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Kupka l’engagé : changer le monde avec la couleur

La reconnaissance éclatante d’un pionnier de l’abstraction,  c’est ce que l’exposition rétrospective des œuvres de František Kupka propose, au Grand Palais, du 21 mars au 30 juillet 2018. Ce peintre tchèque compte parmi les pères de l’abstraction avec Vassili Kandinsky, Gino Severini, Piet Mondrian, Kasimir Malevitch, Auguste Herbin et Robert Delaunay. Comme le rappelle le Centre tchèquePeu de noms d’origine tchèque enregistrent une réponse mondiale aussi forte que le nom de František Kupka. L’une des raisons est que la peinture abstraite est l’un des thèmes clés de l’histoire de l’art du 20ème siècle. Il est l’un des personnages fondateurs. Première rétrospective, depuis l’exposition de 1975-1976 au Solomon R. Guggenheim Museum de New York [ qui a bénéficié à l’époque du soutien de la belle-fille de l’artiste  Mme. Andrée Martinel-Kupka] et au Kunsthaus de Zurich, et celle de 1989 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, elle couvre l’ensemble de l’oeuvre de l’artiste, de ses débuts marqués par le symbolisme jusqu’à ses dernières réalisations dans les années cinquante.

Plans diagonaux,Titre attribué : Orgue sur fond vert,  1925, Huile sur toile, 116,5 x 81 cm S.B.G.: Kupka Donation de Henry-Thomas en 1976 Inv. : AMVP 2426© Adagp, Paris Crédit photographique : Eric Emo/Parisienne de Photographie DR.

Grâce au parcours européen de František Kupka (1871-1957), enraciné dans sa Bohème natale, formé dans la Vienne fin de siècle et dans le Paris des avant-gardes, l’exposition conduit à une nouvelle approche de deux courants majeurs des XIXe et XXe siècles, le symbolisme et l’abstraction, dont Kupka fut l’un des principaux acteurs.

Disques de Newton, 1912, Philadelphia Museum of Art, Philadelphie, États-Unis.

Conjuguant parcours chronologique et thématique, cette exposition rassemble quelque 300 oeuvres – peintures, dessins, gravures, manuscrits, journaux, livres illustrés, photographies et films – déployées en huit sections qui permettent au public d’entrer de façon attractive dans l’univers spécifique du créateur : Autoportraits ; Allégories de la vie moderne ; Culture ancienne et histoire présente ; Sciences et correspondances ; Salons de Kupka ; Formes et couleurs ; Abstraction et Création et enfin la Consécration de l’après-guerre. Elle met l’accent sur les moments-clés de sa période créatrice, les chefs-d’oeuvre symbolistes et les premiers portraits expressionnistes parisiens, son passage à l’abstraction en 1912, le cycle des peintures organiques saturées de couleurs, l’abstraction géométrique finale tout en évoquant des épisodes moins connus comme la période dite « machiniste » à la fin des années vingt. L’exposition met également en valeur la personnalité riche et singulière de František Kupka, habité par une quête existentielle et souligne son intérêt pour la philosophie, les cultures anciennes et orientales, les religions, la poésie ou encore la science ».

 

« Plans par couleurs. Grand nu » (1909-1910), de Frantisek Kupka, huile sur toile, 150,2 x 180,7 cm. SOLOMON-GUGGENHEIM/ADAGP, PARIS 2018.
« Madame Kupka dans les verticales », 1910-1911 ‒ huile sur toile, 135,5 x 85,3 cm ADAGP, PARIS 2018/THE SOLOMON R. GUGGENHEIM FOUNDATION/ART RESOURCE, NY, DIST. RMN-GRAND PALAIS.

L’exposition sera présentée par la Galerie nationale de Prague au Palais Wallenstein du 7 septembre 2018 au 20 janvier 2019 puis à l’Ateneum Art Museum, à Helsinki, du 21 février au 19 mai 2019.

