Archives mensuelles : février 2015

La Seconde Guerre mondiale et le Stedelijk museum

Du 27 février au 31 mai 2015, une exposition est consacrée au stedelijk museum et à la seconde guerre mondiale. Moins connues en France que les aventures de J. Jaujard au Louvre, les activités résistantes d’un responsable du Stedelijk museum, Willem Sandberg (1887-1984) méritaient elles aussi d’être soulignées, à l’occasion du 70 e anniversaire de la libération des Pays-Bas qui sera célébré en mai 2015. L’exposition est structurée à partir de la collection permanente mais présente également des documents photographiques inédits. Elle raconte cinq histoires fascinantes survenues durant de cette période. Ainsi, en 1943, sous l’occupation, le Stedelijk a été contraint d’organiser deux expositions de propagande: Kunstenaars zien den Arbeidsdienst et De Jeugdherberg van morgen. Mais le musée a également organisé sa petite résistance en programmant des thèmes plus patriotiques tels que Stad en Land (1942), Le musée est alors placé sous la direction de David Roëll (1936 – 1945) et de son adjoint Sandberg, responsable de la section d’art moderne : ils mettent à l’abri les collections dans un bunker situé dans les dunes, près de Castricum, aux côtés d’environ 500 collections dont celle de la famille royale, des héritiers de Van Gogh et de nombreux collectionneurs juifs. Après la guerre, des collectionneurs et des artistes juifs, en geste de remerciement, ont effectué des dons au profit du musée, notamment des œuvres de Van Gogh et de Kokoschka. 

 2014-04-06-17-39-26_schuilkelder tne bunker The bunker near Castricum, with work from a.o. Van Gogh. Foto Joh. de Haas.

 

matisse%20Odalisque%201921

Collectie Stedelijk Museum Amsterdam Henri Matisse, Odalisque, 1921

sandberg-portraitsandberg logo

W. Sandberg, graphiste de formation (il a notamment créé après la guerre le logo de son musée) s’est engagé dans la résistance et a fabriqué de faux papiers : il a dû à son tour se cacher à partir de 1943 au moment de l’arrestation des membres de son réseau (dont l’artiste Gerrit van der Veen). Après la libération, le Stedelijk était également impliqué dans la récupération internationale des œuvres d’art pillées depuis 1933.  Cette recherche se poursuit encore aujourd’hui : voir à ce propos le site du Dutch national research project

Directeur de son musée après la guerre (1945-1962) il est devenu une figure majeure parmi les conservateurs promouvant l’art contemporain dans les années 1950 aux années 1970, eu Europe, grâce à son implication et à l’intérêt constant  qu’il a porté à la création contemporaine, locale aussi bien qu’internationale : il a été salué par son collègue François Mathey qui a exposé son œuvre graphique au musée des Arts décoratifs à Paris en 1973 :Sandberg « désigne » le Stedelijk : Amsterdam, 1945-63… Typographie, muséographie. Musée des Arts Décoratifs, Paris, 30 mars-30 avril’73 l’Institut néerlandais de Paris lui a consacré des années plus tard une exposition très riche et intéressante, en 2007 : http://strabic.fr/Willem-Sandberg-precurseur

Les expositions temporaires : un modèle économique menacé ?

Les expositions temporaires sont elles le fruit d’un modèle économique menacé ? Pour l’instant rien de permet de l’affirmer mais les indices se multiplient : les expositions temporaires sont à plus ou moins long terme dépassées par leurs propres succès.  Un indice, la mise en faillite de l’organisateur des expositions du musée Maillol,http://www.museemaillol.com/

 borgia

Comme l’évoque l’article de Jean-Chistophe Castelain dans le Journal des Arts : « Lieu privé, le Musée Maillol est entièrement dépendant du succès de ses expositions. Celles organisées par Tecniarte alternaient les succès (Vanités ! en 2010, Artemisia en 2012,  Canaletto à Venise en 2012) et les demi-échecs : Les Etrusques (2013) ou Le Trésor de Naples (2014). Malgré son titre accrocheur, l’exposition actuelle sur les Borgia semble avoir pâti du contexte morose parisien et plus encore d’une concurrence acharnée que se livrent les musées ». Pourtant cette dernière exposition est superbe..

