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Quelles expositions temporaires pour un musée des arts décoratifs ?

Dans un article documenté de Roxana Azimi, paru dans le journal Le Monde du 6 avril 2016, intitulé “Le Musée des Arts décoratifs veut devenir le temple de la French touch”, sont mis en regard les stratégies respectives des deux musées consacrés aux arts décoratifs et à la mode, au champ des arts appliqués : le français, ( Les Arts Décoratifs) et le britannique, le Victoria & Albert Museum (V & A).  La fréquentation des Arts décoratifs a chuté, alors que l’autre grand musée le Victoria & Albert Museum (V & A), a le vent en poupe, comme le montrent  ces chiffres :

 Date de naissance : 1851 pour le V & A, 1882 pour les Arts décoratifs.

  1. Fréquentation : 3,3 millions de visiteurs pour le V & A, Le V & A a triplé sa fréquentation de 2001 à 2009. Aux arts décoratifs : 300 000 visiteurs en 2015 , contre 603 000 en 2012.
  2.  Surface : 50 000 mètres carrés pour le V & A, rue de Rivoli à peine 10 000 m2.
  3. Stratégie de rénovation :  les collections permanentes  du Musée des arts décoratifs ont fermé leurs portes  pendant dix ans (1996/ 2006). Au V & A, la rénovation n’a conduit qu’à des fermetures partielles.
  4. Complexité et articulation : pas toujours évidente entre le Musée des arts décoratifs, la bibliothèque des Arts décoratifs, le Musée Nissim de Camondo à la Plaine-Monceau, et l’école Camondo, qui forme en architecture intérieure et en design. Les musées des Arts décoratifs  : il s’agit en fait de plusieurs départements-musées : celui de la Mode et du Textile, celui des arts décoratifs et de la Publicité, le musée Nissim de Camondo.
  5. La subvention octroyée au musée parisien a augmenté de 1,5 million d’euros depuis 2014. Le V&A, lui, “a ses tutelles dans la poche” et perçoit de 2 à 3 millions de livres sterling (2,4 à 3,7 millions d’euros) grâce à ses produits dérivés. Aux Arts décoratifs, la concession de redevance du restaurant et de la boutique ne rapporte que 630 000 euros.

La programmation du V & A : une exposition consacrée au styliste Alexander McQueen en 2015,  une  exposition, érudite, consacrée au postmodernisme en 2011.

Aux arts Décos, la collection d’art asiatique a été sortie des réserves. Et pour l’année France -Corée, le musée a organisé l’exposition “Korea Now ! design, mode et graphisme en Corée”,  du 19 septembre 2015 au 3 janvier 2016. L’exposition retour prévue à Séoul n’aura pas lieu et a eu des conséquences inattendues en Corée.

Les remèdes avancés pour le musée parisien sont les suivants :

  • S’investir sur des projets ambitieux d’expositions temporaires plafonnés à 6 ou 8, contre 12 en moyenne actuellement ;
  • Adopter une présentation des collections à l’horizon 2017, avec de plus fortes ponctuations extra-occidentales. A l’accrochage patrimonial par siècle va se greffer un autre parcours davantage pluridisciplinaire, mêlant mode, design, graphisme, photos, livres et vidéos. Histoire d’épouser le rythme et le foisonnement de la création contemporaine.

Il semblerait en fait qu’il ne s’agisse pas d’un match entre la French touch  et la Britishitude, mais plutôt d’un débat entre art contemporain et Design : “A Paris, on a l’impression que l’art contemporain a le monopole de la créativité  » dixit Pierre-Alexis Dumas, président des Arts décoratifs, directeur artistique d’Hermès, “On doit emmener le public vers l’idée que ce musée est celui de tous ceux qui travaillent dans le champ des arts appliqués. On doit faire en sorte que les jeunes designers âgés de 20 à 30 ans aient envie d’exposer ici plutôt qu’au Palais de Tokyo. ».

Les créateurs qui, depuis le milieu des années 1960,  ont été formés dans des écoles d’arts décoratifs sont devenus des phares de l’art contemporain (Daniel Buren ouvrant le bal).