Commissariat : Brigitte Leal, conservateur général, directrice adjointe en charge des collections du Centre Georges Pompidou, Markéta Theinhardt et Pierre Brullé, historiens de l’art. La  scénographie (remarquable) est de Véronique Dollfus. Brigitte Léal (avec Markéta Theinhardt) présente pour la RMN l’exposition dont elle fait aussi un résumé  en cent secondes. Deux autres vidéos permettent de découvrir les espaces de l’exposition : celle d’Expo in the City et celle de Connaissance des arts.

L’ampleur du parcours illustre la richesse exceptionnelle de l’œuvre qui se déploie au Grand Palais que souligne également la presse (Voir aussi l’article d’Harry Bellet dans Le Monde).

 František Kupka, dit François Kupka, né à Opočno, le 23 septembre 1871 et mort à Puteaux, le 24 juin 1957,  a été formé à Vienne capitale de l’empire austro-hongrois. Il vient vivre à Paris à Montmartre, à partir de 1896. Pacifiste, anarchiste, iI dessinera  pour les nombreuses revues qui contestent  le capitalisme du début de siècle, comme Cocorico, ou L’assiette au beurre,

Kupka s’engage aussi auprès du géographe Elisée Reclus.

L’eau (la baigneuse), 1906-1909, Centre Pompidou, Musée National d’art moderne, Paris, France.

La gamme jaune (1907), Huile sur toile (79 x79). Paris, Centre Pompidou – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. 

Plans par couleurs (Femme dans les triangles), 1910-1911, Centre Pompidou, Musée National d’art moderne, Paris, France.

Kupka s’engagera physiquement pendant la première guerre mondiale. Engagé volontaire dans la légion étrangère, combattant puis réformé, il soutient l’indépendance de la République tchécoslovaque en 1918 et jouera un rôle dans son histoire naissante.

Après de nombreuses recherches plastiques qui traversent les mouvements artistiques et philosophiques du début de siècle (théosophie, symbolisme, fauvisme) Kupka est à l’origine des premiers tableaux abstraits exposés en 1912 à Paris au Salon d’Automne :

 « Amorpha, Fugue  à deux couleurs » et « Amorpha Chromatique chaude ».

 

 

 

 

 

 

František Kupka, 1912, Amorpha, fugue en deux couleurs (Fugue in Two Colors), 210 x 200 cm, Narodni Galerie, Prague.

František Kupka, 1912, Amorpha Chromatique jaune, museum Kampa- Nadace Jada a Medy Mladkovych.

Nommé professeur à l’Académie des beaux-arts de Prague, il revient en France et participe à la création du groupe Abstraction-Création pensé par Auguste Herbin dans les années 1930. Installé dans un pavillon/atelier à Puteaux où il restera jusqu’à sa mort, Kupka y fréquente  les frères Villon, notamment  Jacques, dont il a été le voisin à Montmartre. À la différence de maîtres reconnus, Kupka restera volontairement à l’écart du jeu mondain de la communication et de la publicité. Kupka perdra son seul mécène et ami, Jindřich Waldes, déporté à Buchenwald en 1939.

Après la guerre, La jeune génération de l’abstraction géométrique consacrera Kupka en l’exposant  régulièrement au Salon des Réalités nouvelles à Paris.

Le Ruban bleu, 1910, Huile sur toile, Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne.

Le MNAM lui consacre dès 1958 (un an après sa mort)  une exposition monographique. En 1960, Jean Cassou l’inclut dans l’exposition du Conseil de l’Europe « Les sources du XXe siècle » : le musée national d’art moderne possède une collection riche constituée pour  une large part de la donation de sa veuve, Eugénie Kupka au Mnam en 1963.

 En 2010le Mnam/Cci  réalise une exposition sur Kupka,  hors-les-murs au Musée Picasso de Malaga évoquant un artiste habité par une vision spirituelle et scientiste de l’abstraction et aspirant à l’universel. 

