Hugo Daniel est responsable de l’Ecole des Modernités, chargé de mission curatoriale à la Fondation Giacometti. Historien de l’art, il a soutenu en 2015, sous la direction de M. Philippe Dagen, une thèse sur « Les voies du dessin. Statut et redéfinitions du dessin dans les avant-gardes occidentales des années 1950-1960 ». Il a bien voulu évoquer l’exposition temporaire « Giacometti/Beckett » dont il a été le commissaire en 2021 : cette exposition, dans le contexte sanitaire actuel, a été reportée puis écourtée : elle a ouvert ses portes au public pendant trois semaines seulement. On a pu toutefois la visiter virtuellement lors de visites guidées organisées à distance par l’institut Giacometti.

Quelle a été votre formation, votre parcours ? Quelles fonctions occupez-vous au sein de l’institut ?

J’ai soutenu une thèse en histoire de l’art, intitulée Les voies du dessin. Statut et redéfinitions du dessin dans les avant-gardes occidentales des années 1950-1960. Le dessin durant cette période est en effet reconnu comme une pratique à part entière, mais l’enjeu d’autonomisation du dessin s’est révélé être une idée plus complexe et plus large qu’on le présuppose : les années 1950 et 1960 occupent dans cette évolution, une place importante. Durant mes études de lettres et d’histoire de l’art, j’ai effectué deux stages au Centre Pompidou : le premier auprès de Laurent Le Bon en 2007-2008, au moment du projet Pompidou-Metz et de la préparation de l’exposition « Chefs d’œuvres ? » ; le second, plus tard, au moment du master, auprès de Christian Briend et Jonas Storsve au Cabinet d’art graphique du Centre Pompidou. J’ai ensuite enseigné à l’université Paris 1, et j’ai été post-doctorant à l’INHA et au Centre Pompidou. C’est à ce moment-là que Catherine Grenier m’a proposé une réflexion autour d’un programme de recherche à la Fondation Giacometti, dont je suis devenu le responsable. J’ai aussi d’autres missions, celui de commissaire d’exposition à Paris ou hors les murs. Je travaille également sur le fonds d’art graphique de la Fondation.

Pouvez-vous nous en dire plus sur ce programme que vous dirigez, « L’École des Modernités ? »

Sur la proposition formulée par Catherine Grenier ce programme de recherche souhaite interroger la définitions des modernités, en en parlant au pluriel, sur une période dont les bornes chronologiques sont fixées généralement par les institutions muséales entre 1905 et 1960. Le programme de recherche se focalise sur les liens entre des aires géographiques qui ont jusqu’ici été sous-étudiées, le plus souvent extra-occidentales, le programme se fixe également pour objectif de réfléchir à la notion de cosmopolitisme parisien. Porté par la Fondation Giacometti il permet de jeter un regard différent sur le contexte de création dans lequel Giacometti a évolué. Enfin, le programme souhaite porter regard sur des questions qui n’ont pas encore été posées au sein de ces modernités.

Le programme de recherche s’organise en différents volets. Une série de conférences de chercheurs, d’historiens de l’art, de conservateurs de musées, qui ont marqué par leurs travaux une nouvelle approche de la modernité permet d’établir des contacts entre ces spécialistes et de jeunes chercheurs, à qui l’on propose également des bourses de recherche, mais aussi des résidences de recherche. Il s’agit à  Paris d’un des rares lieux de résidence proposés à des historiens de l’art travaillant sur la période moderne. Le programme soutient en outre des publications, dans une une collection d’ouvrages, d’un format accessible, de poche, d’une centaine de pages, collection qui publie des travaux de jeunes chercheurs pour des recherches qui portent sur des sujets, des artistes, et archives encore inédits ou mal connus.

 Quelques mots sur la Fondation/ l’Institut Giacometti à Paris ?

Il faut au préalable rappeler en effet que la Fondation Giacometti, voulue Annette Giacometti, la veuve de l’artiste, est une institution française privée, reconnue d’utilité publique, elle s’autofinance, sans subsides de l’Etat qui siège toutefois à son conseil d’administration. Elle a pour but la protection, la diffusion et le rayonnement de l’œuvre d’Alberto Giacometti (1901-1966), dont elle possède la plus importante collection au monde, de près de 10 000 œuvres. Sous l’impulsion de Catherine Grenier, la Fondation a ouvert en 2018 l’Institut Giacometti, un lieu d’exposition dont la direction artistique est assurée par Christian Alandete, et installé dans un hôtel particulier Art Déco, classé, au 5, rue Victor-Schœlcher, conçu par  l’artiste-décorateur Paul Follot, dans le quartier de Montparnasse où a vécu l’artiste.

