Roberta Trapani est docteure en histoire de l’art, cofondatrice du CrAB (Collectif de réflexion autour de l’Art Brut) et de PiF (Patrimoines irréguliers de France), et membre du comité de direction de l’Osservatorio Outsider Art (Université de Palerme). Elle consacre ses recherches à l’art brut et à l’architecture sans architectes. Elle est l’auteure d’une thèse intitulée Patrimoines irréguliers en France et en Italie. Origines, artification, regard contemporain (Paris Nanterre / Palerme, 2016) et coautrice de l’ouvrage Slavko Kopač, ombres et matières (Gallimard, 2022). Enseignante, elle est commissaire d’exposition et c’est à ce titre qu’elle a bien voulu commenter ses expositions passées ou en cours, parmi lesquelles nous pouvons citer : 

« Jean-Luc Johannet », Orangerie du Parc de la Tête d’Or de Lyon, dans le cadre de la IX^e Biennale Hors Normes, 17-26 septembre 2021 ;

« Jean-Luc Johannet. Anarchitetto », V^e Biennale Scultura di Salgemma, Petralia Soprana (Sicile), 26 juillet – 5 août 2019.

« Habiter et bâtir autrement », La Cathédrale de Jean Linard , Neuvy-deux-Clochers, 1-31 juillet 2018.

« Jean-Luc Johannet », La galerie de la Halle Saint Pierre, Paris, 1 ^er -25 février 2018.

« Jean-Luc Johannet. Dessins, maquettes, sculptures cinétiques », La Cathédrale de Jean Linard, Neuvy-deux Clochers, en partenariat avec La Tour de Vesvre, 11 juin – 5 novembre 2017.

C’est l’occasion de revenir sur le travail de Jean-Luc Johannet, né à Blois en 1951, qui vit et travaille à La Chaussée-Saint-Victor, trop rapidement évoqué le mois dernier sur ce carnet, mais aussi de mettre en lumière la double compétence de Roberta Trapani, en sa qualité de commissaire d’exposition, active en France comme en Italie.

En quelle année êtes-vous entrée dans la carrière de commissaire ?

La première exposition que j’ai pu concevoir en qualité de commissaire date de 2008. Elle a été présentée à la galerie Agorà à Palerme, ma ville natale. Elle était consacrée à ma mère, Celestina Salemi, qui était revenue à la peinture sur toile en 2004, après une pause de trente ans, au moment de sa retraite. C’est une peintre hyperréaliste, très intimiste, elle réalise des portraits de gens qu’elle aime. Je connaissais donc bien son travail et j’ai pu aussi écrire dans le petit catalogue paru à cette occasion. Mais ce qui est très important pour moi et ce sur quoi je voudrais insister, c’est que mes parents ont tous les deux fait des études artistiques, en peinture, en architecture, mais qu’ils n’ont pas vécu de leur art. En revanche, depuis toute petite, j’ai vécu au milieu de leur créativité qu’ils laissaient s’exprimer : les meubles Art Nouveau et les objets anciens que ma mère collectionnait… Elle mettait en scène la maison, maison toujours bien rangée, qui était d’ailleurs en évolution perpétuelle. Quand j’étais adolescente, mes amis adoraient venir chez moi, car la maison était toujours comblée d’objets, de plantes, une maison en quelque sorte scénographiée. Ma mère historiait aussi des meubles, elle faisait des vitraux, peignait sur des coffres.

Mon père m’a transmis le goût de l’art populaire, le goût des mirabilia, ces objets extraordinaires que l’on trouvait autrefois dans les cabinets de curiosité : des gemmes, des cailloux, des carapaces d’oursins, des objets bizarres, collectés lors de ses voyages, mais aussi des petites sculptures en mie de pain qu’il réalisait à la fin de nos repas. Je me souviens de lui en train de créer ses petits personnages, ses petits masques. Sa vitrine existe toujours et je suis à chaque fois fascinée par les petites merveilles qu’elle contient.