 Frantisek Kupka, Les touches
de piano. Le Lac
, 1909, huile
sur toile, Prague, Narodni Galerie.

Comme l’écrivait en 1975 Thomas Messer, le directeur du Guggenheim, qui réunissait alors 200 oeuvres du peintre, l’exposition fera date en raison des difficultés croissantes de toutes sortes qui sont maintenant inhérentes à l’organisation des grandes expositions modernes, il est probable qu’il faille  attendre des  décennies avant qu’un effort comparable soit mené pour célébrer l’œuvre de Frantisek Kupka dans un musée à New York.

Le  nouveau cadre d’exposition offert en 2018 par le Grand Palais permet de redécouvrir un artiste qui voulait changer le monde avec la couleur.

 

Artistes & robots d’hier et d’aujourd’hui

Le Grand Palais entraîne le visiteur dans un grand tour consacré aux robots d’hier et d’aujourd’hui ; l’exposition est sonore,  interactive, ludique, immersive, poétique et pédagogique. C’est la première exposition muséographique consacrée à Paris, exclusivement à l’imagination artificielle

Les robots de Tinguely,  l’oeuvre de Nam June Paik, la machine de Nicolas Schöffer de 1959,

sont remplacés aujourd’hui par des robots invisibles (souvent un algorithme), d’Elias Crespin ou de Miguel Chevalier.

C’est le robot qui, chez Orlan, récite des mots générés aléatoirement.

Parmi les multiples œuvres exposées, signalons, par exemple,  Nicolas Darrot, qui a bénéficié d’une exposition monographique à la Maison rouge en 2016 :

On peut également apprécier l’oeuvre interactive d’Edmond Couchot et Michel Bret, Pissenlits :

 

 

 

 

A signaler que Nicolas Schöffer fait actuellement l’objet d’une rétrospective : L’art cybernétique de Nicolas Schöffer au LaM de Villeneuve-d’Ascq.

 

 

Artistes & robots au Grand Palais, du 5 avril au 9 juillet 2018.

Commissariat : Laurence Bertrand Dorléac et Jérôme Neutres.

Conseil artistique de Miguel Chevalier, direction technique de Nicolas Gaudelet. Scénographie et mise en lumière Sylvie Jodar, Atelier Jodar Architecture. L’application mobile téléchargeable permet de poursuivre et d’approfondir la visite, d’en conserver un souvenir à la fois sonore et visuel, grâce notamment à des vidéos de robots artistes en fonctionnement.

Georges Jeanclos à Art Paris

Le Sculpteur français Georges Jeanclos , comme le rappelle Harry Bellet en 1997, (au moment de sa disparition), qu’il est né  à Paris le 9 avril 1933 : Georges Jeankelowitch, de son vrai nom, avait fait ses études à l’Ecole nationale supérieure des beaux-arts, avant d’obtenir le Grand Prix de Rome de sculpture en 1959. Il a séjourné à la villa Médicis, alors dirigée par le peintre Balthus […]
Sociétaire du Salon de Mai, il exposait peu, et se consacrait à des œuvres qui, pour être monumentales, n’en sont pas moins discrètes.
Il est l’auteur du portail du ministère des Finances, à Bercy, d’un tympan pour le porche royal de l’église Saint-Ayoul de Provins et du monument à Jean Moulin, érigé, en 1984, dans le cadre des commandes publiques du ministère de la culture. Il fut personnellement choisi pour cette commande par le président Mitterrand et implanta dans le jardin des Champs-Elysées un véritable « hymne à la Résistance » composé de stèles couronnées de figures qui, dans ce contexte, ne sont pas sans rappeler les sculptures que KÄthe Kollwitz modelait dans les années 30 pour dénoncer le régime nazi. Les figures de Jeanclos composent une série d’allégories, la souffrance, la solitude, l’angoisse, et les stèles portent, estampés, des fragments du Chant des partisans et du Kaddish, la prière des morts, et la figure symbolique de Jean Moulin placée en bas-relief dans un médaillon. Jeanclos s’est en partie inspiré de ses souvenirs d’enfance en Auvergne, où son père était résistant, mais dépasse l’anecdote et le pathos pour atteindre une dimension universelle.
Le monument à la mémoire de Jean Moulin (1899-1943) se trouve dans les Jardins des Champs Elysées, près de l’avenue de Marigny. Les cinq bronzes qui le composent sont les Larmes, le Murmure de la Résistance, l’Emprisonnement muet, la Disparition et la Renaissance.
La Galerie Capazza montrera ses œuvres très prochainement  à l’Art Paris  2018 –  du  4 au  8 avril- au Grand Palais.

