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Claude Parent, un architecte utopique parmi les artistes

L’architecte Claude Parent, qui vient de décéder,  est “connu pour son architecture originale au service de l’imaginaire et de l’utopie, Claude Parent est le créateur de l’architecture oblique. Élu membre de l’Académie des beaux-arts en 2005, au fauteuil de l’architecte Jean Balladur, il raconte d’un humour distancié, son parcours, son engagement passionnel au service de l’architecture et ses rencontres avec les artistes du monde de la peinture et du théâtre. Fernand Léger, Yves Klein, Michel Carrade, Sylvain Dhomme, Polieri, les architectes Nicolas Shöffer, Lionel Mirabaud, le théoricien Paul Virilio et beaucoup d’autres ont nourri ses expériences de créateur.”

Dans une émission proposée par  Marianne Durand-Lacaze, l’Académie a salué en 2008 l’un des siens : Claude Parent, l’architecte de l’oblique , entretien avec l’académicien des beaux-arts  :

Avant l’académisme,  dans les années 1950 et 1960, Claude Parent a en effet été l’acteur d’une époque qui associait dans un même mouvement utopique, sans distinction, artistes peintres, sculpteurs et architectes  : Claude Parent a revendiqué pour sa création l’importance primordiale des rencontres et compagnonnages successifs. Les duos formés avec Ionel Schein, André Bloc, et Paul Virilio en témoignent, marquant l’actualité architecturale et intellectuelle des années 1950 et 1960.

Dès le début des années 1950, il multiplie les collaborations artistiques (Nicolas Schöffer, Yves Klein, Jean Tinguely, André Bloc) et adhère au Groupe Espace créé par André Bloc en 1951 (avec Jean Dewasne, Étienne Béothy, Jean Gorin, Félix Del Marle, Edgard Pillet, Victor Vasarely et Nicolas Schöffer), qui défend une nouvelle synthèse des arts.

De sa rencontre en 1963 avec Paul Virilio naîtra le groupe Architecture Principe (1963 – 68) – dont l’Église Sainte-Bernadette du Banlay (1963 – 66) à Nevers deviendra le projet-manifeste. Paul Virilio et Claude Parent imaginent le concept de « fonction oblique » cherchant ainsi à redéfinir nos espaces de vie en édifiant des bâtiments perturbateurs, aux sols et aux murs inclinés. L’expérimentation est son champ d’investigation permanent. Des bâtiments faits de rampes, de pentes, d’angles, privés d’ameublement – l’espace lui-même est censé déterminer la surface. Des concepts tels que « mur », « sol », « au dessus », « en dessous » sont écartés de leur signification première. Les relations sociales sont dynamisées par l’oblique et par une compréhension de l’espace pleine de spiritualité.

A la fin des années 1950, il mène une collaboration pionnière et intense avec l’artiste Yves Klein :

Au printemps 1959, Yves Klein travaille avec l’architecte Claude Parent sur son projet de Fontaines d’eau et de feu ; il dessine un projet de sculpture aéromagnétique. L’architecte Claude Parent évoque le projet des fontaines de feu dont Klein souhaitait doter les jardins du palais de Chaillot : « Ce qui intéressait Klein au maximum c’était la rencontre de l’eau et du feu avec le dégagement des fumées produites qui flattait certainement le goût wagnérien du théâtre qu’il avait. Il m’avait demandé de travailler aux fontaines de Varsovie devant le palais de Chaillot. Avec ce principe de l’eau et du feu de la rencontre d’un peu d’eau frappée diagonalement à son sommet par un jet de flamme qui dégage à ce moment-là une vapeur d’eau, une fumée dans l’atmosphère ». À travers son délire créatif, Klein avait su conférer un mythe à son personnage, celui du vide. En échange d’une « zone de sensibilité picturale et immatérielle », il exigeait suivant les dimensions de son œuvre entre un kilogramme et quelques grammes d’or fin, et dans son journal du vide, il écrivait, « Le territoire doit ressembler aux yeux de l’espace ». Actualités cinématographiques de Gaumont-Pathé « Yves Klein, quatrième dan », 3 mns 38 s, 1969.

