Archives mensuelles : octobre 2018

La révolution Miró : encore et toujours un autre.

Invitation à l’exposition Miro au Grand Palais en 1974.

Le Grand Palais n’avait pas consacré d’exposition rétrospective à Miró depuis 1974. Un documentaire espagnol le dépeint alors comme un peintre poétique, naïf, surréaliste, aux signes énigmatiques.

L’exposition de 1974 en images.

Depuis le 3 octobre 2018 l’exposition Miró au Grand Palais attire des milliers de visiteurs chaque jour. Entre toiles, dessins, sculptures et céramiques accompagnées de poésies, l’exposition propose 150 chefs-d’œuvre de l’artiste catalan né en 1893, décédé en 1983.

Affiche exposition Miró, 2018.

Chaque période d’exposition a sa vision du peintre :

Après Jean Leymarie en 1974, c’est Jean-Louis Prat, commissaire de l’exposition et ami du peintre, qui rend hommage à 70 ans de création.

Entre 1974 et 2018, le Centre Pompidou lui avait consacré une exposition en 1999 au Capc à Bordeaux et une exposition en 2004 à Paris (240 oeuvres – dont 120 peintures).

Au-delà de la «peinture-poésie» ou de la « peinture de rêve » par lesquelles l’œuvre de Miró a été longtemps exclusivement désignée, apparaît ainsi une peinture « primordiale », une peinture à l’aube de la peinture, se cherchant elle-même dans une liberté absolue, qui sera donnée à apprécier. (Commissaire :  Agnès de la Beaumelle), 2004.

Pour Jean-Louis Prat, en 2018 :« A travers la peinture, le dessin, la céramique et la sculpture, Miró a inventé un nouveau monde. Cette exposition permet de le suivre tout au long de sa vie marquée par une création ininterrompue, en constant renouvellement ».

« Pour moi, disait Miró, conquérir ma liberté, c’est conquérir la simplicité. Alors, à la limite, une ligne, une couleur suffisent à faire le tableau. » (Pierre Bourcier, « Miró au coeur de la joie », Les Nouvelles Littéraires, 1968).

Le carnaval d’Arlequin, 1924.
Portrait de paysan catalan, 1924.

Coups tirés, trous coupés, patchs collés : l’assassinat du support : De très réels petits trous, de la taille d’une tête d’épingle, visibles seulement à la loupe, constellaient déjà subrepticement la surface solaire de Tête de paysan catalan [1924) et entamaient l’intégrité de la toile .

Dès les années 1920, se traduit dans ses œuvres, le mot d’ordre par lequel Miró s’est rendu fameux, et qui avait des résonances profondes en lui : assassiner la peinture.

Photo : ceci est la couleur de mes rêves, 1925.

C’est cette fois le rebelle, engagé dans les combats de son temps et de son pays, qui est clairement mis en avant.

Projet d’affiche Aidez l’Espagne, 1937.

Si l’engagement de Miró aux côtés des républicains espagnols est connu, l’exposition souligne qu’il s’est également intéressé  aux mouvements politiques et culturels de son époque : il suit avec intérêt les évènements de mai 68 à Paris où il séjourne alors. Il se lie avec les mouvements étudiants et artistiques catalans qui manifestent contre le franquisme en mai 68.

Joan Miró. Mai 68. 1968–73.
© Succession Miró/ADAGP, Paris et DACS, Londres 2011.

Il ne participera à l’inauguration officielle de sa première exposition rétrospective voulue par les  autorités espagnoles à Barcelone en 1968, comme le rappelle le DVD qui accompagne l’ exposition,  Joan MIRÓ, le feu intérieur (extraits). Ce film documentaire relate l’histoire du peintre et de ses oeuvres, en donnant une grande place aux témoignages, notamment celui de son petit-fils en charge de la gestion de son œuvre, de Josep Royo avec qui il a créé des tapisseries, des héritiers de son galeriste Aimé Maeght, et de Josep Llorens Artigas avec qui il réalisa ses céramiques. 

Affiche de l’exposition Miró en 1968, sur les Ramblas, à Barcelone.
Vue de l’exposition Miró, Barcelone, 1968.

La dernière  phase de sa création, de 1969 à 1983, reflète les nouvelles recherches qu’il mène sur les matériaux, les supports, et ses préoccupations.


Miró, Oiseaux proie fonçant sur nos ombres.  1970. Huile sur peau (vache).

L’espoir du condamné à mort, 1974.
 a achevé ce tableau le jour de l’exécution par garrot du militant catalan Salvador Puig Antich.

Plusieurs de ses oeuvres ne peuvent toutefois plus être contemplées : la première a été perdue, la deuxième effacée par l’artiste, la troisième détruite lors des attentats du 11 septembre 2001.

