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L’histoire par petites touches : pastels, dessins et gravures au Louvre

La première exposition, qui vient d’ouvrir en juin : « En Société », au musée du Louvre, jusqu’au 10 septembre 2018 (Commissariat de Xavier Salmon, auteur du catalogue raisonné des pastels du Louvre) est organisée par le département des Arts graphiques du Louvre : il s’agit d’une exposition essentiellement de portraits, autour de la collection de référence du musée, soit plus de 120 pastels du 17 e et du 18 e siècles, restaurés et protégés grâce au mécénat des American Friends of the Louvre.

Ce type de création est d’une extrême fragilité, puisque les pastels sont créés « à partir de poussière colorée que l’on a souvent comparée à celle couvrant les ailes de papillon ».

Si Jean-Etienne Liotard, (1702-1789), Maurice Quentin Delatour (1704 – 1788), François Boucher  (1703-1770), Elisabeth-Louise Vigée Le Brun (1755-1842),  Jean-Baptiste Siméon Chardin  (1699-1779) ou encore Jean-Marc Nattier (1685 -1766) sont les plus connus, ils ne sont pas les seuls  à être exposés : parmi eux figurent d’autres d’artistes, souvent anciens élèves de Quentin Delatour.

( Jean-Etienne Liotard, (Ecole suisse) Portrait de Madame Jean Tronchin, née Anne de Molesnes).

Joseph Ducreux (1735-1802) élève de Quentin,  se focalise sur les traits de son modèle ( sa mère ) dans ce pastel sur papier beige. Tous illustrent la société de l’Ancien régime en offrant un beau parcours ponctué de multiples indications techniques (sur les supports et les matériaux), mais aussi historiques, grâce à  des cartels clairs qui documentent  des thèmes de société jusque-là peu évoqués de façon aussi explicite dans une exposition d’art ancien :

Ce portrait réalisé par Jean-Baptiste Perronneau (1715 -1783 ) est celui de Jean Couturier de Flotte,   qui, comme le précise le cartel, appartenait à la bonne société huguenote de la région bordelaise qui s’était enrichie dans le commerce triangulaire  en particulier avec Saint Domingue.

 

 

 

 

L’exposition comprend des artistes femmes, pastellistes  comme  Adélaïde Labille-Guiard  (1749-1803) qui précise le cartel, a dû multiplier les portraits d’académiciens (ici le sculpteur Augustin Pajou)- avant de pouvoir à son tour être reçue à l’Académie en 1783, en même temps qu’ Élisabeth Vigée-Lebrun.

 

 

 

 

Le théâtre de Voltaire avec Simon Bernard Lenoir ( 1729-1791) est évoqué  avec ce  portrait de l’acteur Henri-Louis Caïn, dit Lekain (1728/29-1778) dans le rôle d’Orosmane dans  Zaïre.

Le parcours, à plusieurs reprises, évoque l’erreur passée ou l’incertitude quant à l’attribution  d’une œuvre : les conservateurs des collections mentionnent explicitement avec davantage de simplicité,  les désaccords  pouvant exister entre spécialistes : ainsi pour ce Portrait de jeune homme entouré d’une bordure ovale, attribué à Gandolfi Ubaldo ( 1728-1781), ou à son neveu Mauro Gandolfi (1764- 1834).

La concurrence entre les pastellistes et les choix qu’ils ont finalement dû opérer pour y faire face sont aussi mis en avant : Jean-Baptiste Perronneau, concurrencé (férocement dit le cartel), par Quentin, se tourne vers la province et trouve de nombreux clients chez les négociants d’Orléans comme Augustin Prosper Tassin de La Renardière, qui fut un industriel et collectionneur d’art orléanais ayant fait  fortune dans le raffinage du sucre.