Mon père est aussi un très bon peintre expressionniste, mais il n’a jamais voulu exposer ses tableaux qui remplissaient la maison. J’ai donc vécu dans un milieu très inspirant. D’autres membres de ma famille étaient artistes. Un de mes oncles, le peintre Enzo Patti, a décoré sa maison en réalisant des fresques à l’intérieur comme à l’extérieur. Des sœurs de ma grand-mère confectionnaient des poupées en tissu, je les voyais à l’œuvre quand j’étais toute petite. Par la suite, le contact direct avec les œuvres, avec les artistes, a été essentiel pour moi, il a nourri ma pensée. Cela a orienté mes choix.

Ma première exposition en France est liée aux travaux de ma thèse (débutée en 2009) sur les habitants-paysagistes et leurs créations environnementales. Je suis allée rencontrer Danielle Jacqui, pour visiter notamment sa maison extraordinaire. C’est cette rencontre qui a conduit à ma participation, en 2010, à la 11^e édition du festival international d’art singulier d’Aubagne qu’elle dirigeait. Mon souhait était de créer des passerelles entre la France et l’Italie hors-norme. J’ai donc choisi d’exposer des artistes italiennes, dont une, Bonaria Manca, sur laquelle j’ai beaucoup travaillé depuis, et sur laquelle Laurent Danchin avait appelé mon attention. Cette ancienne bergère d’origine sarde, qui habitait le haut Latium, (Tuscania) non loin de Viterbo, et qui décorait l’intérieur de sa maison de ses peintures murales. Elle est à l’origine d’une œuvre picturale très riche, très belle, entre art naïf et art brut, très difficile à catégoriser. J’ai eu l’opportunité d’exposer beaucoup de ses tableaux ainsi que des photographies de son habitation réalisées la même année par Mario del Curto. J’ai exposé également une artiste de Palerme presque inconnue, Rosaria Cannonito, peintre trisomique n’ayant pourtant pas fréquenté d’atelier d’art thérapie. J’ai voulu recréer son environnement quotidien, un mur de sa maison qui était entièrement rempli de ses peintures : des portraits expressionnistes des membres de sa famille, des paysages urbains aux couleurs forts . L’une de ses peintures fut d’ailleurs choisie pour illustrer l’affiche du festival.

C’était une expérience très intéressante, très vivante, les artistes ont pu venir au vernissage, ce qui n’a pas été tout à fait facile, les artistes n’étant pas autonomes. J’ai eu de la place pour exposer, j’ai pu faire des choix très libres, me confronter aux autres personnes qui exposaient, voir comment elles travaillaient. Au contact des artistes on découvre comment ils veulent exposer leurs œuvres, ce qui ne va pas de soi, ils ont souvent des idées originales et créatives. Par exemple, je me souviens de Caroline Sury, une artiste underground, de ses choix audacieux… Ce sont des moments d’échange très enrichissants, très nourrissants.

Ce genre de festival existe-t-il en Italie ?

La première édition du Festival dell’arte irregolare, le seul qui existe à ces jours en Italie, remonte à 2014. Il est né grâce à la collaboration entre le Comité Nobel pour les personnes en situation de handicap, fondé par Dario Fo et Franca Rame, et le Département de santé mentale de Bologne. On y expose des œuvres qui sont surtout réalisées dans des ateliers d’art-thérapie. Ces productions voisinent des œuvres considérées comme relevant de l’outsider art. En Italie, on parle, en effet, d’art irrégulier et d’outsider art.

Si je n’ai pas encore participé à ce festival, j’ai en revanche organisé une exposition en Italie en 2012, à Rome, au Museo Carlo Bilotti, l’orangerie de la villa Borghese, un lieu très prestigieux où est conservée une très belle collection d’œuvres de de Chirico. Ils consacrent une salle aux expositions temporaires et c’est ici que j’ai organisé Costruttori di Babele, une exposition de photographies inédites qui montraient, pour la première fois en Italie, des sites décorés par des habitants inventifs : la maison de Giovanna Cammarata, les installations de cailloux de Luigi Lineri et la maison de Bonaria Manca (ici l’ouvrage collectif auquel j’ai contribué et à partir duquel j’ai conçu l’exposition). Le budget modeste a permis de réaliser les cartels, le transport des œuvres, l’organisation d’une table ronde.

