Une histoire de l’art du pastel


Pendant six mois (une durée exceptionnelle), le Petit Palais expose une partie de sa collection permanente de pastels : « L’Art du pastel, de Degas à Redon » est une occasion inédite d’admirer plus de cent vingt pastels du Petit Palais jamais montrés depuis 1983 et de s’intéresser au renouveau du pastel dans la seconde moitié du XIXe siècle ».

L’ exposition est à la fois belle et instructive à plus d’un titre : elle propose un voyage chronologique et thématique qui débute à la fin du XVII e siècle avec  Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842) et se conclut avec Odilon Redon et Ker-Xavier Roussel. Elle met ainsi en valeur les collections permanentes de ce musée de la Ville de Paris, en renouant avec une époque où  ce musée jouait  un rôle de premier plan.

En route, la commissaire Gaëlle Rio revisite en cinq sections l ‘histoire des peintres mais aussi des sculpteurs, qui ont eu recours à ce médium pour des raisons différentes. Naturalistes, impressionnistes, symbolistes traitent de thèmes plus ou moins académiques. On retrouve ainsi des artistes oubliés, méconnus et des œuvres sombres ou colorées qui réapparaissent dans la pénombre.

Des grands noms qui font l’objet d’expositions monographiques non loin de là, sont présents comme Edgar Degas (auteur de 700 pastels), Paul Gauguin ou Auguste Renoir.

Edgar Degas, Mme Alexis Rouart et ses enfants.

 

Paul Gauguin, Le sculpteur Aubé et son fils Emile.

 

 

 

Auguste Renoir. Esquisse représentant Berthe Morizot et sa fille.

Deux femmes artistes sont représentées,  à cette étape du parcours : Mary Cassat et Berthe Morizot. L’exposition illustre son temps où les nus académiques ou pas, abondent, comme cette « Contemplation » d’Eugène Emmanuel Lemercier, ou ce dessin préparatoire rehaussés de pastel de Fernand Pelez pour son grand tableau Les Danseuses, réalisé entre 1905 et 1909.

 

 

 

 

L’exposition grâce notamment à ses cartels, explique également comment se constitue une collection. Le portrait de la princesse Radziwill de 1801 réalisé par Élisabeth Vigée Le Brun,  est un achat obtenu grâce aux arrérages du legs Dutuit en 1969 ; Armand Guillaumin a fait don au Petit Palais d’un ensemble important de pastels en 1922 : « Guillaumin se consacre à la technique du pastel à partir de 1865 et ses nombreuses études de paysages, allant de simples esquisses prises sur le vif à des dessins très aboutis, donnent lieu à de multiples variations autour de la couleur et de la lumière ». 

Un cartel rapporte cette anecdote sur  cette esquisse représentant Berthe Morizot et sa fille, donnée par Auguste Renoir : Ambroise Vollard tente de vendre au nom du peintre cette esquisse aux amis du musée du Luxembourg en 1907. Ceux-ci hésitent trop au goût du peintre. Renoir vexé, offrira l’esquisse au musée du Petit Palais.

Le pastel peut être une fin en soi pour les portraits mondains, constituer des dessins préparatoires avant la réalisation d’ un décor d’église ou d’un tableau de chevalet, voire d’une affiche, le pastel renvoie donc  à plusieurs usages. Alfred Roll prépare ainsi une affiche pour les tuberculeux victimes de la guerre 14/18 ( étude pour l’affiche  » les blessés de la tuberculose ») qui ne sont pas reconnus comme blessés de guerre.

Victor Prouvé, le décorateur, a lui aussi réalisé de nombreux pastels préparatoires, comme cette étude de femme aux yeux fermés :

Des artistes très différents, notamment des sculpteurs, s’exercent  aux pastels : « Le sculpteur Jean-Baptiste Carpeaux produit de nombreux albums de croquis et dessins au crayon et au pastel, dont quelques exemples sont exposés, comme un Portrait d’homme – peut-être un autoportrait.

Le peintre Pierre Carrier-Belleuse réalise des nus, préférant pour cela le pastel  à la peinture. Répondant au goût de leur époque, les pastellistes du XIXe siècle, Albert Besnard, James Tissot , Marcel Baschet ou Jacques Emile Blanche, (Portrait de Marie-Blanche Vasnier) « font des portraits mondains ou des nus féminins, témoignage du goût bourgeois qui perdure au tournant du siècle ».