Les cadres d’origine de ces œuvres sont également remarquables. (Une exposition temporaire consacrée aux cadres est actuellement en préparation)

La dernière salle présente notamment des pastels anglais, comme ce portrait de 1790 réalisé par John Russel  :

Cette époque marque la fin du succès du pastel, qui déclinera ensuite au profit de l’art des miniatures.

Le catalogue

Base des collections du département des arts graphiques du musée du Louvre

L’exposition s’achève par la présentation  de pastels MNR : un grand panneau rappelle en trois langues, la situation de ces œuvres spoliées,  récupérées à l’issue de la deuxième guerre mondiale, et les différentes étapes de recherches et de restitutions menées depuis lors. Les cartels extrêmement détaillés  précisent ensuite pour chacune des œuvres présentées, leur histoire, telle qu’on a pu la reconstituer, après leur récupération en Allemagne à partir de 1945 et  pour qui on est  toujours à la recherche des propriétaires et de leurs descendants, comme ce pastel remis au Cabinet des Dessins par la Commission de récupération artistique le 23 décembre 1949 :

Pour l’ensemble des œuvres concernées, voir la Base MNR.

Voir également la recension de l exposition par des spécialistes du dessin de l’association Bella Maniera et celle effectuée par le GRHAM, Groupe de Recherche en Histoire de l’Art Moderne.

La seconde exposition temporaire de dessins présentée simultanément  au Louvre est consacrée au graveur topographe  Israël  Silvestre  :  « La France vue du Grand Siècle » et présente des dessins inédits. Une soixantaine de « vues » dessinées du célèbre graveur sont exposées au Musée du Louvre. Parmi celles-ci, les châteaux et jardins de Vaux, Versailles, Meudon  ou Montmorency ( château aujourd’hui disparu).

L’exposition débute avec le brevet de logement au Louvre accordé à  l’artiste,  par faveur royale,  en 1675, après le premier obtenu en 1668. Parmi les nombreux dessins et gravures présentés,  à signaler ceux qu’il réalise lors de son voyage à Rome :

Vue du Forum depuis le Colisée, vers 1643/44-1653. Paris. Fondation Custodia, collection Frits Lugt, 4996 © Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Paris.

Si l’exposition valorise le fonds du Louvre, elle bénéficie aussi des nombreux prêts accordés par la Fondation Custodia. Cette exposition est organisée avec le concours de la Bibliothèque nationale de France, de la Fondation Custodia, de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, du Mobilier national et de l’Institut national d’histoire de l’art (Voir la conférence organisée par les deux commissaires Bénédicte Gady, du musée des Arts décoratifs et Juliette Trey, du musée du Louvre). Silvestre réalise   de nombreux dessins et gravures  à une époque où il lui faut imaginer des vues aériennes pour dessiner les villes conquises aux portes du Royaume: Colbert l’envoya  en effet dessiner des vues de Toul, Metz, Charleville ou Verdun, récemment devenues françaises.

Ami de Charles Le Brun, Silvestre dessinera sa demeure à Montmorency (aujourd’hui disparue) mais aussi  à Meudon, le parc et le château du ministre du Roi,  le marquis de Louvois  :

Israël Silvestre, Château et parc de Meudon, vus du côté du village de Fleury, 1687. Paris, musée du Louvre, département des Arts graphiques, Inv 33039 © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Michel Urtado. 

Cette exposition est notamment décrite dans le journal Le Monde.

Quand David Hockney exposait à Paris en 1974 au musée des Arts Décos et rendait hommage au Louvre

Dès 1974, grâce au British Council et au financement de l ‘AFAA ( Association française d’action artistique), David Hockney a présenté ses oeuvres à Paris au musée  des Arts décoratifs de Paris, alors dirigé par Francois Mathey, coorganisateur de l’événement.

Le catalogue, bilingue, comprend notamment un entretien de l’artiste avec  le critique Pierre Restany.

La rétrospective actuelle ne comprendra peut-être pas  ces deux illustrations -hommage au Louvre et à Paris, ville où  l’artiste  a vécu de 1973 à 1975 : la première de couverture  s’intitule « contrejour on the french style- against the day dans le style français ». 1974.

