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L’ancien temps du design, un thème d’exposition très actuel

Fauteuil-chapigon-BFFauteuil  Mushroom, 1960. Armature en tube d’acier, garnissage en mousse de polyuréthane, revêtement de crêpe de laine et élasthanne. Artifort. Coll. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Photo B. Prévost.

Trois expositions sont consacrées à Pierre Paulin cette année : une exposition ciblant la période 1952-1959 à la galerie Pascal Cuisinier, une grande rétrospective  au Centre Pompidou et un focus sur les pièces conçues pour des Salons de l’Élysée à la Galerie Jousse Entreprise.

Le Centre Pompidou présente jusqu’au 22 août 2016 sa rétrospective :

http://culturebox.francetvinfo.fr/le-blog-de-thierry-hay/2016/05/12/pierre-paulin-au-centre-pompidou-le-design-au-service-du-corps.html

Comme le rappelle T. Hay, pour Paulin, il  existait « deux profils de designers :  les ingénieurs, qui envisagent le design de façon rationnelle et mentale et les aventuriers, les autodidactes dont je fais partie ». 100 meubles sont présentés  pour comprendre ses créations. La scénographie est de l’artiste Petra Blaisse. En 1950, Paulin fréquente le Centre d’art et de techniques, future école Camondo. qui dépend de l’Union centrale des Arts décoratifs. Il commence sa carrière dans le bureau d’études de Marcel Gascoin, lequel s’intéresse au style nordique et veut concevoir des produits en direction des jeunes.

Pierre Paulin est influencé par la simplicité du design scandinave qui marquera sa carrière. Il cherche aussi son inspiration du côté des designers américains : Eames, Bertoia, Saarinen.

Il s’intéresse très tôt au métal et réalise son premier fauteuil, dit fauteuil anneau à cause de son assise circulaire. Il participe à XIe Triennale de Milan en 1957. Il crée  notamment le fauteuil, dit Butterfly. Pierre Paulin est aussi le premier designer à utiliser le tissu élastique pour un meuble.

Ces années essentielles pour le design français, qui correspondent  peu ou prou aux « 30 glorieuses », sont retracées dans un ouvrage de référence  qui vient de paraître :site_56bc96f650415« Le temps des objets. Une histoire du design industriel en France (années 1950-1970)  » écrit par Claire Leymonerie, qui avait notamment consacré ses premiers travaux à la création du CCI par l’équipe  du musée des Arts décoratifs, alors dirigée  par Francois Mathey.

Résumé  de l’ouvrage par l’auteure  : L’engouement contemporain pour le design tendrait à faire oublier que ce terme a connu une entrée récente et d’emblée controversée dans la langue française. De fait, l’histoire du design français reste encore à écrire, la rareté des études récentes et l’ancienneté des monographies et ouvrages de synthèse contrastant avec la production britannique, américaine, allemande ou scandinave. Le design et son histoire soulèvent des enjeux importants : quelles sont les conséquences de l’industrialisation sur les formes de l’environnement quotidien, comment émerge et se définit une figure de créateur des formes pour l’industrie et comment trouve-t-elle sa place au sein ou aux marges de l’entreprise ? Quel positionnement ces créateurs ont-ils adopté face à l’essor de ce qui a bientôt été identifié, dans les années 1960, comme la « société de consommation » ?

A travers des portraits des personnalités qui font émerger les pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d’objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession.

Celle-ci vit encore une situation ambiguë  entre création industrielle et art, qui se traduit dans ses rapports parfois complexes, voire conflictuels, avec la maison des artistes :

http://www.telerama.fr/scenes/des-designers-prives-de-protection-sociale-envahissent-la-maison-des-artistes,142344.php

Les Bunkers s’exposent

 Les Bunkers s’exposent : cette démarche avait été entreprise par Paul Virilio en 1975 dans le cadre d’une exposition pionnière ( Bunker archéologie  au CCI,  musée des arts décoratifs)

