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Des formes en mouvement, des couleurs en formation : Vasarely, le partage des formes

Billet (texte et photographies) de Nicolas Schmidt, Ingénieur de recherche, Institut d’histoire du temps présent. CNRS – Paris 8– UMR 8244.

Exposition au Centre Pompidou, Paris, 6 février – 6 mai 2019.

Plan de l’exposition – Dossier de presse.

Les créations de Victor Vasarely (1906-1997) font appel à un ensemble de disciplines scientifiques, auxquelles, a priori, on ne penserait pas en matière artistique : physique, géométrie, mathématique, médecine, cybernétique, psychologie, astronomie… Outre ses peintures sur toile, ses œuvres en trois dimensions sont réalisées dans divers matériaux, bois, plastique, papier, coton, métal, carton. Toutes tendent à associer tradition et contemporain, mêlent réalisme et abstraction, dans une sorte de mouvement perpétuel. Elles créent des espaces évoquant le minuscule ou l’immense, que l’œil peut saisir par des instruments adéquats, exemple « d’un tissu cellulaire vu au microscope ou d’un espace interstellaire observé à l’aide d’un télescope hyperpuissant (1). »

Vasarely, « GEA 1980-1981 », vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Comme un monde en permanente évolution

Les combinaisons de formes et de couleurs retiennent toute l’attention, demandent du temps pour saisir leur construction, invitent à la rêverie et résultent d’innombrables compositions de toute sorte : « Jeux de permutations, contrastes violents, papillotement de réseaux, vibration de couleurs complémentaires juxtaposées, superpositions de formes presque identiques, double formation convexe (par agrandissement de l’unité carrée de la base) ou concave (par rétrécissement de cette même unité), cercles concentriques aux centres mouvants sont autant de techniques appliquées par Vasarely afin de susciter la sensation du mouvement » (…), selon le désir de l’artiste de « susciter simultanément dans l’œil de chacun un effet et la conscience de sa facticité (2). »

Vasarely, “Zèbres”, 1932-1942, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’exposition montre les évolutions formelles de Vasarely, depuis le Bauhaus des années 1930 jusqu’au Pop art des années 1970, partant de la nature, animaux – zèbres, dont la robe naturelle se prête à l’élaboration d’une esthétique –, galets, polis par des siècles de mouvements de la mer – jusqu’à l’architecture et l’urbanisme un peu partout dans le monde – comme la conception d’établissements techniques, immeubles d’habitation, etc., les couleurs étant des composantes des constructions (et non un simple moyen de décorer ou d’égayer des façades), en passant par la médecine, « du corps et de l’âme », en utilisant régulièrement le « motif du ressort (3) » .

Vasarely, Dessins humoristiques, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).
Vasarely, Dessins humoristiques, cartels, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Logiquement, l’artiste a contribué aux secteurs culturel et artistique – couverture d’ouvrages, pochettes de disque – en passant par l’industrie – sigle des automobiles Renault ; objets utilitaires ou décoratifs…

Vasarely, Couvertures de la collection Tel, Gallimard, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’animation des images

La suggestion du mouvement et le fait de voir l’œuvre dans une temporalité, renvoient bien évidemment au cinéma, des réalisateurs les plus variés n’ayant pas manqué d’utiliser le « style » Vasarely, et plus largement l’art cinétique : c’est avec deux artistes du GRAV (Yvaral et Joël Stein) que « Dès 1964, Clouzot tourne L’Enfer avec Romy Schneider et Serge Reggiani, un film sur la jalousie dans lequel il s’inspire, pour des scènes expérimentales de délire névrotique, de l’univers de l’art cinétique avec des projections et des effets moirés (4). » On sait également que le cinéaste avait eu le projet de tourner un film sur Vasarely, comme il l’avait fait avec Picasso, mais l’artiste n’ayant pas donné suite, c’est avec les mêmes artistes (Yvaral et Joël Stein) que Clouzot reprend ces formes pour La Prisonnière (1968), où un personnage de galeriste et collectionneur, amateur d’objets d’art et de photos érotiques, expose nombre d’œuvres d’artistes versant dans l’abstraction – comme Agam ou Soto, artistes réunis pour l’exposition pionnière « Le Mouvement » en 1955 organisée à la galerie Denise René (5).

“La Prisonnière”, G.H. Clouzot, 1968. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Le film donne l’occasion de parcourir un ensemble indescriptible de colonnes, reflets, labyrinthe, trompe-l’œil, panneaux mobiles, etc., tandis que le maître des lieux semble se faire le porte-parole de Vasarely, quand il prône « l’art cinétique », dit vouloir « démocratiser le produit artistique par l’idée de multiples » et n’hésite pas à revendiquer un « supermarché artistique ».

