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Les dessins de Besançon invités à Sceaux : de Vouet à Watteau

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 » Chaque année, le musée du Département des Hauts-de-Seine à  Sceaux invite de grands musées à présenter leurs plus belles pièces d’arts graphiques.

Après les richesses du musée d Angers c’est au tour de celles du musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, actuellement fermé pour de longs travaux, d’y être présentées du 16 septembre au 31 décembre 2016.

L’exposition est intitulée « De Vouet à Watteau. Un siècle de dessin français. Chefs d’œuvre du  musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon ». A travers un choix d’œuvres graphiques de peintres français majeurs du XVIIe siècle -Vouet, Poussin, Claude Gelée dit Le Lorrain, Le Brun, Watteau…-, elle montre aux visiteurs du musée du Domaine départemental de Sceaux une petite facette de la richesse de l’exceptionnel cabinet de dessins bisontin.

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L’exposition est organisée grâce à Hélène Gasnault,  responsable de ces collections et de leur choix, et Dominique Brême, responsable du musée de Sceaux mais aussi de la scénographie de l’exposition. Le catalogue scientifique va paraître très prochainement. Il permettra de souligner de nouvelles découvertes, de publier de nouveaux dessins.

Signalons à destination du grand public, une rencontre autour du dessin ancien : le samedi 8 octobre de 9h45 à 18h, à l’Orangerie :

Téléchargez le programme complet des animations autour de l’exposition

Podcasts pour l’été : expositions, musées et recherches

L’exposition  « Carambolages » questionne aussi le mode institutionnel de présentation des collections muséales. Trois tables rondes réunissant artistes, collectionneurs, conservateurs et historiens d’art s’interrogent sur le sens et le devenir des musées :

Quel sera le musée de demain ? (1/3) Avec Gilles Barbier et Christian Boltanski, tous deux artistes, Jérôme Glicenstein, maître de conférences en arts plastiques à l’Université Paris 8, et Jean-Hubert Martin, commissaire de l’exposition « Carambolages ». Modération : Bernard Marcadé, critique d’art et commissaire d’expositions.

Quel sera le musée de demain ? (2/3)

Avec Marie-Anne Lescourret, rédacteur en chef adjoint de la revue « Cités », ancien professeur d’esthétique de l’Université de Strasbourg, Anne et Patrick Poirier, artistes et Jean-Hubert Martin, commissaire de l’exposition « Carambolages »
Modération : Philippe Régnier, directeur de la rédaction du Quotidien de l’art.
L’iconologie, vision neuve de l’histoire de l’art imaginée par Aby Warburg (1866-1929) privilégie une approche anthropologique des œuvres reposant sur l’idée d’archétypes créatifs visuels qui circuleraient à travers les individus et les civilisations : pourrait-elle servir de base à ces nouveaux musées dont la finalité dernière serait de restituer au regardeur sa liberté entière d’interprétation ?

Quel sera le musée de demain ? (3/3)

Avec Pierre Bayard, professeur de littérature française à l’Université Paris 8 et psychanalyste, Thierry Dufrêne, professeur d’histoire de l’art contemporain à l’Université Paris Ouest Nanterre et Alain Fleischer, écrivain, directeur du Fresnoy, Studio national des arts contemporains et Jean-Hubert Martin, commissaire de l’exposition « Carambolages ».
Modération : Jean Lebrun, journaliste, producteur de l’émission de France Inter « La Marche de l’histoire »
Peut-on imaginer demain, à l’heure d’une culture définitivement mondialisée, des musées écartant les rassemblements géographiques et chrono-historiques de genres et d’artistes d’ordinaire utilisés pour baliser la réception des visiteurs ? Et qui leur substitueraient des rapprochements d’œuvres fondés sur la seule analogie d’images transcendant frontières, âges et sociétés ?

Ces trois conférences  sont en ligne ici.

natures mortesAu musée d’Orsay, en ligne également,  la journée d’études du jeudi 9 juin 2016 sur les musées, moteurs de la recherche : ici.

Conférence introductive : Alice Thomine-Berrada et Xavier Rey, conservateurs, musée d’Orsay, et Luc Bouniol-Laffont, chef du service culturel, directeur de l’auditorium.

