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La vie romantique en deux temps (2): les Salons littéraires

En association avec l'exposition "Paris Romantique", organisée au Petit Palais (1), le Musée de la Vie Romantique consacre ses espaces à une exposition illustrant "les pratiques des salons littéraires propres au XIXème siècle". 
Mme Gaëlle Rio, directrice du musée, présente l’exposition, notamment une œuvre de Delacroix, un portait de Baudelaire, par Émile Deroy ( 1820 – 1846), et le Panthéon Nadar.

Victor Hugo décrit  le romantisme comme “une révolution faite dans les arts qui commence par la poésie, continue dans la musique et  qui en renouvelle la peinture”.

L’exposition trace le portrait  d’une génération à laquelle appartient Alfred de Vigny (1797 -1863) dont on expose l’habit d’académicien, qui a obtenu cet honneur plutôt jeune en 1845.

Les salons littéraires sont le creuset de la création romantique, pendant la Restauration, la Monarchie de juillet. Ces salons (une quinzaine à Paris) contribuent à l’émergence  et à la gloire de cette génération qui vient tester dans ces salons leurs œuvres avant leur publication, à travers des lectures, des conversations. L’exposition montre les dessins et caricatures glorifiant les écrivains : le  Panthéon Nadar (une planche lithographiée) dresse le portrait collectif de 250 écrivains. Ils accèdent à la postérité grâce notamment à la Presse et aux caricatures.

Bustes et médailles à la gloire des écrivains, réalisés par David d’Angers et petits bustes d’hommage réalisés par Dantan, souvent caricaturaux.
Costume d’académicien d’Alfred de Vigny.
Peinture d’ Ary Scheffer.

L’exposition se déroule dans l’atelier et la maison du peintre d’origine néerlandaise Ary Scheffer (1795-1858) qui a précisément organisé là, un salon tous les vendredis. Il fut le professeur de dessin de Marie d’Orléans, fille de Louis-Philippe. Sa demeure située dans la Nouvelle Athènes a été transformée en musée.

un châle de cachemire (1820-1830) appartenant à la collection du Palais Galliera.

Si des œuvres célèbres d’Ary Scheffer (portrait de George Sand, portrait de Marie d’Orléans) ont été transportées au Petit Palais le temps de l’exposition, des oeuvred et objets appartenant au Palais Galliera, musée de la mode à Paris, au musée Carnavalet, ou au Château de Versailles sont en revanche visibles au sein de l’exposition au musée de la Vie Romantique.

L’exposition fait écho à la sociabilité romantique et mondaine qui caractérisent ces salons littéraires, et au rôle joué par les femmes collectant dans leurs albums “amicorum” ou “albums d’amis” les vers et dessins des artistes poètes qu’elles côtoyaient.

Album “amicorum” de la baronne Maria de Marches. 1833

Au Petit Palais l’exposition principale (600 numéros)  se déroule jusqu’au 15 septembre 2019 : Paris romantique, 1815-1848.

Eugène Lami, Scène de Carnaval, place de la Concorde, 1834. Huile sur toile. Musée Carnavalet. Crédit : © Musée Carnavalet / Roger-Viollet

La vie romantique au Petit Palais (1)

L’exposition actuellement visible au Petit Palais, s’attache à décrire la période romantique, entre 1814 et 1848 :  une réaction contre les règles de l’académisme et du néo-classicisme, en littérature, en musique, en peinture comme en sculpture. Le but de l’artiste romantique serait d’exprimer ses émotions en adaptant l’esthétique à ses besoins. 

Cette génération artistique vit une période historique mouvementée  : défaite du premier l’Empire (1814),  trois Restaurations (Louis XVIII, Charles X, Louis-Philippe) et deux révolutions (1830, 1848).

Politiquement, le jeune artiste romantique  est, au début du siècle,  un peu perdu, il s’avère difficile de l’associer à une culture politique donnée :

S’il fallait résumer l’idéologie romantique à son aurore, de 1820 à 1827, par exemple, on pourrait la réduire semble-t-il à trois caractères essentiels. Sur le plan des idées les romantiques sont essentiellement religieux et chrétiens. Sur le plan pittoresque et historique, ils sont admirateurs fervents du Moyen Age; […] De la Révolution ils ont hérité pourtant une idée profonde, qui, peu à peu, dominera et englobera les deux autres tendances; cette idée, c’est le culte de la liberté, l’importance nouvelle accordée au moi, à son développement intégral, à tout ce qu’on appellera l’égoïsme ou l’égotisme.