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« Il découvre sur les plages de l’Atlantique les blockhaus de l’organisation Todt, ces puissantes architectures en attente face au vide et à l’horizon et, dès lors, il s’intéresse au paysage de la guerre, y compris dans sa dimension technique. Sa démarche est esthétique et philosophique. Esthétique, car il est d’abord captivé par la plasticité massive des bunkers qu’il photographie durant des années, travail qui aboutira, en 1975, à l’exposition « Bunker archéologie ». Dans la sensibilité de l’époque, la modernité de ces monolithes fait écho à cette nouvelle expressivité du béton armé, dite brutaliste, qui se développe dans le sillage de Le Corbusier«  : http://www.editions-galilee.fr/f/index.php?sp=livAut&auteur_id=2051

 

 Voici deux nouvelles visites-expositions qui mettent en scène ce mode de construction militaire :

En  Albanie : l’art contemporain investit le bunker d’Enver Hoxha comme le précise Le Courrier des Balkans : http://balkans.courriers.info/article26086.html

Bunkart« Inauguré en 1978, ce bunker a été officiellement baptisé « objet souterrain 0774 ». C’était le quartier-général de l’état-major des forces armées albanaises. Sa construction a commencé en 1972 et s’est achevée en 1978. 2 685 m² répartis sur cinq niveaux, 106 bureaux et une salle de réunion ou de projection, le tout construit pour garantir le fonctionnement politique et militaire du pays en temps de crise, mais aussi protéger les élites. Ce bunker est la seule structure capable d’accueillir l’ensemble du Parlement albanais en cas de guerre. L’idée de la salle de réunion revient aux chefs de l’armée, inspirés par une visite en Corée du Nord en 1964.[…]Les mystères de cet espace souterrain aménagé pour protéger la dictature communiste d’un éventuel danger impérialiste ont été dévoilés dans une exposition intitulée Bunk’art, sous la tutelle de l’historienne Sonila Boçi et de la journaliste Admirina Peçi. Grâce à des photos et documents d’archives, l’exposition a pour but de mieux faire comprendre l’Albanie des années communistes. L’exposition commémore également le 70e anniversaire de la Seconde Guerre mondiale. « En utilisant diverses formes d’expression, photos, documents d’archives, vidéos et objets authentiques, l’exposition revient sur la Seconde Guerre mondiale en Albanie et sur ses conséquences d’une façon plus équilibrée, sans se limiter à la résistance, et présente d’autres aspects de la vie politique et sociale »

Bunkart-1« Grâce aux œuvres de jeunes artistes albanais et étrangers Bunk’art réunit diverses approches historiques et artistiques pour illustrer la Seconde Guerre mondiale et le régime communiste, deux périodes particulièrement controversées de l’histoire nationale albanaise ».

En Allemagne, c’est le Bunker Valentin  qui devient un un lieu de visite dans le cadre d’un atelier de recherche qui porte sur  la « stratégie des émotions dans les expositions muséales » : « Emotional Strategies in Museum Exhibitions ».
« The Bunker Valentin is a monumental concrete structure set on the edge of the quiet town Bremen Farge. It was built by the Nazis towards the end of the Second World War using forced labour and approximately two thousand workers died during its construction. After decades being used as storage by the Bundeswehr, part of the Bunker site has recently been turned over to the Landeszentrale für politische Bildung Bremen for transformation into a ‘Denkort’ – a place for thinking ». http://musermeku.hypotheses.org/2031?utm_source=alert

L’ancien bunker à sous-marins « Valentin » est considéré de nos jours comme étant le deuxième plus grand bunker aérien d’Europe. Il est l’héritage le plus visible de trois grands projets d’armements nazis qui dès le milieu des années 1930 transformèrent radicalement une région, à l’origine agricole. Déjà dès 1935, la société de recherches économiques Forschungsgesellschaft mbH (Wifo), une société écran du ministère du Reich à l’Économie, commença la construction d’un dépôt de carburant souterrain entre Farge et Neuenkirchen. En 1938, d’autres bunkers à carburant furent érigés aux alentours par la Kriegsmarine (marine de guerre). Ces deux aménagements servirent comme préparatifs de guerre. À partir de la mi-1943, on réutilisa l’infrastructure existante et les camps de travail destinés au projet du « bunker à sous-marins Valentin ». De nos jours, il ne reste que très peu de témoignages des projets de dépôts de carburant des années 1930, de l’immense chantier de construction du bunker à sous-marins et des camps. Seul le bunker subsiste, nous offrant un témoignage indubitable de la machine de guerre nazie.

