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Vidéos et commentaires pour tous sur l’art des temps nouveaux

Comment rendre compte d’un mouvement artistique présenté dans une exposition ? Comment expliciter le thème d’un tableau, les préoccupations d’un peintre du temps des Lumières ? Comment rendre compte de la fascination des temps nouveaux, des élans  exprimés par ces artistes ? Quelques vidéos captent les commentaires  des conservateurs, des commissaires-d’exposition et des médiateurs des musées, qui formulent sur ces thèmes, des commentaires destinés à tous :

Entrée de la troisième exposition de l’UAM au pavillon de Marsan, musée des Arts décoratifs, Paris, en 1932. JEAN COLLAS, MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS, FONDS JEAN COLLAS, PARIS/ADAGP, PARIS 2018

La première  a trait à l’exposition en cours sur « l’UAM », l’Union des artistes modernes, au Centre Pompidou : l’UAM fondée en 1929, dissoute en 1958, a rassemblé jusqu’à 250 artistes, décorateurs, créateurs de bijoux, de tissus, de mobilier, de tapisseries,  architectes, dont  Fernand Léger, Charlotte Perriand,  le fondateur du Salon d’Automne en 1903, Francis Jourdain, mais aussi Pierre Chareau , Sonia Delaunay, Jean Puiforcat, Robert Mallet-Stevens, l’architecte Lurçat, l’affichiste Cassandre, Le Corbusier, Jean Prouvé, le décorateur René Herbst, etc. Ils organisent au musée des Arts décoratifs, en 1949-1950 : « Formes utiles – objets de notre temps » dont l’exposition de 2018 conserve de multiples témoignages. Au total l’exposition de 2018 expose dans cette chronologie qui court sur près de quarante ans, pas moins de 780 pièces.

Certains membres de l’UAM, notamment des architectes, rejoindront dans les années 1950 le groupe Espace ( Durant l’été 1954, un événement original est organisé à Biot chez Fernand Léger, par le groupe Espace).

 Des vues de l’exposition de 2018 et une interview d’Anne-Marie Charon-Zucchelli, attachée de conservation au service architecture du musée national d’art moderne et co-commissaire de l’exposition, sont en ligne.

UAM” une aventure moderne, au Centre Pompidou, Paris
du 30 mai au 27 août 2018.

La seconde vidéo se concentre sur une œuvre,  dans la série intitulée « Talks for all » à la National Gallery : un conférencier commente de façon très pédagogique (en anglais) un tableau de Joseph Wright ‘of Derby’ (1734-1797) intitulé  » An enlightened experiment »  : le tableau appartient aux collections permanentes du musée. Cet artiste du temps des Lumières, est fier d’être originaire de Derby, la ville alors au centre de la révolution industrielle. Le tableau montre une « expérience sur un oiseau dans la pompe à air » :

« Joseph Wright hailed from Derby, a city at the centre of the Industrial Revolution. What can we learn from ‘An Experiment on a Bird in the Air Pump’ about this advancing time and how does this painting represent the Enlightenment that was taking place around him? Unpick and explore the references scattered ». 

Ce peintre a fait l’objet d’une exposition  itinérante présentée au Grand Palais en 1990, (Exposition Joseph Wright of Derby, Grand Palais, Paris, 17 mai-23 juillet 1990), à la Tate Gallery et au Metropolitan Museum (commissariat de Judy Egerton). A Paris, l’exposition n’avait pas du tout trouvé son public : elle prenait place après la présentation de peintres anglais  plus fameux (Gainsborough, Turner et Reynolds) et dont les paysages et les portraits peuvent sembler plus accessibles.

Claude Parent, un architecte utopique parmi les artistes

L’architecte Claude Parent, qui vient de décéder,  est « connu pour son architecture originale au service de l’imaginaire et de l’utopie, Claude Parent est le créateur de l’architecture oblique. Élu membre de l’Académie des beaux-arts en 2005, au fauteuil de l’architecte Jean Balladur, il raconte d’un humour distancié, son parcours, son engagement passionnel au service de l’architecture et ses rencontres avec les artistes du monde de la peinture et du théâtre. Fernand Léger, Yves Klein, Michel Carrade, Sylvain Dhomme, Polieri, les architectes Nicolas Shöffer, Lionel Mirabaud, le théoricien Paul Virilio et beaucoup d’autres ont nourri ses expériences de créateur. »

