Concurrence et spotlights dans le monde des musées : comment sortir du lot ?

Dans un contexte de mise en concurrence internationale et de ressources financières contraintes, il faut attirer un public nombreux et international : chaque musée doit avoir une icône le représentant. Le musée du Louvre a sa Joconde, elle contribue grandement à sa renommée mondiale. Il n’y a pas d’icône similaire au musée d’Orsay ou au Centre Pompidou. La directrice du musée des Beaux-arts de MontréalNathalie Bondil,  voulait que son musée puisse être identifié grâce à ces images de référence. Le dernier numéro de Conserveries Mémorielles sous la direction d’Yves Bergeron, fait le tour du Canada et présente pour chaque musée l’objet emblématique  en question, autant d’occasions pour découvrir la richesse et la diversité de ces musées :

cape_spear_main_ashx-small200#19 | 2016/ Objets, phares des musées canadiens /Entre pratiques muséales et enjeux identitaires/Sous la direction de Yves Bergeron, Marie-Eve Goulet et Catia Rodrigues :

« Dans les musées nord-américains comme ailleurs dans le monde certaines œuvres et objets se démarquent. On les désigne parfois comme des œuvres de référence ou des objets icône. Les visiteurs fréquentent les musées pour les voir ou les revoir. Objets de culte et objets fascinants, ils marquent profondément l’expérience de visite. Ce chantier de recherche mené à l’Université du Québec à Montréal s’inspire des travaux de Jacques Hainard sur les objets. Rappelons le constat que le conservateur du musée d’ethnographie de Neuchâtel formulait dans « Le musée cette obsession » : l’objet n’est la vérité de rien de tout. Les objets muséaux ne sont souvent que des prétextes à raconter des histoires. En ce sens, bien des musées manipulent dans les expositions les objets en les détournant de leur sens ou tout simplement en les utilisant pour soutenir un discours qui n’a pas toujours à voir avec leur véritable signification. Il y a une dizaine d’années, je me suis penché sur un cas emblématique de la muséologie canadienne. L’étude de l’astrolabe de Champlain (1) a permis de comprendre que l’objet le plus important des collections canadiennes était probablement un faux. Pourtant, cet objet, perdu au XVIIe siècle et retrouvé l’année de la Confédération canadienne en 1867 et racheté par le gouvernement canadien en 1989 pour l’ouverture du nouveau Musée canadien des civilisations (Musée canadien de l’histoire depuis 2012), a permis de mettre en lumière comment un simple objet pouvait devenir fondamental dans la construction d’une identité nationale.

À la suite de travaux exploratoires, j’ai proposé à un groupe d’étudiants de muséologie de poursuivre cette piste et d’identifier dans les musées québécois et canadiens les objets qui synthétisent en quelque sorte la mission du Musée et auxquels on accorde un statut particulier. C’est dans ce contexte qu’a pris forme ce corpus d’œuvres et d’objets phares. L’intérêt de ces articles réside dans le constat qui s’en dégage : les musées ne sont pas comme on le répète souvent « des lieux de conservation du patrimoine national », les musées sont aussi des lieux de production du patrimoine. Ces objets phares deviennent des prétextes à diffuser des discours. En réalité, nous avons constaté que l’authenticité des objets avait finalement peu d’importance, car le véritable enjeu se situe plutôt autour de la construction d’un discours centré sur la construction d’identités collectives. Ces objets phares prennent habituellement place dans les expositions permanentes et servent de repères dans le discours des musées sur l’identité des communautés qu’elle soit nationale, régionale ou locale.Ce groupe de jeunes chercheurs en muséologie propose une analyse originale de ce corpus documentaire en apportant un éclairage neuf sur le statut des objets muséaux. Yves Bergeron« . (1) Yves Bergeron. Astrolabe de Champlain : parcours d’un objet mythique du patrimoine canadien.