Cinémathèque Française, Paris – Essais de logos pour le Musée du Cinéma. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Ailleurs, dans une haute tour proche de la Seine, l’appartement parisien d’une actrice de films pornographiques est décoré d’un tableau de Vasarely dans l’entrée, tandis les murs sont occupés par de grandes photos érotiques, dans Peur sur la ville, d’Henri Verneuil (1975). Ou encore, un peintre, dans Les Demoiselles de Rochefort, de Jacques Demy (1967), réalisant des œuvres en tirant au pistolet sur des petites poches remplies de peinture qui vont s’étaler sur une toile (comme le faisait Niki de Saint Phalle), évoluant dans une grande pièce lumineuse portant, outre un Vasarely en noir et blanc, également un mobile de Calder, artiste ayant contribué, entre autres, avec Vasarely à l’animation des formes (6).

Pour sa part, Erotissimo, de Gérard Pirès (1968), moque publicité, érotisme, fiscalité, modernité, contestation, narcissisme, consommation, etc., tout en incluant quelques toiles de type Vasarely, étalant aussi des objets design (lampes et abat-jour, poste de télévision de forme sphérique, sculpture tarabiscotée en métal, etc.) caractéristiques de l’époque.

Le générique du film de Jacques Doniol-Valcroze, Le Viol (1967) se déroule sur un long travelling vers une œuvre de Vasarely, qui se détache progressivement d’une pénombre, sur une musique de Michel Portal. Le tableau – carrés, cercles, losanges, en différentes nuances de rouge notamment – sera revu tout au long du film, huis clos entre une jeune femme et un inconnu qui s’est introduit chez elle, pour des raisons inconnues, et la retient dans son spacieux appartement ; un gros plan sur un cercle au milieu de la peinture clôt une séquence, finissant en surexposition suivie d’un fondu au noir, contribue au trouble général.

Il n’est pas étonnant que l’artiste inspire également Jean-Christophe Averty à la télévision, lequel utilise ses recherches cinétiques pour les décors d’émissions, avec Gilbert Bécaud, Barbara, Charles Trenet, Gérard Manset, Michel Polnareff, dans des décors non signés Vasarely mais reprenant « trait pour trait son langage visuel aux tonalités futuristes (7). » Exemples de Bécaud and Co, 7 avril 1968, 2ème chaîne ou de Quatre temps, 27 décembre 1968, 1ère chaîne, ORTF.

Enfin, dans Le Celluloïd et le Marbre, d’Eric Rohmer (1965), Vasarely, entre autres, est interviewé sur « les apports plastiques décisifs du cinéma aux autres arts ancestraux qu’il qualifie de “muséaux” (8). »

Décor pour l’Opéra Tannhäuser, Opéra de Paris, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt ( DR).

Reproduire à l’infini…

Faites pour être reprises, donnant lieu à réinventions de tous ordres, les œuvres de Vasarely semblent suivre, ou même anticiper cette possibilité de reproduction, par la photographie, qui s’est imposée au XIXe siècle : « L’œuvre d’art reproduite devient, de plus en plus, la reproduction d’une œuvre d’art destinée à être reproduite. Quantité d’épreuves sont par exemple possibles à partir d’une plaque photographique ; la question du tirage authentique n’a aucun sens (9). » Cette thèse se retrouve chez Vasarely, qui avait un moment travaillé dans la publicité :

« Conscient que l’œuvre d’art perd sa qualité d’objet de prestige et n’est plus réservée à une élite de connaisseurs, Vasarely entend concrétiser l’idéal d’une démocratisation totale de l’art, sans hiérarchie entre un original et sa copie ; une utopie qui n’a pu être totalement réalisée, le fétichisme et la valeur marchande de l’original étant restés des moteurs du marché de l’art (10). »

Tout se passe comme si le plasticien avait conçu dès le départ des œuvres faites pour être « autoreproductrices », pouvant être réutilisées par d’autres, servant en quelque sorte de matrice, pour être répétées indéfiniment, selon la volonté de Vasarely d’inscrire ses œuvres en « série », celle-ci héritée de l’artisanat, « non pas la gravure mais la tapisserie », et ayant lui-même réalisé « dès 1950 des motifs pour les ateliers d’Aubusson (11). » Plasticien et graphiste, Vasarely avait conçu un « alphabet plastique » à partir des formes de base, carré, cercle, visant une universalité de langage : manière d’aboutir à une sorte d’ « art social total » ?