. Mot clé “Design” sur le site du Palais de Tokyo.

Voir l’entretien d’Olivier Gabet, directeur des musées des Arts Décos, sur les perspectives et la stratégie des Arts Décos.

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Pour de belles photographies de l’exposition temporaire en cours, aux Arts Décos, “Fashion Forward. Trois siècles de mode – 1715 – 2016”, du 7 avril au 14 août, voir le carnet d’hypothèse :  (Histoire de mode).

L’autre exposition en cours aux Arts décos,  porte sur “Barbie”: elle est source de produits dérivés et devrait contribuer aux finances du musée.

A signalerlast but not least,  Le Contemporain dessiné – Parcours aux Arts Décoratifs, présenté à l’occasion de la 10e édition de DRAWING NOW PARIS I LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN
du 17 mars au 28 juin 2016, aux Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli, Pavillon de Marsan, étages 5 à 9, commissariat d’Agnès Callu.

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enfin, les Papiers peints sont de retour aux Arts décos, du 21 janvier au 12 juin 2016 : présenté dans les galeries d’études, cet événement révèle le fonds exceptionnel du département des papiers peints, en rendant publiques trois cents pièces emblématiques de la collection qui compte aujourd’hui plus de 400 000 œuvres en réserve.

  • mais aussi au musée des maisons comtoises à Nancray, “Paper is not dead #2”, du 27 mars au 3 juillet 2016.
  • Au musée de Rixiem : à voir actuellement  « MADE IN FRANCE » Le papier peint en 2015 12 juin 2015 – 31 octobre 2016.
  •  “La collection Zuber : 100 000 documents, du début du XIXème siècle à 1983) et celle du Musée de l’impression sur étoffes de Mulhouse ont été complétées par des milliers d’autres documents acquis depuis l’ouverture du Musée; ils restituent un panorama complet, des dominos du XVIIIème siècle aux créations les plus récentes, avec des papiers peints de toutes origines géographiques”. 

Actuellement, au V&A, à Londres, l’exposition en cours est consacrée aux chefs-d’œuvre des Lumières :

  • Les vingt conservateurs du département ont réuni une sélection de deux cents chefs-d’œuvre, sous la direction de Lesley Miller, qui leur avait demandé de dresser « la liste des objets les plus importants pour raconter des histoires ». « On a eu dix-huit mois de débats, reconnaît-elle, le département est riche de 90 000 pièces de cette période. » Au total, les 1 100 retenues – 300 françaises, 800 européennes – proviennent pour la plupart de la donation John Jones, un collectionneur de la fin du XIXe siècle, fan absolu de l’art décoratif du XVIIIe. Entrée libre : www.vam.ac.uk

 D’autres musées du Design développent des stratégies alternatives de présentation de l’objet, très originales, à partir de collections plus modestes, c’est le cas du musée de Francfort le Museum Angewandte Kunst :

Depot Show. Happiness and Promise February – 10. April 2016 more

Richard Meier. A Style Room Continuing Presentation more

Elementary Parts. From the Collections Continuing Presentation more

Stylerooms. From the Collections Continuing Presentation more

Secret Compartments July 2015 – 06. March 2016 more

Vite, vite, à la Gaîté Lyrique ! Stefan Sagmeister, The Happy Show à la Gaîté lyrique, du 28 novembre 2013 au 9 mars 2014

stefan-sagmeister-vous-propose-un-bonheur-sans-limiteStefan Sagmeister (1962)  avait investi il y a deux ans au musée des Arts décoratifs . Stefan Sagmeister revient à Paris pour une expérience particulière : définir, mesurer et, si possible, accroître le bonheur des visiteurs de sa nouvelle exposition intitulé “Un bonheur sans limite”, à la Gaîté Lyrique.” La Gaîté lyrique vous entraîne dans l’exploration d’un bonheur sensoriel et intellectuel avec, pour guide, Stefan Sagmeister“.

Stefan Sagmeister , américain d’origine autrichienne,  a été formé à l’université des arts appliqués de Vienne et à l’Institut Pratt (établissement d’enseignement supérieur privé de la ville de New York). Il est connu pour ses pochettes de disques (Lou Reed, les Rolling Stones ou David Byrne), pour son livre à roulettes BMW, ainsi que pour les logos évolutifs de Levi’s à New York ou de la Casa da Musica à Porto”.