La Liseuse de James Tissot. 

 

Jacques- Emile Blanche, Portrait de Marie-Blanche Vasnier.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les symbolistes concluent le parcours : « Dans des harmonies poudreuses colorées parfois étranges, ces artistes expriment leurs sentiments, leurs rêves et traduisent esthétiquement une réalité intérieure à la portée plus universelle que les paysages ou les portraits. Dans cette dernière section de l’exposition, une place particulière est réservée à Odilon Redon, figure majeure et singulière du renouveau du pastel à la fin du XIXe siècle ».

Ker-Xavier Roussel, Scène antique.

Il n’ y a pas d’audioguide pour cette exposition mais une application qui peut être téléchargée gratuitement : elle commente les œuvres phares du parcours (dont les textes ont été partiellement cités ci- dessus) et renvoie vers deux vidéos :

L’affiche de l’exposition est une œuvre présentée en 1897, par Charles Léandre pour sa première participation à l’exposition de la Société de Pastellistes français, elle s’intitule « Sur champ d’or ».Pour prolonger la visite, l’application renvoie vers l’ensemble des pastels de la collection du Petit Palais qui est en ligne sur le site des collections des musées de la Ville de Paris. En sortant de l’ exposition, au sein du musée, des tableaux de Monet, Sisley, illustrent la richesses de ces collections permanentes. Les photographies de  l’exposition temporaire d’Andres Serrano se confrontent avec l’art du passé.

Les œuvres au sol de Sheila Hicks, quant à elles, marquent, dans le monumental hall d’entrée du Petit Palais, l’irruption de l’art contemporain présenté par la FIAC, et qui a investi en face pour quelques jours le Grand Palais.

 

Odilon Redon. Femme nue dans les rochers.

Odilon Redon- Anémones dans un vase bleu (détail).

Les road movies de Jean Rouch

Filmer l’ Afrique dans les années 1950 jusqu’aux années 1970 : c’est ce qu’a fait Jean Rouch à qui la BnF consacre une exposition temporaire :

Jean Rouch et Damouré Zika sur le tournage de Jaguar, Gold Coast (Ghana), 1954, Département des Manuscrits/BnF © Fondation Jean-Rouch (DR).

« Jean Rouch aurait eu cent ans en 2017. L’exposition Jean Rouch, l’Homme-cinéma met en lumière la vie et l’œuvre d’un homme inclassable, explorateur, ethnographe, photographe, cinéaste. Auteur de 180 films tournés principalement en Afrique, Jean Rouch a lié le cinéma et l’ethnographie d’une manière unique. Entre ses mains, la caméra est devenue un nouvel outil d’investigation sur les hommes, leurs croyances, leurs imaginaires. Se moquant des prétentions à la neutralité de la science, Jean Rouch a assumé avec enjouement sa subjectivité et une relation de partage avec ceux qu’il filmait ».

Du 26 septembre au 26 novembre 2017, 40 films seront diffusés sur tous les écrans audiovisuels de la Bibliothèque du Haut-de-jardin, et en salle A, salle attenante à la Galerie des donateurs.

Jean Rouch est décédé en 2004 au Niger. Ces films, tournés essentiellement en Afrique dans le cadre des missions ethnographiques au Soudan et au Niger, par cet élève de Marcel Griaule, se déroulent pour les plus connus,  avant les indépendances.

Aux côtés de Jean Rouch, Damouré Zika. Infirmier, acteur preneur de son, il a participé au film Jaguar Gold coast et au célèbre Maîtres fous, de 1955,  Grand Prix de la Biennale internationale du cinéma de Venise –  dans la catégorie Film Ethnographique, en  1957.

Plus récent en 1974, le film Cocorico Monsieur poulet est un road movie franco-nigérien de Dalarou – pseudonyme pour le trio Damouré Zika, Lam Ibrahim Dia et Jean Rouch – sorti en France en 1977.

A l’occasion de l’exposition, la BnF met aussi en avant ses archives sonores :  en ligne sur Gallica, ces « échos de la forêt africaine » et ces percussions d’un festival au Ghana, extraits d’un disque  45 tours datant de 1960.

