers legs (gérés essentiellement par Monseigneur Pasquale Macchi, ancien secrétaire particulier de Paul VI), la collection de l’Associazione Arte e Spiritualità s’enrichit régulièrement de donations et de nouvelles acquisitions. Elle fut ouverte au public en 1988, et se trouvait jusqu’en juillet 2009 dans un édifice de la ville de Brescia. Elle est située à proximité de cette ville :
de carliLe patrimoine considérable que rassemble la Collection Paul VI – art contemporain compte près de 7000 œuvres. Des artistes majeurs du XXe siècle italien et international y sont représentés : Henri Matisse, Marc Chagall, Pablo Picasso, Salvador Dalí, René Magritte, Erich Heckel, Oskar Kokoschka, Gino Severini, Mario Sironi, Giorgio Morandi, Felice Casorati, Georges Rouault, Jean Guitton, Emilio Vedova, Hans Hartung, David Hockney, Lucio Fontana, Giò et Arnaldo Pomodoro et beaucoup d’autres.

http://www.collezionepaolovi.it/storia-collezione-paolo-vi.asp?lingua=4

 

“Once in a lifetime ! ” : Matisse et Malevitch à la Tate Modern

Once in a lifetime” :  c’est le même slogan qu’emploie la Tate Modern www.tate.org.uk, pour vanter ses deux expositions en cours :

– celle sur les papiers découpés de Matisse jusqu’au 7 septembre : http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/henri-matisse-cut-outs

Vincent Noce dans son article :http://next.liberation.fr/arts/2014/08/25/matisse-decoupes-de-genie_1086747, fait allusion à la chapelle de Vence dont la décoration a été commanditée à Matisse par les dominicains. Le père dominicain Marie-Alain Couturier écrivait à ce propos :

« L’admirable vieillesse des très grands peintres. Souvent ce qu’il y a de plus pur chez un être apparaît à la faveur de certaines déchéances et de l’usure due à l’âge. La main tremble, ne fait plus que l’essentiel. Tout le reste tombe. » in Marie-Alain Couturier, Se garder libre : Journal (1947-1954),  éditions du Cerf, 1962.

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Nuit de Noel», par Henri Matisse, exposé à la Tate Modern de Londres, en avril 2014.(Photo Luke MacGregor. Reuters).

et celle consacrée à Malevitch http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/malevich, jusqu’au 26 octobre prochain.

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C’est l’occasion de rappeler deux expositions pionnières à Paris :

– celle organisée en 1961 par François Mathey : Henri Matisse : Les grandes gouaches découpées, mars-mai 1961, au musée des arts décoratifs, Paris :http://musearti.hypotheses.org/?p=2897

http://musearti.hypotheses.org/?p=858

–  et celle consacrée aux artistes de l’avant garde russe figurant dans la Collection Costakis au musée Maillol (http://www.museemaillol.com/)  en 2008-2009 : http://www.lexpress.fr/culture/art-plastique/l-avant-garde-russe-dans-la-collection-costakis_710555.html

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L’oubli créateur : un commencement, sans débris, sans cendres, sans braises anciennes ?

Le numéro 13 thématique « Trauma et création » de la revue Appareil, a pour pivot l’œuvre de Germain Rœszqui, alors que rien dans son contexte familial, culturel ou professionnel ne l’y destinait, s’est mis à manier la couleur et les mots après un très long coma. Le cours de son histoire individuelle s’est vu brisé par un temps impossible à récupérer, car échappant à la mémoire. Pourtant, ce blanc n’est pas rien…”

La revue Appareil prend pour départ “l’hypothèse que le trauma constitue une expérience-limite par rapport à laquelle penser la création. Il peut sembler paradoxal qu’une « blessure » (τραῦμα) aux conséquences apparemment seulement négatives : fractures, lésions, dysfonctionnements, déficiences et privation de fonctions corporelles, perte de conscience puisse être d’une quelconque fécondité pour la production plastique, poétique et philosophique. Pourtant, de la chute de cheval de Montaigne aux accidents d’avion de Sam Francis ou de Joseph Beuys, ces coupures sont perçues comme une matrice productive. Que nous disent les traumas, et notamment leur forme majeure qu’est le coma, du faire créateur ? Les concepts de corps, de mémoire, de conscience, les notions de durée, d’inscription, de volonté s’en voient réinterrogés”

