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Des formes en mouvement, des couleurs en formation : Vasarely, le partage des formes

Billet (texte et photographies) de Nicolas Schmidt, Ingénieur de recherche, Institut d’histoire du temps présent. CNRS – Paris 8– UMR 8244.

Exposition au Centre Pompidou, Paris, 6 février – 6 mai 2019.

Plan de l’exposition – Dossier de presse.

Les créations de Victor Vasarely (1906-1997) font appel à un ensemble de disciplines scientifiques, auxquelles, a priori, on ne penserait pas en matière artistique : physique, géométrie, mathématique, médecine, cybernétique, psychologie, astronomie… Outre ses peintures sur toile, ses œuvres en trois dimensions sont réalisées dans divers matériaux, bois, plastique, papier, coton, métal, carton. Toutes tendent à associer tradition et contemporain, mêlent réalisme et abstraction, dans une sorte de mouvement perpétuel. Elles créent des espaces évoquant le minuscule ou l’immense, que l’œil peut saisir par des instruments adéquats, exemple « d’un tissu cellulaire vu au microscope ou d’un espace interstellaire observé à l’aide d’un télescope hyperpuissant (1). »

Vasarely, « GEA 1980-1981 », vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Comme un monde en permanente évolution

Les combinaisons de formes et de couleurs retiennent toute l’attention, demandent du temps pour saisir leur construction, invitent à la rêverie et résultent d’innombrables compositions de toute sorte : « Jeux de permutations, contrastes violents, papillotement de réseaux, vibration de couleurs complémentaires juxtaposées, superpositions de formes presque identiques, double formation convexe (par agrandissement de l’unité carrée de la base) ou concave (par rétrécissement de cette même unité), cercles concentriques aux centres mouvants sont autant de techniques appliquées par Vasarely afin de susciter la sensation du mouvement » (…), selon le désir de l’artiste de « susciter simultanément dans l’œil de chacun un effet et la conscience de sa facticité (2). »

Vasarely, “Zèbres”, 1932-1942, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’exposition montre les évolutions formelles de Vasarely, depuis le Bauhaus des années 1930 jusqu’au Pop art des années 1970, partant de la nature, animaux – zèbres, dont la robe naturelle se prête à l’élaboration d’une esthétique –, galets, polis par des siècles de mouvements de la mer – jusqu’à l’architecture et l’urbanisme un peu partout dans le monde – comme la conception d’établissements techniques, immeubles d’habitation, etc., les couleurs étant des composantes des constructions (et non un simple moyen de décorer ou d’égayer des façades), en passant par la médecine, « du corps et de l’âme », en utilisant régulièrement le « motif du ressort (3) » .

Vasarely, Dessins humoristiques, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).
Vasarely, Dessins humoristiques, cartels, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Logiquement, l’artiste a contribué aux secteurs culturel et artistique – couverture d’ouvrages, pochettes de disque – en passant par l’industrie – sigle des automobiles Renault ; objets utilitaires ou décoratifs…

Vasarely, Couvertures de la collection Tel, Gallimard, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’animation des images

La suggestion du mouvement et le fait de voir l’œuvre dans une temporalité, renvoient bien évidemment au cinéma, des réalisateurs les plus variés n’ayant pas manqué d’utiliser le « style » Vasarely, et plus largement l’art cinétique : c’est avec deux artistes du GRAV (Yvaral et Joël Stein) que « Dès 1964, Clouzot tourne L’Enfer avec Romy Schneider et Serge Reggiani, un film sur la jalousie dans lequel il s’inspire, pour des scènes expérimentales de délire névrotique, de l’univers de l’art cinétique avec des projections et des effets moirés (4). » On sait également que le cinéaste avait eu le projet de tourner un film sur Vasarely, comme il l’avait fait avec Picasso, mais l’artiste n’ayant pas donné suite, c’est avec les mêmes artistes (Yvaral et Joël Stein) que Clouzot reprend ces formes pour La Prisonnière (1968), où un personnage de galeriste et collectionneur, amateur d’objets d’art et de photos érotiques, expose nombre d’œuvres d’artistes versant dans l’abstraction – comme Agam ou Soto, artistes réunis pour l’exposition pionnière « Le Mouvement » en 1955 organisée à la galerie Denise René (5).