Pierre Paraf, Le Romantisme et la Politique, Revue d’Histoire du XIXe siècle – 1848, Année 1930, 132, p. 11-25.
 

 Ce n’est qu’en 1830 que s’affirme un romantisme libéral et révolutionnaire avec notamment Lamartine, Victor Hugo, George Sand, Alexandre Dumas. Le Romantisme se scinde ensuite entre légitimistes (Chateaubriand , Vigny, Balzac) et ceux qui demeurent auprès des insurgés, comme Dumas et Victor Hugo.

 Le parcours de l’exposition met en scène divers lieux d’expression du Romantisme à Paris : lieux de pouvoir (Les Tuileries), lieu d’exposition des beaux-Arts (Le Salon au Louvre),  lieux de plaisir et de distraction (Le Palais -Royal,  les grands boulevards dont le “boulevard du crime”, qui accueillent les théâtres), lieux d’habitation, ( les ateliers,  la sociabilité  de la Nouvelle Athènes,  du quartier latin), les places et les monuments qui vont incarner la révolution et la République, et une section consacrée à Notre-Dame, symbole du goût des romantiques pour le Moyen-Âge.

Le parcours n’est donc que partiellement chronologique  : le tableau de la duchesse  de Berry  réalisé en 1825 (égérie de la première restauration qui tentera après 1830 de soulever le sud de la France puis la Vendée contre le gouvernement de Louis-Philippe), figure donc au sein de la  section consacrée aux Tuileries, aux côtés de la famille de Louis- Philippe, au pouvoir de 1830 à 1848.

Christophe Leribault, commissaire de l’ exposition, résume le parcours.
Horace Vernet. La barrière de Clichy . Défense de Paris le 30 mars 1814 , détail.

L’exposition débute avec ce tableau, qui, comme le précise le cartel : immortalise la défense héroïque fin mars 1814, aux derniers jours de la campagne de France, de la barrière de Clichy, contre les troupes russes, par la garde nationale, composée alors d’un ensemble hétéroclite d’étudiants, d’invalides et de bourgeois sans expérience. La capitulation de Paris fut signée dans la nuit du 30 au 31 mars.

Voici quelques vues de la promenade parisienne proposée et de sa scénographie :

Devant les devantures du Palais Royal :

Au Salon : diverses œuvres présentées aux différents Salons organisés au Louvre durant cette période.

Au premier plan : Pierre-Jean David, dit David d’Angers, La jeune grecque au tombeau de Marco Botzaris, plâtre, Angers, Galerie David d’Angers.
Eugène Delacroix, Le Christ au jardin des Oliviers, 1826, Salon de 1827, huile sur toile, Paris, église Saint-Paul-Saint-Louis. Détail.
Auguste Préault. Tuerie, fragment épisodique d’un grand bas-relief. Bronze. Salon de 1850. Détail. Plâtre antérieur, Salon de 1834.

Notre-Dame, le goût des romantiques pour le Moyen-Âge :

Pendule de Notre-Dame, 1835-1845, bois incrusté de filets de laiton, bronze ciselé et doré, Paris, musée Carnavalet.
Charles de Steuben, La Esméralda, Salon de 1839, huile sur toile, Nantes, Musée d’Arts. Détail.

La vie de Bohème au quartier latin :

La Nouvelle Athènes : une évocation des ateliers, des salons de musique ( là où s’installèrent Chopin, George Sand, Ary Scheffer) :

Reconstitution d’un salon de musique. Un petit dispositif permet d’écouter des morceaux de piano créés à cette époque.

La représentation d’un modèle féminin :

Joseph-Désiré Court, Femme à mi-corps, couchée sur un divan,1829, huile sur toile, Montpellier, musée Fabre.

