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Charles Gleyre : l’académisme et ses fantasmes. Rencontre avec Michel Thévoz

A l’occasion, de l’exposition temporaire “Charles Gleyre, le romantique repenti”  qui se termine le 11 septembre 2016 au musée d’Orsay, Michel Thévoz a participé à une conférence qui peut être réécoutée  ici.

Une conférence inaugurale a été donnée par les deux commissaires de l’exposition, Côme Fabre et Paul Perrin, à réécouter à partir de ce lien.

Charles Gleyre. Autoportrait© Nora Rupp, Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne.

“Dans l’épopée qu’est l’histoire de la peinture française au XIXe siècle, le rôle de Charles Gleyre est trop souvent oublié.
Certes, ce Parisien d’adoption ne s’est guère préoccupé de sa postérité française. Né en 1806 dans le canton de Vaud, Gleyre est resté toute sa vie un citoyen de la Confédération helvétique et un farouche républicain.
Après le coup d’Etat exécré de Louis-Napoléon Bonaparte en 1851, il reçoit peu, n’expose plus et dédaigne les commandes publiques ; la maladie et la guerre de 1870 le contraignent à cesser son enseignement. Taiseux et solitaire, humble et cynique, Gleyre est déjà menacé d’oubli quand il meurt, en mai 1874. C’est en vain que son ami Charles Clément s’empresse de recueillir les derniers témoignages et de recenser maints chefs-d’oeuvre déjà dispersés à l’étranger : bientôt, seules les Illusions perdues, toile mélancolique du musée du Louvre, restent dans les mémoires. On se souvient qu’il fut le premier maître de Sisley, Bazille, Renoir”.

Michel Thévoz a aussi été conservateur au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne. Il est l’auteur en 1980 de l’ouvrage intitulé “Académisme et ses fantasmes : Le réalisme imaginaire de Charles Gleyre” qui vient d’être réédité.

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Il évoque, à travers plusieurs tableaux, cet  artiste vaudois qui trouve sa place à Paris (et qui est pourtant souvent obligé d’adapter son travail aux commandes qui lui sont faites), dans une société dont il partage apparemment les goûts mais dont il est aussi le symptôme, une société en voie de pétrification, qui voudrait arrêter l’histoire. Le goût prononcé du peintre pour les scènes violentes et obscènes (comme dans le tableau “Néron tuant sa mère”), s’accompagne d’audaces picturales, dignes de ses élèves impressionnistes, qui contribueront pourtant à son oubli.

Est-il “académique” ? Ce vaudois n’a pas de prix de Rome, ne sera pas membre de l’Académie, et si sa peinture semble classique, sa catégorisation ne va pas de soi.

Michel Thévoz propose d’adopter une nouvelle approche et un nouveau vocabulaire, pour analyser les rapports effectifs, les tensions, entre les tendances “modernes”, avant-gardistes et les tendances classiques, “néoclassiques”, comme le propose par exemple Nathalie Heinich dans son ouvrage Le paradigme de l’art contemporain. Structures d’une révolution artistique.

En effet, les peintres du XIXe siècle qui ont depuis été identifiés sous les étiquettes “d’impressionnistes” ou “d’académiques” voire de “pompiers”  se fréquentaient, interagissaient. Il faut, d’après Michel Thévoz, revisiter  régulièrement l’histoire de l’Art : ce passé est “imprévisible”, il doit faire l’objet d’une relecture périodique.

C’est le constat que dressait aussi Jean Clair en 2011 lorsqu’il a évoqué à ma demande les expositions pionnières de François Mathey aux Arts Décos :

“Je me souviens très bien de l’exposition « Equivoques », en 1973, qui portait sur la peinture du XIX ème siècle à laquelle je m’intéresse tout particulièrement. Cela montrait que les exclusions et les jugements péremptoires des critiques d’art n’étaient pas fondés, qu’il n’y avait jamais eu cette dichotomie violente entre la peinture académique et la peinture novatrice : des passerelles existaient, même si elles restaient au premier coup d’œil, invisibles. Il y avait aussi dans cette exposition (outre l’ironie, la provocation, l’audace) un intérêt pour l’iconologie : pour le portrait, les physionomies, qui m’intéressait beaucoup”.

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Equivoques. peintures françaises du XIXe siècle. catalogue  et affiche de l’exposition qui a eu lieu au musée des Arts décoratifs du 9 mars au 14 mai 1973 (commissariat : Olivier Lépine et François Mathey).

 

 

Expo 1925 : des photos et un colloque

Quelques photos de l’exposition actuellement à la Cité de l’architecture « 1925, Quand l’Art Déco séduit le monde »
sur le site Domus :
Vista della mostra «1925 when Art Déco dazzled the world » :
http://www.domusweb.it/en/art/2013/10/23/art_da_co.html

L’ institut national d’histoire de l’art (INHA) et la Cité de l’architecture et du patrimoine (CAPA) organisent avec le soutien du Labex CAP (Créations, Arts, Patrimoines), un séminaire de recherche dont les quatre séances auront alternativement lieu sur leur site respectif de 14h à 18h00.
A signaler la communication d’Yvonne Brunhammer :
1ère séance le 22 novembre 2013 (CAPA) : L’invention de l’Art Déco, le Moderne des postmodernes.
14h à l’auditorium de la Cité de l’architecture et du patrimoine :
Accueil par Guy Amsellem, président de la CAPA.
Présentation générale du séminaire par Jean-Philippe Garric (Université Paris 1).
“Les premières expositions sur l’Art Déco en France “par Yvonne Bruhammer et Tim Benton (Open University).