“La Prisonnière”, G.H. Clouzot, 1968. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Le film donne l’occasion de parcourir un ensemble indescriptible de colonnes, reflets, labyrinthe, trompe-l’œil, panneaux mobiles, etc., tandis que le maître des lieux semble se faire le porte-parole de Vasarely, quand il prône « l’art cinétique », dit vouloir « démocratiser le produit artistique par l’idée de multiples » et n’hésite pas à revendiquer un « supermarché artistique ».

Cinémathèque Française, Paris – Essais de logos pour le Musée du Cinéma. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Ailleurs, dans une haute tour proche de la Seine, l’appartement parisien d’une actrice de films pornographiques est décoré d’un tableau de Vasarely dans l’entrée, tandis les murs sont occupés par de grandes photos érotiques, dans Peur sur la ville, d’Henri Verneuil (1975). Ou encore, un peintre, dans Les Demoiselles de Rochefort, de Jacques Demy (1967), réalisant des œuvres en tirant au pistolet sur des petites poches remplies de peinture qui vont s’étaler sur une toile (comme le faisait Niki de Saint Phalle), évoluant dans une grande pièce lumineuse portant, outre un Vasarely en noir et blanc, également un mobile de Calder, artiste ayant contribué, entre autres, avec Vasarely à l’animation des formes (6).

Pour sa part, Erotissimo, de Gérard Pirès (1968), moque publicité, érotisme, fiscalité, modernité, contestation, narcissisme, consommation, etc., tout en incluant quelques toiles de type Vasarely, étalant aussi des objets design (lampes et abat-jour, poste de télévision de forme sphérique, sculpture tarabiscotée en métal, etc.) caractéristiques de l’époque.

Le générique du film de Jacques Doniol-Valcroze, Le Viol (1967) se déroule sur un long travelling vers une œuvre de Vasarely, qui se détache progressivement d’une pénombre, sur une musique de Michel Portal. Le tableau – carrés, cercles, losanges, en différentes nuances de rouge notamment – sera revu tout au long du film, huis clos entre une jeune femme et un inconnu qui s’est introduit chez elle, pour des raisons inconnues, et la retient dans son spacieux appartement ; un gros plan sur un cercle au milieu de la peinture clôt une séquence, finissant en surexposition suivie d’un fondu au noir, contribue au trouble général.

Il n’est pas étonnant que l’artiste inspire également Jean-Christophe Averty à la télévision, lequel utilise ses recherches cinétiques pour les décors d’émissions, avec Gilbert Bécaud, Barbara, Charles Trenet, Gérard Manset, Michel Polnareff, dans des décors non signés Vasarely mais reprenant « trait pour trait son langage visuel aux tonalités futuristes (7). » Exemples de Bécaud and Co, 7 avril 1968, 2ème chaîne ou de Quatre temps, 27 décembre 1968, 1ère chaîne, ORTF.

Enfin, dans Le Celluloïd et le Marbre, d’Eric Rohmer (1965), Vasarely, entre autres, est interviewé sur « les apports plastiques décisifs du cinéma aux autres arts ancestraux qu’il qualifie de “muséaux” (8). »

Décor pour l’Opéra Tannhäuser, Opéra de Paris, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt ( DR).

Reproduire à l’infini…

Faites pour être reprises, donnant lieu à réinventions de tous ordres, les œuvres de Vasarely semblent suivre, ou même anticiper cette possibilité de reproduction, par la photographie, qui s’est imposée au XIXe siècle : « L’œuvre d’art reproduite devient, de plus en plus, la reproduction d’une œuvre d’art destinée à être reproduite. Quantité d’épreuves sont par exemple possibles à partir d’une plaque photographique ; la question du tirage authentique n’a aucun sens (9). » Cette thèse se retrouve chez Vasarely, qui avait un moment travaillé dans la publicité :