Le Paris des monuments :

Jean-Pierre Dantan, Portrait charge de l‘ingénieur Appolinaire Lebas dansant sur une corde en portant l’obélisque. Plâtre patiné.

Le parcours intègre de nombreuses caricatures, notamment d’œuvres d’Honoré Daumier, rappelant que la révolution de 1830 est liée à une demande de reconnaissance de la liberté de la Presse.

La  scénographie immersive, conçue et réalisée par Véronique Dolfus est  réussie même si elle ne crée pas le même effet spectaculaire obtenu pour l’exposition sur les chefs-  d’oeuvre du XVIIIe siècle des églises parisiennes, organisée au même endroit en mars 2017.

Les panneaux informatifs qui bouclent la fin du parcours traitent du sentiment des romantiques vis-à-vis de la révolution de 1848. Ils affichent le point de vue désenchanté du seul Gustave Flaubert (romantique ou réaliste ?), en reproduisant quelques lignes de son roman L’éducation sentimentale, paru en 1869. Pourtant Flaubert est rapidement hostile à la République, comme le rappelle Gisèle Séginger :

“Dans les années 1830, sous l’influence de son entourage familial et scolaire, le jeune Gustave [Flaubert] se dit libéral, et dans ses lettres de 1835, il tient des propos contre la censure et contre la répression des émeutiers de 1834 (Corr., I, 21 et 22), avec une exaltation de républicain. Flaubert est alors l’élève d’Adolphe Chéruel, un disciple de Michelet, et il commence à lire le grand historien dans ces années. […] Toutefois, à partir de ses études de droit à Paris, son entourage change. Il fréquente l’atelier de James Pradier, un sculpteur qui reçoit des commandes officielles de la Monarchie de Juillet. Il se lie avec Maxime du Camp vers 1842, puis avec Louis Bouilhet à partir de 1846, qui ne sont ni l’un ni l’autre des républicains. Maxime Du Camp présentera à Flaubert son ami Louis de Cormenin, le fils d’un homme politique conservateur, hostile à la Monarchie de Juillet. Les trois amis accompagnés de Bouilhet assisteront ensemble à la proclamation de la Seconde République, qui ne suscite pas leur enthousiasme. On sait par ailleurs, grâce à Maxime Du Camp, que Flaubert ainsi que lui-même se sont abstenus de voter au moment de l’élection présidentielle de décembre 1848. À 27 ans, Flaubert est devenu tout à fait sceptique en politique et antirépublicain.

Honoré Daumier, Le gamin de Paris aux Tuileries.

Victor Hugo quant à lui, donne un autre éclairage sur les journées historiques de 1848, dans un discours resté célèbre, prononcé en 1849, Le “grand discours de Victor Hugo contre la misère” sur le site Retronews – site de presse de la BnF.

Gravure de Victor Hugo en jeune homme ; source : Gallica-BnF .
A consulter :

Communiqué de Presse
cp_paris_romantique.pdf (PDF – 1M)

Dossier de Presse
dp_parisromantique_fr.pdf (PDF – 2M)

Visuels presse
presentation-_icono-paris_romantique.pdf (PDF – 8M)

 

Des formes en mouvement, des couleurs en formation : Vasarely, le partage des formes

Billet (texte et photographies) de Nicolas Schmidt, Ingénieur de recherche, Institut d’histoire du temps présent. CNRS – Paris 8– UMR 8244.

Exposition au Centre Pompidou, Paris, 6 février – 6 mai 2019.

Plan de l’exposition – Dossier de presse.

Les créations de Victor Vasarely (1906-1997) font appel à un ensemble de disciplines scientifiques, auxquelles, a priori, on ne penserait pas en matière artistique : physique, géométrie, mathématique, médecine, cybernétique, psychologie, astronomie… Outre ses peintures sur toile, ses œuvres en trois dimensions sont réalisées dans divers matériaux, bois, plastique, papier, coton, métal, carton. Toutes tendent à associer tradition et contemporain, mêlent réalisme et abstraction, dans une sorte de mouvement perpétuel. Elles créent des espaces évoquant le minuscule ou l’immense, que l’œil peut saisir par des instruments adéquats, exemple « d’un tissu cellulaire vu au microscope ou d’un espace interstellaire observé à l’aide d’un télescope hyperpuissant (1). »