Il s’agit là d’un nouveau lieu d’exposition à Paris. L’équipe de la Gaîté Lyrique s’est installée  dans un ancien théâtre datant du XIXe siècle qu’elle fait revivre depuis très peu de temps :

“Au début des années 1980, le dôme magistral de la salle menaçant de s’effondrer, on dût se résoudre à bétonner une partie de la grande salle. Elle fût bientôt détruite dans le cadre du projet de parc d’attraction Planète Magique, imaginé par le créateur de dessins animés Jean Chalopin. Les difficultés techniques eurent raison de ce parc qui n’ouvrit que quelques semaines en 1989. Depuis, la Gaîté lyrique était en sommeil ; la poussière recouvrant peu à peu ce lieu central de la vie culturelle parisienne. Jusqu’à ce qu’en 2002, la Mairie de Paris décide d’y implanter un nouvel établissement culturel destiné aux cultures numériques et aux musiques actuelles.
Une équipe menée par Pierre Bongiovanni s’y installe alors et y mène, d’octobre 2002 à avril 2004, une politique d’animation du lieu dans le bâtiment comme hors-les-murs. Pendant la première Nuit Blanche, la Gaîté lyrique est même investie par un géant grâce à une installation de vidéoprojecteurs de l’artiste Samuel Rousseau.

Parallèlement, en décembre 2003, le cabinet Manuelle Gautrand Architectes se voit attribuer la maîtrise d’ouvrage suite à l’appel à candidature organisé par la Mairie de Paris. Le projet, tout en étant innovant, respecte les parties historiques du bâtiment (la façade, l’entrée et le foyer qui seront restaurés) et entend proposer un bâtiment dont les équipements constituent une véritable « boîte à outils » modulable, au service des artistes”. http://www.manuelle-gautrand.com/projects/gaite-lyrique/

Le site de Sagmeister, designer graphique et typographe.

Le design dans l’art contemporain, le graphisme en 2014

« Le design dans l’art contemporain », est l’objet d’un colloque prochain à Bordeaux : http://calenda.org/265894

Longtemps ignoré, puis marginalisé et réservé aux étudiants des écoles d’arts décoratifs  essentiellement privées, le design est aujourd’hui plus que prisé, “amalgamé” par certaines tendances de l’art contemporain :

“En dénonçant la «beauté amère» d’une histoire de l’art qu’ils jugeaient compromise au service de pouvoirs injustes, les artistes modernes se sont lancés dans un processus aussi utopique qu’autodestructeur. Voulant faire de tous les hommes des artistes et de la vie l’art véritable, ils ont effondré le socle des Beaux-arts sur lequel reposait la légitimité de leur pratique. Métamorphosés à la fin des années soixante en «plasticiens» «propres à tout et à rien», ils ont laissé le designer industriel répondre à l’irrépressible, car consubstantiel, désir de beauté de l’être humain. Si tout est désormais «affaire de design», faut-il en conclure que le designer, qui a profité de l’occasion pour revêtir les habits multicolores de Business Pop Star tissés dans la Factory warholienne, est devenu l’artiste par excellence d’un «monde de l’art à l’état gazeux et à la beauté illimitée» (cf. Yves Michaud) ? Poursuivant la réflexion engagée dans AC-DC : art contemporain, design contemporain (éd. HEAD-Haute École d’art et de design de Genève, 2008) et Philosophie du design (Figures de l’art XXV, éd. Puppa, 2013), ce colloque propose de regarder l’art contemporain dans le miroir du design et le design dans celui de l’art.”