Abbaye de Conques : FLEURY / SOULAGES

  • D’un côté la disparition de l’Atelier d’artiste comme lieu d’expérimentation sur la matière et de l’autre, un foisonnement accru des possibilités techniques de l’industrie n’ont cessé de rendre plus nécessaire la présence d’un intermédiaire éclairé entre l’idée parfois un peu évanescente de l’artiste et les multiples ressources du matériau. L’implication de l’Atelier Fleury relève bien plus que d’un simple exécutant.  Son rôle est aussi d’amener l’artiste à considérer les richesses souvent méconnues du verre. Lui proposer tel grain, tel reflet, tel effet d’ombre ou de lumière fait de cette expertise une véritable prolongation de son projet. Comme en réponse à l’invitation d’une forme, la pensée de l’artiste se trouve augmentée de cette formidable nouveauté qu’est l’idée même de la matière : http://www.atelier-fleury.com/site/index.php?category/vitraux-artistes

A l’heure où les métiers d’art sont à l’honneur et où de multiples musées et salons les célèbrent ou vont les célébrer, voici quelques créations, quelques vitraux d’artistes créés par l’atelier Fleury qui méritent d’être à nouveau découverts :

Miquel Barcelo Cathédrale de Palma de Majorque

Pascal Convert Sérigraphies sur verre : autoportraits au miroir – enfants de fusillés

Jean-Dominique Fleury creations récentes, dont Saint Etienne de Beaugency :

saint-etienne_de_beaugency-2

Jean Michel Othoniel Chapelle St Martin du Méjan, Arles

Philippe Parreno Galerie Pilar Corrias, Londres

Martial RaysseNotre-Dame de l’Arche d’Alliance, Paris

Voir : Atelier Jean-Dominique FLEURYCréation de vitraux d’artistes contemporains

Jean-Dominique Fleury et d’autres verriers, comme Gilles Rousvoal http://www.centre-vitrail.org/fr/gilles-rousvoal,228.html ,Claude Baillon http://www.infovitrail.com/pdf/grange-verrieres-2014-dossier-de-presse.pdf ou Jean Mauret,http://www.jean-mauret.com/Utilitaires/presentation.html  et Gérard Hermet ont autrefois fait partie du groupe HYALOS, fondé en 1977, qui a exposé ses créations, en 1980 à Chartres. Pour Gérard Hermet : « Le groupe Hyalos a rassemblé deux générations de créateurs allant vers le même but qui était de défendre l’aspect créateur du peintre verrier » : http://www.centre-vitrail.org/fr/hermet-gerard,article-53.html)

verriers françaisFrançois Mathey évoquera leurs créations, dans la préface du catalogue de l’exposition de 1982, au musée des Arts décoratifs, à Paris :Verriers français contemporains : art et industrie.  (Préfaces et notes de F. Mathey, p. 8-11).

Artistes chinois en France des années 1920 et 1930 : à travers les frontières culturelles

594_vignette_PEINTRE-CHINOIS
Shana, portrait de la fille de l’artiste, Chang Shuhong (1935)
© RMN (musée Guimet, Paris) / Benjamin Soligny/Raphaël Chipault

Un entretien avec M. Éric Lefebvre, conservateur au musée Guimet, septembre 2014.
Ancien conservateur du musée Cernuschi http://www.cernuschi.paris.fr/, Éric Lefebvre est à l’origine d’une exposition qui a permis en 2011 de redécouvrir les artistes chinois vivant en France à partir des années 1920 et 1930 : ils ont été les acteurs majeurs d’ une profonde rupture avec les traditions artistiques chinoises. À leur retour en Chine, ces artistes véritables ont joué notamment un rôle décisif dans la réforme de l’enseignement des arts.
Vous avez organisé une exposition en 2011 au musée Cernuschi, intitulée « Artistes chinois à Paris, 1920-1958 : de Lin Fengmian à Zao Wou-ki. 2011 : Six créations contemporaines dans le parc Monceau ». http://cernuschi.paris.fr/sites/cernuschi/files/dossier_de_presse_artistes_chinois_a_paris.pdf
Pouvez-vous me raconter comment l’exposition est née ?

