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Mantegna et Bellini : Venise, Londres, Berlin

Les oeuvres d’Andrea Mantegna (né près de Padoue) et celles de son jeune beau-frère Giovanni Bellini (né à Venise) sont réunies dans une suite d’expositions temporaires exceptionnelles, à Venise, à Londres puis à Berlin. Si quelques unes de ces oeuvres ne seront pas de toutes les étapes du voyage, chaque lieu mettra en valeur les caractéristiques des deux artistes.

La présentation de Jésus au temple. Andrea Mantegna. Vue de l ‘exposition à la National Gallery. Londres.
Présentation de l’exposition temporaire qui ouvre à Londres en octobre.
Giovanni Villa raconte : Bellini et Mantegna à la Fondation Querini Stampalia à Venise. Les deux "présentations au temple" de Bellini et de Mantegna ont été exposées ensemble, du 21 mars 2018 au 1er juillet 2018 à la Fondazione Querini Stampalia à Venise.

A Londres et à Berlin, ce sont près de cent d’œuvres qui seront réunies.  L’ivresse de Noé (1515) de Giovanni Bellini est une œuvre identifiée par Roberto Longhi en son temps et notamment exposée par Michel Laclotte pour  clore l’exposition De Giotto à Bellini en 1956 puis ouvrir en 1993 Le Siècle de Titien au Grand Palais. Elle vient d’être restaurée : figurant à Londres, elle rejoindra son propriétaire, le Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, pour sa réouverture prochaine, le 16 novembre 2018.

L’ivresse de Noé. Giovanni Bellini après restauration. Septembre 2018.
Visite de l’exposition.
La présentation de Jésus au temple. Giovanni Bellini.
©Fondazione Querini Stampalia. Venise.
La présentation de Jésus  au temple. Andrea Mantegna.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie.

Après Londres (Commissariat : Caroline Campbell), l’exposition sera présentée à Berlin ( Commissariat: Neville Rowley) du 01.03.2019 au 30.06.2019 :

For the first time, the Staatliche Museen zu Berlin and the National Gallery, London are presenting the intricately related work of the artists Andrea Mantegna (ca. 1431-1506) and Giovanni Bellini (ca. 1435-1516). With around 100 works, this will be the first full-scale exhibition to present the work of these two masters of the Italian Renaissance side by side.

In 1453 the ambitious, dynamic painter and printmaker Andrea Mantegna, who was active in Padua, married into the Bellini family, who were among the leading painters in nearby Venice. Mantegna’s brilliant compositional innovations and his deep interest in classical antiquity made a major impact on his youngest brother-in-law, Giovanni Bellini. During this time, Bellini’s distinctive painterly style also made a deep impression on Mantegna’s work. After just 10 years of close collaboration, their paths parted. In 1460 Andrea moved to Mantua, where he remained Court Painter to the princely Gonzaga family until his death. Giovanni, on the other hand, spent his entire artistic career in Venice. They were active in very different environments, and their artistic styles developed in very different directions. Yet through all phases of their creative lives, their work provides evidence of their continuing artistic dialogue, something that can be sensed even today.

The collections of the National Gallery and the Gemäldegalerie boast an extraordinary range of high-quality works by Mantegna and Bellini. The collections include masterpieces from all creative phases of these two extraordinary artists. Additionally, the Kupferstichkabinett and the British Museum house rich collections of works on paper by Mantegna and Bellini, by their family members, and by their protégés. Around this nucleus, the exhibition gathers together a number of outstanding loans. This allows the differences and similarities in the work of these two major artists of the Renaissance to be teased out in an exemplary fashion. These unexpected connections and breathtaking juxtapositions make up the unique attraction of this exhibition.

Les travaux sur papier des deux artistes ne sont pas oubliés. Mantegna fut aussi graveur. Ces dessins et gravures proviennent notamment  de Berlin et de Londres (Kupferstichkabinett :  commissariat Dagmar Korbacher ; British Museum : commissariat Sarah Vowles).

Andrea Mantegna. Flagellation de Jésus Christ
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
Andrea Mantegna, Jésus Christ dans les limbes 
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
G. Bellini, Saint Marcus heals the hand of the cobbler Anianus 
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
Muse dansant. Andrea Mantegna.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemaldegalerie/ Jörg P. Anders.
Résurrection du Christ. Giovanni Bellini.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie / Jörg P. Anders.