Vasarely, « GEA 1980-1981 », vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Comme un monde en permanente évolution

Les combinaisons de formes et de couleurs retiennent toute l’attention, demandent du temps pour saisir leur construction, invitent à la rêverie et résultent d’innombrables compositions de toute sorte : « Jeux de permutations, contrastes violents, papillotement de réseaux, vibration de couleurs complémentaires juxtaposées, superpositions de formes presque identiques, double formation convexe (par agrandissement de l’unité carrée de la base) ou concave (par rétrécissement de cette même unité), cercles concentriques aux centres mouvants sont autant de techniques appliquées par Vasarely afin de susciter la sensation du mouvement » (…), selon le désir de l’artiste de « susciter simultanément dans l’œil de chacun un effet et la conscience de sa facticité (2). »

Vasarely, “Zèbres”, 1932-1942, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’exposition montre les évolutions formelles de Vasarely, depuis le Bauhaus des années 1930 jusqu’au Pop art des années 1970, partant de la nature, animaux – zèbres, dont la robe naturelle se prête à l’élaboration d’une esthétique –, galets, polis par des siècles de mouvements de la mer – jusqu’à l’architecture et l’urbanisme un peu partout dans le monde – comme la conception d’établissements techniques, immeubles d’habitation, etc., les couleurs étant des composantes des constructions (et non un simple moyen de décorer ou d’égayer des façades), en passant par la médecine, « du corps et de l’âme », en utilisant régulièrement le « motif du ressort (3) » .

Vasarely, Dessins humoristiques, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).
Vasarely, Dessins humoristiques, cartels, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Logiquement, l’artiste a contribué aux secteurs culturel et artistique – couverture d’ouvrages, pochettes de disque – en passant par l’industrie – sigle des automobiles Renault ; objets utilitaires ou décoratifs…

Vasarely, Couvertures de la collection Tel, Gallimard, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’animation des images

La suggestion du mouvement et le fait de voir l’œuvre dans une temporalité, renvoient bien évidemment au cinéma, des réalisateurs les plus variés n’ayant pas manqué d’utiliser le « style » Vasarely, et plus largement l’art cinétique : c’est avec deux artistes du GRAV (Yvaral et Joël Stein) que « Dès 1964, Clouzot tourne L’Enfer avec Romy Schneider et Serge Reggiani, un film sur la jalousie dans lequel il s’inspire, pour des scènes expérimentales de délire névrotique, de l’univers de l’art cinétique avec des projections et des effets moirés (4). » On sait également que le cinéaste avait eu le projet de tourner un film sur Vasarely, comme il l’avait fait avec Picasso, mais l’artiste n’ayant pas donné suite, c’est avec les mêmes artistes (Yvaral et Joël Stein) que Clouzot reprend ces formes pour La Prisonnière (1968), où un personnage de galeriste et collectionneur, amateur d’objets d’art et de photos érotiques, expose nombre d’œuvres d’artistes versant dans l’abstraction – comme Agam ou Soto, artistes réunis pour l’exposition pionnière « Le Mouvement » en 1955 organisée à la galerie Denise René (5).

“La Prisonnière”, G.H. Clouzot, 1968. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Le film donne l’occasion de parcourir un ensemble indescriptible de colonnes, reflets, labyrinthe, trompe-l’œil, panneaux mobiles, etc., tandis que le maître des lieux semble se faire le porte-parole de Vasarely, quand il prône « l’art cinétique », dit vouloir « démocratiser le produit artistique par l’idée de multiples » et n’hésite pas à revendiquer un « supermarché artistique ».

Cinémathèque Française, Paris – Essais de logos pour le Musée du Cinéma. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Ailleurs, dans une haute tour proche de la Seine, l’appartement parisien d’une actrice de films pornographiques est décoré d’un tableau de Vasarely dans l’entrée, tandis les murs sont occupés par de grandes photos érotiques, dans Peur sur la ville, d’Henri Verneuil (1975). Ou encore, un peintre, dans Les Demoiselles de Rochefort, de Jacques Demy (1967), réalisant des œuvres en tirant au pistolet sur des petites poches remplies de peinture qui vont s’étaler sur une toile (comme le faisait Niki de Saint Phalle), évoluant dans une grande pièce lumineuse portant, outre un Vasarely en noir et blanc, également un mobile de Calder, artiste ayant contribué, entre autres, avec Vasarely à l’animation des formes (6).