L’exposition de 2011 est le fruit de recherches personnelles sur les artistes chinois vivant à Paris que j’ai menées durant les premières années où j’étais conservateur. Ces recherches qui portaient en premier lieu sur les collections du musée Cernuschi, qui dépend de la Ville de Paris, ont été enrichies ensuite des contacts pris auprès de la plupart des collections des institutions publiques françaises puis de collectionneurs privés.
Vous explicitez les origines de l’arrivée en France de plusieurs peintres chinois en France. Les œuvres de ces peintres et artistes chinois ont été exposées au public parisien. Trois d’entre eux, Lin Fengmian, Liu Haisu ou Xu Beihong, s’imposaient à la fois comme créateurs, directeurs d’institutions nouvelles dispensant un enseignement des beaux-arts de type occidental, et commissaires d’expositions qui présentaient l’art chinois en Occident.

Vous présentiez lors de cette exposition en premier les œuvres de Liu Haisu 劉海粟 (1896-1994), pourquoi ?

Le parcours de l’exposition débutait en effet par les œuvres de Liu Haisu qui, à la différence de Lin Fengmian et Xu Beihong, était un déjà peintre confirmé lors de sa venue en France. L’Etat va acquérir l’une de ses œuvres dès 1931 : il s’agit très probablement de la première œuvre d’un peintre chinois vivant à entrer dans les collections nationales. Arrivé en France en 1929, Liu Haisu était déjà peintre depuis vingt ans. Il voulait bien sûr se confronter aux œuvres des peintres du passé mais aussi montrer son travail au public occidental. En janvier 1931, Liu Haisu réalise une série de vues de Paris sous la neige. En juin, il présente à Paris une sélection d’œuvres principalement réalisées en Europe.

Qui a décidé de l’acquérir et pourquoi ?

C’est le conservateur du musée du Jeu de Paume, André Dezarrois qui fait rentrer dans les collections publiques « Paysage de neige », une peinture qui représente le Jardin du Luxembourg. A l’époque, il semble que les collections permanentes rassemblaient beaucoup de vues de Paris réalisées par des artistes américains, japonais, etc.
Ce conservateur du Jeu de Paume dont les collections sont consacrées alors aux « écoles étrangères contemporaines » pour reprendre l’expression exacte de cette époque, va d’ailleurs acquérir une seconde œuvre à l’huile représentant cette fois un paysage chinois, le lac de l’Ouest, un pendant en quelque sorte de l’œuvre précédemment acquise. André Dezarrois, semble changer son fusil d’épaule à partir de 1933 : il s’intéressera ensuite majoritairement à des peintures plus « typiquement » chinoises (aux thèmes de paysages, de fleurs et oiseaux. La technique à l’encre, l’œuvre sur papier, sont dès lors nettement privilégiées.

Liu Haisu aimait les peintres fauves. Qui fréquentait-il à Paris ?

Sa personnalité est un peu ambivalente, il est à la fois artiste (il peint à l’huile et à l’encre) mais aussi un personnage important dans le domaine de l’éducation artistique puisqu’il est le fondateur de la première école des Beaux-arts à Shanghai, une institution largement inspirée du modèle occidental. Ses relations à Paris sont prioritairement institutionnelles. Une photographie célèbre le représente en compagnie du directeur de l’école des Beaux-arts de Paris. Il ne semble pas qu’il ait rencontré ces artistes fauves qu’il aimait tant, comme Derain. En revanche, ceux-ci étaient connus en Chine en partie grâce à ses écrits parus dans la presse shanghaienne. Ces comptes-rendus écrits avec passion et précision permettaient à un critique d’art, comme Ni Yide, qui n’est pas venu en France, de commenter le mouvement fauve.

