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Des formes en mouvement, des couleurs en formation : Vasarely, le partage des formes

Billet (texte et photographies) de Nicolas Schmidt, Ingénieur de recherche, Institut d’histoire du temps présent. CNRS – Paris 8– UMR 8244.

Exposition au Centre Pompidou, Paris, 6 février – 6 mai 2019.

Plan de l’exposition – Dossier de presse.

Les créations de Victor Vasarely (1906-1997) font appel à un ensemble de disciplines scientifiques, auxquelles, a priori, on ne penserait pas en matière artistique : physique, géométrie, mathématique, médecine, cybernétique, psychologie, astronomie… Outre ses peintures sur toile, ses œuvres en trois dimensions sont réalisées dans divers matériaux, bois, plastique, papier, coton, métal, carton. Toutes tendent à associer tradition et contemporain, mêlent réalisme et abstraction, dans une sorte de mouvement perpétuel. Elles créent des espaces évoquant le minuscule ou l’immense, que l’œil peut saisir par des instruments adéquats, exemple « d’un tissu cellulaire vu au microscope ou d’un espace interstellaire observé à l’aide d’un télescope hyperpuissant (1). »

Vasarely, « GEA 1980-1981 », vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Comme un monde en permanente évolution

Les combinaisons de formes et de couleurs retiennent toute l’attention, demandent du temps pour saisir leur construction, invitent à la rêverie et résultent d’innombrables compositions de toute sorte : « Jeux de permutations, contrastes violents, papillotement de réseaux, vibration de couleurs complémentaires juxtaposées, superpositions de formes presque identiques, double formation convexe (par agrandissement de l’unité carrée de la base) ou concave (par rétrécissement de cette même unité), cercles concentriques aux centres mouvants sont autant de techniques appliquées par Vasarely afin de susciter la sensation du mouvement » (…), selon le désir de l’artiste de « susciter simultanément dans l’œil de chacun un effet et la conscience de sa facticité (2). »

Vasarely, “Zèbres”, 1932-1942, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’exposition montre les évolutions formelles de Vasarely, depuis le Bauhaus des années 1930 jusqu’au Pop art des années 1970, partant de la nature, animaux – zèbres, dont la robe naturelle se prête à l’élaboration d’une esthétique –, galets, polis par des siècles de mouvements de la mer – jusqu’à l’architecture et l’urbanisme un peu partout dans le monde – comme la conception d’établissements techniques, immeubles d’habitation, etc., les couleurs étant des composantes des constructions (et non un simple moyen de décorer ou d’égayer des façades), en passant par la médecine, « du corps et de l’âme », en utilisant régulièrement le « motif du ressort (3) » .

Vasarely, Dessins humoristiques, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).
Vasarely, Dessins humoristiques, cartels, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Logiquement, l’artiste a contribué aux secteurs culturel et artistique – couverture d’ouvrages, pochettes de disque – en passant par l’industrie – sigle des automobiles Renault ; objets utilitaires ou décoratifs…

Vasarely, Couvertures de la collection Tel, Gallimard, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’animation des images

La suggestion du mouvement et le fait de voir l’œuvre dans une temporalité, renvoient bien évidemment au cinéma, des réalisateurs les plus variés n’ayant pas manqué d’utiliser le « style » Vasarely, et plus largement l’art cinétique : c’est avec deux artistes du GRAV (Yvaral et Joël Stein) que « Dès 1964, Clouzot tourne L’Enfer avec Romy Schneider et Serge Reggiani, un film sur la jalousie dans lequel il s’inspire, pour des scènes expérimentales de délire névrotique, de l’univers de l’art cinétique avec des projections et des effets moirés (4). » On sait également que le cinéaste avait eu le projet de tourner un film sur Vasarely, comme il l’avait fait avec Picasso, mais l’artiste n’ayant pas donné suite, c’est avec les mêmes artistes (Yvaral et Joël Stein) que Clouzot reprend ces formes pour La Prisonnière (1968), où un personnage de galeriste et collectionneur, amateur d’objets d’art et de photos érotiques, expose nombre d’œuvres d’artistes versant dans l’abstraction – comme Agam ou Soto, artistes réunis pour l’exposition pionnière « Le Mouvement » en 1955 organisée à la galerie Denise René (5).

