Archives mensuelles : juin 2014

« Architecture en uniforme » : une exposition et un ouvrage qui comblent un vide historiographique

180x0_expo-aenu_3d59c« Comblant un vide dans l’historiographie de l’architecture moderne, l’exposition « Architecture en uniforme » http://www.citechaillot.fr/fr/expositions/expositions_temporaires/25413-architecture_en_uniforme.html est née de considérations scientifiques et personnelles : « Les livres d’histoire de l’architecture s’arrêtent en 1933 et reprennent en 1945 », explique le commissaire Jean-Louis Cohen, qui précise par ailleurs : « Mes parents ont été engagés dans la guerre, ma mère a été déportée à Auschwitz, où elle était chercheuse en physique ». Aussi est-ce une recherche particulièrement engagée, évitant de manière heureuse tout pathos, et menée depuis quinze années qui a permis la réalisation de cette monumentale exposition »: voir la suite de l’article de Sophie Trelcat : http://www.lejournaldesarts.fr/jda/archives/docs_article/121457/artistes-et-architectes-face-a-la-guerre.php

L’exposition se focalise sur les défis architecturaux durant et issus de la Seconde Guerre mondiale, entre constructions et destructions.

230510~v~Architecture_en_uniforme___Projeter_et_construire_pour_la_Seconde_Guerre_mondialeL’ouvrage Architecture en uniforme. Projeter et construire pour la Seconde Guerre mondiale a reçu le Prix du livre d’architecture 2012.

L’exposition est à voir jusqu’au 8 septembre, Cité de l’Architecture et du Patrimoine de Paris : http://www.citechaillot.fr/fr/

La recherche a fait l’objet d’une communication le 9 avril dernier, (http://musearti.hypotheses.org/?p=2622) lors du séminaire Arts & Sociétés dont la publication est à venir sur le site de la lettre : http://www.artsetsocietes.org/f/f-archives.html

L’exposition « Henri Cartier-Bresson » d’hier et d’aujourd’hui

L’exposition « Henri Cartier-Bresson »  écrit le Journal des arts, « a totalisé 424 535 visiteurs entre le 12 février et le 9 juin 2014, un record pour une exposition de photographies au Centre Pompidou ».

Soit en 101 jours d’ouverture, une moyenne quotidienne de 4 200 visiteurs. « Elle se classe comme l’exposition de photographies la plus fréquentée de l’histoire du Centre Pompidou ».

Remontons le temps à la recherche des expositions pionnières.

Les premières expositions rétrospectives d’Henri Cartier-Bresson à Paris ont eu lieu  au musée des Arts décoratifs en 1955 puis en 1966.

Octobre-novembre 1955 : Henri Cartier-Bresson. (Commissaires Robert Delpire, Henri Cartier-Bresson).

Voici grâce à la fondation Henri Cartier Bresson http://www.henricartierbresson.org/la petite revue de presse qui a pu être retrouvée, pour une exposition de quinze jours seulement, masquée par la grande rétrospective Picasso accueillant  dans les mêmes lieux, au Pavillon de Marsan le fameux tableau Guernica :

LATTES, Jean, « Henri Cartier-Bresson ou la volupté de l’œil », Journalistes reporters photographes, no 12, 1955.

MAUROIS, André, « Cartier-Bresson et Kant », Carrefour, 2 novembre 1955.

OURDIN, Georges, « Un grand artiste, M. Cartier-Bresson », Le Monde, 23 novembre 1955.

OSCHE, Madeleine, « Henri Cartier-Bresson, témoin et poète de notre temps », Le Leicaiste, no 27, novembre 1955, p. 5-7.

« The singularity of Cartier Bresson », article non signé, Industrial image, décembre 1955, p. 5- 6.

« Cartier-Bresson exhibition in the Louvre », article non signé, Leica fotografie, no 1, 1956, p. 13-14.

Deuxième rétrospective en 1966/1967 ; cette fois on dénombre les visiteurs, ils sont 23 448 du 30 novembre 1966 au 30 janvier 1967 : Le commissaire est François Mathey.

La revue de presse est plus fournie, l’intérêt (pour la photo et pour Cartier-Bresson) a grandi, la presse spécialisée est plus nombreuse, la presse généraliste plus intéressée et l’impact est international  :

–              « Musée des Arts décoratifs : Henri Cartier-Bresson », article non signé, Terre d’Images, no 33, novembre 1966.

CHARLES-ROUX, Edmonde, « Cartier-Bresson au musée des Arts décoratifs, une exposition sans bavardages », Les Lettres Françaises, 24 novembre 1966, p. 18.