Revue de cartels : « il n’y a rien à comprendre, il y a tout à voir »

 

 

Il fut un temps où l’on expérimentait leur suppression : Francois Mathey l’a fait lors de l’exposition   » Equivoques » en 1973, lorsqu’il a choisi de questionner la valeur des oeuvres des peintres pompiers du XIXe siècle qu’il montrait sous un jour nouveau, démarche toujours débattue  depuis.

Daniel Cordier a effectué le même choix, lors de l’exposition consacrée à sa deuxième donation déposée  aux Abbattoirs à Toulouse, en 2009, intitulée  « Les désordres du plaisir » . Il n’y a rien à comprendre, il y a tout à voir », affirmait-il. Il avait en 2006 montré une sélection d’objets pour l’exposition  intitulée « Pas le Trocadéro, pas le musée d’Athènes ». Texte de Daniel Cordier pour l’exposition « Pas le Trocadéro, pas le musée d’Athènes »

A l’heure de la révolution numérique, les cartels des expositions temporaires  subsistent mais évoluent. Effet de mode ou recherche esthétique, le recours à une signalétique plus légère, transparente, voire parfois peu lisible, semble s’affirmer. Voici une brève revue de styles.

Au Musée de la Vie romantique à l’exposition Redouté, dans la partie de la maison-musée où sont présentées les créations contemporaines : le cartel coin de table a été adopté :

 

 

 

 

 

 

 

Les cartels figurant dans les autres pièces de l’exposition sont plus classiques, mais pas nécessairement à hauteur d’oeil.  Par exemple, ici, en bas (très en bas), à droite de cette présentation murale dédiée aux papiers peints :

ou bien le cartel est comme collé sur le mur de cet escalier, à côté de l’œuvre de Christine Coste, dont voici un détail :

L’expo ‘Redouté’ qui rencontre un grand succès, vient d’être prolongée, ce qui donnera lieu à un renouvellement des velins exposés.

Vu au Palazzo Braschi – Museo di Roma,  lors de l’exposition consacrée à Artemisia Gentileschi : accrochés sur une barre amovible, en bas des œuvres, mis à distance des murs :

L’ exposition Rodin au Grand Palais, opte pour ce buste de Victor Hugo, pour une grande étiquette mise en avant, sur le socle, en relief.

 

 

 

 

 

 

A l’exposition temporaire  » Jardins « : toujours au Grand Palais, un cartel en transparence, collé sur la vitrine qui accueille les objets en question : ici  une oeuvre en cire du militaire Louis Marie Antoine Robillard d’Argentelle, qui, passionné de botanique, s’était spécialisé dans la reproduction en cire de plantes et fruits tropicaux rencontrés lors des campagnes militaires auxquelles il participait. Ses oeuvres furent exposées à Paris une année aprés sa mort puis données par sa famille au Muséum d’Histoire Naturelle en 1887 :

Les cartels amovibles, au Château de Chantilly, sont conçus pour le Cabinet d’arts graphiques qui a ouvert ses portes au printemps. Ils ne peuvent pas être accrochés aux murs et sont posés sur la cheminée (pour renseigner sur le mobilier), ou intégrés aux vitrines qui présentent les dessins, ou bien, font comme partie du cadre :