Cette oeuvre est aujourd’hui  au Ludwig Museum, à Budapest.

La dernière de couverture  du catalogue « two vases in the Louvre » 1974,  sera aussi sur l’affiche de cette exposition.

 « Hockey lors de son séjour à Paris occupe l’atelier qui fut autrefois celui de Balthus. Au Louvre, il photographie, dessine cette fenêtre qui lui inspirera son Contre-jour… »

David Hockney fait partie de ces nombreux artistes inspirés par le Louvre et que Pierre Schneider évoquait à l’occasion de l’exposition « Copier-créer  » organisée par Jean-Pierre Cuzin en 1993 pour célébrer le bicentenaire de ce musée : Les pille-art du Louvre, publié le 27/05/1993 :

« Dès la création du musée, les plus grands peintres s’y sont nourris des oeuvres de leurs prédécesseurs. Pour les interroger, les dévorer, et, finalement, les oublier. La preuve en 330 peintures et dessins ».

A signaler également la parution récente des articles de presse de Pierre Schneider parus sous le titre « Chroniques de l’Express (1960-1992) Le droit à la beauté ».

 

Histoire des expositions : un débat

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A signaler dans le dernier numéro  de la revue de  Perspective – n° 1 – 2015, un débat avec Laurence Bertrand Dorléac, Philippe Descola, Pierre Georgel commissaires d’expositions : Qu’est-ce qu’exposer ?

Extrait : « Aujourd’hui nous assistons à un élargissement du domaine des expositions, tant du point de vue des sujets proposés que des objets présentés. Le critère esthétique, qui avait prévalu jusque dans les années 1980, n’est plus le seul paramètre de référence. Cet élargissement répond à des attentes profondes du public et, en même temps, aux exigences du « marché de la culture ». Nous pouvons citer un grand nombre d’expositions qui ne relèvent pas du domaine de l’histoire de l’art au sens traditionnel et qui ont rencontré un grand succès auprès du public : l’exposition sur la douleur à la Cité des Sciences et de l’Industrie en 1992-1993, La Mélancolie au Grand Palais en 2005 ou encore la série de grandes expositions d’anthropologie programmées ces dernières années par le Musée du quai Branly (on peut notamment citer : Qu’est-ce qu’un corps ?, Planète métisse, La Fabrique des images ou Exhibitions : l’invention du sauvage…). Même un musée d’art traditionnel comme le Louvre propose aujourd’hui..’.

Paru au comptoir des presses d’universités. le comptoir des presses d'universités

 

 

La Seconde Guerre mondiale et le Stedelijk museum

Du 27 février au 31 mai 2015, une exposition est consacrée au stedelijk museum et à la seconde guerre mondiale. Moins connues en France que les aventures de J. Jaujard au Louvre, les activités résistantes d’un responsable du Stedelijk museum, Willem Sandberg (1887-1984) méritaient elles aussi d’être soulignées, à l’occasion du 70 e anniversaire de la libération des Pays-Bas qui sera célébré en mai 2015. L’exposition est structurée à partir de la collection permanente mais présente également des documents photographiques inédits. Elle raconte cinq histoires fascinantes survenues durant de cette période. Ainsi, en 1943, sous l’occupation, le Stedelijk a été contraint d’organiser deux expositions de propagande: Kunstenaars zien den Arbeidsdienst et De Jeugdherberg van morgen. Mais le musée a également organisé sa petite résistance en programmant des thèmes plus patriotiques tels que Stad en Land (1942), Le musée est alors placé sous la direction de David Roëll (1936 – 1945) et de son adjoint Sandberg, responsable de la section d’art moderne : ils mettent à l’abri les collections dans un bunker situé dans les dunes, près de Castricum, aux côtés d’environ 500 collections dont celle de la famille royale, des héritiers de Van Gogh et de nombreux collectionneurs juifs. Après la guerre, des collectionneurs et des artistes juifs, en geste de remerciement, ont effectué des dons au profit du musée, notamment des œuvres de Van Gogh et de Kokoschka. 