Les musées veulent susciter l’intérêt du public et sollicitent de nouveaux mécènes :

2_-juan-de-zurbaranLe musée des Beaux-Arts de Besançon, actuellement fermé pour travaux, crée des évènements autour d’une œuvre-phare,  par exemple, Zurbaran. Il multiplie les expositions temporaires hors les murs :  Un siècle de dessin français – Chefs-d’oeuvre du musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon

WATTEAU

jeune-homme-545-ans-mecenat-crowdfunding-histoireYohan Rimaud, Conservateur au Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, fermé au public pour rénovation. Confronté à la problématique d’animer le musée sans pouvoir inviter le public à le visiter, il a fait preuve d’originalité et d’audace pour faire parler du musée en lançant sa campagne de crowdfunding pour restaurer un « Portrait de Jeune homme à la roque rouge » malicieusement intitulée « Jeune homme de 545 ans cherche mécènes » : http://www.mbaa.besancon.fr/jeune-homme-de-545-ans-remercie-ses-mecenes/

sk-c-1174-1600x450Enfin, les curateurs, les commissaires d’expositions sont désormais sous les spotlights : ils peuvent, eux-aussi, être des relais efficaces de mise en valeur de certaines collections muséales solidaires, car relatives à une période  historique donnée ou à une région spécifique qui sont identifiées dans l’histoire de l’art. Voici quelques portraits: « Curator in the spotlight: Blaise Ducos, Musee du Louvre » sur le site CODART : Dutch and Flemish art in museums worldwide.

concurrenceA signaler, la parution de l’ouvrage Faire la concurrence. Retour sur un phénomène social et économique, Paris, collection Sciences sociales, Presses des Mines, 2016. qui évoque aussi le secteur patrimonial et artistique :

La concurrence est omniprésente dans nos sociétés et semble s’imposer aux acteurs qui en subissent les effets. Et s’il en était autrement ? Les auteurs de cet ouvrage invitent à changer le regard habituellement porté sur ce phénomène, pour s’interroger sur ses possibilités. Mettre en concurrence des individus, des produits, des services ou des organisations, ne va pas de soi. Cela suppose d’opérer des comparaisons et de les instrumenter, de préciser sous quel aspect les entités sont semblables ou dissemblables. Les acteurs ne restent pas passifs dans ces situations et doivent négocier, résister et s’interroger sur les bonnes conventions de mesure à adopter. Par-delà leur pertinence, c’est la  légitimité des modalités de la compétition qui peut être discutée. La perspective adoptée par l’ouvrage permet de parcourir une grande variété de terrains d’enquêtes (hôpital, industrie télévisuelle, marché du bio, musées, écoles de commerce, industrie high-tech, recherche, enseignement supérieur, secteur associatif), qui sont tous traversés par des luttes concurrentielles. Au fil des chapitres, la concurrence se révèle comme un processus collectif, aux mains de nombreux acteurs et dispositifs qui participent à la modeler, à l’organiser et à la faire évoluer sans parvenir nécessairement à la contenir. CASTEL P., HENAUT L., MARCHAL E.

Exposition hommage au Musée Tomi Ungerer

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TOMI UNGERER FOREVER

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Tomi Ungerer vu par Christian Antonelli (détail de l’oeuvre) © Christian Antonelli.
 
Pour fêter le 85e anniversaire de Tomi Ungerer, 100 artistes de France et d’ailleurs ont taillé leurs crayons pour illustrer les liens que leur œuvre entretient avec celle de leur aîné. Si celle-ci s’est d’ores et déjà inscrite par sa diversité et sa créativité dans le vaste champ  de l’histoire de lart.
 La première rétrospective consacrée à Tomi Ungerer a eu lieu  au musée des Arts décoratifs en 1981.
 
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Connue également sous le titre de « Der kleine Unterschied » (La petite différence), devenue emblématique depuis, cette affiche fut réalisée par Tomi Ungerer pour la rétrospective que François Mathey lui organisa au Musée des Arts décoratifs de Paris à l’occasion de son 50e anniversaire.

Il ne peut s’empêcher d’ironiser sur la fonction de l’artiste avec le motif de l’éléphant trempant sa queue dans un pot de peinture … Il utilise ici son principe de choc visuel, destiné à attirer l’attention du spectateur, et qu’il obtient avec une gamme de couleurs réduite sur un fond sombre, un trait noir compact et une mise en page sobre. 