Les rapports entre objets et cartels, la façon dont le public les perçoit, sont  essentiels et étudiés de façon appronfondie  :

« L’objet dépourvu de son étiquette dans l’exposition perd aussitôt son identité, est «muet». Inversement, une étiquette n’a de sens que lorsqu’elle accompagne un objet. Par conséquent, l’étiquette constitue la première étape de la médiation entre l’objet exposé et le visiteur ».

in Alice Chatzimanassis,  « Regarder et lire : Réflexion sur le rôle du texte dans une exposition d’art », MuséologiesLa cybermuséologie, Volume 6, numéro 2, 2013.

Voir également  :

Anne-Sophie Grassin, « Le jonglage objet-cartel », La Lettre de l’OCIM, 110 | 2007 : mars – avril 2007.

Épilogue : quand il n’y a rien à voir ?

Le pouvoir des fleurs : exposer ensemble beaux-arts, science et arts décoratifs

Exposer science, beaux-arts et arts décoratifs ensemble,  c’est  retracer toute une époque grâce au  parcours  que propose   « Redouté le pouvoir des fleurs » au musée de la vie romantique. Quatre étapes majeures caractérisent  l’exposition :

L’univers des beaux- arts avec notamment Flore caressée par Zéphyr du baron Gérard ou ce roi de Rome  par Prudhon,  l’un des premiers portraits de l’enfant impérial :

– L’oeuvre de Pierre-Joseph  Redouté, le  «  Raphaël  des  fleurs  ».   Ce sont toutes les facettes du talent de cet élève de Van Spaendonck qui sont mises en avant :

Les   fleurs  et les  arts  appliqués, de l’industrie  au  Salon : les  arts décoratifs, des papiers peints aux accessoires de mode :

– un parcours  contemporain  des  métiers  d’art , co-organisé  avec  Ateliers  d’Art  de  France, voisin du musée : Argent,  bronze,  coton,  émaux  sur  cuivre,  grès,  laine,  mosaïque,  papier,  plâtre,  plume,  porcelaine, silicone,  soie,  terre  crue,  verre…  26  créateurs  façonnent  la  matière  pour  réaliser  une  quarantaine d’œuvres  originales  qui  sont présentés  dans  le  jardin  et  les  salles  du  musée  de  Vie  romantique.  Une autre façon de mettre en valeur les collections permanentes du musée :

 A signaler un  feuilletoire  (un livre  du  MNHN  au  format  numérique) qui permet  de  vivre  l’exposition   de  manière tactile. Le MNHN, cette année, a contribué à plusieurs expositions temporaires : cette coopération de plus en plus fréquente des collections de ce musée à des expositions de beaux- arts peut être soulignée , tant au musée de la vie romantique quˋau Grand Palais pour l’exposition  » Jardins ».

 Pascal  Simon  Gérard fait  poser  son  ami, alors «  Peintre  de  fleurs  de l’impératrice  »   :

Grâce au pouvoir des fleurs,  Redoute, né en 1759 dans les Ardennes belges, a débuté sa carrière auprès de Marie Antoinette et  a traversé la Révolution , l’Empire et la Restauration. Depuis  1805, comme le précise le dossier de presse de l’exposition : « Redouté  vit  la  période  la  plus  féconde et  la  plus  heureuse  de  sa  carrière  durant  laquelle  il  bénéficie  de  la protection  de  Joséphine  et  qui  se  termine  avec  la  mort  de  la  souveraine en  1814.  Les  deux  artistes  se  sont  probablement  rapprochés  quand  ils ont  tous  deux  eu  la  jouissance  d’un  atelier  réservé  aux  artistes  au  Louvre.   Si le roi  Charles  X  en  1825 lui accorde la Légion d’honneur,  sa  candidature  à  l’Académie  des  Beaux-Arts  lui sera refusée ».

Pour tout savoir ou presque..