Ainsi, Claude Parent a participé à l’exposition pionnière organisée par François Mathey, au musée des Arts décoratifs à Paris : l’exposition Antagonismes II, l’Objet, au printemps 1962 : elle associait aussi bien des peintres et sculpteurs, que des architectes : Michel Ragon, critique d’art, a salué la maquette d’un théâtre à scènes multiples d’AGAM réalisée avec l’aide de Claude Parent, mais aussi, la création d’Yves Klein présentée au sein de l’exposition : un panneau documentaire, présentant  ” l’architecture de l’air » et « la climatisation de l’atmosphère à la surface de notre globe ». Le panneau était composé d’esquisses d’architecture immatérielle, faites par l’architecte.

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Michel Ragon a écrit sur Parent une monographie critique d’un architecte.

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A la demande de Michel Ragon, en 1963, Claude Parent expose à la galerie Anderson-Mayer, aux côtés de Gilioli, Chavignier, Kowalski, Niemeyer, Gaudi, André Bloc, Claude Parent, Jacques Polieri, Alain Bourbonnais, Labourdette, Stahly, di Tinea, Schöffer, Szekely, Ionel Schein.

L’Espace de l’Art Concret à Mouans-Sartoux a consacré une exposition sur la collaboration entre l’architecte Claude Parent et l’artiste Yves Klein, du 31 mars au 25 août 2013 : YVES KLEIN / CLAUDE PARENT À MOUANS—SARTOUX.

Claude Parent a prolongé cette collaboration unique avec Yves Klein avec un projet de monument qui vise, selon ses termes, « à une interprétation architecturale de la pensée d’Yves Klein dans ce qu’elle propose de plus fondamental ».

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Claude Parent/Mémorial Yves Klein, 1964 -1965/Maquette Bois 40 x 49.5 x 49.5 cm, inv. 008 59 01, Collection FRAC Centre.

 

Hommages à Ricardo Porro

L’architecte franco-cubain Ricardo Porro est décédé à l’âge de 89 ans, le jeudi 25 décembre à Paris.
http://www.lemoniteur.fr/159-culture/article/actualite/26905886-disparition-de-l-architecte-ricardo-porro
Un hommage lui est rendu par le Ministère de la culture :
http://www.culturecommunication.gouv.fr/Presse/Communiques-de-presse/Hommage-de-Fleur-Pellerin-a-Ricardo-Porro

PORR_000_01_44École d’Arts Visuels, La Havane, Cuba, 1960-1965.

Le FRAC Centre résume ainsi sa carrière : Architecte, mais aussi sculpteur et peintre, dessinateur de mobilier, homme de culture, Ricardo Porro est le maître d’œuvre d’une architecture vitaliste, qui plonge ses racines dans les projets de Gaudi, Mendelsohn, Asplund, Frank Lloyd Wright ou Rudolph Steiner, mais aussi dans toute forme vernaculaire d’architecture. Ricardo Porro a grandi à La Havane, au cœur des Caraïbes, où il fait ses études. En 1960, Fidel Castro et le gouvernement cubain lui offrent la possibilité de réaliser une première commande d’importance à travers un programme d’écoles, plus particulièrement l’École des arts plastiques et l’École de danse moderne de La Havane. On trouve déjà dans ses premières réalisations tous les éléments qui définiront l’architecture de Ricardo Porro : un sens fulgurant de l’ellipse spatiale, une exubérance sensuelle de la forme. Ici, l’architecture est image : image figurative à l’anthropomorphisme toujours présent, mais aussi image symbolique qui relève de l’ordre cosmique de l’univers. Le syncrétisme de son architecture, qui relie l’homme au monde, apparaît comme un immense corps dans lequel les éléments architectoniques sont équivalents à des fragments de corps humains. Images symboliques explicites, les œuvres de Ricardo Porro n’en sont pas moins l’expression de véritables programmes, attachant autant d’importance à la forme qu’au contenu, qui sont pour lui deux notions indissociables.
http://www.frac-centre.fr/collection/collection-art-architecture/index-des-auteurs/auteurs/porro-ricardo-58.html?authID=154
« R. Porro a développé une idée de son métier largement dérivée du romantisme allemand, proclamant qu’il fallait, par le biais de l’architecture, « romantiser la vie ». Mais c’est peut-être sa vision de la sexualité, de l’érotisme et des mythes de la fécondité en tant que ferments de son œuvre qui constitue la dimension la plus originale de son travail. Il la doit notamment à son ami le peintre surréaliste Wilfredo Lam, et à un désir de ressusciter à Cuba ce qu’il appelle la « tradition noire », celle du vaudou par exemple. Cette intention culminera dans son chef-d’œuvre, l’école des arts de la Havane, réalisée à la demande de Castro et Che Guevara au lendemain de la révolution castriste. » Présentation des émissions de France Culture, consacrées à cet architecte, réalisées par François Chaslin dans le cadre des « jeudis de l’architecture », diffusion des 9 juin et 8 octobre 2011.