“La Prisonnière”, G.H. Clouzot, 1968. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Le film donne l’occasion de parcourir un ensemble indescriptible de colonnes, reflets, labyrinthe, trompe-l’œil, panneaux mobiles, etc., tandis que le maître des lieux semble se faire le porte-parole de Vasarely, quand il prône « l’art cinétique », dit vouloir « démocratiser le produit artistique par l’idée de multiples » et n’hésite pas à revendiquer un « supermarché artistique ».

Cinémathèque Française, Paris – Essais de logos pour le Musée du Cinéma. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Ailleurs, dans une haute tour proche de la Seine, l’appartement parisien d’une actrice de films pornographiques est décoré d’un tableau de Vasarely dans l’entrée, tandis les murs sont occupés par de grandes photos érotiques, dans Peur sur la ville, d’Henri Verneuil (1975). Ou encore, un peintre, dans Les Demoiselles de Rochefort, de Jacques Demy (1967), réalisant des œuvres en tirant au pistolet sur des petites poches remplies de peinture qui vont s’étaler sur une toile (comme le faisait Niki de Saint Phalle), évoluant dans une grande pièce lumineuse portant, outre un Vasarely en noir et blanc, également un mobile de Calder, artiste ayant contribué, entre autres, avec Vasarely à l’animation des formes (6).

Pour sa part, Erotissimo, de Gérard Pirès (1968), moque publicité, érotisme, fiscalité, modernité, contestation, narcissisme, consommation, etc., tout en incluant quelques toiles de type Vasarely, étalant aussi des objets design (lampes et abat-jour, poste de télévision de forme sphérique, sculpture tarabiscotée en métal, etc.) caractéristiques de l’époque.

Le générique du film de Jacques Doniol-Valcroze, Le Viol (1967) se déroule sur un long travelling vers une œuvre de Vasarely, qui se détache progressivement d’une pénombre, sur une musique de Michel Portal. Le tableau – carrés, cercles, losanges, en différentes nuances de rouge notamment – sera revu tout au long du film, huis clos entre une jeune femme et un inconnu qui s’est introduit chez elle, pour des raisons inconnues, et la retient dans son spacieux appartement ; un gros plan sur un cercle au milieu de la peinture clôt une séquence, finissant en surexposition suivie d’un fondu au noir, contribue au trouble général.

Il n’est pas étonnant que l’artiste inspire également Jean-Christophe Averty à la télévision, lequel utilise ses recherches cinétiques pour les décors d’émissions, avec Gilbert Bécaud, Barbara, Charles Trenet, Gérard Manset, Michel Polnareff, dans des décors non signés Vasarely mais reprenant « trait pour trait son langage visuel aux tonalités futuristes (7). » Exemples de Bécaud and Co, 7 avril 1968, 2ème chaîne ou de Quatre temps, 27 décembre 1968, 1ère chaîne, ORTF.

Enfin, dans Le Celluloïd et le Marbre, d’Eric Rohmer (1965), Vasarely, entre autres, est interviewé sur « les apports plastiques décisifs du cinéma aux autres arts ancestraux qu’il qualifie de “muséaux” (8). »

Décor pour l’Opéra Tannhäuser, Opéra de Paris, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt ( DR).