-La première a été créée à Paris pour le pavillon de la république espagnole à l’exposition universelle de 1937  : en avril 1937, le gouvernement espagnol commande à Miró une décoration destinée au pavillon de la République espagnole conçu pour l’Exposition universelle qui se tient à Paris du 25 mai au 25 novembre 1937. Il réalise un grand panneau mural de sept mètres de haut représentant un paysan espagnol en révolte, El Segador [Le Faucheur], qui fait face à la toile monumentale de Picasso, Guernica.

Déplacée à Valence après l’exposition, cette oeuvre ne sera jamais retrouvée, sans doute détruite par les franquistes, à la différence du Guernica de Picasso qui participait à une exposition temporaire aux USA en 1939 et qui a ainsi été mis à l’abri à New York.

Miró créant Le Faucheur, 1937.

Du Faucheur subsistent quelques photographies en noir et blanc qui ont servi  à reproduire l’œuvre originale évoquée par la Galeria Mayoral, à l’occasion de l’exposition intitulée « Artistes revolucionaris », en 2017 à Londres, commémorant le 80e anniversaire du Pavillon de la République  espagnole de 1937 à Paris.

Pavillon de la République espagnole de 1937 à Paris. Réalisation de la copie du Faucheur.
La photographie de l’oeuvre reconstituée, en noir et blanc.

-La deuxième œuvre, c’est Miró lui même qui l’a effacée à Barcelone en 1969 après  l’avoir créée sur une surface vitrée du rez-de-chaussée de l’École technique supérieure d’architecture de Barcelone, située en dessous d’une fresque de Picasso.

Miró  ne souhaitait pas réaliser une performance. Il s’agit d’une œuvre collective éphémère, produite par Miró en collaboration avec les jeunes architectes du Studio PER entre le 26 et le 28 avril 1969 et détruite le 30 juin de la même année.

Joan Miró a raconté à Georges Raillard cette période de création (Georges Raillard, Miró. Ceci est la couleur de mes rêves, Paris, 1977).

L’action découle de l’invitation du bureau d’architecture Studio PER à participer à l’exposition Miró otro, ( « l’autre Miró ») organisée par le COAC et conçue par lui. Miró otro, qui défend les aspects les plus transgressifs de son travail, finit par devenir une contre-exposition à la grande rétrospective très officielle consacrée à l’artiste qui avait été inaugurée à l’hôpital Antic de la Santa Creu à la fin de 1968.

Sur proposition de Miró, les architectes ont préparé les surfaces vitrées en peignant un fond avec les couleurs jaune, rouge, bleu et vert, accompagné de messages en catalan en faveur de la liberté de la Catalogne. Miró a ensuite terminé la peinture murale avec de la peinture noire : Ce qui m’intéressait, c’était le geste immédiat, sur un fond préparé à l’avance avec des messages en catalan en faveur de la liberté de la Catalogne.

La peinture murale faisait 44 mètres de long, la surface peinte environ 70 mètres carrés. Le 30 juin 1969, Miró a effacé la peinture murale à midi 30 juin 1969, à l’aide d’un balai et d’un solvant. Le cinéaste Pere Portabella et le photographe Colita ont documenté l’exécution et l’effacement de la peinture murale, suivis de près par la presse de l’époque.

Miró a ensuite fait don aux architectes du studio PER qui avaient participé à l’action, le croquis de la peinture murale dédicacé par l’artiste. A l’occasion du 40e anniversaire de la Fundació Joan Miró, ces architectes ont officialisé la donation de ce dessin à la fondation. Le croquis a été exposé à la Fondation Miró dans le cadre de l’exposition Joan Miró. 1956-1983. Sentiment, émotion, geste (2006-2007) et à l’exposition Joan Miró. L’échelle de l’évasion (2011-2012) À la Tate Modern de Londres.

Miró  disait : « Ma peinture ce n’est pas du tout un journal secret. C’est une force d’attaque qui s’extériorise ».  Georges Raillard.

Collège d’architecture de Catalogne, 1969, vue de la fresque de Picasso et de la peinture murale de Miró.
Miró achevant la peinture murale, 1969.
Miró effaçant sa peinture, 1969.

-La troisième œuvre  disparue est une tapisserie monumentale détruite le 11 septembre 2001 à New York : La « WTC Tapestry » (1974) de Joan Miró et Josep Royo, située dans le hall de la Tour Sud. C’était une tapisserie de six mètres sur dix, un mélange de laine et de chanvre.

WTC Tapestry (1974).