L’exposition à Berlin s’accompagne d’une autre exposition consacrée à la restauration d’œuvres : Bellini plus Research and restoration (14.10.2018 – 21.07.2019) : il s’agit là d’un groupe d’œuvres peintes par Jacopo Bellini et son atelier : elles n’ont pas été montrées depuis la seconde guerre mondiale.

Andrea Mantegna, The Agony in the Garden, vers 1455-6.
©National Gallery
Caroline Campbell, Head of Curatorial, discusses ‘The Agony in the Garden’, by Giovanni Bellini, an incredible painting by one of the most influential and celebrated Venetian artists. The talk also looks at Bellini’s pioneering portrayal of natural light, and compares his depiction of this biblical story to a painting
Giovanni Bellini, The Agony in the Garden, about 1458-60. ©National Gallery

Frederick Wiseman, auteur du passionnant documentaire sur la National Gallery

national galleryDans la revue Apollo Frederick Wiseman parle de son nouveau documentaire consacré à la vie du musée londonien, la National Gallery, particulièrement captivant : on y découvre l’activité foisonnante d’un musée tourné vers l’accueil de tous les publics.
Son directeur Nicolas Penny, qui a autorisé ce tournage, a depuis quitté le musée : http://www.theguardian.com/artanddesign/2014/jun/23/nicholas-penny-announces-departure-from-national-gallery
Le site du musée :
http://www.nationalgallery.org.uk/

Frederick Wiseman talks to Apollo about his new film, National Gallery y (2014), which is released this month in the UK, takes us behind the scenes at the museum, but constantly reminds us that the paintings are the stars.

How did the film come about ?
“I had tried to film the Metropolitan Museum of Art in New York about 25 years ago, but they wanted me to pay them. I hadn’t tried any other museums in the meantime and this opportunity came up by chance because I met somebody who worked at the National Gallery, who suggested it, and then I met Nick Penny and he said, ‘Okay.’”

There are usually more people and many more meetings in your films than there are in National Gallery. How did you approach filming paintings on walls ?

The issue was always how to shoot the paintings. I shot the paintings so that theviewer is always inside the frame so you don’t see the frame or the wall or the little plaque. The painting became so much more vibrant, more alive because it was less of an object and you really saw the painting very close.

There’s a guide who tells a group of visitors that ‘the one thing a painting doesn’t have is time’? How does this quality translate into film ?

In making a film about paintings, I changed the relationship of painting to time. You can show the paintings serially, as opposed to looking at them all at once, which is what the eye does – unless you look at a very small part. What I can do is give you close-ups of the painting: I can show you the story of the painting in a series of shots.

What was it like spending so much time – 12 weeks – in the National Gallery ?

We photographed when there was nobody else in the gallery – that was quite something. It was easier to do it then so that there wasn’t a risk of someone just walking through the frame. And it’s really annoying if you’re getting daylight from the skylight”.

http://www.apollo-magazine.com/in-the-frame-frederick-wiseman-january-apollo/

Les œuvres de Rembrandt filmées au musée par Frederick Wiseman sont particulièrement belles.
L’exposition temporaire consacrée aux derniers travaux de ce peintre, s’achève demain.
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L’artiste et le musée du mois. Henri Matisse : Les grandes gouaches découpées, mars-mai 1961, au musée des arts décoratifs, Paris

Les papiers découpés de Matisse sont une nouvelle fois à l’honneur pour une exposition qui se tient cette fois-ci à Londres, à la Tate Modern : http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-modern/exhibition/henri-matisse-cut-outs

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Henri Matisse L’escargot, 1953 © Succession H. Matisse / DACS 2014

Le commissaire de l’exposition Nicholas Serota : http://www.tate.org.uk/context-comment/blogs/nicholas-serota-on-magic-matisse

Difficile de résister à la mise en valeur ici de la première exposition consacrée à Paris aux travaux du peintre en 1961, à l’initiative de François Mathey qui monte avec Mme Amic, la plus belle et la plus complète des expositions parisiennes sur ce thème, dixit Pierre Schneider, grand expert en ce domaine.