Pour sa part, Erotissimo, de Gérard Pirès (1968), moque publicité, érotisme, fiscalité, modernité, contestation, narcissisme, consommation, etc., tout en incluant quelques toiles de type Vasarely, étalant aussi des objets design (lampes et abat-jour, poste de télévision de forme sphérique, sculpture tarabiscotée en métal, etc.) caractéristiques de l’époque.

Le générique du film de Jacques Doniol-Valcroze, Le Viol (1967) se déroule sur un long travelling vers une œuvre de Vasarely, qui se détache progressivement d’une pénombre, sur une musique de Michel Portal. Le tableau – carrés, cercles, losanges, en différentes nuances de rouge notamment – sera revu tout au long du film, huis clos entre une jeune femme et un inconnu qui s’est introduit chez elle, pour des raisons inconnues, et la retient dans son spacieux appartement ; un gros plan sur un cercle au milieu de la peinture clôt une séquence, finissant en surexposition suivie d’un fondu au noir, contribue au trouble général.

Il n’est pas étonnant que l’artiste inspire également Jean-Christophe Averty à la télévision, lequel utilise ses recherches cinétiques pour les décors d’émissions, avec Gilbert Bécaud, Barbara, Charles Trenet, Gérard Manset, Michel Polnareff, dans des décors non signés Vasarely mais reprenant « trait pour trait son langage visuel aux tonalités futuristes (7). » Exemples de Bécaud and Co, 7 avril 1968, 2ème chaîne ou de Quatre temps, 27 décembre 1968, 1ère chaîne, ORTF.

Enfin, dans Le Celluloïd et le Marbre, d’Eric Rohmer (1965), Vasarely, entre autres, est interviewé sur « les apports plastiques décisifs du cinéma aux autres arts ancestraux qu’il qualifie de “muséaux” (8). »

Décor pour l’Opéra Tannhäuser, Opéra de Paris, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt ( DR).

Reproduire à l’infini…

Faites pour être reprises, donnant lieu à réinventions de tous ordres, les œuvres de Vasarely semblent suivre, ou même anticiper cette possibilité de reproduction, par la photographie, qui s’est imposée au XIXe siècle : « L’œuvre d’art reproduite devient, de plus en plus, la reproduction d’une œuvre d’art destinée à être reproduite. Quantité d’épreuves sont par exemple possibles à partir d’une plaque photographique ; la question du tirage authentique n’a aucun sens (9). » Cette thèse se retrouve chez Vasarely, qui avait un moment travaillé dans la publicité :

« Conscient que l’œuvre d’art perd sa qualité d’objet de prestige et n’est plus réservée à une élite de connaisseurs, Vasarely entend concrétiser l’idéal d’une démocratisation totale de l’art, sans hiérarchie entre un original et sa copie ; une utopie qui n’a pu être totalement réalisée, le fétichisme et la valeur marchande de l’original étant restés des moteurs du marché de l’art (10). »

Tout se passe comme si le plasticien avait conçu dès le départ des œuvres faites pour être « autoreproductrices », pouvant être réutilisées par d’autres, servant en quelque sorte de matrice, pour être répétées indéfiniment, selon la volonté de Vasarely d’inscrire ses œuvres en « série », celle-ci héritée de l’artisanat, « non pas la gravure mais la tapisserie », et ayant lui-même réalisé « dès 1950 des motifs pour les ateliers d’Aubusson (11). » Plasticien et graphiste, Vasarely avait conçu un « alphabet plastique » à partir des formes de base, carré, cercle, visant une universalité de langage : manière d’aboutir à une sorte d’ « art social total » ?

VICTOR VASARELY 1953. Photographie de Sabine Weiss, vue de l’exposition, N. Schmidt (DR).

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(1)« Un folklore planétaire », L’Objet d’art, Hors-série, n° 134, février 2019. Vasarely. Le partage des formes. Exposition au Centre Pompidou, p. 49.