VICTOR VASARELY 1953. Photographie de Sabine Weiss, vue de l’exposition, N. Schmidt (DR).

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(1)« Un folklore planétaire », L’Objet d’art, Hors-série, n° 134, février 2019. Vasarely. Le partage des formes. Exposition au Centre Pompidou, p. 49.

(2) Ibid. p. 46-47

(3) « Vasarely avant Vasarely », Ibid. p. 19.

(4)« Multiples et dérivés »,  Ibid. p. 57.

(5) « Les années cinétiques », ibid. p. 32.

(6) « De l’art cinétique à l’op. art »,  Ibid. p. 37.

(7) « Multiples et dérivés », Ibid. p. 57.

(8) Ibid. p. 56 ; guillemets de l’auteur.

(9) Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique [1936] Allia, 2012, p. 29-30.

(10) « Multiples et dérivés », op. cit. p. 55.

(11) Ibid. p. 59.

——————————————————-Références : Liens vers le site Centre Pompidou : – L’événement Vasarely. Présentation générale : – Vasarely – Le partage des formes Bande-annonce, reproduction d’œuvres :

Présentation par les commissaires de l’exposition Michel Gauthier et Arnauld Pierre. Programmation associée.

Décembre 1968 : Michel POLNAREFF interviewe le peintre Victor VASARELY dans son atelier. Source INA.

La dernière exposition rétrospective de Vasarely à Paris, a eu lieu en 1963 au musée des Arts décoratifs Palais du Louvre au Pavillon de Marsan. Source INA. Journal télévisé 13h, 7 avril 1963 – 4’15’’ .

Autres sources INA.

Op’ Art et Pop : en 1969, David Bowie demande à Vasarely de créer la pochette de son nouvel album, Space Oddity :

Pochette de l’album Space Oddity, créée par Vasarely.
Space Oddity.

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Pour en savoir plus : cinq journalistes -critiques évoquent l’exposition :

On repeint L’expo.
(Guy Boyer. Connaissance des arts).

Vasarely, l’expérience intacte au Centre Pompidou. Valérie Duponchelle.

L’héritage décalé de Vasarely. Philippe Dagen.

Exposition : Vasarely, la star des trente glorieuses. Yves Jaeglé.

OH COULEURS ! Todo es de color

Charpin, collection de vases Torno Subito, 1998-2001 édition limitée, Galerie Kreo, Cirva, centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques.   

L’exposition “OH COULEURS ! LE DESIGN AU PRISME DE LA COULEUR” AU MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS ET DU DESIGN

Le musée des Arts décoratifs et du Design à Bordeaux, dirigé depuis 2013  par Constance Rubini, organise une exposition temporaire sur les liens entre la couleur et le design, qui se tiendra du 29 juin 2017 au 5 novembre 2017 :

“La forme est aussi couleur. Sans couleur, il n’y a pas de forme. Forme et couleur ne font qu’un. » Johannes Itten, peintre, enseignant à l’école du Bauhaus (1919-1923). “Alors que les historiens du design ont privilégié les questions liées à la forme, à la fabrication, aux matériaux et aux nouvelles technologies, peu d’entre eux se sont intéressés à la couleur. Pourtant elle influence directement notre perception des objets et la façon dont on interagit avec eux. La couleur participe également de la définition des périodes et des styles. Autant d’aspects que les visiteurs pourront découvrir à travers des exemples constitutifs de l’histoire des objets et du design : les couleurs des Tupperware ; la place de la couleur dans l’œuvre du designer Verner Panton ou encore le rôle méconnu de la décoratrice Paule Marrot pour la firme automobile Renault. Le parcours donnera également à voir des objets d’une histoire oubliée ou méconnue du public occidental, comme ces boro japonais, vêtements populaires faits de morceaux de tissus assemblés, teints à l’indigo de façon artisanale. Le musée étant voisin de la Cité Frugès de Le Corbusier, à Pessac, l’exposition fera une incursion du côté de l’architecture pour montrer le rôle qu’a joué la polychromie architecturale dans l’œuvre de ce dernier, expérimentée pour la première fois en extérieur lors de la construction de cette cité ouvrière, dans les quartiers de Pessac, au sud-ouest de Bordeaux (1924-1926)