Dans cet espace de 350 m² la Fondation a pu installer une reconstruction de l’atelier de Giacometti à partir des éléments qui l’ont constitués. Giacometti n’était pas propriétaire des murs où il a vécu et travaillé au  46, rue Hippolyte-Maindron à Montparnasse, de 1926 à 1966. Les collections, très riches, sont exposées, par roulement, et la restitution de l’atelier de Giacometti a pu y être réalisée : les outils, le mobilier de Giacometti ont été conservés par sa veuve Annette, qui, à l’instigation de Michel Leiris, avait eu l’idée judicieuse de faire aussi  déposer les murs de l’atelier. L’institut dans une conception architecturale plus proche de celle d’un appartement d’habitation que du white cube standardisé, induit un rapport plus intime avec les œuvres d’art exposées. Autre spécificité du lieu, toutes les expositions qui y sont organisées portent sur l’œuvre de Giacometti, ou sur le regard que d’autres artistes ont pu poser sur ces  créations. En complément des grandes rétrospectives, pour lesquelles la Fondation est souvent sollicitée dans des institutions partenaires, nous montrons à l’institut le résultat de recherches sur les fonds d’archives, nous nous permettons d’entrer davantage dans les détails, et portons un regard plus singulier, en apportant  des éclairages parfois inédits sur l’œuvre de Giacometti.

 

Les expositions temporaires qu’organisent la Fondation ont lieu dans ce lieu mais aussi hors les murs : actuellement l’exposition « Giacometti et l’Égypte antique » se tient à Paris [jusqu’au 10 octobre 2021] tandis que le Musée de la Misericórdia de Porto au Portugal,  présente le dialogue entre le sculpteur et les photographies de Peter Lindbergh [jusqu’au 24 septembre 2021].

Quelles sont les spécificités de l’exposition  Giacometti/Beckett,  qui s’est achevée en juin 2021 et dont vous avez été le commissaire ?

Elle entre dans le cadre d’une série d’expositions temporaires consacrées aux relations entre Giacometti et les écrivains, l’exposition inaugurale portant d‘ailleurs sur les relations entre Alberto Giacometti et Jean Genet. Ce dernier a produit un formidable texte sur l’atelier de Giacometti. Ce cycle d’expositions met en lumière l’une des caractéristiques de la carrière de Giacometti qui a été très proche de nombreux écrivains et intellectuels, qu’il fréquente dès la fin des années 1920, au moment de sa période surréaliste, relations privilégiées et échanges intellectuels qu’il poursuit toute au long de sa vie.

Quel est le scénario ?

L’exposition rapproche les œuvres des deux artistes amis. Le déroulé n’est pas chronologique mais thématique, il met en évidence les thèmes communs aux deux artistes. Si le lien entre les deux artistes ne compte pas parmi les plus connus, lorsque l’on accole les deux noms, l’on est soudain tenté de les voir comme des illustrations réciproques. Les affinités sont évidentes : la solitude partagée, un rapport au corps qui passe par la contrainte, la difficulté d’expression, le processus de création, … Le rapprochement s’opère presque seul entre les sculptures et dessins de Giacometti et les textes et les pièces sonores et filmiques de Beckett, créations auxquelles il fallait donner corps, matérialité. Ce qui rapproche peut-être de prime abord le mieux ces deux œuvres, c’est la question de la solitude, de l’incommunicabilité, à quoi l’on peut ajouter la question du « ratage ». Beckett, écrit dans Cap au pire, un texte tardif paru en 1982 – la nouvelle s’intitule Worstward Ho en anglais : « Essayer encore. Rater encore. Rater mieux encore. Ou mieux plus mal. Rater plus mal encore. Encore plus mal encore. Jusqu’à être dégoûté pour de bon ». Le ratage, rejoint l’obsédant sentiment d’échec de Giacometti. Beckett comme Giacometti, malgré leur succès, ont eu de plus en plus l’impression d’un échec dans la création, progressivement la question du ratage devient l’objet même et le moteur de leur création. Giacometti dit à la fin de sa vie que l’enjeu principal de la création est de mettre en jeu l’expérience de l’échec, plus que réaliser un dessin ou une sculpture, activité qui n’est plus que le prétexte à cette expérience. Et ce qui l’intéresse alors c’est de savoir « pourquoi ça rate ». 

Leurs œuvres dialoguent ainsi dans un parcours thématique, aménagé dans une scénographie d’Éric Morin [souvent saluée]. L’ambition n’était pas d’épuiser les rapprochements possibles, mais de dégager quelques grandes thématiques partagées qui pourraient servir d’entrée dans les deux œuvres. Ainsi, La Cage (1950), Trois Hommes qui marchent (1947), L’arbre pour Godot (1960) et des dessins souvent inédits, sont mis en dialogue avec de nombreux textes, pièces de théâtre, mises en scènes et films de Samuel Beckett.