Dans une émission proposée par  Marianne Durand-Lacaze, l’Académie a salué en 2008 l’un des siens : Claude Parent, l’architecte de l’oblique , entretien avec l’académicien des beaux-arts  :

Avant l’académisme,  dans les années 1950 et 1960, Claude Parent a en effet été l’acteur d’une époque qui associait dans un même mouvement utopique, sans distinction, artistes peintres, sculpteurs et architectes  : Claude Parent a revendiqué pour sa création l’importance primordiale des rencontres et compagnonnages successifs. Les duos formés avec Ionel Schein, André Bloc, et Paul Virilio en témoignent, marquant l’actualité architecturale et intellectuelle des années 1950 et 1960.

Dès le début des années 1950, il multiplie les collaborations artistiques (Nicolas Schöffer, Yves Klein, Jean Tinguely, André Bloc) et adhère au Groupe Espace créé par André Bloc en 1951 (avec Jean Dewasne, Étienne Béothy, Jean Gorin, Félix Del Marle, Edgard Pillet, Victor Vasarely et Nicolas Schöffer), qui défend une nouvelle synthèse des arts.

De sa rencontre en 1963 avec Paul Virilio naîtra le groupe Architecture Principe (1963 – 68) – dont l’Église Sainte-Bernadette du Banlay (1963 – 66) à Nevers deviendra le projet-manifeste. Paul Virilio et Claude Parent imaginent le concept de « fonction oblique » cherchant ainsi à redéfinir nos espaces de vie en édifiant des bâtiments perturbateurs, aux sols et aux murs inclinés. L’expérimentation est son champ d’investigation permanent. Des bâtiments faits de rampes, de pentes, d’angles, privés d’ameublement – l’espace lui-même est censé déterminer la surface. Des concepts tels que « mur », « sol », « au dessus », « en dessous » sont écartés de leur signification première. Les relations sociales sont dynamisées par l’oblique et par une compréhension de l’espace pleine de spiritualité.

A la fin des années 1950, il mène une collaboration pionnière et intense avec l’artiste Yves Klein :

Au printemps 1959, Yves Klein travaille avec l’architecte Claude Parent sur son projet de Fontaines d’eau et de feu ; il dessine un projet de sculpture aéromagnétique. L’architecte Claude Parent évoque le projet des fontaines de feu dont Klein souhaitait doter les jardins du palais de Chaillot : « Ce qui intéressait Klein au maximum c’était la rencontre de l’eau et du feu avec le dégagement des fumées produites qui flattait certainement le goût wagnérien du théâtre qu’il avait. Il m’avait demandé de travailler aux fontaines de Varsovie devant le palais de Chaillot. Avec ce principe de l’eau et du feu de la rencontre d’un peu d’eau frappée diagonalement à son sommet par un jet de flamme qui dégage à ce moment-là une vapeur d’eau, une fumée dans l’atmosphère ». À travers son délire créatif, Klein avait su conférer un mythe à son personnage, celui du vide. En échange d’une « zone de sensibilité picturale et immatérielle », il exigeait suivant les dimensions de son œuvre entre un kilogramme et quelques grammes d’or fin, et dans son journal du vide, il écrivait, « Le territoire doit ressembler aux yeux de l’espace ». Actualités cinématographiques de Gaumont-Pathé « Yves Klein, quatrième dan », 3 mns 38 s, 1969.

Ainsi, Claude Parent a participé à l’exposition pionnière organisée par François Mathey, au musée des Arts décoratifs à Paris : l’exposition Antagonismes II, l’Objet, au printemps 1962 : elle associait aussi bien des peintres et sculpteurs, que des architectes : Michel Ragon, critique d’art, a salué la maquette d’un théâtre à scènes multiples d’AGAM réalisée avec l’aide de Claude Parent, mais aussi, la création d’Yves Klein présentée au sein de l’exposition : un panneau documentaire, présentant   » l’architecture de l’air » et « la climatisation de l’atmosphère à la surface de notre globe ». Le panneau était composé d’esquisses d’architecture immatérielle, faites par l’architecte.

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Michel Ragon a écrit sur Parent une monographie critique d’un architecte.