Reproduire à l’infini…

Faites pour être reprises, donnant lieu à réinventions de tous ordres, les œuvres de Vasarely semblent suivre, ou même anticiper cette possibilité de reproduction, par la photographie, qui s’est imposée au XIXe siècle : « L’œuvre d’art reproduite devient, de plus en plus, la reproduction d’une œuvre d’art destinée à être reproduite. Quantité d’épreuves sont par exemple possibles à partir d’une plaque photographique ; la question du tirage authentique n’a aucun sens (9). » Cette thèse se retrouve chez Vasarely, qui avait un moment travaillé dans la publicité :

« Conscient que l’œuvre d’art perd sa qualité d’objet de prestige et n’est plus réservée à une élite de connaisseurs, Vasarely entend concrétiser l’idéal d’une démocratisation totale de l’art, sans hiérarchie entre un original et sa copie ; une utopie qui n’a pu être totalement réalisée, le fétichisme et la valeur marchande de l’original étant restés des moteurs du marché de l’art (10). »

Tout se passe comme si le plasticien avait conçu dès le départ des œuvres faites pour être « autoreproductrices », pouvant être réutilisées par d’autres, servant en quelque sorte de matrice, pour être répétées indéfiniment, selon la volonté de Vasarely d’inscrire ses œuvres en « série », celle-ci héritée de l’artisanat, « non pas la gravure mais la tapisserie », et ayant lui-même réalisé « dès 1950 des motifs pour les ateliers d’Aubusson (11). » Plasticien et graphiste, Vasarely avait conçu un « alphabet plastique » à partir des formes de base, carré, cercle, visant une universalité de langage : manière d’aboutir à une sorte d’ « art social total » ?

VICTOR VASARELY 1953. Photographie de Sabine Weiss, vue de l’exposition, N. Schmidt (DR).

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(1)« Un folklore planétaire », L’Objet d’art, Hors-série, n° 134, février 2019. Vasarely. Le partage des formes. Exposition au Centre Pompidou, p. 49.

(2) Ibid. p. 46-47

(3) « Vasarely avant Vasarely », Ibid. p. 19.

(4)« Multiples et dérivés »,  Ibid. p. 57.

(5) « Les années cinétiques », ibid. p. 32.

(6) « De l’art cinétique à l’op. art »,  Ibid. p. 37.

(7) « Multiples et dérivés », Ibid. p. 57.

(8) Ibid. p. 56 ; guillemets de l’auteur.

(9) Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique [1936] Allia, 2012, p. 29-30.

(10) « Multiples et dérivés », op. cit. p. 55.

(11) Ibid. p. 59.

——————————————————-Références : Liens vers le site Centre Pompidou : – L’événement Vasarely. Présentation générale : – Vasarely – Le partage des formes Bande-annonce, reproduction d’œuvres :

Présentation par les commissaires de l’exposition Michel Gauthier et Arnauld Pierre. Programmation associée.

Décembre 1968 : Michel POLNAREFF interviewe le peintre Victor VASARELY dans son atelier. Source INA.

La dernière exposition rétrospective de Vasarely à Paris, a eu lieu en 1963 au musée des Arts décoratifs Palais du Louvre au Pavillon de Marsan. Source INA. Journal télévisé 13h, 7 avril 1963 – 4’15’’ .

Autres sources INA.

Op’ Art et Pop : en 1969, David Bowie demande à Vasarely de créer la pochette de son nouvel album, Space Oddity :

Pochette de l’album Space Oddity, créée par Vasarely.
Space Oddity.

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Pour en savoir plus : cinq journalistes -critiques évoquent l’exposition :

On repeint L’expo.
(Guy Boyer. Connaissance des arts).

Vasarely, l’expérience intacte au Centre Pompidou. Valérie Duponchelle.

L’héritage décalé de Vasarely. Philippe Dagen.

Exposition : Vasarely, la star des trente glorieuses. Yves Jaeglé.