Ce type d’expositions sur les rapports entre sculpture et théâtre sont-elles courantes ? 

Je tiens à préciser que je n’ai pas abordé Beckett comme un auteur dramaturge uniquement. Je ne l’ai pas pensé ainsi. Il s’agit plutôt pour moi d’un rapprochement avec l’œuvre d’un romancier, d’un poète, d’un réalisateur de film et de vidéo, de pièces radiophoniques… Beckett étant tout cela à la fois. Sa renommée, son succès théâtral en 1952, éclipsent peut-être plus tard l’importance de son travail d’écriture, de poète. L’un des enjeux de l’exposition était aussi de montrer la richesse et la diversité de la création de Beckett, d’en souligner, comme avec Giacometti les échos et ramifications possibles. Depuis les années 1930, il ne se contente pas de théâtre, romans et poésie, mais intègre également les médias de son temps : la radio, le film, la télévision. Il faisait la distinction et tissait des liens entre ces modes de création, il s’agissait s’appuyer pleinement sur cette diversité. Il a ainsi plus tard réalisé des films, comme Quad, réalisé pour la télévision allemande en 1981. Je ne sais si ce type d’expositions est courant, mais il me semble nécessaire.

Les deux hommes se connaissent depuis les années 1930, on trouve les traces de cette rencontre dans le les archives, 1937 probablement. Mais curieusement – et c’est intéressant- il n’y a pas de portrait de Beckett dans l’œuvre de Giacometti, alors qu’il en a fréquemment fait de ses autres amis écrivains. Leurs relations devaient être en fait assez privées. C’est une amitié assez longue. Ils habitaient le même quartier, leurs contacts devaient être quotidiens mais cela n’a pas donné lieu non plus à des écrits de Beckett sur Giacometti alors qu’il a consacré des textes à d’autres artistes comme Tal Coat, Masson, les deux frères Van Velde. Beckett avait un rapport ambivalent avec les arts visuels : il les connaissait très bien mais il a assez peu écrit sur des peintres ou des sculpteurs, sauf en cas de sollicitation extérieure. Il y a là quelque chose d’intéressant. On ne leur connait qu’une collaboration.

Samuel Beckett a sollicité Giacometti pour la création des décors de la pièce qui l’a fait connaître, En attendant Godot,  pour reprise au Théâtre de l’Odéon, à Paris en 1961. L’arbre créé par Giacometti, et dont, fait rare, Beckett est très satisfait, dit toute la fragilité de l’existence humaine. C’est le seul élément de décor avec la lune, évoquée par un halo lumineux, comme le précisent les didascalies de la pièce. L’arbre est au très près de la description qu’en font les personnages de la pièce. L’exemplaire du texte qui figure dans la bibliothèque de Giacometti, comprend des passages soulignés, ceux où l’on évoque l’arbre, trop frêle : « est-ce un saule » ? Il est chétif, il s’agit bien sûr d’une métaphore de l’existence humaine. Frêle au point d’être restauré par l’artiste pendant de représentations et de finalement disparaître à leur fin.

L’arbre présenté dans l’exposition est une œuvre due à l’artiste irlandais Gerard Byrne.  Cet artiste a manifesté son intérêt pour les mises en scène de Beckett, et progressivement plus particulièrement sur celles d’En attendant Godot par Giacometti.

Ce travail aboutit en 2005 à une installation intégrant une réinterprétation de l’arbre réalisé par Giacometti pour Beckett. Ses recherches explorent la manière dont la reconstruction du passé nous permet de comprendre le présent à travers des installations multimédias qui revisitent des moments mémorables de l’histoire de l’art et de la pensée.

Gerard Byrne a réalisé, non pas une imitation de l’arbre de Giacometti mais une installation qui mobilise un arbre similaire, une interprétation qui interroge l’artificialité des décors, et avait l’avantage d’avoir une présence physique, permettant d’appréhender la concrétude de cette œuvre singulière, à la fois sculpture et décor de théâtre. Pour en souligner cette singularité nous l’avons placé avec le scénographe et l’accord de l’artiste, sur un large socle qui la scène du théâtre.

De quelle équipe disposiez-vous pour réaliser l’exposition ? Quelle surface allouée ?

Les ressources sont celles de la Fondation, outre des fonctions qui sont externes, comme la scénographie, la responsable administrative de l’Institut Stéphanie Barbé-Sicouri a travaillé sur la production en collaboration avec l’équipe de régie de la Fondation, en particulier Clara Gibertoni. La surface de l’exposition est environ de 300 m².

Qui furent les prêteurs ?