Le petit catalogue réalisé à cette époque (sur la demande de Marguerite Duthuit) par Fernand Mourlot n’en jette pas plein la vue mais garde trace de cet éblouissement : ” Mourlot sera fier, je crois, de ce petit album charmant, précis, sans sécheresse” écrit Mathey. Mourlot reproduit également pour l’affiche  Le danseur rouge. (Sur cette œuvre voir : http://www.christies.com/lotfinder/drawings-watercolors/henri-matisse-le-danseur-5157379-details.aspx )

d5157379lMatisse avait réussi à déplaire pourtant aux plus conservateurs et même à ses amis qui doutaient de la force de ces derniers travaux. Christian Zervos écrit dans Cahiers d’Art en 1949 :
« Est-il besoin de dire qu’on ne saurait faire aucun cas de ces papiers découpés qui constituent, avec les tentures décoratives, la grande affaire de l’exposition Matisse ? Pour mon compte, ils sont totalement négligeables et d’un mauvais voisinage à l’égard des tableaux. Ce qui rend de telles occupations inacceptables, c’est non seulement qu’elles ne touchent à aucune des initiatives esthétiques de Matisse, ne laissent d’en soupçonner de la tournure de son imagination ne mettent en lumière aucun de ses soucis des questions de fond, mais qu’elles nous laissent indifférents quand elles ne nous peinent de voir l’artiste trahi par son pouvoir de discrimination bien plus que par son talent. […] il était libre de se prendre d’affection pour eux. Mais, dès l’instant où il les propose à l’attention des visiteurs d’une exposition et les force, en quelque sorte, à prendre intérêt, on est en droit de trouver à redire. Je sais qu’il y a un moment où les plus vertes vieillesses ont peine à ne pas tourner à l’attendrissement pour tout ce qui sort de leurs mains ; il est néanmoins difficile de concéder à un artiste de la classe de Matisse de laisser aller son esprit sur n’importe quelle pente. Si entière que soit la confiance du créateur en ses moyens et quelque inépuisable que soit sa fertilité de ressources, il ne pourra jamais convertir en productions fortes des jeux qu’aucun coup de talent ne saurait élever au niveau de l’art ».

Le MNAM avait hésité à acheter puis avait négocié le prix le meilleur après que le musée d’Amsterdam (W. Sandberg) ou celui de Copenhague, aient exposé les gouaches et procédé aux acquisitions les plus belles qui s’imposaient. Enfin, en 1961, la critique est unanime et Michel Ragon écrit : « La plus jeune, la plus fraîche, la plus audacieuse et la plus parfaite exposition actuelle se trouve au Musée des Arts décoratifs, pour tout le printemps jusqu’au mois de mai ».

Elle se déroule du 22 mars au 15 mai 1961 et reçoit 10 708 visiteurs payants. Cela est bien sûr sans commune mesure avec l’exposition du centenaire de Matisse dont Pierre Schneider est le commissaire général, et qui reçoit (près de dix ans plus tard) 347 000 visiteurs au Grand Palais sur une période certes plus longue, d’avril à septembre 1970. En 1961, seul le public « averti » est venu. Michel Laclotte note le caractère exceptionnel de l’exposition (la présentation d’ensemble a été un éblouissement absolu). Pour Pierre Schneider, l’exposition fait date et inspire notamment les peintres américains résidant à Paris.

Un jeune témoin, prénommé Vincent, raconte : “Mercredi 22 mars 1961. Inauguration des gouaches découpées de Matisse. Le musée était à peu près vide quand nous sommes arrivés mais l’oeuvre en elle-même valait bien la petite heure que nous lui avons consacrée. Quand je dis qu’elle « valait bien » cela, j’ai l’air de faire une politesse, voire une concession ; c’est faux. Car c’est bien d’admiration qu’il s’agit, la joie du peintre survit dans l‘allégresse de la satisfaction que l’on a à faire danser ses yeux dans le rythme fort et admirable des taches de couleur”.