WEISS, R. Margaret, « Encore at the Louvre : Henri Cartier-Bresson », Saturday Review, 26 novembre 1966, p. 23.

BOCCHI, Lorenzo, « Una sua mostra in una sala del Louvre. Bresson mago dell’obbietivo non vuol mai essere fografato », Corriere della sera, décembre 1966.

DENTAN, Yves, « Un portrait de Henri Cartier-Bresson », titre du journal non signalé, 3 décembre 1966.

DESCARGUES, Pierre, « Henri Cartier-Bresson : « La photographie, qu’est-ce que c’est ? », La Tribune de Lausanne, 4 décembre 1966.

MARCHAND, Sabine, « Au musée des Arts décoratifs, photographies d’Henri Cartier-Bresson », Le Figaro, 6 décembre 1966.

KEIM, Jean-A., « Au musée des Arts décoratifs, les 1 000 yeux de Cartier-Bresson », titre du journal non signalé, 8 décembre 1966.

CRESPELLE, Jean-Paul, « Cartier-Bresson (œil photographique) veut disparaître derrière ses photos », France Soir, 9 décembre 1966.

CUTLER, Carol, « Paris, Artists of Paint Camera », New York Herald Tribune, Washington Post, 13 décembre 1966.

CARTIER, Jean-Albert, « Au musée des Arts décoratifs, Henri Cartier-Bresson », Combat, 19 décembre 1966.

CHABAUD, Isabelle, « Le cœur du photographe », Ouest France, 21 décembre 1966.

FERMIGIER, André, « Un géomètre du vif », Le Nouvel Observateur, n° 109, 14-20 décembre 1966, p. 44-45.

GASSER, Manuel, « Henri Cartier-Bresson : Im Polizeirevier bei der Cartier Bresson – Ausstellung in Louvre (Paris) », Wettvoche Zurich, décembre 1966.

SCHWARTZ, Paul Waldo, « Paris sees the photos of an artist », New York Times, 20 décembre 1966.

« La photographie est un art », article non signé, Le Figaro, 29 décembre 1966.

HEYMANN, Danièle, « Cartier-Bresson ne croit plus à la photo », L’Express, 2-8 janvier 1967, p. 30-31.

PLECY, Albert, « Cartier-Bresson », Point de vue images du monde, 3 février 1967.

RUFFINI, Giovanna, « La mostra parigina del piu grande fotografo », Corriere di Napoli, 3 mars 1967.

Hélène Adant photographe française (1903-1985) est de tous les vernissages de cette époque au musée des arts décos et prend de cette exposition des instantanés savoureux  : http://bibliothequekandinsky.centrepompidou.fr/clientBookline/service/reference.asp?INSTANCE=INCIPIO&OUTPUT=PORTAL&DOCID=0843522&DOCBASE=CGPP

Les archives des vernissages des expositions du musée des arts décoratifs auxquels elle participe se trouvent au fonds Hélène Adant, à la Bibliothèque Kandinsky, au Centre Pompidou,  et la boucle est bouclée..

 

Sujets d’actualité : droits d’auteur et dématérialisation de l’art, reconnaissance d’un droit d’exposition pour les artistes

Le droit d’auteur et la dématérialisation de l’art, son harmonisation au sein de l’UE et la reconnaissance d’un droit d’exposition pour les artistes, sont  des sujets traités récemment dans l’actualité :
La consultation européenne sur l’harmonisation du droit d’auteur : La Commission européenne a lancé une consultation à l’échelle communautaire http://europa.eu/rapid/press-release_IP-13-1213_fr.htm , pour mener à terme ses travaux de révision et de modernisation du cadre législatif européen sur le droit d’auteur ( la directive de 2001 sur le droit d’auteur et droits voisins). La consultation est close. Soit 9 599 réponses au document de consultation, plus de 11 000 messages, questions et commentaires inclus, envoyés à l’adresse email dédiée, émanant « d’un large éventail de parties concernées comprenant les utilisateurs, les consommateurs, les détenteurs de droits, l’industrie, les sociétés de gestion collective et les autorités publiques » : http://ec.europa.eu/internal_market/consultations/2013/copyright-rules/index_fr.htm

Pour les autorités françaises, « une harmonisation complète du droit d’auteur en Europe n’est un objectif ni réaliste ni souhaitable. D’autre part, le besoin d’une harmonisation accrue n’est en aucune façon établi » : il n’y a pas lieu d’amender la directive de 2001 sur le droit d’auteur et les droits voisins dans la société de l’information : http://m.actualitte.com/n/48733