 2014-04-06-17-39-26_schuilkelder tne bunker The bunker near Castricum, with work from a.o. Van Gogh. Foto Joh. de Haas.

 

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Collectie Stedelijk Museum Amsterdam Henri Matisse, Odalisque, 1921

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W. Sandberg, graphiste de formation (il a notamment créé après la guerre le logo de son musée) s’est engagé dans la résistance et a fabriqué de faux papiers : il a dû à son tour se cacher à partir de 1943 au moment de l’arrestation des membres de son réseau (dont l’artiste Gerrit van der Veen). Après la libération, le Stedelijk était également impliqué dans la récupération internationale des œuvres d’art pillées depuis 1933.  Cette recherche se poursuit encore aujourd’hui : voir à ce propos le site du Dutch national research project

Directeur de son musée après la guerre (1945-1962) il est devenu une figure majeure parmi les conservateurs promouvant l’art contemporain dans les années 1950 aux années 1970, eu Europe, grâce à son implication et à l’intérêt constant  qu’il a porté à la création contemporaine, locale aussi bien qu’internationale : il a été salué par son collègue François Mathey qui a exposé son œuvre graphique au musée des Arts décoratifs à Paris en 1973 :Sandberg « désigne » le Stedelijk : Amsterdam, 1945-63… Typographie, muséographie. Musée des Arts Décoratifs, Paris, 30 mars-30 avril’73 l’Institut néerlandais de Paris lui a consacré des années plus tard une exposition très riche et intéressante, en 2007 : http://strabic.fr/Willem-Sandberg-precurseur

Hommage à Lucien Clergue, aux origines de l’exposition photographique

Capturelucien« Il a réalisé 800 000 clichés et est l’initiateur des « Rencontres d’Arles » : le photographe Lucien Clergue est mort cette nuit à l’âge de 80 ans. 

Le revoir : http://france3-regions.francetvinfo.fr/provence-alpes/2014/11/15/le-photographe-arlesien-lucien-clergue-est-decede-592660.html

Lucien Clergue était très fier d’avoir été exposé par Steichen au  Museum of Modern Art de New York en 1961 et au
« Louvre (musée des Arts décoratifs) » en 1962. Le commissaire de cette exposition parisienne, était François Mathey.

Dans notre entretien du 21 mai 2011 , il se souvenait avoir eu cette chance grâce à une première exposition de ses photographies à Zurich : « J’avais exposé en 1958 au musée des Arts et métiers de Zurich. Le musée était mitoyen avec l’École des arts et métiers, qui était très célèbre en Europe et où avaient étudié les grands noms de la photographie suisse : Robert Franck, Burri, Werner Bischoff (qui est mort trop jeune). L’exposition d’Edward Steichen, « Family of man », était montrée au même moment dans ce musée. C’est donc à ce moment-là qu’Edward Steichen, ou son assistante Grace Mayer ont dû voir mon travail. Il a acheté neuf de mes photos qui sont ainsi entrées dans le fonds photographique du MoMA. J’ai ensuite été exposé au MoMA deux ans plus tard, en 1961, aux côtés de Yasuhiro Ishimoto et de Bill Brandt : Edward Steichen faisait une série d’expositions intitulées « Diogenes with a camera » et m’a fait figurer dans la cinquième et dernière d’entre elles. J’avais vingt-sept ans, c’était inespéré. Edward Steichen a achevé sa carrière au musée sur cette exposition ».

«  Comment  Mathey a-t-il eu l’idée d’organiser cette exposition ? Je n’en sais rien, peut-être avait-il entendu parler de l’exposition de New York. Il était dans une veine d’expositions de photographes, il avait exposé auparavant Cartier-Bresson, puis après moi, je crois, Denis Brihat. Nous avons préparé ensemble l’exposition, avec son assistante,  (Yolande Amic) et avec qui nous avons réglé bien des détails ».