« Conscient que l’œuvre d’art perd sa qualité d’objet de prestige et n’est plus réservée à une élite de connaisseurs, Vasarely entend concrétiser l’idéal d’une démocratisation totale de l’art, sans hiérarchie entre un original et sa copie ; une utopie qui n’a pu être totalement réalisée, le fétichisme et la valeur marchande de l’original étant restés des moteurs du marché de l’art (10). »

Tout se passe comme si le plasticien avait conçu dès le départ des œuvres faites pour être « autoreproductrices », pouvant être réutilisées par d’autres, servant en quelque sorte de matrice, pour être répétées indéfiniment, selon la volonté de Vasarely d’inscrire ses œuvres en « série », celle-ci héritée de l’artisanat, « non pas la gravure mais la tapisserie », et ayant lui-même réalisé « dès 1950 des motifs pour les ateliers d’Aubusson (11). » Plasticien et graphiste, Vasarely avait conçu un « alphabet plastique » à partir des formes de base, carré, cercle, visant une universalité de langage : manière d’aboutir à une sorte d’ « art social total » ?

VICTOR VASARELY 1953. Photographie de Sabine Weiss, vue de l’exposition, N. Schmidt (DR).

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(1)« Un folklore planétaire », L’Objet d’art, Hors-série, n° 134, février 2019. Vasarely. Le partage des formes. Exposition au Centre Pompidou, p. 49.

(2) Ibid. p. 46-47

(3) « Vasarely avant Vasarely », Ibid. p. 19.

(4)« Multiples et dérivés »,  Ibid. p. 57.

(5) « Les années cinétiques », ibid. p. 32.

(6) « De l’art cinétique à l’op. art »,  Ibid. p. 37.

(7) « Multiples et dérivés », Ibid. p. 57.

(8) Ibid. p. 56 ; guillemets de l’auteur.

(9) Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique [1936] Allia, 2012, p. 29-30.

(10) « Multiples et dérivés », op. cit. p. 55.

(11) Ibid. p. 59.

——————————————————-Références : Liens vers le site Centre Pompidou : – L’événement Vasarely. Présentation générale : – Vasarely – Le partage des formes Bande-annonce, reproduction d’œuvres :

Présentation par les commissaires de l’exposition Michel Gauthier et Arnauld Pierre. Programmation associée.

Décembre 1968 : Michel POLNAREFF interviewe le peintre Victor VASARELY dans son atelier. Source INA.

La dernière exposition rétrospective de Vasarely à Paris, a eu lieu en 1963 au musée des Arts décoratifs Palais du Louvre au Pavillon de Marsan. Source INA. Journal télévisé 13h, 7 avril 1963 – 4’15’’ .

Autres sources INA.

Op’ Art et Pop : en 1969, David Bowie demande à Vasarely de créer la pochette de son nouvel album, Space Oddity :

Pochette de l’album Space Oddity, créée par Vasarely.
Space Oddity.

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Pour en savoir plus : cinq journalistes -critiques évoquent l’exposition :

On repeint L’expo.
(Guy Boyer. Connaissance des arts).

Vasarely, l’expérience intacte au Centre Pompidou. Valérie Duponchelle.

L’héritage décalé de Vasarely. Philippe Dagen.

Exposition : Vasarely, la star des trente glorieuses. Yves Jaeglé.

Tomi Ungerer

En souvenir de ce dessinateur exceptionnel, deux vidéos relatives à son exposition monographique de 1981 :

L’exposition Tomi Ungerer 1981.
TF1 Dernière : vidéo du 3 mai 1981 : à Paris se tient une exposition sur le caricaturiste alsacien Tomi UNGERER.- Interview de l’artiste sur sa spontaneité dans son oeuvre Dominique SANDA s’exprime sur l’humour de Tomi UNGERER.

Tomi Ungerer, Zig Zag, vidéo du 22 avril 1981 : un documentaire sur le dessinateur Tomi Ungerer dont l’exposition des oeuvres a lieu au musée des arts décoratifs. Pour présenter Ungerer, le réalisateur a choisi de procéder à une longue interview de l’artiste, assis sur un divan, dessinant des crânes allongé sur une banquette, dans un vieil appartement.
Réalisateur : José Maria Berzosa
Producteur : Teri Wehn Damisch
Participants : François Mathey, Tomi Ungerer.