  • Musée et Alma Mater. Jalons pour une histoire de la recherche universitaire dans les musées : Pascal Griener, Institut d’histoire de l’art et de muséologie, Université de Neuchâtel (Suisse).
  • Un état des lieux de la recherche réalisée par les élèves conservateurs à l’INP : Philippe Barbat, directeur de l’Institut National du Patrimoine.
  •  La recherche au Musée national d’art moderne / Centre Pompidou : Nicolas Liucci-Goutnikov, conservateur en charge de la coordination scientifique, MNAM, Centre Pompidou.
  •  Bilan du département de la recherche du musée du quai Branly : Frédéric Keck, directeur du département de la recherche et de l’enseignement, musée du quai Branly.
  • Intégrer la recherche dans l’activité des musées de région : cinq ans d’expériences au musée des Beaux-Arts de Rouen, Sylvain Amic, directeur de la Réunion des Musées Métropolitains – Rouen Normandie.
  •  La collaboration avec les musées de région, Antoinette Le Normand-Romain, directeur général de l’INHA.
  •  Le labex Création, Art, Patrimoine (CAP) comme expérience de collaboration entre musées et centres de recherche universitaires : Jean-Philippe Garric, professeur d’histoire de l’architecture, directeur du labex CAP, université Paris 1 Panthéon-Sorbonne.
  •  Quelle recherche dans un musée de région en rénovation ? Le cas du musée Bonnat-Helleu : Sophie Harent, directrice, musée Bonnat-Helleu, Bayonne.
  • Le projet d’exposition « La maison des merveilles. Collections de donateurs » et les éléments de médiation FALC (Facile à lire et à comprendre) Pascal Trarieux, directeur, musée des Beaux-Arts de Nîmes.
  • L’exposition en laboratoire de recherche : Laurence Bertrand Dorléac, professeur d’histoire de l’art, Sciences Po.
  • Synthèse : Pascal Liévaux, chef du département du pilotage de la recherche et de la politique scientifique, direction générale des patrimoines, ministère de la Culture et de la Communication.
  • Présentation de la « Base Salons » :
 Introduction des partenaires : Antoinette Le Normand-Romain, directeur général de l’INHA et Dominique Dupuis-Labbé, conservatrice générale du patrimoine, chef du bureau des acquisitions, de la restauration, de la conservation préventive et de la recherche, direction générale des patrimoines, sous-direction des collections, service des musées de France. Création-conception de la base : Georges Vigne, conservateur en chef honoraire du patrimoine et Catherine Chevillot, conservateur général du patrimoine, directrice, musée Rodin.

Le Corbusier entre au patrimoine mondial de l’Unesco

Source : © LeMoniteur.fr : L’Organisation des Nations unies pour l’éducation, la science et la culture (Unesco) a annoncé, dimanche 17 juillet, l’inscription au patrimoine mondial de l’Humanité de 17 réalisations de l’architecte franco-suisse Le Corbusier. La troisième tentative aura été la bonne : après deux échecs, les promoteurs de l’oeuvre architecturale de Le Corbusier ont réussi, en 2016, à la faire inscrire au patrimoine de l’Humanité de l’Unesco. La 40e session du Comité du patrimoine mondial de l’Unesco, qui se tient à Istanbul, aura pourtant été bousculée. Après avoir été suspendus samedi 16 juillet, en raison de la tentative de putsch en Turquie, les travaux ont pu reprendre dès lendemain matin. Et, sans attendre, elle a entrepris d’annoncer l’allongement de la liste des sites classés au patrimoine mondial de l’Humanité. Comme le Parc national du Khangchendzonga en Inde ou le chantier naval d’Antigia dans les Caraïbes, l’oeuvre de Le Corbusier a donc enfin bénéficié de cette distinction. L’annonce a été faite sur Twitter par l’Unesco. Au total, ce sont 17 réalisations du célèbre architecte franco-suisse qui prennent place sur la prestigieuse liste. Dix d’entre elles sont situées en France, parmi lesquelles la Cité radieuse de Marseille, la chapelle de Ronchamp, le cabanon de Roquebrune-Cap-Martin et la Villa Savoye et la loge du jardinier à Poissy. Les autres œuvres élevées au rang de patrimoine de l’Humanité se trouvent en Suisse, en Belgique, en Allemagne, en Argentine et au Japon, témoignant ainsi de la dimension internationale du travail de Le Corbusier.

Focus sur quelques créations des années 1950, parmi les 17 réalisations de Le Corbusier inscrites au patrimoine mondial :

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Affiche festival, 1956.