Séjours d’artistes américains à Paris : quelques archives

Les Archives of American Art, du Smithsonian Institution, sont diverses et couvrent tous les champs de l’activité artistique, de la tapisserie à l’architecture, en passant par la sculpture et la peinture. Elles sont constituées de retranscriptions d’entretiens oraux, de photographies, lettres et autres documents issus de fonds d’archives privés numérisés. Elles peuvent utilement être consultés pour connaitre des  activités de ces artistes en France et notamment à Paris.

Trois exemples de ces “séjours d’artistes” saisis à Paris, grâce à ces archives et à d’autres sources disponibles en ligne :

– s’agissant des architectes : les photographies et papiers de Marcel Breuer,

une image d’archive où figurent Marcel Breuer, Le Corbusier, et Eugène Claudius -Petit, intitulée :  Architects in a Parisian cafe 

parisian cafe 1950 Creator: UNESCO, photographer, Walter Gropius, second from the left; Marcel Breuer, right foreground; Le Corbusier, background on the right with head turned away. Forms part of: Marcel Breuer papers, 1920-1986 

View all Image Gallery items from the Marcel Breuer papers

Sa biographie très détaillée est en ligne :http://www.aaa.si.edu/collections/marcel-breuer-papers-5596/more

Le CCI , après le MoMA, lui consacrera en 1974 une exposition au pavillon de Marsan. “Marcel Breuer at the Metropolitan Museum of Art” (traveling exhibition),  Centre de Création Industrielle, Pavillon de Marsan,  Musée des Arts Décoratifs, Paris, France.

Autre ressource, une retranscription de l’entretien de Sheila Hicks avec Monique Levi-Strauss : Oral history interview with Sheila Hicks, 2004 : http://www.aaa.si.edu/collections/interviews/oral-history-interview-sheila-hicks-11947

Sheila Hicks, évoque sa participation à l’exposition de 1972 “bilan de l’art contemporain 1960-1972, qui se tient au Grand Palais et dont François Mathey est le commissaire.

sheila hicks2Hicks in 1972

http://news.slowandsteadywinstherace.com/2012/04/hero-sheila-hicks.html

 

Le sculpteur Alexandre Calder :http://www.aaa.si.edu/collections/alexander-calder-papers-7294 a longuement séjourné en France, il témoigne dans un entretien du 26 octobre 1971 : http://www.aaa.si.edu/collections/interviews/oral-history-interview-alexander-calder-12226

Calder_CSL w_b&w shot backFamilier du musée des Arts décoratifs, Calder y expose pour une journée en 1975 une voiture décorée par ses soins : BMW’s Art Cars debuted to the public in Paris at the Musee des Arts Decoratifs at the Louvre in May 1975. It was an elegant creative alliance of racer and art auctioneer Herve Poulain and American sculptor Alexander Calder mixed with the foresight of BMW Motorsport chief Jochen Neerpasch. Calder started with a scale model of the Batmobile, cloaking it in broad swaths of red, blue and yellow while ignoring the car’s structure and shape.http://www.carguychronicles.com/2013/12/calders-bmw-batmobile-art-car-amelia.html

Le mot clé “Paris” sur le site de l’American Art, du Smithsonian Institution, permet de découvrir :

– un guide des archives disponibles,  Guide to Archival Sources for American Art History :http://www.aaa.si.edu/files/publications/guide-american-art-related-archival-resources-paris.pdf

– des photographies d’artistes académiques parisiens et d’artistes américains dans leur atelier, entre 1880 et 1890, Photographs of artists in their Paris studios, 1880-1890 :http://www.aaa.si.edu/collections/photographs-artists-their-paris-studios-10228

sargentJohn Singer Sargent in his studio

ou une photo d’atelier de Sam Francis à Paris en 1956 :

AAA_freebett_27657sam Francis

 

 

 

L’art contemporain et le luxe : le cas du sac

Pour ceux qui aiment les sacs, signalons la création d’un nouvel espace commercial de luxe en plein Paris, à l’ombre du Grand Louvre : ce magasin a fait appel à des artistes contemporains : le chinois Gao Yu a inclus un gigantesque panda dans un immense sac à mains : http://www.lemonde.fr/economie/article/2014/01/15/le-printemps-du-louvre-temple-du-luxe-pour-les-touristes_4348168_3234.html#xtor=RSS-3208