La question de la reconnaissance du droit d’exposition : Dans un article récent du Journal des arts, Alexis Fournol (Avocat à la cour) écrit : « Outre-Manche, […] une étude soulignait que 70 % des artistes contemporains n’avaient reçu aucune compensation pécuniaire à l’occasion de l’exposition de leurs œuvres au cours des trois années passées et plus de la moitié d’entre eux n’avaient pas pu recouvrir les frais de production engendrés. L’enjeu est ainsi d’imposer la reconnaissance d’un droit d’exposition, droit ignoré par la loi anglaise de 1988. Celui-ci s’avère en revanche reconnu en France, malgré l’absence de référence textuelle explicite, depuis deux arrêts de la Cour de cassation de 2002 au titre de la présentation publique. En dépit de cette reconnaissance, la mise en œuvre d’une telle prérogative au profit de l’artiste demeure délicate. Seul un véritable droit à rémunération fait aujourd’hui consensus ».

Voir à ce propos le tour d’horizon et l’opinion de Ryane Meralli, avocate à la Cour :http://www.artoption.org/htm/framedroit.htm

Elle est l’auteure d’un Guide pratique des droits et du statut des artistes plasticiens (avec  la participation de Guillaume Le Roux) : http://www.leseditionsdunet.com/droit/2281-guide-pratique-des-droits-et-du-statut-des-artistes-plasticiens-ryane-meralli-et-avec-la-participation-de-guillaume-le-roux-9782312021324.html

Enfin la nécessité d’adapter le droit d’auteur aux formes dématérialisées que revêt parfois de l’art contemporain: Comment le droit peut-il s’adapter à la dématérialisation de l’art actuel ? En s’attachant à la démarche de l’artiste. « Le postulat selon lequel l’œuvre épouse nécessairement les contours d’un support physique, forme close et toujours identique à elle-même, ne résisterait plus aux pratiques artistiques contemporaines. Ainsi, certains artistes adopteraient un processus de « déconstruction qui ébranle la notion d’œuvre d’art depuis les avant-gardes artistiques jusqu’à la période contemporaine ». Dès lors, ces nouvelles modalités de production obligent à « quitter une logique de réception pour adopter une logique de production ». Et c’est ici que se niche l’enjeu du propos de l’auteur : le droit doit s’attacher non plus au seul résultat, mais à la démarche même de l’artiste, afin de consacrer et de protéger le processus de création ».

sans-titreL’ouvrage de Judith Ickowicz est le fruit d’une thèse en droit soutenue en 2009. http://www.lespressesdureel.com/DOSSIER_PRESSE/1905_jda.pdf

Le droit après la dématérialisation de l’œuvre d’art, Judith Ickowicz, Les Presses du réel, mars 2013. http://www.lespressesdureel.com/sommaire.php?id=1905&menu=

Voir également Nathalie Delbard, « Judith Ickowicz, Le Droit après la dématérialisation de l’oeuvre d’art », Critique
d’art [En ligne], 42 | 2014, mis en ligne le 01 mai 2015: http://www.lespressesdureel.com/DOSSIER_PRESSE/1905_critiquedart.pdf

 

LA PARTIE DE CAMPAGNE AU MUSÉE NATIONAL FERNAND LÉGER

c39d6ec4bf45248aacf3b0683040802778ba7f1bPour fêter les 50 ans de la Fondation Maeght,http://www.fondation-maeght.com/  le musée Léger de Biot accueille un tableau de l’artiste appartenant à la fondation :http://www.musees-nationaux-alpesmaritimes.fr/fleger/
LA PARTIE DE CAMPAGNE ,  » chef-d’œuvre de Fernand Léger qu’il a réalisé en 1954. Pour cette présentation hors-les-murs, le tableau dialoguera avec les œuvres de la collection du musée, donnant à comprendre les étapes de travail de Léger qui « monte » sa composition afin de traduire son rêve d’un art pour tous au service d’une humanité fraternelle ».

Rappelons que c’est le musée des Arts décoratifs et François Mathey qui organisent la première rétrospective parisienne de l’œuvre de Léger, du 30 juin au 16 octobre 1956, après le décès de l’artiste, survenu le 17 août 1955, à Gif-sur-Yvette.