« La couleur existe-t-elle ? … Qu’est-ce que la couleur ? Les couleurs ne sont pas seulement présentes dans la lumière, ni seulement présentes dans la matière des objets éclairés, en fait, la couleur n’existe que s’il y a un spectateur pour en faire l’expérience. » Verner Panton, conférence au Bella Center, Copenhague, 1982 Si le sujet est souvent écarté de l’histoire du design, c’est qu’il est insaisissable. La couleur n’existe pas en soi, elle n’est perceptible que dans la lumière et varie selon sa quantité, le support qui la reçoit et l’œil qui la regarde. Ainsi, rien de définitif ne peut être dit sur la couleur. Le parti pris de cette exposition sera donc de l’interroger à partir de différents points de vue, en donnant notamment la parole à des spécialistes des domaines du design, de la mode, de l’industrie et de la sociologie. Ils mettront en évidence l’ambiguïté du concept, sa plasticité au regard des objets, de leur processus de fabrication et de leur perception : Irma Boom (illustratrice et typographe néerlandaise), Massimo Caiazzo (historien de la mode et viceprésident de l’IACC Italia), Michel Pastoureau (historien médiéviste, spécialiste des couleurs), Arthur Rüegg (architecte et spécialiste de l’œuvre de Le Corbusier).

Suzanne Ramié, vase, 1956 Atelier Madoura © Hervé Lewandowsky.

Martin Szekely, vase Jaune-froid Marseille, 1988 – Réalisé dans le cadre de la commande publique 30 vases au Cirva.

L’exposition est mise en scène par le designer Pierre Charpin. Des citations, des textes explicatifs très courts et des documentaires vidéos animent un parcours complet, qui donne très simplement une leçon de design, à la fois synthétique et accessible, qui donne à voir un panorama des tendances à travers les décennies, qui livre une approche pédagogique et ludique des différents domaines d’application du design : de l’architecture au design produit, de la mode aux environnements mobiliers,  des casques de chantier aux robes de créateurs,  des papiers peints aux plastiques compressés et aux plumes de paon, l’exposition accueille aussi une collection inattendue, celle d’Olivier Saillard, et réserve une salle consacrée à la théorie des couleurs de Joseph Albers.

Evoquant  à la fois des thématiques  locales ( le papier peint créé pour l’occasion par Irma Boom, ou la cité Frugès de Le Corbusier), elle retrace aussi les grands courants internationaux du design et montre le travail de grands créateurs comme Ettore Sottsas,  Martin Szekely. Cette exposition est une vraie réussite,  déjà saluée dans la presse, ici (“Un jeu de piste fascinant”) ou.

C’est donc un vrai plaisir de la visiter, dans cet endroit  à part,  qui vient compléter le musée et ses collections permanentes. Certaines créations de l’exposition temporaire sont aussi visibles dans le parcours permanent.

Un lieu à part

Comme beaucoup d’hôtels particuliers, l’hôtel de Lalande de Bordeaux, siège du musée des arts décoratifs et du design, a été construit entre cour et jardin. L’exposition prend place dans l’ancienne prison de la rue Boulan, située à l’arrière du musée et construite au 19e siècle par la ville de Bordeaux pour les services de police occupant alors l’hôtel de Lalande. Transformée en lieu de stockage pour les réserves du musée dans les années 1980, elle a été vidée et rénovée afin d’ouvrir ses portes au public en septembre 2016. 

La municipalité de Bordeaux, qui prend possession des lieux en 1880, y installe l’hôtel de police et rase le jardin pour construire cette prison qui demeure active jusque dans les années 1960. Les anciennes portes, les cellules, les graffitis sur les murs rappellent au visiteur le quotidien des détenus. Des archives et des photographies redécouvertes au fil des recherches permettent également de retracer l’évolution de ce dépôt de sûreté devenu un espace dédié aux expositions temporaires du musée.

 

 

 

 

 

 

Pour compléter la visite, il manque pour l’instant le catalogue qui est en cours d’édition. Il comprendra des photographies de l’exposition, qui se poursuit jusqu’au début novembre.

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Exposition Roger Tallon aux Arts Décos : aux origines de la création

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La donation de Roger Tallon aux Arts Décos est ici célébrée à travers une exposition temporaire rue de Rivoli, qui est répartie sur deux étages. Françoise Jollant et Dominique Forest en sont les commissaires. 