Ce n’est pas la première fois que les magasins de luxe et l’art contemporain fonctionnent de concert, et que les marques de luxe s’associent aux artistes et vice versa :

Daniel Buren et Hermès exposé en 2010 à la Monnaie de Paris : http://editeur-fr.hermes.com/les-editions/h2-daniel-buren/photos-souvenirs-au-carre.html

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Photographie © Tadzio

ou bien ” Daum et César”  exposés en 1969 au musée des Arts décoratifs http://boutique.ina.fr/art-et-culture/musees-et-expositions/video/CAF97001629/cesar-au-musee-des-arts-decoratifs.fr.html

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Sculpture en cristal DAUM signée CESAR (pouce)

 

La galerie des bijoux du musée des Arts décos est également significative en ce domaine  : elle accueille “des bijoux d’artistes (Georges Braque, Alexandre Calder, Henri Laurens, Jean Lurçat). Le renouveau des formes dans la décennie 60-70 est abordé avec les bijoux épurés de Torun, Jean Dinh Van, Costanza, Henri Gargat, Ettore Sottsass et des créations d’artistes scandinaves. Depuis les années 80, des bijoutiers tels que Gilles Jonemann ont contribué à développer un esprit d’indépendance dans la jeune création française. […] Particuliers, collectionneurs, marchands, joailliers, bijoutiers et créateurs ont ainsi permis de constituer d’importants ensembles de bijoux anciens et contemporains. L’annonce du projet de la galerie des bijoux a stimulé plus encore les dons et dépôts de la part de bijoutiers et de célèbres maisons de joaillerie comme Cartier, Boucheron, Chanel, Jar, Van Cleef & Arpels, Mellerio et Lorenz Baümer, complétés par d’importants dépôts des collections du Fonds national d’art contemporain-Centre national des arts plastiques, du musée national d’Art moderne, du Musée des Arts et Métiers et du Museum National d’Histoire Naturelle” : http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/arts-decoratifs/collections-26/parcours-27/thematique/galerie-des-bijoux/

Pour conclure, rappelons deux très belles expositions qui se sont tenues au  musée des Arts décos et qui ” font écho” :

La Publicité recycle l’Histoire,  du 16 juin 2011 au 28 août 2011 :

” L’exposition analyse à travers les affiches et films des collections du musée, l’utilisation que les publicitaires font de l’histoire. Privilégiant les éléments fédérateurs de notre mémoire collective, ces derniers appréhendent les faits et les personnages historiques les plus marquants pour mieux les manipuler. Très éloignée de la rigueur scientifique d’un historien, cette utilisation relève le plus souvent du détournement, de la parodie, ou du jeu de mot.” : http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/accueil-292/une-486/francais/publicite/expositions-96/actuellement-504/la-publicite-recycle-l-histoire/

et l’autre exposition sur les sacs :  Le cas du sac, du 7 octobre 2004 au 20 février 2005 : http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/mode-et-textile/expositions-70/archives-71/le-cas-du-sac-537/ et son catalogue : Le Cas du sac. Histoires d’une utopie portative : ” De tous les objets inventés pour en transporter d’autres, le sac est le plus universel, le plus ancien. Sacs de roi ou de vagabond, de sorcier ou de star, de nomade ou d’artisan, de griot ou de femme à la mode, de tous les jours ou de cérémonie, à ce serviteur muet chacun confie des choses essentielles : graines, argent, outils, dons oratoires, petits instruments de la féminité. Les pouvoirs et les secrets qu’il recèle en font un objet précieux, toujours unique “. http://boutique.lesartsdecoratifs.fr/le-cas-du-sac-histoires-d-une-utopie-portative.html