En espérant que ce colloque donnera lieu à une publication, soulignons qu’il a lieu à propos,  juste avant le lancement de 2014, année du Graphisme : http://next.liberation.fr/design/2013/11/10/en-2014-le-graphisme-entre-en-seine_946008

Car du design au graphisme il n’y a qu”un pas : ” Le graphiste est désormais un ergonome, un designer de données”, Caroline Bouige et Isabelle Moisy in  “Etapes, design et culture visuelle”:  http://etapes.com

Pour suivre  l’actualité de ces différents domaines voir le CNAP et la Cité de la mode et du Design à Paris : “ Le Centre national des arts plastiques (Cnap) célébrera le 20e anniversaire de la revue Graphisme en France qu’il édite. Il coordonnera un ensemble de manifestations, comme des salons graphiques organisés à Bagnolet, Roubaix, Bordeaux… Lesquels seront complétés par un colloque scientifique, un guide de la commande publique, des interventions pédagogiques dans les écoles, des films, etc. Le tout dans une volonté ministérielle de rendre visible «la scène française du graphisme contemporain». Va-t-elle sortir de sa niche cachée ?”

Fête du graphisme à Paris, du 8 janvier au 17 février. Aux Docks, Cité de la mode et du design, 34, quai d’Austerlitz, 75013. Du 30 janvier au 2 février :  www.citemodedesign.fr Et aussi à la BNF, au MK2 Bibliothèque et à la Gaîté lyrique.

 

Hommage à Gilles de Bure, la liberté d’agir

C’est dans le cadre de ma thèse que je l’ai rencontré et interviewé grâce à Françoise Jollant-Kneebone, une autre spécialiste du design, qui a vécu comme lui la naissance et les premières années du Centre de Création Industrielle (CCI).
Notre entretien a eu lieu dans un café de la place Saint-Sulpice où il se sentait bien mais qui allait gâcher la qualité de l’enregistrement sonore. Les cliquetis et bruits de fond divers ne nous ont pas empêcher de parler de l’essentiel :
La naissance de la revue Cree, la réception critique des expos du musée des arts Décos et du CCI,  ses premiers pas dans le cadre de son rattachement au centre Beaubourg. Sa qualité de pigiste et d’écrivain le rendait libre, sans horaires ni contraintes apparentes, sans patronat mais sur le fil …

J’ai beaucoup apprécié la critique qu’il a écrite dans la revue Cree, s’agissant de l’exposition de Gaetano Pesce sur « Le futur est peut être passé » qui s’est déroulée au musée des Arts décoratifs en 1975, dans la nef et la galerie des Tuileries. L’article s’intitule  « Sept ans de liberté » :

« D’abord, une vaste exposition rétrospective « le futur est peut être passé » couvrant la période allant de 1967 à 1974, organisée par le CCI et présentant des maquettes d’architecture – en particulier, l’environnement – habitacle exposé au Musée d’Art moderne de New York en 1972- des sculptures, des objets de design, des dessins, un projet de pièce de théâtre, etc. De ce considérable « matériau » d’exposition, on retiendra particulièrement et professionnellement la chaise « Golgotha » (refusée d’ailleurs par un « industriel » français..) qui propose une série d’originaux  grâce à l’emploi d’une technique simple judicieusement appliquée. Ensuite, les retrouvailles avec un grand créateur, sans cesse renouvelé et pourtant toujours fidèle à ses motivations profondes : proposer le dépassement du fonctionnel-rationalisme et assigner à l’objet la volonté de signifier, d’exprimer la réalité qui nous entoure, insécurité, sens de la peur, crise idéologique, isolement, sens de la mort… […] Il est vrai qu’aujourd’hui la possibilité d’être quelqu’un de divers n’existe pas. Il existe une espèce de fixation de notre société qui veut que chacun se spécialise ; on est architecte ou cantonnier, musicien ou contractuel, écrivain ou cultivateur. Mais jamais plusieurs choses à la fois, ce ne serait pas autorisé. Car si l’on n’est pas un spécialiste, on n’a pas de valeur marchande précise et, sans cette précision, pas de dialogue possible. Et c’est cela qu’exprime Gaetano Pesce dans son exposition. Il démontre avec éclat que la liberté d’agir exige des sacrifices. […] Gaetano Pesce est un homme libre et il arrive à l’exprimer. […] Il a quelque chose à dire ; il le dit où, quand et comme bon lui semble. Aujourd’hui c’est au musée des Arts décoratifs de Paris qu’il faut aller l’écouter. »