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A la demande de Michel Ragon, en 1963, Claude Parent expose à la galerie Anderson-Mayer, aux côtés de Gilioli, Chavignier, Kowalski, Niemeyer, Gaudi, André Bloc, Claude Parent, Jacques Polieri, Alain Bourbonnais, Labourdette, Stahly, di Tinea, Schöffer, Szekely, Ionel Schein.

L’Espace de l’Art Concret à Mouans-Sartoux a consacré une exposition sur la collaboration entre l’architecte Claude Parent et l’artiste Yves Klein, du 31 mars au 25 août 2013 : YVES KLEIN / CLAUDE PARENT À MOUANS—SARTOUX.

Claude Parent a prolongé cette collaboration unique avec Yves Klein avec un projet de monument qui vise, selon ses termes, « à une interprétation architecturale de la pensée d’Yves Klein dans ce qu’elle propose de plus fondamental ».

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Claude Parent/Mémorial Yves Klein, 1964 -1965/Maquette Bois 40 x 49.5 x 49.5 cm, inv. 008 59 01, Collection FRAC Centre.

 

Numéro d’hommages à Nicole Racine, Publication des Cahiers Jean-Richard Bloch, n° 21.

Sur le Carnet de l’IHTP : Publication des Cahiers Jean-Richard Bloch, 21.

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Numéro d’hommages à Nicole Racine, cette édition des Cahiers est le résultat de deux journées d’études auxquelles l’IHTP s’était associé. Nicole Racine a participé pendant de longues années au Groupe de recherche de l’Histoire des intellectuels à l’IHTP avec Michel Trebistch.

Nicole Racine s’était (entre autres) intéressée aux écrits et prises de position de Fernand Léger lors de la « querelle du réalisme, 1935-1936 » : «  Fernand Léger, « Le nouveau réalisme continue », second débat, La Querelle du réalisme, op. cit., p. 74-75.

« Léger s’interroge de façon prémonitoire dans ce texte sur la concurrence apportée dans le domaine des représentations par le cinéma, la radio, la publicité, « avec ces énormes mécaniques modernes qui vous donnent de l’art vulgarisé à puissance 1000 « .

 In Nicole Racine, « La Querelle du Réalisme » (1935-1936) , Sociétés & Représentations, 2003/1 n. 15, p. 113-131.  Voir également son texte dans  » Aux frontières des attitudes entre le politique et le religieux. Textes en hommage à Guy Michelat« .

 

A chacun sa Fiac 2015

Organisée du 22 au 25 octobre, la FIAC, à Paris,  a accueillie cette année 171 exposants. La Directrice du salon depuis douze ans est Jennifer Flay. Au Grand Palais, il y a eu peu de galeries d’art françaises et peu de peintures d’avant les années 1950 et 1960 représentées : donc pratiquement plus d’abstraction géométrique en vue.

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A la galerie Jaeger-Bucher :  on découvre dans la pénombre des petits formats de Klee et de Kandinsky.

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et un beau tableau de Gérard  Fromanger intitulé « Florence, rue d’Orchampt », 1975. Il a figuré lors de l’exposition  » Mémoire d’un patriache » organisée à l’occasion du 90e Anniversaire de Jean-François Jaeger et de ses 66 années de galerie.

 

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Fromanger

A la galerie Applicat Prazan : une exposition exclusive dédiée à Maurice Estève très colorée,  incluant ses œuvres les plus récentes,

et à la Landau Fine art,  une galerie canadienne de Montréal  : entre autres, Magnelli , Fernand Léger, Jean Dubuffet et Le Corbusier.

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Magnelli

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La galerie italienne Tornabuoni  a choisi de rester « en blanc« , en écho à l’une de ses expositions. Elle présentait également  une œuvre  d’ Alighiero e Boetti (1940-1994) :

 

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« Par le choix de la broderie, technique obsessionnelle souvent mise en oeuvre, Alighiero e Boetti est un artiste conceptuel sans équivalent connu dans le monde des artistes contemporains consacrés, la grande Louise Bourgeois l’utilisant de manière moins systématique pour ses auto-analyses arachnéennes.