Quel était le peintre chinois vivant à Paris qui a le mieux été reconnu et connu par ses pairs et collectionné par des amateurs d’art durant cette période ?

C’est peut-être Lin Fengmian 林風眠 (1900-1991) arrivé très tôt en France en 1920, il fait toutes ses études ici. Originaire d’un milieu modeste, il a été placé à la tête de la nouvelle école des Beaux-arts fondée à Hangzhou en 1928. S’il a connu des revers dans sa carrière académique, il a su développer en parallèle une œuvre très personnelle en empruntant aussi bien à l’art populaire chinois qu’aux maîtres de la modernité occidentale. A la fin des années 1940, il travaille à Shanghai, en marge du monde académique. A cette époque de nombreux Français avaient collectionné ses œuvres et forment autour de l’artiste un réseau d’amis fidèles qui sera réactivé en 1979, lorsque Lin Fengmian reviendra à Paris.

Lin Fengmian faisait partie du groupe Phébus lorsqu’il a organisé la première exposition de tableaux chinois à Strasbourg en 1924. Cette exposition était –telle importante ?

L’exposition de 1924 au Palais du Rhin à Strasbourg était effectivement ambitieuse. Elle comptait plusieurs centaines d’objets : elle montrait des regroupements de jeunes artistes dans le cadre de solidarités régionales (notamment ceux qui comme Lin Fengmian venaient de Canton), mais aussi des peintures et des objets d’arts collectionnées par les membres de la communauté chinoise de France : des antiquaires tels Loo Ching Tsai (dont la galerie est connue sous le nom de C.T.Loo), des collectionneurs privés mais aussi des diplomates.
À la fin des années 1980, le célèbre historien britannique Craig Clunas, s’est intéressé à la réception par le public français de cette exposition, ainsi qu’aux associations d’artistes chinois : le groupe Phébus et la Société chinoise des Arts décoratifs à Paris à l’origine de l’exposition. Le groupe semble avoir eu une durée de vie assez courte. Les rapports entre le groupe Phébus et l’association des artistes chinois en France, active dans les années 1930 et 1940, restent à éclaircir. La question des associations des artistes chinois en France est actuellement le sujet d’une thèse en Chine.

Lin Fengmian a choisi à plusieurs reprises de peindre des sujets religieux d’inspiration chrétienne, comme une pietà par exemple, comment cette démarche s’explique-t-elle ?

Il n’est pas effectivement catholique mais il était intéressé par les grandes figures de l’humanité, par l’expression universelle des sentiments. C’est pourquoi il a choisi, pour dépeindre la douleur de se tourner vers les sujets offerts par l’iconographie chrétienne. Ces sujets l’ont particulièrement intéressé, notamment pendant la période des seigneurs de la guerre. Il s’inspirait de Rouault et de ces cernes noirs, qu’il citait auprès de ses élèves mais aussi des peintres de l’impressionnisme. Ces œuvres ont parfois disparues mais il est revenu à ces thèmes après la révolution culturelle, notamment lorsqu’il résidait à Hong Kong. Il a détruit lui-même beaucoup de ces œuvres, forcé par les circonstances, au moment de la révolution culturelle. Nous avons encore en France une « Pietà » des années 1940 grâce à une collectionneuse française, ces œuvres sont une recherche de synthèse entre l’art de l’Occident et de l’Orient, l’un des buts de son art.

Il peint sur un format carré : est-ce anecdotique ?