François Mathey avait remarqué cet architecte et tenté de l’aider après son arrivée en France. Il écrivait en sa faveur à Pierre Moinot qui répondait à son intervention en ces termes le 28 octobre 1968 : « Le second point de votre correspondance concerne Riccardo Porro que vous estimez être l’architecte le plus important avec Niemeyer. Je donne votre lettre à Francis Raison en insistant sur le sérieux de l’affaire et de façon qu’un des futurs équipements puissent s’enorgueillir d’avoir été fait par un homme dont vous dîtes tant de bien ».

Le monde de l’art et de la peinture vu par les cinéastes

Les relations entre peinture et cinéma sont anciennes mais assez convenues :  les cinéastes racontent souvent la vie d’un peintre avec plus ou moins de bonheur : c’est le cas du Van Gogh de Pialat en 1991 : http://www.cinematheque.fr/fr/dans-salles/hommages-retrospectives/revues-presse/pialat/vangogh1.html

ouartemisia  d’Artemesia d’Agnès Merlet, sorti en 1997  http://theidlewoman.blogspot.fr/2013/09/artists-on-film-artemisia.html

Le dernier en date vient d’être primé à Cannes : L’acteur britannique Timothy Spall a reçu  le prix d’interprétation masculine pour son rôle dans Mr Turner, de Mike Leigh, où il joue le célèbre peintre.imagesCAJLW7RY

Ces films sont très nombreux, voir à ce propos l’ouvrage de Patricia-Laure Thivat (dir.) Biographies de peintres à l’écran paru en 2011.

thivatbiographiesdepeintresalecrangrandD’autres films prennent le milieu de l’art comme toile de fond. Deux films italiens produits en 2013 sont actuellement visibles sur les écrans français :

– le film de Daniele Luchetti situe son action au milieu des années 1970 (en 1974 précisément) et se focalise sur le regard d’un enfant sur ses parents : le père est professeur d’art et artiste en parallèle mais n’arrive pas à percer dans son art. “Ton absence” traduction inattendue du titre italien Anni Felici.

anni_felici_posterhttp://www.lepasseurcritique.com/critique-film/anni-felici.html

– l’autre film ” the best offer” , réalisé par Giuseppe Tornatore, est davantage encensé par la  critique :  il prend place aujourd’hui  à Vienne dans le mondes des ventes aux enchères et fait le récit d’une arnaque entre un antiquaire d’apparence et une cliente fantôme : http://www.abusdecine.com/critique/the-best-offer

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491448_jpg-cx_160_213_x-f_jpg-q_x-xxyxxPlus inventifs encore certains films documentaires qui s’intéressent à une œuvre comme  Gaudi, Le Mystère de la Sagrada Familia sortie en mai 2014, réalisé par Stefan Haupt, ou bien le portrait d’une exposition de portraits justement : Manet : Portraits de la vie, l’exposition de la Royal Academy of Arts : http://www.royalacademy.org.uk/exhibitions-and-events

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http://www.allocine.fr/video/player_gen_cmedia=19489563&cfilm=219685.html

Le film le plus frappant sur le monde de la peinture et des familles héritières de peintres, est passé relativement inaperçu,  il est sorti en 2008 : L’heure d’été (1h42) d’ Olivier Assayas (France 2008) avec Charles Berling, Juliette Binoche, Jérémie Renier, Edith Scob, Dominique Reymond, Valérie Bonneton :
18898050_jpg-r_160_240-b_1_D6D6D6-f_jpg-q_x-xxyxx“En vacances estivales, tous les membres d’une famille fêtent les trois quarts de siècle de la grand-mère. Peu de temps après, cette dernière meurt et la famille doit se mesurer à la dispersion de l’héritage dont les œuvres d’un oncle artiste peintre. « Un film élégant, fin touchant, où il est question d’une famille bourgeoise, d’une maison, du poids de ce qu’elle représente, de sa répartition entre les héritiers. “

http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=111361.html

 

Un catalogue d’exposition : pour quoi faire ?