(2) Ibid. p. 46-47

(3) « Vasarely avant Vasarely », Ibid. p. 19.

(4)« Multiples et dérivés »,  Ibid. p. 57.

(5) « Les années cinétiques », ibid. p. 32.

(6) « De l’art cinétique à l’op. art »,  Ibid. p. 37.

(7) « Multiples et dérivés », Ibid. p. 57.

(8) Ibid. p. 56 ; guillemets de l’auteur.

(9) Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique [1936] Allia, 2012, p. 29-30.

(10) « Multiples et dérivés », op. cit. p. 55.

(11) Ibid. p. 59.

——————————————————-Références : Liens vers le site Centre Pompidou : – L’événement Vasarely. Présentation générale : – Vasarely – Le partage des formes Bande-annonce, reproduction d’œuvres :

Présentation par les commissaires de l’exposition Michel Gauthier et Arnauld Pierre. Programmation associée.

Décembre 1968 : Michel POLNAREFF interviewe le peintre Victor VASARELY dans son atelier. Source INA.

La dernière exposition rétrospective de Vasarely à Paris, a eu lieu en 1963 au musée des Arts décoratifs Palais du Louvre au Pavillon de Marsan. Source INA. Journal télévisé 13h, 7 avril 1963 – 4’15’’ .

Autres sources INA.

Op’ Art et Pop : en 1969, David Bowie demande à Vasarely de créer la pochette de son nouvel album, Space Oddity :

Pochette de l’album Space Oddity, créée par Vasarely.
Space Oddity.

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Pour en savoir plus : cinq journalistes -critiques évoquent l’exposition :

On repeint L’expo.
(Guy Boyer. Connaissance des arts).

Vasarely, l’expérience intacte au Centre Pompidou. Valérie Duponchelle.

L’héritage décalé de Vasarely. Philippe Dagen.

Exposition : Vasarely, la star des trente glorieuses. Yves Jaeglé.

Tomi Ungerer

En souvenir de ce dessinateur exceptionnel, deux vidéos relatives à son exposition monographique de 1981 :

L’exposition Tomi Ungerer 1981.
TF1 Dernière : vidéo du 3 mai 1981 : à Paris se tient une exposition sur le caricaturiste alsacien Tomi UNGERER.- Interview de l’artiste sur sa spontaneité dans son oeuvre Dominique SANDA s’exprime sur l’humour de Tomi UNGERER.

Tomi Ungerer, Zig Zag, vidéo du 22 avril 1981 : un documentaire sur le dessinateur Tomi Ungerer dont l’exposition des oeuvres a lieu au musée des arts décoratifs. Pour présenter Ungerer, le réalisateur a choisi de procéder à une longue interview de l’artiste, assis sur un divan, dessinant des crânes allongé sur une banquette, dans un vieil appartement.
Réalisateur : José Maria Berzosa
Producteur : Teri Wehn Damisch
Participants : François Mathey, Tomi Ungerer.

En 2001, Tomi Ungerer feuilletait le livre de sa vie avec Christian Hahn, à l’occasion de son 70e anniversaire :

Tomi UNGERER, né en 1931, est d’origine alsacienne, il fut témoin de la libération de COLMAR. Des instants qui ont marqué à jamais ses oeuvres futures et qui ont forgé son engagement européen :

Cinq émissions d’entretien radiophonique sur France Culture : “A voix nue” : Tomi Ungerer
s’exprime longuement sur son oeuvre.
Première diffusion le 09/01/2012
Producteur : Martin Quenehen
Réalisation : Anne Secheret
Prise de son : Yann Fressy
Avec la collaboration de Claire Poinsignon :
Tomi Ungerer A voie nue 1.
A voie nue. 2.
A voie nue. 3.
A voie nue.4.
A voie nue.5.

Thérèse Willer, directrice du Musée Tomi Ungerer à Strasbourg, lui rend hommage soulignant la richesse de ses donations successives qui ont débuté en 1975 :

1981, Reproduction offset, 850 x 590 mm.
Connue également sous le titre de “Der kleine Unterschied” (La petite différence), affiche réalisée par Tomi Ungerer pour la rétrospective que François Mathey lui organisa au Musée des Arts décoratifs de Paris à l’occasion de son 50e anniversaire.