La photographie permet de présenter des lieux intransportables dans une salle de musée, de préserver leur mémoire. L’exposition visait à souligner le rôle de cet outil dans la sauvegarde de ces sites fragiles. Elle visait également à dévoiler le travail de l’anthropologue Gabriele Mina, qui depuis 2007 mène une recherche sur les habitants-paysagistes italiens qu’il appelle « Costruttori di Babele ». Les résultats de cette recherche, des photographies de ces créations et un inventaire italien par région sont d’ailleurs publiés sur le site qu’il anime : https ://www.costruttoridibabele.net/

Vous avez participé à une autre manifestation en Italie, en 2019 : la V^e Biennale Scultura di Salgemma, Petralia Soprana (Sicile). De quoi s’agissait-il ?

C’était sur l’invitation d’Alba Romano Pace, nous nous connaissons bien, nous avons des parcours similaires, avons fait nos études à Palerme, puis nos doctorats à Paris. C’est une spécialiste du surréalisme qui a organisé de nombreuses expositions à Palerme. Elle avait la direction artistique de cette biennale d’art contemporain, qui se déroule dans un lieu très étonnant puisqu’il s’agit d’une carrière de cristaux de sel. Une partie des œuvres étaient exposées dans cette carrière, donc sous terre. J’avais écrit un article sur Jean-Luc Johannet dans la revue italienne de l’Osservatorio Outsider Art . C’est à la suite de cet article qu’Alba Romano Pace m’a invitée pour que j’expose cet artiste au sein de cette manifestation.

Jean Luc Johannet est fasciné par la géométrie complexe des cristaux, ce qui émerge souvent dans ses créations. C’est ce que j’ai voulu mettre en avant dans cette exposition.

Quelle est votre formation initiale ? Quels sont les enseignements qui vous ont été utiles dans votre activité de commissaire ? Qui vous a inspirée ?

Je suis universitaire, j’ai une maîtrise en histoire de l’art, acquise en 2007 à Palerme, puis j’ai poursuivi mes études en France, à l’université de Nanterre, avec un master et un doctorat. La personne qui m’a le plus inspirée est certainement Eva di Stefano. Historienne de l’art, professeure d’histoire de l’art contemporain et commissaire d’exposition, elle est depuis 2008 directrice de l’Osservatorio Outsider Art.

Je suivais ses cours extraordinaires à l’université et me souviens du choc reçu en découvrant, en 1998, son exposition intitulée « L’Ombra degli Dei. Mito greco e arte contemporanea ». Elle ouvrait une réflexion sur la permanence de la mémoire mythologique dans la culture et l’art contemporains. Elle était organisée dans un endroit étonnant, une villa du XVIIIe siècle à Bagheria, localité connue également pour une autre villa bien plus célèbre et étrange, la villa Palagonia, dite villa des monstres, que j’ai par la suite étudiée dans le cadre de ma thèse. J’avais 20 ans. Au début des années 2000, Eva di Stefano a organisé également une manifestation intitulée « Le génie de Palerme », en impliquant ses étudiants dans l’organisation. C’était un parcours urbain au sein d’ateliers d’artistes ouverts au public pour l’occasion, quelque chose de très novateur pour Palerme. Cette plongée dans l’art vivant m’a fascinée, moi qui sortais du lycée classique et planchais sur des sujets d’histoire de l’art byzantin !

Eva di Stefano a été en fait une de mes muses, car elle est une historienne d’un grand rigueur scientifique, mais elle est capable également de communiquer sa passion. C’est une « activiste » dans le champ de l’art. Notre militantisme en faveur l’outsider art nous a par la suite réunies.

Pour moi, il était impossible de m’occuper d’art en restant confinée dans une bibliothèque. Je visais donc les lieux d’exposition d’art vivant. Arrivée à Paris en 2008, j’ai ainsi choisi d’effectuer un stage dans un lieu, la Halle St Pierre, que je rêvais de visiter alors que je vivais encore à Palerme, le seul musée parisien qui présentait à l’époque des œuvres d’outsider art. Ce stage a duré plusieurs mois et m’a permis de participer à la réalisation de deux expositions : British outsider art et  Eloge du dessin. J’ai ainsi travaillé au plus près des œuvres et des scénographes, en participant au montage, au démontage, à la rédaction des cartels. J’ai pu également voir travailler la directrice de ce lieu, Martine Lusardy, voir comment elle faisait ses choix de mise en scène.

Avec quelles structures avez-vous exposé en France ?