En 2001, Tomi Ungerer feuilletait le livre de sa vie avec Christian Hahn, à l’occasion de son 70e anniversaire :

Tomi UNGERER, né en 1931, est d’origine alsacienne, il fut témoin de la libération de COLMAR. Des instants qui ont marqué à jamais ses oeuvres futures et qui ont forgé son engagement européen :

Cinq émissions d’entretien radiophonique sur France Culture : “A voix nue” : Tomi Ungerer
s’exprime longuement sur son oeuvre.
Première diffusion le 09/01/2012
Producteur : Martin Quenehen
Réalisation : Anne Secheret
Prise de son : Yann Fressy
Avec la collaboration de Claire Poinsignon :
Tomi Ungerer A voie nue 1.
A voie nue. 2.
A voie nue. 3.
A voie nue.4.
A voie nue.5.

Thérèse Willer, directrice du Musée Tomi Ungerer à Strasbourg, lui rend hommage soulignant la richesse de ses donations successives qui ont débuté en 1975 :

1981, Reproduction offset, 850 x 590 mm.
Connue également sous le titre de “Der kleine Unterschied” (La petite différence), affiche réalisée par Tomi Ungerer pour la rétrospective que François Mathey lui organisa au Musée des Arts décoratifs de Paris à l’occasion de son 50e anniversaire.

La saison France-Roumanie 2019 avec André Cadere

La saison France-Roumanie 2019  au Centre Pompidou, est  l’occasion de revenir sur un moment essentiel dans l’histoire des dynamiques culturelles internationales du 20e siècle, pour lesquelles les acteurs des scènes artistiques de l’Europe Centrale et de l’Est jouèrent un rôle de premier plan. Cette saison comporte plusieurs expositions temporaires permettant de les découvrir (commissariat /coordination Frédéric Paul).

© Manuel Braun.
Vue de l’atelier Brancusi .
Brancusi 1922 : « En art il n’y a pas d’étranger ».

Ghérasim Luca Héros-limite, qui a pris fin le 7 janvier 2019 :

Le Centre Pompidou propose une installation du créateur, performeur Mihai Olos (1940-2015), présentée dans l’atelier Brancusi jusqu’au 25 février 2019.

Une exposition est consacrée au lettriste Isidore Isou, du 6 mars 2019 au 20 mai 2019 :

Le Centre Pompidou consacre une “exposition” à André Cadere (1934-1978) : une cinquantaine d’œuvres de l’artiste sont disséminées dans les collections permanentes, jusqu’en 2020. Le même dispositif avait été adopté en 2008 au musée d’art moderne de la Ville de Paris : Peinture sans fin (commissariat François Michaud) du 14 février au 11 mai 2008) .

Peinture sans fin
André CADERE
Production date : 1972
© Courtesy Succession André Cadere.

Le flâneur au bâton André Cadere, qui mourut à 44 ans en 1978, était un artiste à la fois discret et intrusif. Ses bâtons colorés obéissent à la fois à une logique mathématique implacable de combinaison et de permutation et au léger dérangement d’une erreur systématique et aléatoire dans leur formule d’assemblage.

Photographie de Bernard JOUBERT
Production date : 1978
© Bernard Joubert.

Cadere abandonnait ses bâtons ici et là, marquant son territoire, laissant des traces. Mais il laissait aussi volontiers des traces dans les musées ou les galeries, au moment des vernissages d’expositions d’autres artistes, tel un coucou pondant ses oeufs, tout en l’annonçant par cartons à l’avance. Remettant en question l’institution et le schéma de l’exposition, il affirmait son indépendance et sa différence.

Au point de parfois ‘tricher’ avec le système et d’en déjouer les rituels et les codes : ainsi, invité par Harald Szeemann à Kassel, Cadere y alla en train après avoir fait croire qu’il irait à pied depuis Paris en semant ses bâtons le long du chemin.( Blog Lunettes Rouges, mars 2008).