Il a utilisé le format carré de façon radicale dans son œuvre dès les années 1940, en rupture avec la tradition artistique chinoise. Il opte pour l’exclusion des colophons, des poèmes et commentaires, il veut créer des tableaux et non des rouleaux horizontaux ou verticaux. Il peint ses œuvres sur le mur, ce qui est original dans le monde chinois. Après son départ de Chine, il a voyagé en Europe, au Brésil, puis a fini sa vie à Hong Kong. L’académie des Beaux-arts de Hangzhou lui a rendu longuement hommage, en sa qualité de peintre et de fondateur de l’école des beaux-arts, à travers également ses élèves célèbres comme Zaou Wou-Ki, Chu Teh Chun, Wu Guanzhong, Xi Dejin et Su Tianci.

Revenons à l’entre-deux-guerres, l’exposition importante d’art chinois suivante est organisée à Paris en 1933 par Xu Beihong ? Qui était Xu Beihong ?

Xu Beihong, est né dans la province du Jiangsu en 1895. C’était un personnage très actif, à la fois enseignant, peintre, critique et commissaire d’exposition. Il séjourne sept ans en France. A son retour, il enseigne notamment à l’université de Nankin, avant d’être nommé directeur de l’École spéciale nationale des arts de Pékin. Comme Lin Fengmian, il parlait très le bien le français, et il conserva des liens privilégiés avec la France toute sa vie. Il portait une grande admiration à Dagnan-Bouveret qui était son maître à Paris, et dont l’art précis d’esprit naturaliste est l’une des sources des chevaux de Xu Beihong qui symboliseront l’esprit de résistance chinois et seront célèbres dans les années 1940. Xu Beihong a conservé des liens tant personnels que privés avec Dagnan-Bouveret. Il garde en Chine dans son atelier la reproduction de l’autoportrait de Dagnan-Bouveret. À la BnF, j’ai retrouvé le premier recueil de dessins très réalistes, classiques, publié par Xu Beihong en 1929 : il s’agissait d’une copie dédicacée à Dagnan-Bouveret qui atteste du lien par-delà les mers entre Xu Beihong et son maître. Dans ses articles souvent passionnés, voire polémiques, Xu Beihong aime à rechercher des filiations dans l’histoire de l’art occidental, il remonte à la Renaissance, il établit des liens à travers les siècles entre les grands maîtres, il intègre Dagnan-Bouveret dans cette généalogie comme l’héritier des grands peintres et un représentant des maîtres du réalisme. Xu Beihong est décédé dès 1953 en Chine. Son œuvre a toujours été considérée comme un modèle et conservée dans un musée qui lui est dédié, à Pékin.

Dans quelles circonstances Xu Beihong a-t-il organisé l’exposition de 1933 ? Comment avez –vous reconstitué une des salles de cette exposition ?

Une importante exposition d‘art japonais contemporain avait eu lieu à la fin des années 1920 au musée du Jeu de Paume. Elle a probablement aiguillonné la volonté des peintres chinois de Paris qui souhaitaient eux-aussi se faire connaître et estimaient que la peinture chinoise méritait une reconnaissance internationale. Les artistes vont trouver des relais diplomatiques pour l’organiser. En Chine des comités choisissent Xu Beihong comme commissaire, il a en quelque sorte été mandaté par les autres artistes chinois.
Les expositions des années 1920 n’ont pas fait véritablement leur chemin jusqu’au public français. Celle de 1933 connaît en revanche un véritable succès public à Paris où elle est prolongée. L’exposition est itinérante, et voyagera en Europe et en Union soviétique. Le catalogue de l’exposition de 1933 a été apprécié, il a été réédité. L’exposition connaît une fréquentation importante, comparable à l’exposition Chassériau, l’autre grande manifestation de ce printemps 1933.