En 2012, avec le CrAB (Collectif de réflexion autour de l’Art Brut), dont je suis cofondatrice, nous avons pu exposer des pièces de la collection ABCD de Bruno Decharme. Il nous a invités à choisir parmi les œuvres qu’il avait réunies et à monter une exposition dans son ancienne galerie abcd (art brut connaissance & diffusion), à Montreuil. Chacun des membres du CrAB (Pauline Goutain, Baptiste Brun, Céline Delavaux, etc.) avait sa thématique. Pour ma section intitulée Brut Babylon, j’ai travaillé sur la notion d’hétérotopie et j’ai choisi des fragments d’environnements d’art brut (un objet sculpté de l’abbé Fouré, un morceau de sculpture de Camille Renault), mais aussi une sculpture d’A.C.M. et des films de Decharme, sur Richard Greaves, Fouré, Rodia. Nous avons mélangé nos choix dans cet espace d’exposition mis à notre disposition. C’était à la fois très excitant et très formateur.

J’ai exposé également à la galerie Area fondée par Alin Avila, au moment de la parution de sa revue n°24 intitulée Art, Folie, et alentours. J’ai pu montrer des images de la maison peinte de Bonaria Manca grâce aux photographies de Mario del Curto et Salvatore Bongiorno. L’exposition Brute ou Naïve ? La folie douce de Bonaria Manca visait à ouvrir le débat sur l’art de Bonaria Manca et notamment sur l’ambivalence de son langage formel. Difficile à catégoriser, l’art de Bonaria pose question. C’est sur cette ambivalence féconde que j’ai invité des artistes et des critiques (Laurent Danchin, Mario del Curto, Jean-Marie Drot, Claire Margat) à se confronter et réfléchir ensemble lors d’une table ronde. Je conçois souvent mes expositions comme des occasions propices à l’organisation de moments de réflexion et d’échange.

J’ai également organisé plusieurs expositions avec PIF, Patrimoines irréguliers de France, une association loi 1901 que j’ai cofondée en 2012 et qui a pour but la mise en valeur de l’art irrégulier, non conforme, hors discipline, underground. Nous souhaitons dévoiler des manières poétiques d’habiter le monde et mettre en réseau des formes de résistance créative au système de l’art et plus en général au capitalisme. Nous soutenons donc ces artistes qui travaillent en marge, souvent avec des matériaux de récupération, capables de réinventer leur propre vie, même dans leur vieillesse, et de consacrer de longues années à la création d’une œuvre d’art total. Laurent Danchin, qui nous a beaucoup soutenu dès le début de notre activité, reste une référence pour nous. 

En 2012, cette association a contribué à l’inscription au titre des Monuments historiques de la cathédrale de Jean Linard , un site d’art extraordinaire réalisé en pleine forêt par un potier-bâtisseur. Parmi les cofondateurs de PiF, il y a d’ailleurs Chiara Scordato et Danilo Proietti, deux passionnés qui ont par la suite géré ce site d’art jusqu’en 2019, quand il a été obligé de cesser son activité. La collaboration entre Patrimoines irréguliers de France et la Cathédrale de Linard a donné lieu à plusieurs manifestations culturelles et à de nombreuses expositions. Nous avons présenté des artistes remarquables comme André Robillard, Paul Amar, Joseph Barbiero, Izabella Ortiz, Margot…

A Neuvy-deux-Clochers, une commune du Cher, nous avons, en effet, trouvé un lieu d’accueil et d’exposition très libre, qui nous a permis de nous former sur le tas. Chacun a aujourd’hui sa spécialité au sein de l’association : je m’occupe souvent de la conception des expositions et des manifestations culturelles, de l’écriture ; Danilo Proietti est régisseur, webmaster et vidéaste ; Chiara Scordato est chargée des projets culturels et de communication, etc.