La saison France-Roumanie 2019 avec André Cadere

La saison France-Roumanie 2019  au Centre Pompidou, est  l’occasion de revenir sur un moment essentiel dans l’histoire des dynamiques culturelles internationales du 20e siècle, pour lesquelles les acteurs des scènes artistiques de l’Europe Centrale et de l’Est jouèrent un rôle de premier plan. Cette saison comporte plusieurs expositions temporaires permettant de les découvrir (commissariat /coordination Frédéric Paul).

© Manuel Braun.
Vue de l’atelier Brancusi .
Brancusi 1922 : « En art il n’y a pas d’étranger ».

Ghérasim Luca Héros-limite, qui a pris fin le 7 janvier 2019 :

Le Centre Pompidou propose une installation du créateur, performeur Mihai Olos (1940-2015), présentée dans l’atelier Brancusi jusqu’au 25 février 2019.

Une exposition est consacrée au lettriste Isidore Isou, du 6 mars 2019 au 20 mai 2019 :

Le Centre Pompidou consacre une “exposition” à André Cadere (1934-1978) : une cinquantaine d’œuvres de l’artiste sont disséminées dans les collections permanentes, jusqu’en 2020. Le même dispositif avait été adopté en 2008 au musée d’art moderne de la Ville de Paris : Peinture sans fin (commissariat François Michaud) du 14 février au 11 mai 2008) .

Peinture sans fin
André CADERE
Production date : 1972
© Courtesy Succession André Cadere.

Le flâneur au bâton André Cadere, qui mourut à 44 ans en 1978, était un artiste à la fois discret et intrusif. Ses bâtons colorés obéissent à la fois à une logique mathématique implacable de combinaison et de permutation et au léger dérangement d’une erreur systématique et aléatoire dans leur formule d’assemblage.

Photographie de Bernard JOUBERT
Production date : 1978
© Bernard Joubert.

Cadere abandonnait ses bâtons ici et là, marquant son territoire, laissant des traces. Mais il laissait aussi volontiers des traces dans les musées ou les galeries, au moment des vernissages d’expositions d’autres artistes, tel un coucou pondant ses oeufs, tout en l’annonçant par cartons à l’avance. Remettant en question l’institution et le schéma de l’exposition, il affirmait son indépendance et sa différence.

Au point de parfois ‘tricher’ avec le système et d’en déjouer les rituels et les codes : ainsi, invité par Harald Szeemann à Kassel, Cadere y alla en train après avoir fait croire qu’il irait à pied depuis Paris en semant ses bâtons le long du chemin.( Blog Lunettes Rouges, mars 2008).

Comment ne pas voir dans les déplacements de “l’artiste au bâton multicolore” une parenté avec le fameux roman éponyme de James Joyce (1922) dans lequel les voyages d’Ulysse sont figurés et parodiés par les déplacements dans la ville de Léopold Bloom, l’antihéros créé par Joyce. (Habiter poétiquement le monde, François Michaud, Villeneuve d’Asq : LaM, Lille Métropole Musée d’art moderne, 2010).

Relier la figure d’Ulysse, à celle d’André Cadere se justifie lors de l’exposition conçue pour Marseille-Provence 2013, capitale européenne de la culture : les mêmes thèmes traversent la vie de l’artiste, l’histoire, la guerre et l’exil.

Dès son arrivée en France au printemps 1967 après qu’il eut réussi à quitter définitivement la Roumanie — André Cadere (Varsovie 1934 – Paris 1978) n’eut de cesse de développer son travail ou plutôt ses activités, à un rythme effréné. L’artiste s’invitait là où il lui semblait bon d’apparaître afin de pervertir les usages du petit monde de l’art.

CADERE / LA BARRE DE BOIS ROND ET SES AVATARS. Exposition. 15 février • 27 avril 2013.
Portrait d’André Cadere au Museum van Hedendaagse Kunst, Gand, 1977 courtesy Succession Cadere et Galerie Hervé Bize, Nancy. DR.

Tous les autres événements de la saison France- Roumanie.