Un nom coupé en deux, à moins que soudé : Au début des années 1970, Alighiero Boetti se rebaptise Alighiero e Boetti. Cet ajout, qui rompt autant qu’il lie son identité, mérite que l’on égrène quelques interprétations subjectives tant l’OEuvre de cet immense artiste est justement liée à la représentation de l’identité. Alighiero e Boetti comme un  dédoublement, une diférenciation entre le social et l’intime, un pied de nez à l’identité attribuée d’office, une dilution et un renforcement, un signe à la fois morcellement et réunifcation, une manière de disparaître, un point de suture….Alighiero e Boetti est principalement connu par ses grands planisphères et énigmatiques damiers aux carrés de couleur, dont chacun isole la lettre d’un mot, qu’il concevait puis faisait broder par des femmes en Afghanistan, pour un résultat esthétiquement somptueux et, comme il ne s’agit pas de décoration, une sorte de tour de passepasse éblouissant. Bien que cloisonnée par la couleur, la réalisation n’apparaît jamais fragmentée, l’oeil isole difficilement un morceau coloré, elle forme un tout dans les contradictions et le miroitement des couleurs, car la ligne-frontière n’existe pas ».

 

Dans un renfoncement du Grand Palais, on découvre les dernières acquisitions du FMAC (Fonds municipal d’art contemporain de la Ville de Paris) et la démarche artistique du colombien Marcos Avila Forero,  » basée sur la rencontre avec des personnes, un lieu, une histoire, et cherchant à renouer des fils perdus entre traditions ancestrales et pratiques contemporaines ».

Pour son projet Alapargatas de Zuratoque (2013), l’artiste a travaillé avec des familles déplacées par le conflit armé en Colombie. Il leur a proposé d’écrire leur histoire sur des sacs de toile de jute qui ont ensuite servi à fabriquer des chaussures tressées traditionnelles des paysans.20151022_13562820151022_135618

ALPAGATAS DE ZURATOQUE, COSTAL #2, FAMILLE RUSSO CANAS, 2013 – Installation 1 Paire de chaussures en toile de jute tissées à la main, Tirage photographique numérique couleur sur papier Classic RC, plastification matte, contrecollée sur plaque Dibond 2mm et châssis aluminium sur CC, 100 x 150 cm, Pièces uniques, Production Palais de Tokyo (Paris), Prix Découverte des Amis du Palais de Tokyo 2012. A découvrir ici.

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Gilles Drouault de la galerie de Multiples, face à l’entrée, (et à la sortie) proposait à la vente des marteaux : un « marteau au manche ondulé qui est censé représenter l’onde de choc produite quand on enfonce un clou quand on s’en sert ».

Ils rappellent un peu ceux que propose Carelman, dès les années 1970 :

 Catalogue d’Objets Introuvables (Catalogue d’Objets Impossibles) :Jacques Carelman, Français, Marseillais pour être plus précis, et un contemporain. Peintre, sculpteur, illustrateur, metteur en scène et, fondamentalement, autodidacte. Il utilise l’humour en créant. Il invente et imagine en fusionnant la logique et l’absurdité avec une grande subtilité. Il déforme la réalité que nous connaissons tous. Il amuse et s’amuse.
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Il est né en 1929 et dès 1956 il vit à Paris où il  a commencé par réaliser des décors pour théâtre et des illustrations de livres. Il est connu dans le monde entier principalement par son Catalogue d’Objets Introuvables (Catalogue d’Objets Impossibles), imaginé et publié en 1969 comme une parodie à un catalogue de vente par correspondance en imitant le style du fameux Manufrance. À partir de 1972 avec sa première exposition,[organisée au musée des Arts décoratifs à Paris avec François Mathey] et sans interruption, ses objets ont été présentés dans de nombreux musées, galeries d’art, de centres culturels, d’étrennes et salons d’Europe, du Canada, des États-Unis, de l’Amérique latine et du Japon. 

Au Grand Palais, à signaler cette année, l’activité soutenue des visites guidées  qui permettait au public de s’initier à l’ art contemporain : elles ont rencontré un grand succès. Le prix d’entrée (35 euros) reste toutefois très élevé car il s’agit bien d’une foire commerciale et non d’un musée.

L’ancien commissaire du 60 e salon de Montrouge, Stéphane Corréard dans le Quotidien de l’Art, a annoncé qu’il allait lancer une foire de galeries françaises à Paris :

« L’idée était dans l’air depuis un moment. Ancien directeur du Salon de Montrouge, Stéphane Corréard compte lancer un nouveau salon baptisé « Galeristes » en décembre 2016, sans doute au Carreau du Temple, à Paris. « J’aimerais réunir quarante des meilleures galeries indépendantes françaises, des galeries qui sont des passeurs », nous a-t-il confié. Et d’ajouter : « J’ai beaucoup d’amis marchands déboussolés par les évolutions du marché de l’art »..