L’exposition est  très riche, la revue de presse accueille l’exposition Roger Tallon avec intérêt, compte tenu de l’ingéniosité du designer et de l’incroyable diversité des objets qui l’intéressaient : Sage dans sa scénographie, l’exposition Roger Tallon des Arts décoratifs, à Paris, étonne par la diversité et la modernité des créations de ce designer disparu en 2011. Il a touché à tous les domaines, du “frigidaire” au TGV :

  • les moyens de transport ( une moto “Taon”, le rail, avec une collaboration au long cours avec la SNCF : le Corail, le TGV, mais aussi le funiculaire de Montmartre, etc. );
  • la maquette du journal Artpress toujours d’actualité,
  • les mobiliers ( les sièges comme la chaise Sentou ou le lit et les sièges qui figurent dans le film ” La piscine” )
  • le tube de produit solaire Bergasol et les lunettes de soleil ;
  • les bidons d’essence ;
  • les conditionnements de produits de pharmacie,
  • jusqu’à une improbable crèche composée de sièges, commandée pour l’aéroport d’Orly  et dont on expose ici le siège César.
  • L’enfant jésus apparaissait dans une télévision, ce qui est normal pour l’auteur de la célèbre Téléavia. televiseur_portatif_tallon

Roger Tallon était très lié aux Nouveaux réalistes dont Yves Klein, décédé prématurément. César a moulé le fameux pouce de Roger Tallon pour l’une de ses sculptures les plus connues.cesar-baldaccini-vgj

Le portrait et l’histoire de Roger Tallon par Françoise Jollant Kneebonne.

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Pour les amateurs d’art et de design, Roger Tallon (1929-2011), c’est l’extraordinaire escalier hélicoïdal Module 400 en aluminium (1966 et 1974).

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Exposition des composants de l’escalier Module M400 édité par la galerie Lacloche, 1966.(©Les Arts Décoratifs, Paris/ADAGP 2016).

 

Car ces créations ont bien sûr été exposées avant cette très complète rétrospective. Michel Ragon, écrivain, critique d’art, a participé avec François Mathey à une exposition de la galerie Lacloche : “Je travaillais sur l’architecture, les objets, je connaissais bien Lacloche un bijoutier de grand luxe de la place Vendôme. Il avait ouvert sa galerie au premier étage, il faisait des expositions de peinture que je soutenais. Un jour, il m’a proposé de faire une exposition sur l’objet. L’exposition chez Lacloche était innovante : les artistes étaient invités à faire des sièges, des bijoux. J’ai incité Lacloche à faire des bijoux d’artistes, comme avec Penalba, puis la seconde exposition, je l’ai faite avec Mathey : ce qu’il avait réalisé au musée des Arts décoratifs sur le même thème m’avait beaucoup plu”.

Cette exposition rassemblait des sculptures, des mobiliers, des meubles de François Arnal, Arman, Alexandre Babeanu, Jef Banc, Berrocal, Martine Boileau, Cesar, Celine Chalem, Louis Chavignier, Michel Guino, James Guitet, Philippe Hiquily, Jacobsen, Radivoje Knezevic, Caroline Lee, Robert Malaval, Matta, Metcalf, Alicia Moi, Nikos, Marta Pan, Georges Patrix, Alicia Penalba, Philolaos, Bernard Rancillac, Day Schnabel, Jurgen Schneyder, François Stahly, Jose Subira Puig, Roger Tallon, Aurello Teno, Claude Viseux, Artigas, Bondt, Din Vanh, Filhos, Knoop, Torun.

C’était un clin d’œil à la célèbre exposition Antagonismes 2 , l’Objet organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs.

 

 

 

L’ancien temps du design, un thème d’exposition très actuel

Fauteuil-chapigon-BFFauteuil  Mushroom, 1960. Armature en tube d’acier, garnissage en mousse de polyuréthane, revêtement de crêpe de laine et élasthanne. Artifort. Coll. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Photo B. Prévost.

Trois expositions sont consacrées à Pierre Paulin cette année : une exposition ciblant la période 1952-1959 à la galerie Pascal Cuisinier, une grande rétrospective  au Centre Pompidou et un focus sur les pièces conçues pour des Salons de l’Élysée à la Galerie Jousse Entreprise.

Le Centre Pompidou présente jusqu’au 22 août 2016 sa rétrospective. Comme le rappelle T. Hay, pour Paulin, il  existait “deux profils de designers :  les ingénieurs, qui envisagent le design de façon rationnelle et mentale et les aventuriers, les autodidactes dont je fais partie”. 100 meubles sont présentés  pour comprendre ses créations. La scénographie est de l’artiste Petra Blaisse. En 1950, Paulin fréquente le Centre d’art et de techniques, future école Camondo. qui dépend de l’Union centrale des Arts décoratifs. Il commence sa carrière dans le bureau d’études de Marcel Gascoin, lequel s’intéresse au style nordique et veut concevoir des produits en direction des jeunes.