Après mon doctorat en 2016 et après avoir enseigné dans plusieurs universités, j’ai enfin choisi d’habiter au plus près du lieu d’activité du Pif, non loin de Neuvy-deux-Clochers, dans le Berry. Notre collaboration s’est soudée alors et nous avons intensifié nos activités. Entre autres, nous avons présenté, à de multiples reprises, le travail de Jean-Luc Johannet, que nous avons découvert sur le site de la Cathédrale de Linard grâce à un des amis de l’artiste, le photographe Thierry Cardon. Jean Luc Johannet a été très heureux d’exposer dans ce lieu insolite, tout à fait en résonnance avec ses créations, comme il l’a été également à La Tour de Vesvre, un lieu exceptionnel, une maison forte bâtie au XII° siècle située non loin de la Cathédrale de Linard, où nous avons pu présenter des sculptures aux dimensions très imposantes qui ont trouvé là toute leur place.

Jean Luc Johannet a bâti une mythologie personnelle peuplée d’êtres hybrides et d’architectures poétiques. C’est un monde imaginaire qu’il habite en poète et qui l’habite au quotidien. Depuis les années 1970, il conçoit des projets de jardins et d’architectures utopiques qui rejoignent un courant dénommé l’architecture sculpture. Dans les années 1980, par exemple, il conçoit Le parc de Vénus et ses dragons, un projet qui condense sa vision de la société et de l’art – il faut savoir que c’est un libertaire convaincu. Il s’agit d’une citadelle utopique occupée par de constructions à usage onirique et ludique : des gigantesques automates, des chars festifs zoomorphes, des ponts et des châteaux flamboyants et des habitations-poèmes. Dans les archives de l’artiste, il existe un dossier dans lequel il a détaillé les différentes phases de réalisation de ce parc extraordinaire, avec des fiches techniques pour chaque objet, pour chaque architecture. Et si ce projet n’a jamais été réalisé, ce n’est pas grave ! Dans l’architecture surréaliste, ce qui existe dans l’imagination existe bien, et n’a pas besoin d’exister réellement.

Johannet est néanmoins arrivé à réaliser des sculptures en dimension réelle, qui devaient habiter ce parc, comme L’Oiseau euphorique, qui existe en dessins, en maquette et en sculpture : un objet de 18 mètres ! Il a été exposé sur le parvis de la Halles aux grains à Blois, à la fin des années 1980, mais la municipalité de cette commune n’a finalement pas accepté le don de cette œuvre extraordinaire. Grâce à Michel Thévoz, cette sculpture pénétrable et ambulante a été acquise par la Collection de l’Art Brut de Lausanne et a été longtemps exposée à l’extérieur du château de Beaulieu. Ensuite, elle a été présentée sur le parvis de l’École polytechnique de Lausanne. Malheureusement, elle n’a pas été protégée et, finalement, elle a été démontée et placée en réserve. Le musée de la création franche à Bègles s’intéresse aujourd’hui à l’œuvre de Johannet. Des démarches pour l’acquisition de la maquette de cette imposante sculpture sont actuellement en cours.

Dans le catalogue que nous avons édité à l’occasion de l’exposition de 2017 (« Jean-Luc Johannet ». Dessins, maquettes, sculptures cinétiques, La Cathédrale de Jean Linard, Neuvy-deux Clochers, en partenariat avec La Tour de Vesvre, 11 juin – 5 novembre 2017), nous avons publié des extraits du projet du Parc de Vénus et ses Dragons ainsi que la lettre adressée par Johannet à la Collection de l’art brut en 1999, dans laquelle il revient sur les origines de sa pratique singulière. C’est la seule publication qui existe à ce jour sur le travail de Johannet.

Vous avez exposé également à Lyon…

Nous avons, en 2021, exposé Jean-Luc Johannet  à la 9ème Biennale d’art Hors-Normes de Lyon. Nous avons sollicité Loren Larage, l’initiateur de la  biennale et l’animateur de la Galerie La Rage à Lyon. J’avais déjà collaboré avec succès en 2011 à la biennale pour l’exposition Murmurs,où j’ai présenté les peintures murales de Giovanni Bosco et de Bonaria Manca. Ils connaissaient donc déjà mon travail et nous ont donné carte blanche pour exposer des œuvres de Jean-Luc Johannet  à l’Orangerie du Parc de la Tête d’Or de Lyon.

Jean-Luc Johannet vit la plupart de son temps isolé dans son habitation, il n’est pas tout à fait autonome. Nous avons donc choisi de l’amener avec nous, en lui permettant de participer, à sa manière, au montage de l’exposition. Il a pu ainsi rencontrer des artistes avec lesquels il a noué des liens d’amitié. Pour ces artistes marginaux, la participation à ce genre de festival à l’ambiance très détendue et conviviale représente non seulement l’occasion d’exposer, mais aussi de nouer des relations, de se sentir comme faisant partie d’une communauté.