Le catalogue a permis de reconstituer partiellement l’exposition. Sa préface est de Paul Valéry : je ne sais pas comment le grand écrivain et poète a été sollicité à cette fin. Dans la lignée de Mallarmé, il s’intéressait, aux artistes et aux œuvres chinoises, il avait des contacts avec d’autres artistes chinois venus en France comme Yun Gee, qui a réalisé son portrait. L’exposition a eu du succès : l’Etat français va acquérir à cette occasion un ensemble significatif de 12 tableaux. Ces œuvres ont fait ensuite un long périple. Elles sont parties pendant la Seconde Guerre mondiale à Chambord, puis ont été rapatriées pour être plus tard déposées dans les années 1970 au Centre Pompidou : elles ont finalement été remises au musée national Guimet dans les années 1990. Peut-être considérées comme trop traditionnelles dans les années 1970 par le Centre Pompidou, elles sont apparues trop modernes à leur arrivée au musée Guimet au cours des années 1990, le musée étant alors consacré à des périodes de l’art chinois plus anciennes. L’exposition de 2011 a permis de reconstituer le parcours de ces œuvres et de les restaurer.

L’exposition de 2011 a-t-elle eu le succès escompté ?

C’était une exposition qui au sein des musées de la Ville de Paris, avait fait débat, on s’était demandé si le sujet était véritablement porteur. Finalement l’exposition a réuni plus de 20 0000 visiteurs, attirant un public assez jeune et international. Les sculptures contemporaines situées dans le parc Monceau étaient aussi une première et ont également suscité l’intérêt du public.

Qu’en est-il du volet sculpture au Parc Monceau ?

C’était aussi une grande première que d’exposer des sculptures contemporaines dans ce parc très fréquenté : Wang Keping a réalisé pratiquement une performance en réalisant deux œuvres in situ à partir de deux immenses billes de bois à la tronçonneuse dans ces jardins. Les artistes ont bénéficié d’un public également nombreux. Un regret toutefois, exprimé par les artistes, est de ne pas avoir été plus nombreux à exposer leurs œuvres.

Ces artistes appartiennent –ils à des communautés d’artistes comme leurs aînés ?

En 2011 les sculpteurs accueillis au Parc Monceau ne forment pas un groupe : certains viennent du groupe Xiamen Dada comme Huang Yongping 黃永砯 (né en 1954) et sa femme Shen Yuan 沈遠 (née en 1959). Wang Keping 王克平 (né en 1949) est, avec, Ma Desheng 馬德升 (né en 1952) cofondateur en 1979 du groupe ‘Les Étoiles’ (Xingxing), l’un des premiers une liberté d’expression formelle dès la fin des années 1970. Chen Kaiyuan 陳開元 (né en 1948) lui a plutôt ses attaches du côté de Taiwan, Ru Xiaofan vient de Nankin.

Qu’ont pensé ces jeunes sculpteurs de la peinture chinoise de leurs aînés ?

Ils ont parfois découvert certains aspects méconnus de la création de leurs aînés. Par exemple, cela a été une satisfaction de pouvoir faire admirer à Wang Keping les sculptures de Pan Yuliang : il connaissait ses œuvres peintes mais ignorait l’ampleur et la maîtrise de l’espace qui caractérisent cet aspect de l’œuvre de Pan Yuliang.

Dans quel contexte s’organise jusqu’en septembre 2014, l’exposition à Hong Kong ?

A l’occasion du cinquantenaire des relations diplomatiques franco-chinoises, les responsables du musée ont fait appel à moi pour mieux connaître les œuvres chinoises modernes qui figuraient dans les collections publiques françaises. Nous avons pu faire une part plus belle aux peintres de l’abstraction, des années 1950 à 1970, et à de nouvelles personnalités. Les responsables du musée de Hong Kong voulaient savoir par quels moyens ces artistes chinois, dont les œuvres ont été acquises en France, étaient parvenus à faire connaître leur peinture en France et à la faire apprécier du public. D’où cette recomposition assez forte de l’exposition initiale de 2011.
A cette occasion j’ai inclus dans le parcours la reconstitution d’une exposition de peintres chinois qui s’était tenue en 1946 au musée Cernuschi, et qui fait pendant à la reconstitution de l’exposition du jeu de Paume (1933).
J’ai pu rencontrer les journalistes chinois qui sont venus en France, deux mois avant l’exposition et aujourd’hui encore, je suis régulièrement contacté par des personnes intéressées par l’exposition, ce qui me laisse penser qu’elle est bien reçue.
Le public chinois est intéressé par la présence de Lin Fengmian et Wu Guanzhong, qui sont liés à l’histoire de Hong Kong. Ils demeurent encore aujourd’hui les passeurs qu’ils ont toujours été et permettent au public de découvrir d’autres artistes. Il n’a pas été pas possible de présenter des œuvres contemporaines de 2011 mais des sculptures des années 1940 sont incluses dans le parcours car il était aussi important de montrer comment ces artistes maîtrisaient aussi bien la sculpture que la peinture ou d’autres techniques comme la gravure. Chronologiquement, l’exposition va jusqu’aux années 1980 et 1990 et inclut le retour de ces peintres en France après la révolution culturelle.