Comment ne pas voir dans les déplacements de “l’artiste au bâton multicolore” une parenté avec le fameux roman éponyme de James Joyce (1922) dans lequel les voyages d’Ulysse sont figurés et parodiés par les déplacements dans la ville de Léopold Bloom, l’antihéros créé par Joyce. (Habiter poétiquement le monde, François Michaud, Villeneuve d’Asq : LaM, Lille Métropole Musée d’art moderne, 2010).

Relier la figure d’Ulysse, à celle d’André Cadere se justifie lors de l’exposition conçue pour Marseille-Provence 2013, capitale européenne de la culture : les mêmes thèmes traversent la vie de l’artiste, l’histoire, la guerre et l’exil.

Dès son arrivée en France au printemps 1967 après qu’il eut réussi à quitter définitivement la Roumanie — André Cadere (Varsovie 1934 – Paris 1978) n’eut de cesse de développer son travail ou plutôt ses activités, à un rythme effréné. L’artiste s’invitait là où il lui semblait bon d’apparaître afin de pervertir les usages du petit monde de l’art.

CADERE / LA BARRE DE BOIS ROND ET SES AVATARS. Exposition. 15 février • 27 avril 2013.
Portrait d’André Cadere au Museum van Hedendaagse Kunst, Gand, 1977 courtesy Succession Cadere et Galerie Hervé Bize, Nancy. DR.

Tous les autres événements de la saison France- Roumanie.


Aides à la visite /SOUFFLEURS D’IMAGES

Depuis 2009, le service Souffleurs d’Images permet à une personne aveugle ou malvoyante d’accéder à l’événement culturel de son choix ( théâtre, exposition, cirque, danse… ). Elle est accompagnée d’un étudiant en art ou d’un artiste, bénévole, qui lui souffle les éléments qui lui sont invisibles. Le service est conçu comme un partenariat entre le CRTH, les lieux, les spectateurs et les souffleurs (écouter).


INFORMATION / RÉSERVATION/ INSCRIPTION
01 42 74 17 87 ou @ Souffleurs d’Images.
De nombreuses expositions temporaires proposent l’accessibilité Souffleurs d’Images à leurs publics. En voici quelques exemples sur Paris :
• A la BNF : Vladimir Jankélévitch, figures du philosophe :

Exposition sur le site François-Mitterrand | Galerie des donateurs : jusqu’au 3 mars 2019.


• Au Grand Palais : Eblouissante Venise ! Jusqu’au 21 janvier 2019 :


• Au Jeu de Paume : Dorothea Lange. Politiques du visible
jusqu’au 27 janvier 2019 :

Au musée Cernuschi Trésors de Kyoto, trois siècles de création Rinpa jusqu’au 27 JANVIER 2019


• Au Musée Cognacq-Jay, La Fabrique du luxe. Les marchands merciers parisiens au XVIIIe siècle.
jusqu’au 27 JANVIER 2019 :


• Au Musée de l’Orangerie, jusqu’au 14 janvier 2019 : Les contes cruels de Paula Rego


• Au Musée d’Orsay Renoir père et fils. Peinture et cinéma jusqu’au 27 janvier 2019 :

• Au Musée du Louvre : Un rêve d’Italie, la collection Campana au Louvre jusqu’au 18 février 2019 :

Visite privée Le scribe accroupi.


• Au Musée du Luxembourg : Mucha jusqu’au 27 JANVIER 2019 :

• Au Musée Yves Saint Laurent Paris : L’Asie rêvée d’Yves Saint Laurent
jusqu’au 27.01.2019

Au Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme la Visite des cinq sens le 21 février 2019 de 11 h à 12 H 30 :
Que trouve – t – on dans un musée comme le mahJ qui mêle art et histoire ? Des oeuvres et des objets, des récits, des poèmes, des musiques et des contes drôles ou nostalgiques, des odeurs et des couleurs.


Au Petit Palais : Jean Jacques Lequeu (1757-1826) Bâtisseur de fantasmes  jusqu’au 31 mars 2019 :

Vue de l’exposition.