Nous ne pouvons ici évoquer en détail qu’une seule exposition : laquelle choisissez-vous ?

Quand je parle de la dernière expo Johannet à la Halle, je dis que ” j’ai organisé une conférence “, il existe un lien si tu veux on vient de le mettre en ligne : https://youtu.be/Pg8z4EdBUDc

La dernière exposition de Jean-Luc Johannet à l’espace galerie de la Halle St Pierre, en 2022.

C’était un succès, en écho avec l’exposition qui se déroulait à la Halle à ce moment-là, intitulée Hey ! le dessin. Cela a permis de rééditer le catalogue publié en 2017, de promouvoir son œuvre. C’est Martine Lusardy, la directrice de la Halle, qui en a eu l’initiative. En 2018, nous avions déjà présenté Johannet dans son musée, elle avait ainsi pu découvrir son travail qu’elle apprécie énormément. L’exposition a été présentée dans cet espace particulier de la Halle appelé la galerie, qui permet de montrer, mais aussi de vendre des œuvres, et effectivement Jean-Luc Johannet a pu vendre plusieurs dessins à cette occasion. Johannet crée sans relâche, mais n’est plus en mesure de prendre soin de son œuvre protéiforme qui s’entasse et se dégrade dans sa maison ; c’est pourquoi le PiF a signé avec lui un contrat de promotion et de commercialisation. Pour notre association, qui a organisé l’exposition, cela a été surtout l’occasion d’attirer l’attention d’institutions et de collectionneurs privés sur cette œuvre en danger.

Qui l’a financée ?  Notre association, mais l’espace était mis gratuitement à notre disposition par la Halle St Pierre qui a pris un petit pourcentage sur la vente des œuvres.

Qui a décidé de votre désignation comme commissaire ?

Nous travaillons en équipe au sein du PIF, avec Chiara Scordato, Danilo Proietti et Olivier Vilain, et les décisions sont prises en collectif.  J’ai l’habitude de la scénographie et j’ai écrit à plusieurs reprises sur Johannet : j’ai proposé de suivre un parcours chronologique et de présenter principalement son œuvre graphique, en lien avec Hey le dessin, mais nous avons également exposé certaines de ses maquettes. Johannet a toujours travaillé en mêlant dessins d’architecture et créations sculpturales. Il est difficile de dater son travail, car il n’a pas fait de catalogue raisonné de ses œuvres. Il ne les date pas non plus, il faut faire appel à sa mémoire, à des évènements marquants voire traumatisants de sa vie pour situer les œuvres dans le temps. J’ai donc fait un long travail afin de dater ses créations, en dialogue avec l’artiste, et j’ai pu découvrir, lors de plusieurs repérages, ses dessins les plus anciens qui datent des années 1970.

Il faut tenir compte également du fait que Johannet change de mediums par époque, passant du dessin, à l’encre de chine, colorié au lavis, aux feutres pour sa période la plus récente. Concernant les sculptures, celles des années 1980-1990, comme l’Oiseau euphorique, étaient très raffinées, mobiles, cinétiques, elles étaient réalisées en bois. Johannet s’est formé dans des ateliers de construction navale à Rouen et connaissait donc bien le mode de réalisation de ce type de sculptures-maquettes. Dans les années 2000, il a utilisé d’autres matériaux et a réalisé, par exemple, la Citadelle, présentée lors de cette exposition  : une œuvre en carton composée de maquettes d’architectures en forme de cristaux, qui peuvent être assemblées de plusieurs manières. C’est la maquette modulable d’une ville utopique. Depuis 2020, Johannet poursuit son travail créant toujours des maquettes d’archisculptures fantastiques, mais avec les moyens du bord. Il n’a plus la force qui lui permettait autrefois de créer des œuvres monumentales et il n’a plus les moyens économiques lui permettant d’acheter du bois. Il récupère donc du bois d’allumage, des barquettes en plastique contenant ses repas, des canettes, des objets qu’il trouve dans son jardin, au cours de ses promenades, une feuille extraordinaire, un objet cassé, une plume, un caillou, tous ces objets qui enflamment sa rêverie. Avec un esprit surréaliste, il les collecte, les assemble, les intègre dans des sculptures architecturales de grande ampleur qu’il peint ensuite, éventuellement, ou décore avec des dentelles en colle.