Sous le titre provocateur suivant :
“Le Musée d’Orsay va-t-il tuer les catalogues d’exposition ?” La Tribune de l’art soulève une vraie question :
http://www.latribunedelart.com/le-musee-d-orsay-va-t-il-tuer-les-catalogues-d-exposition

 “Les grands musées parisiens, aux premiers rangs desquels le Louvre et Orsay, ont une responsabilité particulière envers les musées de région. Comment ceux-ci peuvent-ils demander à leurs autorités de tutelle les moyens nécessaires pour effectuer un travail scientifique, comment peuvent-ils justifier la publication de catalogues sérieux et témoignant d’un travail de fond si ceux qui devraient donner l’exemple faillissent à leur mission ? De ce point de vue, le Louvre est à peu près irréprochable. (…)Tout indique que cela se poursuivra avec Jean-Luc Martinez. Nous l’avons souvent écrit, et nous le redirons ici : un catalogue d’exposition n’est pas un livre comme un autre. Il a un rôle précis, celui de traduire par le verbe, pas uniquement par l’image, ce qu’était l’exposition, en apportant un maximum d’informations fiables sur les œuvres exposées et la raison de leur rassemblement, tout en faisant part des découvertes effectuées à l’occasion de la préparation de l’exposition. Il est tout ce qui reste après la fin de celle-ci.”

Je suis tout a fait d’accord avec ce point de vue. Les bons catalogues d’aujourd’hui contribuent aux recherches approfondies de demain. Dans les années 1970, à l’occasion de deux expositions du musée des Arts décoratifs, intitulées « pionniers du XXe siècle » qui portaient sur Gaudi, Guimard, Horta et Van de Velde, le critique Michel Ragon écrivait ceci : « voici le type même de l’exposition utile, appuyée par des catalogues qui demeurent des instruments de travail ».

La diversification des supports aujourd’hui ( dvd, audioguides, videos, internet,  journal virtuel ou papier d’exposition, etc..) permet d’ailleurs de satisfaire tous les publics : ceux qui veulent conserver une trace de l’exposition vue (ou pas vue hélas), ceux qui veulent un beau livre (pourquoi pas ?), ceux qui ne jurent que par les nouvelles technologies (il y en a qui contestent la pérennité du support papier) et ceux qui estiment à bon droit que les conservateurs et commissaires des musées et expositions temporaires (ou pas) concourent à un travail scientifique de mise en valeur du patrimoine. Enfin, cela va sans dire qu’il existe un public intermédiaire, entre le touriste, “obligé” par son tour opérateur d’enchaîner trois musées dans la journée et trois capitales européennes en une semaine, et les spécialistes en histoire de l’art : un travail sérieux devrait aussi lui être proposé.

Tout le monde a bien compris dans quelle concurrence acharnée les musées parisiens se sont lancés cet automne, décidés plus que jamais à attirer et à satisfaire le client. Les musées du XIXe siècle ont aussi par ailleurs souvent joué ce rôle d’initiateur .. au XIXe siècle !

http://www.musee-jacquemart-andre.com/sites/default/files/dp1_desirs_et_volupte_au_musee_jacquemart-andre_0.pdf

Certaines expositions importantes ont eu lieu ces temps-ci à Paris, en voici deux accompagnées de leur catalogue  :

L’Art en guerre, “L’exposition du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris montre comment les artistes ont modifié en profondeur les contenus et les formes de l’art en France de 1938 à 1947, dans un contexte menaçant d’oppression et de pénurie.  Près de 400 œuvres de plus de 100 artistes sont présentées en une dizaine de séquences fortes, complétées par de nombreux points documentaires et filmiques inédits”:

Félix Vallotton, le feu sous la glace
“Vallotton (1865-1925) est un artiste unique qui, bien que proche des nabis,
garde sa vie durant un style à la fois très personnel et résolument moderne.
Reconnaissables entre toutes, ses toiles se distinguent par des couleurs raffinées
et un dessin précis découpant la forme qu’il met également au service de la gravure”.

Félix Vallotton, La Loge de théâtre, le Monsieur et la Dame, 1909 Collection particulière © DR –

http://www.grandpalais.fr/fr/evenement/felix-vallotton-le-feu-sous-la-glace#sthash.BQ6Bmxft.dpuf