Célébré par l’Espagne d’après le franquisme, il restera en contact avec les jeunes artistes catalans :  Miró va peindre des costumes et des marionnettes, pour une pièce qui s’inspire d’Ubu roi d’Alfred Jarry, Mori el Mermaréalisée par la Compagnie catalane du Théâtre La Claca.

Mori el Merma a été créé en 1978 par Joan Baixas et Teresa Calafell au Teatre Principal de Palma, puis joué au Gran Teatre del Liceu de Barcelone.

Ce spectacle sera aussi présenté en 1978 au Festival d’Automne à Paris, en lien avec l’exposition que le Centre Pompidou  a consacré à ses dessins (21 septembre 1978 – 22 janvier 1979), (Commissaires du MNAM, Pierre Georgel, Isabelle Fontaine).

Vues du spectacle Mori el Merma, Archives du festival d’Automne, 1978.

Dans la dernière partie de sa vie, le peintre catalan suit de nouveaux chemins : le feu qui vient détruire ses Toiles brûlées, ses dessins d’immenses signes graphiques. Miró trempe ses doigts dans la couleur, peint avec ses poings, marche sur sa toile.

Pour Miró, il s’agit là d’un nouvel  assassinat de la peinture, à 80 ans.

Joan Miró, Toile brûlée, 1973, acrylique sur toile, déchirée et brûlée ensuite, 130× 195 cm, fondation Joan Miró, Barcelone.

-Sur la pratique de l’effacement par les artistes : Maurice Fréchuret, Effacer – Paradoxe d’un geste artistique, Les presses du réel, 2016.

-Sur Miró : Rémi Labrusse, Miró.Un feu dans les ruines, Nouvelle édition 2018.

Centenaire de 14/18 : des expositions pour dépeindre la guerre

Alors que le rendez-vous des historiens à Blois débute prochainement pour évoquer la puissance des images, de nombreuses expositions temporaires font le point sur quelques réalités de la guerre de 14/18, à l’occasion de la célébration prochaine du Centenaire de l’armistice.

Parmi l’ensemble de ces manifestations, voici quelques expositions temporaires (dont certaines ont déjà débuté), soutenues ou pas par la Mission Centenaire 14-18 et qui peuvent retenir l’attention. Quel que soit leur format, leur localisation ou leurs ressources, elles mettent toutes l’accent sur des aspects moins connus de la Grande Guerre et sont accueillies dans des lieux très variés :

En Alsace tout d’abord – la Maison des arts de Bischwiller, De 14 à 18 : des tranchées aux avenues est une exposition bilingue français allemand, (labellisée par la Mission Centenaire 14-18 et soutenue par le Souvenir Français). Elle s’achève le 31 décembre 2018. Elle est organisée par Bénédicte Mathey-Fuss, et évoque le contexte de cette guerre s’attachant à ceux qui l’ont vécue des deux côtés du front, soit près de 180 pièces issues de musées, archives et collections privées :

Les Dernières Nouvelles d’Alsace en font un compte rendu élogieux :    En fond sonore, des morceaux de musique patriotiques, allemands, ou de la chanson française datant de l’époque 14-18. Sous les lumières, protégés par leurs vitrines, des objets riches de leur histoire. Les pièces d’une mosaïque qui raconte la Grande guerre autrement. Qui évoque ceux qui l’ont subie, au front ou à l’arrière. Ceux qui en ceux revenus aussi. Difficilement le plus souvent.. Financée en partie par la Mission Centenaire 14-18, elle prend la forme d’une collection d’objets répartis en espaces thématiques, pour mieux aborder les différents aspects de la vie pendant le conflit.

Le premier thème abordé est celui du climat qui règne en Alsace entre 1870 et 1914. De la francophilie de certains Alsaciens à la « poudrière des Balkans », le jeu d’alliances qui fait basculer l’Europe dans la guerre après l’assassinat de l’archiduc François-Ferdinand le 28 juin 1914. Le parcours conduit ensuite le visiteur à s’intéresser à « la tendre enfance des conflits ». D’un côté, des éléments d’uniformes. Le stirnpanzer, casque allemand de plus de 6 kilos, est posé à côté du casque Adrian en métal léger. 

Le monde de l’enfance en temps de guerre est également traité :

Les petits soldats français sont des prêts du Musée du jouet de Colmar et du Musée Tomi Ungerer de Strasbourg, explique Bénédicte Mathey-Fuss, commissaire de l’exposition et chef du service culture de Bischwiller. Les soldats germaniques sont un prêt de particuliers allemands : il est extrêmement difficile d’en trouver aujourd’hui.