Écouter la conférence, “Trésors de Richelieu” le 20 novembre 2018 – sur le fonds Jean-Jacques Lequeu.

Fernand Khnopff (1858-1921)
Le maître de l’énigme.
Jusqu’au 17 mars 2019 :
Sur cette exposition et sur l’exposition Khnopff, olfactive et sonorisée, qu’organisa en 1979 le musée des Arts décoratifs, lire le compte rendu du blog Paseos Art nouveau.

Vue de l’exposition.


Vue de l’ exposition.

Souffleurs d’Images peut également organiser des visites au 104, au Maif Social Club,à la Maison Balzac, au Musée Carnavalet, au Musée Bourdelle, au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris , au Musée de la Vie Romantique, à la Maison de Victor Hugo, à la Maison d’Europe et d’Orient, à la Monnaie de Paris, au Musée Zadkine, au Palais Galliera, au parc de la Villette, au Musée du Quai Branly-Jacques Chirac, au Musée National des Arts Asiatiques – Guimet.

L’histoire par petites touches : pastels, dessins et gravures au Louvre

La première exposition, qui vient d’ouvrir en juin : “En Société”, au musée du Louvre, jusqu’au 10 septembre 2018 (Commissariat de Xavier Salmon, auteur du catalogue raisonné des pastels du Louvre) est organisée par le département des Arts graphiques du Louvre : il s’agit d’une exposition essentiellement de portraits, autour de la collection de référence du musée, soit plus de 120 pastels du 17 e et du 18 e siècles, restaurés et protégés grâce au mécénat des American Friends of the Louvre.

Ce type de création est d’une extrême fragilité, puisque les pastels sont créés « à partir de poussière colorée que l’on a souvent comparée à celle couvrant les ailes de papillon ».

Si Jean-Etienne Liotard, (1702-1789), Maurice Quentin Delatour (1704 – 1788), François Boucher  (1703-1770), Elisabeth-Louise Vigée Le Brun (1755-1842),  Jean-Baptiste Siméon Chardin  (1699-1779) ou encore Jean-Marc Nattier (1685 -1766) sont les plus connus, ils ne sont pas les seuls  à être exposés : parmi eux figurent d’autres d’artistes, souvent anciens élèves de Quentin Delatour.

( Jean-Etienne Liotard, (Ecole suisse) Portrait de Madame Jean Tronchin, née Anne de Molesnes).

Joseph Ducreux (1735-1802) élève de Quentin,  se focalise sur les traits de son modèle ( sa mère ) dans ce pastel sur papier beige. Tous illustrent la société de l’Ancien régime en offrant un beau parcours ponctué de multiples indications techniques (sur les supports et les matériaux), mais aussi historiques, grâce à  des cartels clairs qui documentent  des thèmes de société jusque-là peu évoqués de façon aussi explicite dans une exposition d’art ancien :

Ce portrait réalisé par Jean-Baptiste Perronneau (1715 -1783 ) est celui de Jean Couturier de Flotte,   qui, comme le précise le cartel, appartenait à la bonne société huguenote de la région bordelaise qui s’était enrichie dans le commerce triangulaire  en particulier avec Saint Domingue.

 

 

 

 

L’exposition comprend des artistes femmes, pastellistes  comme  Adélaïde Labille-Guiard  (1749-1803) qui précise le cartel, a dû multiplier les portraits d’académiciens (ici le sculpteur Augustin Pajou)- avant de pouvoir à son tour être reçue à l’Académie en 1783, en même temps qu’ Élisabeth Vigée-Lebrun.

 

 

 

 

Le théâtre de Voltaire avec Simon Bernard Lenoir ( 1729-1791) est évoqué  avec ce  portrait de l’acteur Henri-Louis Caïn, dit Lekain (1728/29-1778) dans le rôle d’Orosmane dans  Zaïre.

Le parcours, à plusieurs reprises, évoque l’erreur passée ou l’incertitude quant à l’attribution  d’une œuvre : les conservateurs des collections mentionnent explicitement avec davantage de simplicité,  les désaccords  pouvant exister entre spécialistes : ainsi pour ce Portrait de jeune homme entouré d’une bordure ovale, attribué à Gandolfi Ubaldo ( 1728-1781), ou à son neveu Mauro Gandolfi (1764- 1834).