 a.cundy_bunker1-672x372Pour la première fois dans son histoire – bientôt vieille de soixante-dix ans – le bunker est utilisé à des fins civiles depuis janvier 2011. Le « Bunker Valentin » a laissé la place au « lieu de mémoire du bunker Valentin », créant ainsi un mémorial. De nombreux citoyens de Farge, Rekum et Neuenkirchen virent enfin leur vœu se réaliser. En collaboration avec les associations d’anciens détenus, ceux-ci s’investissent depuis les années 1980 pour que l’on n’oublie pas les événements survenus entre 1935 et 1945.  http://www.denkort-bunker-valentin.de/index.php?id=231&PHPSESSID=1e21195f97e76590858cffce9bce0cdc

Sigma à Bordeaux : souvenirs, souvenirs

Le quotidien Libération signale l’exposition que consacre le CAPC de Bordeaux au festival Sigma créé dans les années 1960, à l’initiative de Roger Lafosse et à l’origine entièrement financé par le maire de Bordeaux, Jacques Chaban-Delmas : http://next.liberation.fr/arts/2013/11/15/generation-sigma_944683

De cette génération Sigma, est issu notamment François Barré, qui rejoint ensuite le musée des Arts décoratifs à Paris, fort de cette expérience : François Mathey le recrute pour contribuer à la naissance et à l’animation du Centre de Création industrielle (CCI) en 1969.

L’exposition (du 14.11.2013 au 02.03.2014) rappelle le caractère innovant de ce festival et met en valeur les archives de son fondateur qui ont été déposées aux archives municipales  : http://www.capc-bordeaux.fr/programme/sigma

« Creuset de la création avant-gardiste, le festival Sigma (1965 –1996), éclaté dans toute la ville, électrisa Bordeaux pendant près de trois décennies. Sous l’impulsion de son créateur Roger Lafosse, la manifestation provoqua une véritable onde de choc dans la ville et au delà. Sigma fut un moment exemplaire d’expérimentations fondatrices, qu’il s’agisse du théâtre, de la danse, de la musique ou des arts visuels, en interaction avec des formes alors méconnues comme le happening ou la performance parmi tant d’autres. »

Le festival Sigma et le CAPC vont se succéder dans le même lieu : le CAPC s’installe en effet dès 1974 dans l’Entrepôt Lainé, un ancien entrepôt de denrées coloniales, occupé auparavant par le festival.

Un carnet de recherche retrace l’exploration du fonds d’archives déposé aux Archives Municipales de Bordeaux, « SIGMA L’ARCHIVE VIVANTE » : http://sigma.hypotheses.org/

De 1965 aux années quatre-vingt-dix, le festival SIGMA fait de Bordeaux l’un des rendez-vous européens des avant-gardes. Il fait reconnaître en France quelques unes des figures les plus marquantes de la contre-culture américaine (le Living Theatre, le Bread & Puppet, le Barbwire Theatre) ou européenne (Arrabal, le Grand Magic Circus), popularise les œuvres de Silvano Bussoti, Webern, Varese, Xenakis, Sun Ra ou Pierre Henry, coexister happenings (Jean-Jacques Lebel) et art cinétique (Nicolas Schöffer), Mondrian et les Pink Floyd. Télévision, design, écologie ou cybernétique nourrissent expositions et conférences. Pendant une semaine chaque année, Bordeaux placée au centre de l’attention des médias, devient une capitale internationale de « la recherche dans tous les arts ».

L’exposition consiste en une sélection de cet ensemble considérable d’archives réalisée par le CAPC, les Archives municipales de Bordeaux et l’INA, mise en espace dans la nef du musée sous la forme de reproductions et de montages audiovisuels. Cette sélection incarne le point de vue spécifique, le « regard » que portent sur Sigma, les institutions qui ont élaboré ce projet.

 L’INA garde trace du 25e anniversaire du festival le 18 novembre 1989,  ce « mélange efficace de poésie, de violence d’humour, et de provocation » : http://www.ina.fr/video/CAB89048903/sygma-a-bordeaux-video.html

Un portrait enfin, par le journal Sud-Ouest, du fondateur du festival, l’homme d’affaires Roger Lafosse, décédé en juin 2011 :

http://www.sudouest.fr/2011/06/30/le-denicheur-de-sigma-439853-729.php

Un hommage à François Mathey rendu par le directeur du musée des Arts Décoratifs

A l’occasion  de l’exposition « Coucou Bazar » qui a lieu actuellement au musée des Arts décoratifs, il était difficile pour les Arts Décos de faire l’impasse sur celui qui est à l’origine de l’implantation d’une donation Dubuffet inattendue au sein de ce musée : François Mathey.