Comme le précise Clara Pacquet :

« Rouch construit sa définition de l’anthropologie à partir d’un héritage hétérogène, dans lequel il puise toujours à nouveau, afin de produire des formes de savoir par le cinéma ».

Clara Pacquet interviendra au séminaire Arts et Sociétés  le 7 mars 2018 sur le thème « Jean Rouch et les choses ».

PROGRAMME ARTS & SOCIETES

Duras par Delas et autres paysages

Aller chercher une histoire qui va s’effacer avec le temps, avec la destruction sous-jacente de ces murs.L’art dans la rue est aujourd’hui un mode d’exposition qui se banalise, avec le soutien des pouvoirs publics. Au street art s’ajoutent d’autres modes d’expression qui investissent l’espace public, en cours de transformations, comme  en 2016 cette émouvante  Projection mapping d’une vidéo d’animation de Delphine Delas consacrée à Marguerite  Duras dans le quartier Belcier à Bordeaux :  Un hommage à Marguerite Duras, une histoire d’amour et puis, de peuple(s) : Rue de Saïgon, rue du Son Tay, rue Bac Ninh dans le quartier Belcier, derrière la gare Saint-Jean, à Bordeaux...Cet hommage se poursuit en 2017 avec une exposition de street art :

Delphine  Delas et Nicolas Louvancourt proposent enfin une nouvelle projection mapping d’une vidéo d’animation  incluse dans la Saison Paysage de la ville de Bordeaux, le 28 septembre prochain :

« A partir de recherches faites en collaboration avec le Musée d’Aquitaine, sur les mythes et les folklores anciens issus de la région bordelaise, le projet hybride contes de l’époque médiévale, mythes gaulois et légendes modernes pour former un seul récit où le fleuve devient divinité ».

Récit/Illustration: Delphine Delas. Musique/Animation: Nicolas Louvancourt.

Regarder « Garumna ».

Suivre les créations et les projets  de Delphine Delas :

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Dianne Bos : The Sleeping Green et ses poètes

Ploegsteert, Belgique, 2014 © Dianne Bos – Centre Culturel Canadien

L’espoir renaît toujours. Tel était le titre de l’exposition présentée au Centre  Culturel canadien qui vient de s’achever : « The Sleeping Green », sous-titré par le Centre Culturel Canadien « Un no man’s land cent ans après » :

« Dianne Bos : The Sleeping Green » est une véritable évocation enchantée d’un passé pourtant rougi du sang de millions d’hommes, de femmes et d’animaux tombés au champ d’honneur.          Coquelicot, Ploegsteert, Belgique, 2014 © Dianne Bos

Mémorial britannique de la Première Guerre mondiale à Ploegsteert.

 À l’aide de photographies réalisées via des boîtiers généralement très anciens (dont une chambre noire), Dianne Bos exploite toute la force esthétique du format carré pour parler, poétiquement, de cette guerre qui fit débuter le XXe siècle sous l’égide de l’horreur. Aberration chromatique, flou de bougé, flare et autres décolorations partielles ne doivent pas ici être considérées comme des erreurs techniques de la part d’un photographe débutant maîtrisant encore mal son appareil photo. Dianne Bos a volontairement choisi de mettre en scène les failles de ses anciens boîtiers de sorte à en faire surgir un lyrisme étonnant : utiliser des faiblesses pour mieux parler du chagrin, de l’horreur de la guerre, de la perte, mais aussi et surtout de l’espoir qui pourtant, renaît toujours ».

« Un no man’s land cent ans après ». Encore faut-il avoir en tête un code culturel typique des pays du Commonwealth pour pouvoir le déceler et comprendre le message. Dans l’exposition d’indénombrables taches écarlates, brillantes ou sourdes, fanées ou éclatantes : Ce sont des coquelicots, qui constellent de pourpre les photographies de Dianne Bos. Le coquelicot rouge, au Canada comme au Royaume-Uni, est devenu un symbole parfaitement éloquent de la question du souvenir, le « poppy » :

Comme le rappelle le musée canadien de la guerre, on trouve ses racines dans les écrits du poète et soldat canadien John McCrae et son poème le plus connu, « Au champ d’honneur » :

 

Manuscrit de « In Flanders fields. John McCrae a écrit ce poème pendant la Bataille d’Ypres. Cela deviendra le plus célèbre poème de guerre. Source : Bibliothèque et Archives Canada/C-128809).