En France :

  • l’Unité d’habitation de Marseille, connue sous le nom de Cité radieuse, ou plus familièrement « La Maison du fada » est une résidence édifiée entre 1947 et 1952 : Michel Ragon, critique d’art et spécialiste de l’histoire de l’architecture, y réalisera en 1956 sur son toit, une exposition temporaire d’arts plastiques, dans le cadre du festival d’avant garde. danse 1956

Danseuses de la troupe de  Maurice Béjart et sculpture Cysp 1 de Nicolas Shöffer (festival 1956.). Sur le toit de la Cité Radieuse à Marseille.

  • La chapelle Notre-Dame du Haut à Ronchamp. Inaugurée en 1955.

Située  en Haute-Saône, elle a été démolie par les bombardements à la Libération. Elle a été reconstruite par Le Corbusier.Voir la genèse de la reconstruction de Ronchamp, ici  et notamment le rôle tenu par Maurice Jardot (associé du galeriste Daniel Kanweilher) et celui d’Eugène Claudius Petit, maire de Firminy, ministre en charge de la Reconstruction après guerre, qui confia à Le Corbusier la construction de Firminy-Vert.

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1955 : Inauguration de la nouvelle chapelle de Ronchamp.

L'ART SACRE 1

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 Musée National d’Art Occidental, Tokyo
Photo : Olivier Martin-Gambier 2006
© FLC/ADAGP

Untitled, 12/11/03, 2:53 PM, 16C, 3450x4776 (600+0), 100%, AIA repro tone, 1/50 s, R58.9, G46.8, B59.3

Claudius-Petit et Le Corbusier, in Architects in a Parisian cafe, ca. 1950 / UNESCO, photographer. Marcel Breuer papers, Archives of American Art, Smithsonian Institution.

Carlo Carrà et l’Italie s’invitent chez le douanier Rousseau

Après avoir été présentée en 2015 au Palazzo Ducale de Venise, l’exposition  « Le Douanier Rousseau : L’innocence archaïque  » est en ce moment au Musée d’Orsay. Elle propose une nouvelle approche  : Rousseau  est un inspirateur pour les artistes de son temps. Sa réception en est donc modifiée. De peintre naïf il devient l’une des souces du renouveau de la peinture du siècle qui commence.

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Il y a dix ans, l’exposition itinérante à la Tate Modern à Londres, au Grand Palais à Paris  ( 15 mars – 19 juin 2006) et à la National Gallery à Washington en 2005-2006, « Le Douanier Rousseau. Jungles à Paris », sous le commissariat de Serge Lemoine, se focalisait sur sa période tardive. L’exposition du musée d’Orsay reprend les jungles mais illustre tous les a priori sur le peintre en le confrontant aux peintres du passé, mais aussi à ses contemporains des années 1900, notamment aux peintres italiens venus à Paris à cette époque.

Henri Rousseau, dit Le douanier Rousseau, La Cascade, 1910, huile sur toile, 116,2 x 150,2 (Chicago, the Art Institute of Chacago).
Henri Rousseau, dit Le douanier Rousseau, La Cascade, 1910, huile sur toile, 116,2 x 150,2 (Chicago, the Art Institute of Chicago).

Le  Douanier Rousseau devient peintre à 40 ans :  son sens des proportions, sa difficulté à mettre en place les corps dans l’espace ou ses perspectives sont bien à lui et le positionne dans la catégorie alors moquée des peintres naïfs. La présentation d’Orsay met ses portraits issus des collections permanentes du musée en regard de tableaux de peintres Primitifs comme Ucello, mais aussi aux côtés d’œuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso, et d’artistes moins connus, comme le futuriste Carlo Carrà aux oeuvres remarquées, qui puise manifestement dans les tableaux de Rousseau une nouvelle forme d’inspiration. Une autre de ses oeuvres  figurent à l’Orangerie pour l’exposition « Apollinaire . Le regard du poète »:

Les Nageurs, Carlo Carrà - Musée de L'Orangerie.
Les Nageurs, Carlo Carrà – Musée de L’Orangerie.

Entre 1899 et 1900, Carlo Carrà est à Paris pour décorer des pavillons de l’exposition universelle. Lui aussi peintre autodidacte à ses débuts, Carrà décide de relier Giotto, Paolo della Francesca, Ucello et le Douanier Rousseau : Avec Henri Rousseau, je construis la nouvelle peinture Européenne » affirmera-t-il.