Sous le titre  » Jean Dubuffet, Coucou Bazar – « Jean Dubuffet aux Arts Décoratifs » par Olivier Gabet « ,  le tout nouveau directeur du musée s’attache à faire comprendre cette époque étonnante où son musée jouait un rôle central sur la scène parisienne  grâce à ce drôle de personnage. L’hommage à Mathey a eu lieu, même s’il est parfois lacunaire. Il s’agissait en outre de parler de Dubuffet et non de Mathey :

http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/arts-decoratifs/expositions-23/prochainement-502/dans-la-nef-605/jean-dubuffet-coucou-bazar/jean-dubuffet-aux-arts-decoratifs

« Jusqu’à la création du Centre national d’art et de culture Georges-Pompidou, et à l’exception de l’effervescence que suscite dès les années 1960 l’ARC dirigée par Pierre Gaudibert et Suzanne Pagé au cœur du musée d’Art moderne de la Ville de Paris, le musée des Arts décoratifs est un lieu majeur de la scène moderne et contemporaine française, sous l’impulsion de son directeur François Mathey, personnalité aimant à jouer des « équivoques » et des chemins de traverse. »

Pour compléter ce commentaire, voici quelques précisions : rappelons que le fameux ARC est créé en 1967, donc fort tard pour susciter une quelconque effervescence au début des années 1960, et animé par Suzanne Pagé plus tard en fait, en 1970.
C ‘est Marie Claude Dane qui anime effectivement le musée municipal au début des années 60 avec  » Mythologies quotidiennes » en 1964 par exemple.

Quant à la création du Centre Pompidou inauguré en 1977, il peut être utile de dire que Mathey a participé à sa programmation-création et que le musée des Arts décoratifs lui a donné la dernière de ses innovations : le Centre de Création Industrielle CCI, initié par Mathey. Il a d’ailleurs accueilli, jusqu’en 1977, les premières expositions de ce département qui ne pouvait pas encore s’installer du côté de Beaubourg. Enfin, soulignons qu’après 1977, le musée des Arts décos n’a pas fermé ses portes et Mathey a continué sa carrière et ses expositions originales.

Le terme « d’équivoques »  fait allusion à l’exposition éponyme de 1973 organisée par Mathey sur les peintres académiques « pompiers » du 19e siècle, qui étaient fort peu appréciés au cours des années 1970 mais qui sont en grande partie redevenus à la mode depuis, à Orsay notamment.

 » Les chemins de traverse  » ? L’expression évoque sans doute son goût pour l’art populaire, l’art brut , l’art singulier, l’art d’avant-garde qu’il salue bien avant ses collègues conservateurs en les exposant dès le début des années 1960, Dubuffet entre autres. Olivier Gabet précise qu’en 1967, l’artiste fait cette donation car il  » tient à témoigner une forme de reconnaissance et de complicité à l’égard d’un musée dont il se plaît à rappeler qu’il est « le seul en France à montrer au public depuis bon nombre d’années les productions de l’art contemporain le plus vivant » « . Olivier Gabet conclut sur la donation Dubuffet exceptionnelle faite au musée :  » Dubuffet dira qu’il lui semblait légitime de ‟ remettre [s]es ouvrages entre les mains de ceux qui leur portent estime ”.

Olivier Gabet reconnait le travail accompli par son prédécesseur en le réinscrivant dans la longue tradition de l’Union Centrale des Arts Décoratifs :

« Renouant avec une tradition d’expositions pionnières organisées depuis le début du XXe siècle au pavillon de Marsan sous l’égide de l’Union centrale des arts décoratifs, des premières expositions d’art islamique ou africain à la place accordée aux avant-gardes européennes, Mathey culbute les catégories de l’art, s’interroge sur les formes artistiques, s’affranchit des hiérarchies, créant ici cet espace de liberté et d’expérience sensible qu’est tout musée. Sans trop négliger la perspective historique de l’Union centrale des arts décoratifs, on voit alors rue de Rivoli quelques expositions mémorables consacrées à Fernand Léger, aux gouaches découpées d’Henri Matisse, à la collection du Guggenheim. Mathey s’enthousiasme pour nombre d’artistes contemporains qui souvent trouvent dans ces murs la liberté d’imaginer leurs premières rétrospectives « .