Pour Beckett, compte tenu de la nature des œuvres, il y a eu peu de prêt : des archives, quelques vidéos comme Quad, pièce vidéographique en provenance du Centre Pompidou, et le prêt exceptionnel de Marin Karmitz : Comédie, un film de 1964, le premier réalisé par Samuel Beckett, avec Marin Karmitz. Il s’agissait cette fois non pas d’une vidéo, mais d’un film. Les créations de Beckett en général, ont pu inspirer des artistes contemporains, comme Bruce Nauman. Nous avons été attentifs à ce que ce film soit non pas présenté sur un moniteur de télévision mais sur un écran 16/9^e qui le rapproche d’une présentation de cinéma : l’écran projetant ce film était isolé pour souligner la spécificité du médium. Les prêts pour Giacometti n’ont pas été nécessaires, compte tenu de la richesse du fonds de la Fondation. Cela nous a permis de montrer des sculptures mais aussi des peintures, des dessins, des carnets, les archives.

Quid du catalogue ?

Il a permis, à la différence de l’exposition dont ce n’était pas le propos, de restituer la chronologie des relations entre les deux artistes, chronologie qui était peu ou mal connue jusque-là, et de donner une autre place aux écrits de Beckett. Il est composé d’essais d’historiens de l’art [préface de Christian Alandete, essais de Hugo Daniel, Derval Tubridy], d’entretiens avec des artistes contemporains, et témoins, qui apportent un autre éclairage que les historiens de l’art sur les créations de leurs prédécesseurs [entretien avec Maguy Marin et avec Marin Karmitz]. J’ai écrit sur les aspects de cette relation amicale, intellectuelle et artistique entre Beckett et Giacometti, Maguy Marin, qui a rencontré Beckett, apporte son témoignage sur cette rencontre qui a été fondatrice pour son travail. Marin Karmitz intervient dans un entretien en qualité de coréalisateur notamment des premiers films de Beckett.

Quelles difficultés inattendues avez-vous rencontrées ? Avec qui et pourquoi ?

La pandémie, le contexte sanitaire ont bouleversé le timing : prête en janvier 2021, l’exposition n’a pas pu ouvrir, cela nous a amené ensuite à renoncer à certains prêts. L’exposition n’a pu être véritablement montrée  au public que trois semaines, ce qui est court, et encore parce que l’Institut et les prêteurs ont bien voulu qu’elle soit prolongée, ce dont je les remercie. Je suis aussi reconnaissant aux fonds d’archives pour l’œuvre de Beckett, dans les universités de Reading, d’Austin (Texas) et du Trinity College de Dublin, et notamment Mark Nixon et plus particulièrement encore Edward Beckett. Ils m’ont permis d’accéder à distance à certaines archives, à faire des reproductions. Nous avons recouru à de visites en ligne à partir d’un film réalisé au sein de l’exposition. Nous avons convié de nombreux artistes à réaliser des performances, à participer à des conférences, comme une interprète de Beckett, l’actrice irlandaise Lisa Dwan. Je suis aussi reconnaissait à Catherine Grenier et au directeur artistique de l’institut,  Christian Alandete, d’avoir accepté de prolonger la durée de l’exposition.

Il a fallu ruser pour faire exister cette exposition, en dehors du seul catalogue. Mais comme l’a souligné Maguy Marin, la contrainte est productrice ! 

Quels sont les autres  évènements qui ont en effet accompagné l’exposition et que le public peut retrouver en ligne ?

Il y a eu « Samuel Beckett mis en musique » par le compositeur Pedro García-Velásquez à l’Institut Giacometti : on peut découvrir cette performance sur le site de l’institut. J’ai aussi organisé en février 2021, une rencontre « Autour de l’arbre », avec Gerard Byrne, artiste contemporain ayant créé l’installation-arbre figurant dans l’exposition.

L’acteur Denis Lavant – en partenariat avec le théâtre de l’Athénée – a lu des textes de Beckett  – une sélection de textes tirés de Poèmes – Mirlitonnades–  au cœur de l’exposition, ses vidéos sont disponibles sur le site de l’institut.

Des projets ?

J’ai participé à des co-commissariats, hors les murs à la Fondation Gianadda, à la Fondation Beyeler, c’est une activité que j’apprécie beaucoup également. Je voudrais aussi bien sûr un jour consacrer une rétrospective aux dessins de Giacometti, qui sont moins connus du public que ses sculptures.

Je vous remercie.

Pour en savoir plus : Interviews d’Hugo Daniel, commissaire de Giacometti/ Beckett (Institut Giacometti) : https://francefineart.com/2021/01/09/3026_giacometti-beckett/

https://fomo-vox.com/2021/01/13/interview-hugo-daniel-commissaire-de-giacometti-beckett-institut-giacometti/ Et : En attendant l’expo.

​Photogrammes extraits de l’exposition- visite virtuelle du 3 mars 2021 :