 

Carlo Carra – Les romantiques (1916).Carlo Carra - Les romantiques (1916)

 

 

Carlo Carrà : Le fiacre, hommage à La Carriole du père Junier du Douanier Rousseau. rousseau24-590x393

Carrà dessinera beaucoup, en réduisant les images à l’essentiel, pour retrouver ces “élémentaires de la peinture” perdus au sein des élaborations du XXème siècle.

La commissaire Gabriella Belli, qui a initié cette exposition en 2015 à Venise,  révèle donc l’influence méconnue de Rousseau sur d’autres artistes, italiens, liés à la peinture métaphysique et du réalisme magique, comme Morandi, présenté italia nuovadéjà en 2006 au Grand Palais par la même commissaire italienne.

Cette exposition d’il y a dix ans, était co-produite par la RMN et le MART (musée d’Art moderne et contemporain de Trente et de Rovereto) sous la direction scientifique de Gabriella Belli, directrice du MART. L’exposition a été conçue en collaboration avec trois grands musées italiens : le musée communal de Milan, la Galerie d’Art moderne de Turin et la Galerie nationale d’Art moderne de Rome.

L’ancien temps du design, un thème d’exposition très actuel

Fauteuil-chapigon-BFFauteuil  Mushroom, 1960. Armature en tube d’acier, garnissage en mousse de polyuréthane, revêtement de crêpe de laine et élasthanne. Artifort. Coll. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Photo B. Prévost.

Trois expositions sont consacrées à Pierre Paulin cette année : une exposition ciblant la période 1952-1959 à la galerie Pascal Cuisinier, une grande rétrospective  au Centre Pompidou et un focus sur les pièces conçues pour des Salons de l’Élysée à la Galerie Jousse Entreprise.

Le Centre Pompidou présente jusqu’au 22 août 2016 sa rétrospective. Comme le rappelle T. Hay, pour Paulin, il  existait « deux profils de designers :  les ingénieurs, qui envisagent le design de façon rationnelle et mentale et les aventuriers, les autodidactes dont je fais partie ». 100 meubles sont présentés  pour comprendre ses créations. La scénographie est de l’artiste Petra Blaisse. En 1950, Paulin fréquente le Centre d’art et de techniques, future école Camondo. qui dépend de l’Union centrale des Arts décoratifs. Il commence sa carrière dans le bureau d’études de Marcel Gascoin, lequel s’intéresse au style nordique et veut concevoir des produits en direction des jeunes.

Pierre Paulin est influencé par la simplicité du design scandinave qui marquera sa carrière. Il cherche aussi son inspiration du côté des designers américains : Eames, Bertoia, Saarinen.

Il s’intéresse très tôt au métal et réalise son premier fauteuil, dit fauteuil anneau à cause de son assise circulaire. Il participe à XIe Triennale de Milan en 1957. Il crée  notamment le fauteuil, dit Butterfly. Pierre Paulin est aussi le premier designer à utiliser le tissu élastique pour un meuble.

Ces années essentielles pour le design français, qui correspondent  peu ou prou aux « 30 glorieuses », sont retracées dans un ouvrage de référence  qui vient de paraître :site_56bc96f650415« Le temps des objets. Une histoire du design industriel en France (années 1950-1970)  » écrit par Claire Leymonerie, qui avait notamment consacré ses premiers travaux à la création du CCI par l’équipe  du musée des Arts décoratifs, alors dirigée  par Francois Mathey.

Résumé  de l’ouvrage par l’auteure  : L’engouement contemporain pour le design tendrait à faire oublier que ce terme a connu une entrée récente et d’emblée controversée dans la langue française. De fait, l’histoire du design français reste encore à écrire, la rareté des études récentes et l’ancienneté des monographies et ouvrages de synthèse contrastant avec la production britannique, américaine, allemande ou scandinave. Le design et son histoire soulèvent des enjeux importants : quelles sont les conséquences de l’industrialisation sur les formes de l’environnement quotidien, comment émerge et se définit une figure de créateur des formes pour l’industrie et comment trouve-t-elle sa place au sein ou aux marges de l’entreprise ? Quel positionnement ces créateurs ont-ils adopté face à l’essor de ce qui a bientôt été identifié, dans les années 1960, comme la « société de consommation » ?

A travers des portraits des personnalités qui font émerger les pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d’objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession.

Celle-ci vit encore une situation ambiguë  entre création industrielle et art, qui se traduit dans ses rapports parfois complexes, voire conflictuels avec les artistes.