 

Ralf Lauren après les Arts décos, occupe les beaux-arts

« Le défilé et le dîner jet-set organisés par Ralph Lauren mardi 8 octobre à l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris ont mis le feu aux poudres. Pendant cinq jours, en raison de la préparation de l’événement, les étudiants n’ont pas pu accéder à quatorze ateliers de l’école. « On s’est fait déborder », a concédé au Monde Nicolas Bourriaud, le directeur. Il a justifié la réquisition de l’établissement par le mécénat de 1,5 million d’euros conclu avec le groupe de prêt-à-porter américain pour équiper l’amphithéâtre d’honneur en matériel audiovisuel » : http://www.lemonde.fr/culture/article/2013/10/11/ralph-lauren-declenche-une-fronde-aux-beaux-arts_3493976_3246.html

 Ralf Lauren a déjà investi de façon spectaculaire, au sens propre du terme, le musée des Arts décoratifs en présentant cette fois sa collection de voitures de course (du 28 avril 2011 au 28 août 2011) : « Une sélection de ses plus prestigieuses voitures de sport des années 1930 à nos jours est présentée pour la première fois en Europe au musée des Arts Décoratifs […] A travers cette collection, Ralph Lauren démontre que l’automobile est un art majeur dessiné par les plus grands noms : Bugatti, Alfa Romeo, Bentley, Mercedes-Benz, Jaguar, Porsche et, bien sûr, Ferrari, point culminant de cet ensemble exceptionnel. »

http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/arts-decoratifs/expositions-23/archives-25/l-art-de-l-automobile-chefs-d/

En fait, s’agissant du caractère inédit de cette exposition, on joue ici un peu sur les mots car, le musée des Arts décoratifs a déjà par le passé exposé des automobiles, et ce à deux reprises :

« Bolide design », du 31 janvier au 30 avril 1970, est une exposition organisée par le CCI dont le commissaire était Piero Fornasetti (1913-1988). Le musée des Arts décoratifs, dans un communiqué de presse datant de mars 2011, le rappelait d’ailleurs avec justesse :

« Une exposition rendant hommage à l’automobile n’est pas tout à fait une première dans l’histoire de l’institution. En 1970, Les Arts décoratifs présentaient une sélection de voitures de compétition « Bolide Design ». Un jury particulier issu du monde de l’art et du design avait alors été constitué autour de François Mathey pour composer cette exposition. Les designers Joe Colombo, Roger Tallon, Pio Manzù, les artistes Jean-Paul Riopelle, Jean Tinguely, Victor Vasarely, auxquels il faut ajouter Robert Delpire, avaient choisi les modèles avec l’idée de montrer que « l’art et la technique, chacun à leur niveau, sont l’expression de l’homme et de ses rapports avec la création » : le bolide comme objet de design, comme œuvre d’art. »

Un quasi-circuit automobile est installé dans la nef du musée, pour présenter ces bolides. L’exposition rencontre un vrai succès, (50 00 visiteurs). Le catalogue est préfacé par Jacques Chaban-Delmas, alors Premier ministre. Le commentaire des actualités cinématographiques consacrées à cette exposition évoque le rôle mythologique joué dans la société française par l’automobile.  Jean-François Jaeger concluait alors ainsi son article dans La Quinzaine : «  Aucune confusion de genre n’a sans doute été cherchée dans la manifestation du musée des Arts décoratifs, nous y trouverons le plaisir un peu masochiste de côtoyer des vedettes dont l’usage nous sera, hélas, refusé, objets de culte et mirages pour nos instincts de puissance. »

Autre exposition, liée au « BMW Art cars » des années 1970, celle de la Mercédès dessinée (« tunée ?! »)  par Alexandre Calder à la demande d’Hervé Poulain et destinée à la course des 24 Heures du Mans. François Mathey a accepté de la montrer très brièvement au musée en 1975 car il s ‘agissait là d’un phénomène de société qui subsiste d’ailleurs encore aujourd’hui  :

http://www.les24heures.fr/index.php/1975/208-1975-voitures/287-1975-93-bmw-calder