Le destin des combattants ensuite est évoqué : une pelle, quelques douilles, et des plaques commémoratives allemandes et françaises affichant une liste de noms. Des Alsaciens, morts sous l’un ou l’autre uniforme. Une affiche confronte la vision dépassée qu’entretient l’état-major au sujet de la guerre, de la victoire par « le choc des masses formées par les armées », à la réalité des centaines de milliers d’hommes envoyés à la mort.

L’exposition décrit également l’après-guerre : le retour des gueules cassées, leur inventivité pour compenser leurs handicaps. Un espace est spécialement consacré à la prise en charge des blessés de guerre, avec notamment quelques photos du lazaret de Bischwiller. 

L’exposition s’attarde ensuite sur la place des femmes pendant le conflit. les infirmières,  mais aussi la question de la place de la  femme dans la société d’après-guerre. Il y a une sorte de tension entre ces hommes qui reviennent et ces femmes qui se sont émancipées.  On demande aux femmes de quitter leur travail pour que les hommes puissent reprendre leur place.  La dernière pièce de l’exposition est quant à elle consacré au libérateur de Bischwiller, le général Camille Rampont.

 

L’exposition suivante, Familles à l’épreuve de la guerre, est présentée par le Musée de la Grande Guerre à Meaux et reconnue d’intérêt national par le ministère de la Culture. Elle bénéficie à ce titre d’un soutien financier exceptionnel de l’Etat : elle adopte une orientation résolument intimiste, Jean-Yves Le Naour, le commissaire, s’attache à présenter les bouleversements et les répercussions de la Grande Guerre pour des millions de familles.

Affiche de l’exposition au Musée de la Grande Guerre.

« Quelles répercussions la Grande Guerre a-t-elle eues sur ces millions de familles qui ont subi le conflit ?
En quoi la Première Guerre mondiale a-t-elle bouleversé la vie des foyers ? Dans le cours de l’histoire européenne et mondiale, comme sur les destins individuels, la rupture provoquée par la guerre est profonde et brutale ».

L’exposition 14 graffiti 18 

bénéficie également du soutien de la Mission du Centenaire, elle est organisée jusqu’au 30 novembre 2018, en Ardèche par Aude Poinsot au MuséAl. Elle évoque les graffitis de la cité souterraine de Naours et s’accompagne d’un programme de conférences données par des archéologuesConfrontée sans le vouloir au devoir de mémoire, l’archéologie de la Grande Guerre fournit aujourd’hui de précieuses informations permettant de nuancer et d’enrichir le discours historique. Les graffitis, écrits par les soldats au crayon gris sur les murs de la cité souterraine de Naours, racontent des histoires humaines bouleversantes. Voir le dépliant :ICI

14-18, La monnaie ou le troisième front à la Monnaie de Paris, qui bénéficie également du soutien de la Mission Centenaire 14-18, traite  d’un tout autre sujet à partir du 6 novembre 2018 :

La Grande Guerre, ce sont d’abord deux fronts. Le premier, sanglant, fut militaire, tenu par les soldats dans les tranchées, les mers et les airs. Le second, laborieux fut celui de « l’arrière », tenu par les mineurs, les ouvrier(e)s, les paysans. Dans cette guerre de positions et d’usure, le premier protège le deuxième, qui lui-même permet au premier de tenir à l’ennemi. Mais ces deux fronts n’auraient su résister si un troisième ne s’était mis en place, dès avant même le déclenchement de la Guerre : un front monétaire ! Au moyen de son exceptionnelle collection que viennent éclairer les documents d’archives prêtés par les institutions partenaires, l’exposition entend expliquer cette période clef de l’histoire monétaire moderne que caractérisent en particulier la démonétisation progressive de l’or puis de l’argent, et l’accroissement de l’usage de la monnaie papier (et du chèque postal).

Enfin, l’exposition : « Peindre les ruines. Noyon en 1918″ – est organisée par le musée du Noyonnais dans l’Oise,  du 21 avril au 16 décembre 2018 : Noyon en 1918 clôt un cycle d’expositions temporaires entamé en 2015. L’ exposition « s’appuie très largement sur les riches collections du musée du Noyonnais et valorise pour la première fois un ensemble d’œuvres peintes, graphiques et photographiques entré dans les collections du musée dès les débuts de celui-ci.

Après la Première Guerre mondiale, la peinture de guerre connaît une transformation profonde, que les œuvres sélectionnées pour l’exposition veulent refléter, sur le territoire noyonnais, tout en illustrant les graves destructions que subit la ville et la région au cours de l’année 1918. Les prêts généreux de collectionneurs privés viennent étoffer le parcours et enrichir la connaissance sur des artistes méconnus aux talents insoupçonnés.

Le catalogue de l’exposition, co-écrit par la Société historique, archéologique et scientifique de Noyon et la conservation des musées, constitue un prolongement de cette exposition.