Pierre Paulin est influencé par la simplicité du design scandinave qui marquera sa carrière. Il cherche aussi son inspiration du côté des designers américains : Eames, Bertoia, Saarinen.

Il s’intéresse très tôt au métal et réalise son premier fauteuil, dit fauteuil anneau à cause de son assise circulaire. Il participe à XIe Triennale de Milan en 1957. Il crée  notamment le fauteuil, dit Butterfly. Pierre Paulin est aussi le premier designer à utiliser le tissu élastique pour un meuble.

Ces années essentielles pour le design français, qui correspondent  peu ou prou aux “30 glorieuses”, sont retracées dans un ouvrage de référence  qui vient de paraître :site_56bc96f650415“Le temps des objets. Une histoire du design industriel en France (années 1950-1970) ” écrit par Claire Leymonerie, qui avait notamment consacré ses premiers travaux à la création du CCI par l’équipe  du musée des Arts décoratifs, alors dirigée  par Francois Mathey.

Résumé  de l’ouvrage par l’auteure  : L’engouement contemporain pour le design tendrait à faire oublier que ce terme a connu une entrée récente et d’emblée controversée dans la langue française. De fait, l’histoire du design français reste encore à écrire, la rareté des études récentes et l’ancienneté des monographies et ouvrages de synthèse contrastant avec la production britannique, américaine, allemande ou scandinave. Le design et son histoire soulèvent des enjeux importants : quelles sont les conséquences de l’industrialisation sur les formes de l’environnement quotidien, comment émerge et se définit une figure de créateur des formes pour l’industrie et comment trouve-t-elle sa place au sein ou aux marges de l’entreprise ? Quel positionnement ces créateurs ont-ils adopté face à l’essor de ce qui a bientôt été identifié, dans les années 1960, comme la « société de consommation » ?

A travers des portraits des personnalités qui font émerger les pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d’objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession.

Celle-ci vit encore une situation ambiguë  entre création industrielle et art, qui se traduit dans ses rapports parfois complexes, voire conflictuels avec les artistes.

Contrepoint : les expositions Ronan et Erwan BOUROULLEC à Rennes

Ronan et Erwan Bouroullec, après une belle exposition au musée des Arts Décos à Paris en 2013, exposent dans trois lieux à Rennes et notamment aux champs libres :

//www.leschampslibres.fr/expositions/temporaires/exposition-ronan-erwan-bouroullec/

Visite mode d’emploi : samedis et dimanches à 14h30 et 17h (30min)

visite en famille : samedis et dimanches à 15h30 (1h30).

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© Studio Bouroullec.

Du 25 mars au 28 août 2016, Rennes accueille  un événement culturel exceptionnel : Les Champs Libres, le Frac Bretagne et le parlement de Bretagne s’associent pour présenter les créations de Ronan et Erwan Bouroullec, designers de renommée internationale.

Les quatre expositions, organisées dans trois lieux emblématiques de la vie artistique, culturelle et historique de la Métropole de Rennes et de la Région Bretagne, invitent à découvrir les réalisations les plus récentes de Ronan et Erwan Bouroullec développées dans trois domaines distincts : l’espace public, la microarchitecture et le design d’objet. Les Champs Libres proposent leurs premiers projets pensés pour l’espace public créant les conditions d’une rêverie urbaine à travers mobiliers, pergolas, ruisseaux et chapiteaux. Ce projet vise a réenchanter les lieux de promenades :

“La présentation « Rêveries urbaines », enfin, rassemble à travers une vingtaine de propositions des réflexions diverses quant à des aménagements possibles de l’espace public. Ces maquettes en tous genres, réalisées minutieusement, sont agrémentées de sons d’ambiance et de films. Une « rêverie » qui, dans la cour intérieure du Parlement de Bretagne, devient réalité. Les frères Bouroullec y ont, en effet, installé l’un de leur dernier projet « d’architecture », un kiosque, structure démontable en acier intégrant de grandes baies vitrées. On pourra également tester leurs sièges d’extérieur de la gamme Palissade (Hay).” Christian Simenc. ( Le Journal des Arts).20160423_144228

A signaler une excellente médiation  : une visite de 30 mns ” mode d’emploi ” , gratuite.

Les expositions au Frac Bretagne et au parlement de Bretagne sur : www.bouroullec.com/rennes