La concurrence entre les pastellistes et les choix qu’ils ont finalement dû opérer pour y faire face sont aussi mis en avant : Jean-Baptiste Perronneau, concurrencé (férocement dit le cartel), par Quentin, se tourne vers la province et trouve de nombreux clients chez les négociants d’Orléans comme Augustin Prosper Tassin de La Renardière, qui fut un industriel et collectionneur d’art orléanais ayant fait  fortune dans le raffinage du sucre.

Les cadres d’origine de ces œuvres sont également remarquables. (Une exposition temporaire consacrée aux cadres est actuellement en préparation)

La dernière salle présente notamment des pastels anglais, comme ce portrait de 1790 réalisé par John Russel  :

Cette époque marque la fin du succès du pastel, qui déclinera ensuite au profit de l’art des miniatures.

Le catalogue

Base des collections du département des arts graphiques du musée du Louvre

L’exposition s’achève par la présentation  de pastels MNR : un grand panneau rappelle en trois langues, la situation de ces œuvres spoliées,  récupérées à l’issue de la deuxième guerre mondiale, et les différentes étapes de recherches et de restitutions menées depuis lors. Les cartels extrêmement détaillés  précisent ensuite pour chacune des œuvres présentées, leur histoire, telle qu’on a pu la reconstituer, après leur récupération en Allemagne à partir de 1945 et  pour qui on est  toujours à la recherche des propriétaires et de leurs descendants, comme ce pastel remis au Cabinet des Dessins par la Commission de récupération artistique le 23 décembre 1949 :

Pour l’ensemble des œuvres concernées, voir la Base MNR.

Voir également la recension de l exposition par des spécialistes du dessin de l’association Bella Maniera et celle effectuée par le GRHAM, Groupe de Recherche en Histoire de l’Art Moderne.

La seconde exposition temporaire de dessins présentée simultanément  au Louvre est consacrée au graveur topographe  Israël  Silvestre  :  “La France vue du Grand Siècle” et présente des dessins inédits. Une soixantaine de « vues » dessinées du célèbre graveur sont exposées au Musée du Louvre. Parmi celles-ci, les châteaux et jardins de Vaux, Versailles, Meudon  ou Montmorency ( château aujourd’hui disparu).

L’exposition débute avec le brevet de logement au Louvre accordé à  l’artiste,  par faveur royale,  en 1675, après le premier obtenu en 1668. Parmi les nombreux dessins et gravures présentés,  à signaler ceux qu’il réalise lors de son voyage à Rome :

Vue du Forum depuis le Colisée, vers 1643/44-1653. Paris. Fondation Custodia, collection Frits Lugt, 4996 © Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Paris.

Si l’exposition valorise le fonds du Louvre, elle bénéficie aussi des nombreux prêts accordés par la Fondation Custodia. Cette exposition est organisée avec le concours de la Bibliothèque nationale de France, de la Fondation Custodia, de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, du Mobilier national et de l’Institut national d’histoire de l’art (Voir la conférence organisée par les deux commissaires Bénédicte Gady, du musée des Arts décoratifs et Juliette Trey, du musée du Louvre). Silvestre réalise   de nombreux dessins et gravures  à une époque où il lui faut imaginer des vues aériennes pour dessiner les villes conquises aux portes du Royaume: Colbert l’envoya  en effet dessiner des vues de Toul, Metz, Charleville ou Verdun, récemment devenues françaises.

Ami de Charles Le Brun, Silvestre dessinera sa demeure à Montmorency (aujourd’hui disparue) mais aussi  à Meudon, le parc et le château du ministre du Roi,  le marquis de Louvois  :

Israël Silvestre, Château et parc de Meudon, vus du côté du village de Fleury, 1687. Paris, musée du Louvre, département des Arts graphiques, Inv 33039 © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Michel Urtado. 

Cette exposition est notamment décrite dans le journal Le Monde.