Kunihiko Moriguchi, artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, est à Paris

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Du triangle au cercle, Kunihiko Moriguchi, 2012. Photo : © Kunihiro Shikata.

Kunihiko Moriguchi est un artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, cette technique tricentenaire de peinture sur des kimonos d’apparat. Il a été élevé au rang de « Trésor national vivant » par le gouvernement japonais en 2007. Son père était également « trésor national » et l’a formé à son retour au Japon. En effet, Kunihiko Moriguchi  a vécu en Europe où il a étudié les arts graphiques.

Né en 1941, il étudie la peinture de « style japonais » (nihonga) à l’université des Arts de Kyoto. Il part pour la France à l’âge de 22 ans et étudie à l’École nationale des arts décoratifs.  Il a fréquenté le musée des Arts décoratifs, où il rencontre François Mathey.  

Il se lie d’amitié avec le critique Gaëtan Picon et le peintre Balthus qui l’invite à la Villa Médicis. Ce dernier le persuade de se consacrer à l’art du yûzen, dont le père de Kunihiko est un illustre représentant. Kunihiko Moriguchi  a réalisé son premier kimono en 1967.

Une exposition rétrospective de ses œuvres,  la première, se déroule actuellement à la Maison de la Culture du Japon jusqu’au 17 décembre prochain. Elle réunit 26 kimonos et 11 peintures de l’artiste.

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VIVRE !! Une exposition de la collection d’art contemporain d’Agnès b.

Cette photographie "Le nageur" de Ryan McGinley, de 2004,
lart-contemporain-version-agnes_0_730_385 ouvre l'exposition en cours à la Cité de l'immigration. Elle regroupe 70 œuvres qui appartiennent à la styliste de mode Agnès b. Cela représente une petite partie d'une collection qui s'est constituée progressivement depuis près de 40 ans.claude-leveque-sans-titre-ensei-gnes-tubes-multicolores-1995-740x370Claude Leveque-sans titre-enseignes tubes multicolores-1995.
C’ est au gré d’affinités, de rencontres avec des cultures et des réseaux très divers, en fonction « d’histoires naturelles », qu’elle a réuni un ensemble unique.  De nombreuses expositions préalables ont permis de dessiner le portrait d’une grande collectionneuse, discrète.
 Agnès b. avait déjà exposé sa collection aux Abattoirs de Toulouse en 2004.
A Villeneuve d’Ascq, c’est une autre facette de cette collection qui a été présentée plus récemment au Lam en 2015.
Depuis longtemps,  Agnes b. mène une action de mécénat et effectue des prêts  d’oeuvres pour des expositions temporaires très diverses.
Elle a par exemple été partenaire de l’ exposition « Seydou Keïta » et de l’exposition « Carambolages », au Grand Palais en 2016.alighiero-boetti-mappa-del-mondo-tapisserie-sur-toile-1984-600x402
Alighiero Boetti-Mappa del Mondo, tapisserie sur toile-1984.
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JEAN-MICHEL BASQUIAT-autoportrait-1983-collection-Agnes-b
Agnès b. a ouvert dès 1984 sa galerie, la galerie du jour, qui poursuit sa programmation.
Mais elle cherche depuis quelque temps un lieu à la périphérie parisienne pour installer sa fondation :
Elle aimerait trouver dans un quartier défavorisé du Grand Paris un lieu qui serait « fonctionnel et sans luxe ». Il comporterait des salles d’exposition, une salle de spectacle et de projection, des résidences d’artistes :
A l’heure où les grands musées du centre de Paris fêtent leur 30 ou 40 ans et où les fondations privées  se focalisent sur leur installation  dans la capitale,  Agnès b. est à la recherche d’un lieu « ouvert vers des visiteurs qui ne sont pas habitués aux musées traditionnels ».