L’exposition évoque également Break of Day in the Trenches, du poète britannique  Isaac Rosenberg, décédé en 1918 dans les tranchées.

  • Vues de l’ exposition au Centre culturel canadien :

  • Évocations canadiennes de la Bataille d’Ypres :

Richard Jack (1866-1952), La deuxième bataille d’Ypres, décembre 1917. Collection d’art militaire galerie d’art de Beaverbrook.

 

Suivre le fil à la maison rouge

Pour apprécier l’exposition Inextricabilia, enchevêtrements magiques , à la maison rouge, il peut être utile de lire la brochure fournie avec le billet d’entrée, et de débuter la visite, non pas à la suite de l’exposition parallèle, mais en suivant le chemin qui se dessine à main gauche. Deux têtes – rapiécées et recousues- ouvrent le parcours : l’une est de Louise Bourgeois, l’autre de Michel Nedjar. On entre dans le sujet grâce aux étonnants documentaires- vidéos  de l’anthropologue Manoël Pénicaud. Pour demander l’accomplissement  d’un vœu, pour qu’une prière soit exaucée, chaque année, le jour de la Saint Georges,  des femmes  des deux confessions, catholique et musulmane, déroulent des bobines de fil sur le chemin d’un monastère sur  l’île de Büyükada, au large d’Istanbul : chaque fil matérialise ce voeu, cette prière.

Dans le même esprit, toujours en Turquie, dans la région d’Éphèse, considérée comme le lieu de mort de la Vierge, un foisonnement de noeuds couvre un mur de la ville près d’un sanctuaire :  des milliers de pèlerins de toutes les confessions, nouent un ruban de tissu de papier ou de plastique, laissant ainsi des traces de leurs voeux et de leurs prières.

Le parcours de visite s’éclaire ensuite et il est  impossible de perdre le fil d’une illustration agencée dans des espaces adaptés et différenciés pour les oeuvres d’art brut, d’art religieux, d’art contemporain notamment grâce à des pièces exceptionnelles de Louise Bourgeois, Annette Messager, Chen Zhen, Max Ernst..

Amulettes et objets magiques du Musée de l’Homme collectés au Sénégal dans les décharges de Dakar,  par Alain Epelboin (médecin et anthropologue au CNRS ) côtoient un sac magique prêté par le musée du quai Branly et des reliques de saints conservées par des pèlerins du XIXe siècle.

 

 

 

 

 

 

 

 

La commissaire de l’exposition, Lucienne Peiry, est fascinée par l’oeuvre de Judith Scott.

Elle tente des interprétations de son œuvre et propose,  plus classiquement cette fois, des rapprochements formels, décelant des  affinités insolites, s’inspirant en cela de ce que réalise souvent Jean-Hubert Martin dans ses expositions, depuis Artempo,  en 2007.

Anonyme, Tomeligi, amulette (Togo, Lomé), bois, cauris, coton sans date. Musée du Quai Branly.

Elle suscite le débat, la comparaison ne valant pas raison, elle met aussi en avant des constantes : Protéger et occulter, conserver précieusement la chose en la dissimulant, la cacher en la montrant, c’est le principe qui unit toutes les œuvres de l’exposition.[…] C’est la technique (maîtrisée) orientée vers une fin (constante) qui fait de l’art humain une famille humaine.

 C’est peut être en sous-sol que les créations brutes de Marc Moret peuvent susciter, chez certains, surprise ou effroi. Mais, comme à son habitude, Lucienne Peiry, ancienne directrice à Lausanne de la Collection de l’Art Brut pendant dix ans (de 2001 à 2011),  a pris soin de faire figurer  dans le parcours un documentaire où ce créateur raconte  son cheminement.

Marc Moret, 1999-2000 – Photo : Mario Del Curto – Coll. particulière

Comme de coutume à la maison rouge, une  autre exposition se déroule en parallèle : il s’agit d’art purement contemporain, une carte blanche à Hélène Delprat :  I did it my way. Un art cultivé, coté, un art de citation, qui ne manque pas de force et d’humour,  dans un décor de « conte de fée », soutenu par une bande-son délicieuse et éclectique.

A voir jusqu’au 17 septembre.