L’exposition sera-t-elle itinérante ? Quelles suites en attendez-vous ?

Les œuvres peintes sont fragiles, pour la plupart réalisées sur papier ou sur soie. Il n’a donc pas été possible de faire une exposition itinérante dans la Chine entière, ce qui mériterait d’être mis en œuvre car chaque exposition permet de contacter de nouveaux collectionneurs et institutions, d’approfondir les recherches sur ces peintres mais aussi d’élargir le spectre des œuvres présentées, en s’intéressant aussi à l’art décoratif, et également à l’urbanisme. J’ai bon espoir de pouvoir développer ces thèmes dans le cadre d’expositions futures.

Site du musée Guimet : http://www.guimet.fr/fr/
couv_splendeurs_des_hanA voir en ce moment la très belle exposition  » Splendeurs des Han, essor de l’empire Céleste », jusqu’au 1er mars 2015.http://www.guimet.fr/fr/expositions/expositions-a-venir/splendeur-des-han-lessor-de-lempire-celeste

Le Cnap à la Gaîté Lyrique : Oracles du Design

w389_5576159_jouinpatrick© Patrick Jouin

A signaler l’exposition à venir, « Oracles du design », du 3 avril au 16 août 2015, qui porte un regard sur la collection design du Centre national des arts plastiques ( CNAP). :http://www.cnap.fr/
http://gaite-lyrique.net/exposition/oracles-du-design

10 thèmes, 10 histoires pour raconter les objets-oracles. Chacune formule un style de vie et une envie de s’exprimer.
Primitif • Nomade • Abstrait • Naïf • Curieux • Simple • Gonflés • Organique • Humble • Mutant.
http://www.cnap.fr/sites/default/files/evenement_cnap/139291_cp_cnap_gaiete_lyrique_oracles_du_design.pdf

5.5 Designers, Ron Arad, Maarten Baas, Erwan & Ronan Bouroullec,
Andrea Branzi, Garouste & Bonetti, Konstantin Grcic, Richard Hutten,
Hella Jongerius, Rei Kawakubo, Enzo Mari, Issey Miyake, Jasper Morrison, Scholten
& Baijings, Wieki Somers, Robert Stadler, Philippe Starck,
Studio Job, Patricia Urquiola, Marcel Wanders..

« Le design peut être vu comme un oracle qui nous fait part de notre destin. Il est ultra léger pour mieux voyager, potelé pour nous protéger, bourgeois pour nous rassurer, intimiste pour nous cajoler. Il est méditatif pour nous apaiser, figuratif pour nous ravir, absurde pour nous interroger, brut pour nous attacher. Il est virtuel pour nous transporter. » 
Lidewij Edelkoort, commissaire de l’exposition.http://www.edelkoort.com/fr/

ron arad

Ron ARAD
Fauteuil Big Easy, 2001
Editeurs: Mourmans Gallery, Maastricht (Pays-Bas) et Ron Arad Associates, Londres (Royaume-Uni)
FNAC 04-383
© Ron Arad/CNAP/photo : Yves Chenot