Quelles sont les caractéristiques d’une production artistique qui surgit après un coma ? Telle est la question que se pose Jean-Louis Déotte (philosophe, professeur à Paris VIII)  dans un article intitulé Entre le trauma et le coma : http://appareil.revues.org/2002

Il commente l’expérience et l’œuvre de Germain Rœsz, ancien apprenti boucher des abattoirs de Colmar en Alsace, qui, à l’issue d’une longue hospitalisation,  devient artiste peintre en 1970 : “La question traitée sera celle des rapports entre les arts, ici la peinture, et les effondrements psychiques, individuels ou collectifs. Elle partira du constat qu’il y a de telles discontinuités historico-politiques que l’hypothèse métaphysique d’une « raison dans l’histoire » est bien problématique, parce que l’humanité n’est pas un sujet collectif, lequel pourrait se ressaisir, se réfléchir au moins comme « esprit » dans sa totalité depuis un supposé commencement.  […] Nous nous intéresserons donc à des artistes dont l’horizon ne fut pas muséal. Mais hospitalier, dans un sens large… “.

Jean-Louis Déotte  conteste  ” la thèse de Warburg et Didi-Huberman, celle d’une survivance des formes esthétiques. Pour qu’il y ait mémoire (individuelle ou collective), il faut bien un support continu. Et pour les arts, cela suppose l’existence du musée, qui n’est qu’une invention du XVIII e siècle.”  Il a conclu dans ses travaux précédents, que paradoxalement, le musée est un appareil d’oubli. Il insiste sur le fait que dans “la vie des individus comme dans celle des sociétés, il y a des blancs”. L’humanité est à son sens, “globalement épileptique”.

” Rœsz, jeune adulte, est revenu au monde à partir d’un long coma provoqué par un accident de la route qui aurait dû être son tombeau. C’est la très longue hospitalisation qui fut fondatrice, parce qu’elle interrompit durablement toute activité :  “L’origine de ma peinture se situe dans un choc fondateur, un trauma comatique. Ne pas voir ni penser le monde. Savoir, au retour, parmi les vivants et la parole qu’une partie de soi-même, de sa conscience fut abolie, oubliée. […] Mais cette anecdote qui est la mienne comment peut-elle interroger celui qui regarde ? Comment et pourquoi serait-il concerné ? ” Germain Rœsz, Peintures, 1970-2011, Paris, L’Harmattan / Cour carrée, 2012.

Cette expérience traumatisante fait écho à bien d’autres parcours individuels ou collectifs liés notamment aux génocides du XXe siècle, expériences vécues ou emblématiques des héros de La Storia d’Elsa Morante.

Germain Rœsz “n’était pas destiné à devenir artiste (qui l’est d’ailleurs en dehors de ceux qu’une loi commande un jour de peindre, d’écrire, etc. ?). Il faut souvent l’interruption de la vie par la maladie (Matisse), l’accident (l’avion de Sam Francis s’écrasant dans le désert), l’incarcération (Stiegler), l’isolement (Descartes), la solitude (Woolf) pour venir briser l’élan vital. Car sans cela, la répétition de l’habitus social, de l’hexis corporel s’imposeraient à tous, toujours. Et il n’y aurait pas d’art”.

Pour Jean-Louis Déotte : ” il faut donc considérer que la Mère des Muses, ce n’est pas Mnémosyne, mais l’Oubli.[…] Héraclite (frag. 30) chante un kosmos éternel, incréé, impérissable : Ce monde-ci, le monde pour tous, nul des dieux ni des hommes ne l’a fait. Mais il était toujours, est et sera feu éternel, s’allumant en mesure et s’éteignant à mesure”.

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