Le communiqué de presse du musée annonce la présentation de 100 œuvres couvrant la période de 1905 à 1955, figurent notamment Contrastes de formes  de 1913 ;  Adieu à New York, de 1946,  Hommage à David de 1948. Cette manifestation est organisée avec le concours des musées de Philadelphie, Bâle, le musée privé Kröller Muller, http://kmm.nl en Hollande, le Musée national d’art moderne de Paris, de grandes galeries privées et des collectionneurs, français et étrangers. L’exposition de 1956 va prendre en compte toutes les phases qui composent l’œuvre de cet artiste : outre la période cubiste, les années de guerre (1914-1918), la période mécanique et le retour à la figure (1918-1923), la préoccupation monumentale, la période puriste (1924-1927), les objets dans l’espace et leurs prolongements, à partir de 1928, puis la période américaine (1940-1945), ainsi que la dernière période française (1945-1955).

Cette exposition va voyager en Europe pendant plus d’un an, à Bruxelles, au Palais des Beaux-arts, dans un format plus réduit, d’octobre à novembre 1956 , puis à Amsterdam, au  Stedelijk Museum, du 11 décembre 1956 au 28 janvier 1957, puis à Munich, au Haus der Kunst de mars à mai 1957, au  Kunsthalle de Bâle, de mai à juin 1957, au Kunsthaus de Zurich, de juillet à août 1957, à Dortmund du 29 septembre au 27 octobre 1957, au Museum am Ostwall http://www.dortmund.de/en/index.html. François Mathey va consacrer beaucoup d’énergie à cette exposition itinérante : il l’organise à Munich puis l’accompagne à Bâle en mai 1957.

 

Autre invité cet été à Biot, John Armleder :

Actif depuis la fin des années 60, notamment au sein du groupe genevois Écart, l’artiste suisse John Armleder voit la reconnaissance de son œuvre à partir des années 80. Les « ameublements » ou « Furniture Sculpture », ainsi que l’artiste nomme ses agencements d’objets mobiliers « retouchés », le révèlent sur la scène internationale. Marquée par les propositions multimédias du mouvement Fluxus, l’œuvre d’Armleder questionne les notions d’authenticité et d’originalité et plus globalement l’art dans son rapport au réel. Les objets combinés à ses peintures, les formes élémentaires (rayures, pois) ou libres (coulures) comme l’ensemble des procédés mettant en scène son travail (échafaudages, plantes vertes, téléviseurs) interrogent la réception de ses œuvres, entre art et décoratif, objet et sujet et plus globalement entre art et vie. L’exposition que John Armleder a imaginée pour le musée national Fernand Léger poursuit cette interrogation qui, depuis l’émergence des avant-gardes artistiques au XXe siècle, constitue la réalité même de l’art.

 

Les anges ont-ils failli ?

2014-05-18 12.38.16

Le Journal des arts écrit : « Le demi-échec du Monumenta des Kabakov. Avec 145 000 visiteurs, la fréquentation de L’Étrange Cité d’Ilya et Émilia Kabakov, est beaucoup plus faible que le Monumenta de Daniel Buren ou celui d’Anish Kapoor« . La Monumenta de Buren était impressionnante par les chiffres alignés  mais elle marquait déjà l’inflexion de la courbe des fréquentations avec 259 041 visiteurs : http://agendacom.com/files/d71f1432d74d87280a1a4d9d9e8835b6.pdf

Les anges ont-ils  failli ? En fait ils sont victimes d’une courbe en cloche qui se confirme, liée peut être à l’essoufflement même du concept  « monumental » : en 2007, Anselm Kiefer ouvre le bal avec 135 000 visiteurs, Richard Serra (en 2008) réunit 142 000 visiteurs, pas de Monumenta en 2009, puis Christian Boltanski (en 2010) est crédité de 149 717 visiteurs,  Anish Kapoor en 2011 avec 270 000 visiteurs, culmine et c‘est Buren qui en 2012 amorce la décroissance avec 259 041 visiteurs. Monumenta-accueille-Daniel-BurenHeureusement la vie des expositions au Grand Palais n’est pas un palmarès et Monumenta n’est pas le salon des arts « pas ménagers ».

Comme souvent on est passé d’un extrême à l’autre : de la confidentialité des expositions d’antan à la fréquentation et à la rentabilité obligatoires de grandes manifestations – expositions dites incontournables et parfois contournées par le public : enfin pas tout à fait, car 145 000 visiteurs c’est déjà impressionnant en soi. Les anges n’en rougiront donc pas et attendront avec impatience les prochains scores des prochaines Monumenta, qui, l’effet de surprise passé des premières années, auront du mal à renouer avec la croissance !

Mais il fallait faire mieux car  » Anish Kapoor, attira en 2011 plus de 270 000 visiteurs en six semaines et demi, c’est Daniel Buren,
l’un des créateurs français les plus reconnus et honorés dans le monde – tant par ses pairs
que par le public -, qui relève le défi du 10 mai au 21 juin 2012″.