L’art des tranchées vu par Jean-Jacques Lebel

La lettre du séminaire « arts et sociétés » numéro  79  est en en ligne . Elle est consacrée  à  la conférence de Bertrand Tillier sur l’art  des tranchées vu par l’un  de ses plus grands collectionneurs,  l’artiste Jean-Jacques Lebel.

B. TILLIER dans ses travaux interroge en particulier les rapports entre les arts et la politique aux XIXe et XXe siècles, dans la perspective d’une histoire culturelle et sociale des imaginaires et des sensibilités.

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Installation par Jean-Jacques Lebel en hommage aux poilus anonymes lors de l’exposition Les désastres de la guerre. 1800-2014 au Louvre-Lens, 2015.

Extraits : « L’inscription, dans l’histoire de l’art, des objets fabriqués par les soldats de la Grande Guerre, à partir de douilles d’obus récupérées et transformées, mérite réflexion. Car leur vie d’objets découpés, martelés, façonnés, ciselés et gravés par les poilus – ce qu’on appelle d’ordinaire l’artisanat de tranchée –, est le lieu d’un changement de statut, de l’objet patrimonial à l’œuvre d’art, qui montre comment ils sont entrés dans le champ des approches esthétiques. L’histoire de l’art des tranchées de la Grande Guerre tiré du recyclage des métaux de l’armement industriel de la guerre moderne, telles les douilles, têtes ou ceintures d’obus, pourrait s’ouvrir, en compagnie de Jean-Jacques Lebel,  sur une scène fondatrice ».[…]

« L’artiste  salue-t-il ainsi, par extension, l’expressivité brute caractérisant l’art des poilus, dont les qualités seront explorées par des artistes d’avant-garde mobilisés dans le conflit, à la suite de Fernand Léger qui avoue avoir reçu dans les tranchées la révélation de la réalité des objets et de leur puissance plastique : « […] je fus ébloui par une culasse de 75 ouverte en plein soleil, magie de la lumière sur le métal blanc […]. Cette culasse […] m’en a plus appris pour mon évolution plastique que tous les musées du monde ».

Bibliographie  :

Catalogue de l’exposition Soulèvements, Jean-Jacques Lebel, Paris, La Maison rouge / Lyon, Fage éditions, 2009.

Catalogue de l’exposition 1917, Metz, Centre Pompidou-Metz, 2012.

Nicole DURAND, De l’horreur à la l’art, Dans les tranchées de la Première Guerre mondiale, Paris, Seuil, 2006.

Nicholas J. SAUNDERS, Trench Art, Materialities and Memories of War, Oxford/New York, Berg, 2003.

Patrice WARIN, Artisanat de tranchée & Briquets de poilus de la guerre 14-18, Louviers, Ysec éditions, 2001.

Patrice WARIN, Artisanat de tranchée de la Grande Guerre, Louviers, Ysec éditions, 2005.

Vient de paraître sous la direction de Philippe Poirrier : La grande guerre, une histoire culturelle :

« Ce volume a l’ambition de valoriser les résultats de recherches en cours et à en promouvoir une appropriation par un large public. Les thématiques choisies relèvent d’une histoire culturelle au sens large. Deux entrées sont privilégiées : comment les acteurs, essentiellement des mondes de l’art et de la culture, ont-ils vécu, à l’arrière comme au front, la Grande Guerre ? Comment la culture matérielle, notamment les artefacts et objets culturels, a-t-elle été marquée par ce conflit ? Ces deux approches ne sont évidemment pas opposées : elles sont complémentaires et permettent, en déclinant des méthodologies différentes et en articulant des échelles variées, de mieux saisir la place des mondes de la culture dans la Grande Guerre. Artistes plasticiens, écrivains, journalistes, musiciens, scientifiques, sportifs et urbanistes participent de ces sociétés en guerre. Le langage des poilus, les chansons, les patrimoines et la « culture visuelle » – qui se matérialise sous des formes très diverses – portent l’empreinte de la Grande Guerre. Pour chaque expression culturelle, les auteurs proposent une histoire qui souligne les modalités de la reproduction, les formes de la circulation et les caractéristiques de la réception ».