Sur l’exposition londonienne voir l’article d’Emma Crichton-Miller dans le numéro d’avril de la revue Apollo : http://www.apollo-magazine.com/matisse-april-apollo/

Sources et veille : s’informer sur les expositions, les musées, en France et ailleurs

Deux sources qui permettent de s’informer sur l’actualité des musées et des expositions et qui peuvent ainsi participer à la veille sur ces sujets de recherche :

La lettre de Raphaël Pic : http://www.artaujourdhui.info/index.php

“L’Art Aujourd’hui est une société d’édition multimédia, créée à Paris en 2001 par des professionnels de la presse, de la communication et du marketing, à l’origine de nombreuses publications innovantes qui font toujours autorité dans leur domaine, tels Stratégies pour le monde de la communication, ou le Journal des Arts pour celui de l’art.”

Rédacteur en Chef, Rafael Pic : Expositions, musées, galeries, salons, enchères, livres, multimédia, l’Art en Europe et dans le monde. La lettre évoque de nouveaux musées en Europe :
– à Bruxelles, le musée  “fin de siècle” qui a ouvert le 6 décembre 2013 :
“Ces œuvres témoigneront de la multitude des disciplines artistiques entre 1868, date de la fondation de la Société libre des Beaux-Arts et 1914. Des peintres et des sculpteurs aussi renommés que Constantin Meunier, James Ensor, Henri Evenepoel, Fernand Khnopff, Léon Spilliaert ou encore Georges Minne témoignent de l’effervescence de cette période, qui s’est aussi manifestée dans tous les autres domaines de la création : littérature, opéra, musique, architecture, photographie ou poésie (Maurice Maeterlinck, Emile Verhaeren, Octave Maus, Victor Horta, Henri Van de Velde, Maurice Kufferath, Guillaume Lekeu, …). L’architecture Art Nouveau sera également évoquée, grâce à un outil de projection en 3D. Situé en plein cœur de Bruxelles, là où entre 1884 et 1914 les expositions des cercles Les XX et La Libre Esthétique ont fait de la ville l’une des capitales artistiques de la fin du XIXe siècle, ce musée se distinguera par son caractère pluridisciplinaire, grâce à un partenariat avec la Bibliothèque royale, le Théâtre royal de la Monnaie, les Musées royaux d’Art et d’Histoire, la Cinematek, la Bibliotheca Wittockiana et la Fondation Roi Baudouin, ainsi que la Région Bruxelles-Capitale dont le dépôt de la collection Gillion Crowet constituera l’un des points forts du parcours.”

musée fin-de-siècle museum – Every end is a new beginning.

Musée Fin-de-Siècle Museum
rue de la Régence, 3
1000 Bruxelles Site web http://www.fin-de-siecle-museum.be

– La fondation Arnaud qui ouvre un musée le 22 décembre 2013,  consacré à la la peinture du XIXe à Lens (Suisse) : http://fondationpa.ch/fr/100/homepage
La Tate Britain qui adopte une nouvelle présentation : http://www.tate.org.uk/
– La réouverture du Musée de Valence à compter du 14 décembre 2013.
http://www.museedevalence.fr/
La réouverture du Musée des  Beaux-Arts de Bordeaux le 19 décembre 2013.

http://www.musba-bordeaux.fr/

Plus pointu, pensé et critique, le blog bien connu des spécialistes, d’Élisabeth Lebovici, “Le beau vice” : http://le-beau-vice.blogspot.fr/?view=mosaic

Cette ancienne journaliste du quotidien Libération, titulaire d’une thèse de doctorat sur L’Argent dans le discours des artistes américains, 1980-81 à l’Université Paris X, est l’auteure de nombreuses monographies d’artistes et coorganise depuis 2006 le séminaire “Something You Should Know: artistes et producteurs” à l’EHESS, Paris.

Elle se fait l’écho notamment des rapports parfois malaisés entre recherche et musées, “au temps présent”. E. Lebovici note par exemple que le MoMA prend en compte les travaux de recherche les plus récents et modifient dans le cadre d’une prochaine exposition, ses cartels : le musée reconnaît ainsi l’apport des chercheurs, ce n’est pas toujours le cas ailleurs :

“Pour tenir compte de la recherche, qui  s’efforce de repenser l’histoire des représentations modernes au tamis des questions de genre et de sexualités, le musée a décidé de changer ses cartels pour une exposition à l’automne prochain et le fait savoir à celle qui a fait bouger les lignes.”

http://le-beau-vice.blogspot.fr/?view=mosaic#!/2013/12/qui-peur-des-etudes-de-genre-et-de.html