Adresse de l’auditorium : 7 rue Albert de Mun, 75116, métro Iéna

Un hommage à François Mathey rendu par le directeur du musée des Arts Décoratifs

A l’occasion  de l’exposition “Coucou Bazar” qui a lieu actuellement au musée des Arts décoratifs, il était difficile pour les Arts Décos de faire l’impasse sur celui qui est à l’origine de l’implantation d’une donation Dubuffet inattendue au sein de ce musée : François Mathey.

Sous le titre ” Jean Dubuffet, Coucou Bazar – « Jean Dubuffet aux Arts Décoratifs » par Olivier Gabet “,  le tout nouveau directeur du musée s’attache à faire comprendre cette époque étonnante où son musée jouait un rôle central sur la scène parisienne  grâce à ce drôle de personnage. L’hommage à Mathey a eu lieu, même s’il est parfois lacunaire. Il s’agissait en outre de parler de Dubuffet et non de Mathey :

http://www.lesartsdecoratifs.fr/francais/arts-decoratifs/expositions-23/prochainement-502/dans-la-nef-605/jean-dubuffet-coucou-bazar/jean-dubuffet-aux-arts-decoratifs

“Jusqu’à la création du Centre national d’art et de culture Georges-Pompidou, et à l’exception de l’effervescence que suscite dès les années 1960 l’ARC dirigée par Pierre Gaudibert et Suzanne Pagé au cœur du musée d’Art moderne de la Ville de Paris, le musée des Arts décoratifs est un lieu majeur de la scène moderne et contemporaine française, sous l’impulsion de son directeur François Mathey, personnalité aimant à jouer des « équivoques » et des chemins de traverse.”

Pour compléter ce commentaire, voici quelques précisions : rappelons que le fameux ARC est créé en 1967, donc fort tard pour susciter une quelconque effervescence au début des années 1960, et animé par Suzanne Pagé plus tard en fait, en 1970.
C ‘est Marie Claude Dane qui anime effectivement le musée municipal au début des années 60 avec ” Mythologies quotidiennes” en 1964 par exemple.

Quant à la création du Centre Pompidou inauguré en 1977, il peut être utile de dire que Mathey a participé à sa programmation-création et que le musée des Arts décoratifs lui a donné la dernière de ses innovations : le Centre de Création Industrielle CCI, initié par Mathey. Il a d’ailleurs accueilli, jusqu’en 1977, les premières expositions de ce département qui ne pouvait pas encore s’installer du côté de Beaubourg. Enfin, soulignons qu’après 1977, le musée des Arts décos n’a pas fermé ses portes et Mathey a continué sa carrière et ses expositions originales.

Le terme “d’équivoques”  fait allusion à l’exposition éponyme de 1973 organisée par Mathey sur les peintres académiques “pompiers” du 19e siècle, qui étaient fort peu appréciés au cours des années 1970 mais qui sont en grande partie redevenus à la mode depuis, à Orsay notamment.

” Les chemins de traverse ” ? L’expression évoque sans doute son goût pour l’art populaire, l’art brut , l’art singulier, l’art d’avant-garde qu’il salue bien avant ses collègues conservateurs en les exposant dès le début des années 1960, Dubuffet entre autres. Olivier Gabet précise qu’en 1967, l’artiste fait cette donation car il ” tient à témoigner une forme de reconnaissance et de complicité à l’égard d’un musée dont il se plaît à rappeler qu’il est « le seul en France à montrer au public depuis bon nombre d’années les productions de l’art contemporain le plus vivant » “. Olivier Gabet conclut sur la donation Dubuffet exceptionnelle faite au musée : ” Dubuffet dira qu’il lui semblait légitime de ‟ remettre [s]es ouvrages entre les mains de ceux qui leur portent estime ”.

Olivier Gabet reconnait le travail accompli par son prédécesseur en le réinscrivant dans la longue tradition de l’Union Centrale des Arts Décoratifs :

“Renouant avec une tradition d’expositions pionnières organisées depuis le début du XXe siècle au pavillon de Marsan sous l’égide de l’Union centrale des arts décoratifs, des premières expositions d’art islamique ou africain à la place accordée aux avant-gardes européennes, Mathey culbute les catégories de l’art, s’interroge sur les formes artistiques, s’affranchit des hiérarchies, créant ici cet espace de liberté et d’expérience sensible qu’est tout musée. Sans trop négliger la perspective historique de l’Union centrale des arts décoratifs, on voit alors rue de Rivoli quelques expositions mémorables consacrées à Fernand Léger, aux gouaches découpées d’Henri Matisse, à la collection du Guggenheim. Mathey s’enthousiasme pour nombre d’artistes contemporains qui souvent trouvent dans ces murs la liberté d’imaginer leurs premières rétrospectives “.