A l’époque, par exemple, j’ai réalisé et payé l’affiche (le musée n’avait pas de moyens pour cela). Je l’ai même distribuée moi-même rue de Rivoli, au grand dam de Jean Cocteau ! Avec l’accord de François Mathey, l’affiche mentionnait que l’exposition se déroulait au « Louvre, Pavillon de Marsan, musée des Arts décoratifs ». On avait l’impression d’exposer au Louvre, ce qui est vrai, d’une certaine façon, puisqu’il s’agit des bâtiments du Louvre. Pour accéder à l’exposition, on montait le grand escalier pour se diriger vers de grandes salles, à droite, munies de grandes fenêtres. »
Les lieux d’expositions étaient rares à cette époque : le musée des Arts décoratifs était connu pour favoriser la photographie mais il n’y avait pas beaucoup d’autres lieux d’exposition, ni d’ailleurs de marché :
«  Il n’y avait pas grand-chose, c’est d’ailleurs pourquoi j’ai créé en 1970 les Rencontres de la photographie d’Arles. À vrai dire, c’était le vide sidéral ! Le seul lieu valable c’était le hall de la Bibliothèque Nationale, rue de Richelieu, où une fois par an, dans le cadre d’un concours national mélangeant amateurs et professionnels, nous montions les photos sur des panneaux en bois. »

La photographie n’était pas alors considérée comme un art  :  » Le fait d’avoir exposé au MoMA à New York a déclenché toutefois des choses. L’exposition chez François Mathey a provoqué quant à elle la réaction de Jean-Marie Drot qui est venu, pour la télévision, réaliser un film sur moi, à Arles, accompagné de toute son équipe. Il avait déjà réalisé toute une série d’émissions sur les artistes contemporains, cela a donc joué un rôle certain dans la reconnaissance de mon travail. Mais il ne faut pas oublier qu’à l’époque, le MNAM ne s’occupait pas du tout de la photographie, il n’y avait pas de galeries, ni à Paris, ni à New York et pas d’amateurs ni de collectionneurs non plus : il n’y avait pas de marché. Mon exposition à New York en 1961 n’a pas abouti à la signature d’un quelconque contrat avec une galerie, cela n’existait tout simplement pas à l’époque ».

Il exposait des nus dans la mer, des animaux, des études de marécages. Lucien Clergue avait bien voulu témoigné sur Mathey et cette exposition dont il se souvenait avec plaisir : « Jean Cocteau, Georges Mathieu, Michel Tournier, César étaient présents au vernissage« . Mathey avait « un côté très humain, très direct, il se mettait au service de l’artiste, il n’y a pas eu de heurts. D’autres artistes m’ont fait part de son comportement très respectueux, il était merveilleux. Il n’était pas très grand, sa corpulence lui donnait un air un peu terrien, accroché à la terre, il était sans doute d’origine paysanne, il faisait preuve vis-à-vis de moi, si jeune, de beaucoup d’attention : c’était très agréable ».

Lucien Clergue est retourné plus tard au musée des Arts décos : « Beaucoup plus tard, car une partie de mon travail a consisté à réaliser des surimpressions de photos de nus ou de corridas sur des tableaux, j’ai eu l’accord de Marie-Claude Beaud[1] pour aller dans les salles du musée prendre quelques photos, mais je suis allé plus souvent au Louvre dans le cadre de ce travail ».

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Le tournage du Testament d’Orphée par Lucien Clergue : Le photographe Lucien  CLERGUE raconte le tournage du film Le Testament d’Orphée dans le Val d’Enfer des Baux de Provence : http://www.ina.fr/video/I00006527

[1]Directrice générale des musées de l’UCAD (et directrice du musée de la Publicité), de 1996 à 1999.