Trois expositions à l’italienne, à Paris. La Fondation Etrillard entre en scène

Afficher l'image d'origine La Fondation Etrillard  mécène des expositions Carambolages au Grand Palais et Paul Klee, l’ironie à l’œuvre organisée au Centre Pompidou, se lance dans l’organisation d’expositions temporaires et présente jusqu’au 18 décembre 2016 à l’Hôtel de La Salle, au 21 rue de l’Université, 75007, Paris l’exposition « Renaissances, Un hommage contemporain à Florence« , une exposition d’art contemporain sous la direction d’Anna Morettini. Cette fondation va décerner pour la première fois, le prix MorettiniLe jury, associant des figures importantes du monde de l’art florentin, est composé de Caterina Biagiotti, la directrice de la Fondazione Biagiotti, Arturo Galansino, directeur du Palazzo Strozzi, Giandomenico Semerano, directeur adjoint de l’académie des Beaux-Arts de Florence, Stefania Gori, historienne de l’art, l’artiste Laurent Grasso, et d’Anna Morettini. En décembre 2015, Gilles Étrillard, homme d’affaire ayant fait fortune dans le rachat de PME, a lancé sa fondation éponyme qu’il a confiée à Anna Morettini. Depuis sa base genevoise, la fondation propose de soutenir les jeunes artistes tout en réconciliant « la tradition et l’histoire européennes et le monde contemporain ».

Dans cette exposition, « La commissaire encourage un dialogue idéalisé d’œuvres d’artistes contemporains qui se réapproprient le territoire et l’héritage de Florence.  Les quatorze artistes présents sont européens en majorité, ou américains, ils ont déjà exposé dans de nombreux musées. Leur travail renvoie à l’Art florentin de la Renaissance, à ses matériaux, ses techniques, sa manière et son message universel » : Sandow BIRK, Guillaume BRESSON, Glenn BROWN, James Lee BYARS, Jan FABRE, Ryan GANDER, Laurent GRASSO, Candida HÖFER, Patrick NEU, Adrian PACI, Gerhard RICHTER, Thomas STRUTH, Pieter VERMEERSCH et Massimo VITALI.

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Candida Höfer, Palazzo Vecchio Firenze I, 2008, Courtesy Ben Brown Fine Arts, London © ADAGP, Paris 2016.

A la Monnaie de Paris, c’est Chiara Parisi qui présente l’exposition  « Maurizio Cattelan,  Not Afraid of Love » : « une exposition qui sera profondément « habitée » par Cattelan. Un choix d’œuvres, dont l’image reste pour toujours accrochée à la rétine, seront exposées dans les salons XVIIIème siècle de la Monnaie de Paris« .Maurizio Cattelan Untitled

Enfin, à l’ambassade d’Italie en France l’exposition « Léonard en France. Le maître et ses élèves 500 ans après la traversée des Alpes. 1516 – 2016 ».

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Ouverte gratuitement au public du 20 septembre au 20 novembre 2016, cette exposition est une initiative lancée en collaboration avec le Musée du Louvre et plusieurs Musées italiens, se situe dans le cadre des actions de la diplomatie culturelle italienne pour la promotion du patrimoine artistique et affirme la volonté de valoriser la culture commune italienne et française dans la dimension européenne. L’exposition célèbre l’anniversaire de l’arrivée du grand Maître en France – à l’automne 1516 – en proposant au public français et international des peintures emblématiques du Maître et de ses élèves. On y verra la présentation comparée d’œuvres de Léonard de Vinci et de ses plus proches élèves (Francesco Melzi, qui le suivit en France, et Gian Giacomo Caprotti dit Salaì, qui se rendra à Amboise pendant le séjour français de Léonard) en mettant en valeur le chef-d’œuvre de Léonard «Visage de Femme» dite «La Scapigliata», provenant de la Galerie de Parme (Complesso della Pilotta), au terme d’un parcours avec des références liées au trois tableaux apportés en France par Léonard (La Gioconda, Saint Jean- Baptiste, Sainte Anne).Entre autre, l’exposition présente – sur la base d’études inédits du Louvre et de documents originaux – la reconstruction de l’itinéraire de Rome à Amboise, en traversant les Alpes au Mont-Cenis.