Comment les institutions de l’art brut apprécient son travail ?

Lucienne Peiry, en 2018, avait vu l’exposition à la Halle St Pierre et a apprécié son travail et redécouvert son œuvre, mais celle-ci n’est pas totalement de l’ordre de l’art brut puisque Jean-Luc Johannet a reçu une éducation poussée dans le domaine de l’art et en architecture, mais aussi en gravure.

Quelle a été l’audience de l’exposition, quelle perception en ont eu les critiques ?

L’audience a été bien meilleure qu’en 2018, car nous avons fait un travail de communication plus poussé, j’ai organisé une conférence, nous avons présenté le catalogue, et nous avons aussi montré les premières images d’un documentaire que nous sommes en train de réaliser sur l’artiste et son œuvre (à partir d’un financement participatif) :

Quels sont vos projets en cours ?

Je mène en parallèle plusieurs projets, au sein de l’Osservatorio Outsider Art de Palerme et de la Kopac Committee Association, qui vise à promouvoir le travail de Slavko Kopač, un artiste croate qui voit son nom généralement associé à son rôle de conservateur de la Collection de l’art brut, mais qui est également à l’origine d’une œuvre picturale extraordinaire. Une exposition est en préparation.

Je poursuis également mes activités au sein du PIF, qui a choisi d’intensifier son soutien en faveur de Johannet, non seulement en faisant connaître son œuvre, mais en contribuant, par exemple, à l’entretien de sa maison et de son jardin à La-Chaussée-Saint-Victor, qui sont actuellement les lieux de conservation de ses créations. Ce n’est pas du tout facile. Jean-Luc Johannet a besoin de moyens financiers pour vivre et pour maintenir en état sa habitation : nous agissons donc pour le promouvoir, le soutenir, et menons des actions en ce sens, bien sûr avec l’accord de sa tutrice. Nous espérons que d’autres œuvres de cet artiste seront acquises prochainement, y compris par des collectionneurs privés et/ou des lieux et musées qui se consacrent à l’art brut, à l’art singulier, à la création franche !

Nous avons bien sûr d’autres projets en cours : nous animons une chaine YouTube où nous présentons le travail d’artistes outsider ou des sites d’art hors-normes :

https://www.youtube.com/channel/UC9N9MmmOf1Xz9FPT80oPfqg

Nous éditons un journal en ligne dédié à des initiatives d’habitat créatives et respectueuses de l’humain et de l’environnement ; nous travaillons avec plusieurs associations qui s’occupent de sites d’art hors-normes comme l’association des Amis de Chomo ; nous poursuivons notre cycle de rencontres Habiter et bâtir autrement et préparons un festival dédié aux fanzines et au graphzines qui aura lieu à Antre-Peaux, à Bourges, le 3 et 4 septembre 2022.  

Nous avons d’ailleurs trouvé un lieu extraordinaire où nous allons bientôt transférer notre siège. Il s’agit d’un tiers-lieu, le cercle, situé à Rosières, près de Lunéry, dans l’ancienne cité paroissiale des ouvriers de la marque Rosières. Il y a plusieurs bâtiments de la fin du XIX^e siècle, en briques avec de grandes vitraux, et un très beau jardin. Un artiste, Anti (www.anti.sx) , a acheté avec d’autres passionnés ces lieux pour créer un lieu d’art vivant. C’est un beau  projet !

 Je vous remercie.

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Pour en savoir plus sur Jean-Luc Johannet, voir le teaser du film documentaire Jean-Luc Johannet. Anarchitecte, réalisé par Danilo Proietti :

Premier film documentaire retraçant le parcours de cet artiste hors normes, Jean-Luc Johannet. Anarchitecte dévoile une œuvre encore trop méconnue. Il raconte aussi l’histoire d’un homme à la fois humble érudit, doux rêveur et fantasque, toujours désireux de partager ses convictions politiques et intellectuelles, mais aussi ses explorations oniriques.

Pour soutenir la création de ce film : https://www.helloasso.com/association…