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Vidéos et commentaires pour tous sur l’art des temps nouveaux

Comment rendre compte d’un mouvement artistique présenté dans une exposition ? Comment expliciter le thème d’un tableau, les préoccupations d’un peintre du temps des Lumières ? Comment rendre compte de la fascination des temps nouveaux, des élans  exprimés par ces artistes ? Quelques vidéos captent les commentaires  des conservateurs, des commissaires-d’exposition et des médiateurs des musées, qui formulent sur ces thèmes, des commentaires destinés à tous :

Entrée de la troisième exposition de l’UAM au pavillon de Marsan, musée des Arts décoratifs, Paris, en 1932. JEAN COLLAS, MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS, FONDS JEAN COLLAS, PARIS/ADAGP, PARIS 2018

La première  a trait à l’exposition en cours sur « l’UAM », l’Union des artistes modernes, au Centre Pompidou : l’UAM fondée en 1929, dissoute en 1958, a rassemblé jusqu’à 250 artistes, décorateurs, créateurs de bijoux, de tissus, de mobilier, de tapisseries,  architectes, dont  Fernand Léger, Charlotte Perriand,  le fondateur du Salon d’Automne en 1903, Francis Jourdain, mais aussi Pierre Chareau , Sonia Delaunay, Jean Puiforcat, Robert Mallet-Stevens, l’architecte Lurçat, l’affichiste Cassandre, Le Corbusier, Jean Prouvé, le décorateur René Herbst, etc. Ils organisent au musée des Arts décoratifs, en 1949-1950 : « Formes utiles – objets de notre temps » dont l’exposition de 2018 conserve de multiples témoignages. Au total l’exposition de 2018 expose dans cette chronologie qui court sur près de quarante ans, pas moins de 780 pièces.

Certains membres de l’UAM, notamment des architectes, rejoindront dans les années 1950 le groupe Espace ( Durant l’été 1954, un événement original est organisé à Biot chez Fernand Léger, par le groupe Espace).

 Des vues de l’exposition de 2018 et une interview d’Anne-Marie Charon-Zucchelli, attachée de conservation au service architecture du musée national d’art moderne et co-commissaire de l’exposition, sont en ligne.

UAM” une aventure moderne, au Centre Pompidou, Paris
du 30 mai au 27 août 2018.

La seconde vidéo se concentre sur une œuvre,  dans la série intitulée « Talks for all » à la National Gallery : un conférencier commente de façon très pédagogique (en anglais) un tableau de Joseph Wright ‘of Derby’ (1734-1797) intitulé  » An enlightened experiment »  : le tableau appartient aux collections permanentes du musée. Cet artiste du temps des Lumières, est fier d’être originaire de Derby, la ville alors au centre de la révolution industrielle. Le tableau montre une « expérience sur un oiseau dans la pompe à air » :

« Joseph Wright hailed from Derby, a city at the centre of the Industrial Revolution. What can we learn from ‘An Experiment on a Bird in the Air Pump’ about this advancing time and how does this painting represent the Enlightenment that was taking place around him? Unpick and explore the references scattered ». 

Ce peintre a fait l’objet d’une exposition  itinérante présentée au Grand Palais en 1990, (Exposition Joseph Wright of Derby, Grand Palais, Paris, 17 mai-23 juillet 1990), à la Tate Gallery et au Metropolitan Museum (commissariat de Judy Egerton). A Paris, l’exposition n’avait pas du tout trouvé son public : elle prenait place après la présentation de peintres anglais  plus fameux (Gainsborough, Turner et Reynolds) et dont les paysages et les portraits peuvent sembler plus accessibles.

Kupka l’engagé : changer le monde avec la couleur

La reconnaissance éclatante d’un pionnier de l’abstraction,  c’est ce que l’exposition rétrospective des œuvres de František Kupka propose, au Grand Palais, du 21 mars au 30 juillet 2018. Ce peintre tchèque compte parmi les pères de l’abstraction avec Vassili Kandinsky, Gino Severini, Piet Mondrian, Kasimir Malevitch, Auguste Herbin et Robert Delaunay. Comme le rappelle le Centre tchèquePeu de noms d’origine tchèque enregistrent une réponse mondiale aussi forte que le nom de František Kupka. L’une des raisons est que la peinture abstraite est l’un des thèmes clés de l’histoire de l’art du 20ème siècle. Il est l’un des personnages fondateurs. Première rétrospective, depuis l’exposition de 1975-1976 au Solomon R. Guggenheim Museum de New York [ qui a bénéficié à l’époque du soutien de la belle-fille de l’artiste  Mme. Andrée Martinel-Kupka] et au Kunsthaus de Zurich, et celle de 1989 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, elle couvre l’ensemble de l’oeuvre de l’artiste, de ses débuts marqués par le symbolisme jusqu’à ses dernières réalisations dans les années cinquante.

Plans diagonaux,Titre attribué : Orgue sur fond vert,  1925, Huile sur toile, 116,5 x 81 cm S.B.G.: Kupka Donation de Henry-Thomas en 1976 Inv. : AMVP 2426© Adagp, Paris Crédit photographique : Eric Emo/Parisienne de Photographie DR.

Grâce au parcours européen de František Kupka (1871-1957), enraciné dans sa Bohème natale, formé dans la Vienne fin de siècle et dans le Paris des avant-gardes, l’exposition conduit à une nouvelle approche de deux courants majeurs des XIXe et XXe siècles, le symbolisme et l’abstraction, dont Kupka fut l’un des principaux acteurs.

Disques de Newton, 1912, Philadelphia Museum of Art, Philadelphie, États-Unis.

Conjuguant parcours chronologique et thématique, cette exposition rassemble quelque 300 oeuvres – peintures, dessins, gravures, manuscrits, journaux, livres illustrés, photographies et films – déployées en huit sections qui permettent au public d’entrer de façon attractive dans l’univers spécifique du créateur : Autoportraits ; Allégories de la vie moderne ; Culture ancienne et histoire présente ; Sciences et correspondances ; Salons de Kupka ; Formes et couleurs ; Abstraction et Création et enfin la Consécration de l’après-guerre. Elle met l’accent sur les moments-clés de sa période créatrice, les chefs-d’oeuvre symbolistes et les premiers portraits expressionnistes parisiens, son passage à l’abstraction en 1912, le cycle des peintures organiques saturées de couleurs, l’abstraction géométrique finale tout en évoquant des épisodes moins connus comme la période dite « machiniste » à la fin des années vingt. L’exposition met également en valeur la personnalité riche et singulière de František Kupka, habité par une quête existentielle et souligne son intérêt pour la philosophie, les cultures anciennes et orientales, les religions, la poésie ou encore la science ».

 

« Plans par couleurs. Grand nu » (1909-1910), de Frantisek Kupka, huile sur toile, 150,2 x 180,7 cm. SOLOMON-GUGGENHEIM/ADAGP, PARIS 2018.
« Madame Kupka dans les verticales », 1910-1911 ‒ huile sur toile, 135,5 x 85,3 cm ADAGP, PARIS 2018/THE SOLOMON R. GUGGENHEIM FOUNDATION/ART RESOURCE, NY, DIST. RMN-GRAND PALAIS.

L’exposition sera présentée par la Galerie nationale de Prague au Palais Wallenstein du 7 septembre 2018 au 20 janvier 2019 puis à l’Ateneum Art Museum, à Helsinki, du 21 février au 19 mai 2019.

Commissariat : Brigitte Leal, conservateur général, directrice adjointe en charge des collections du Centre Georges Pompidou, Markéta Theinhardt et Pierre Brullé, historiens de l’art. La  scénographie (remarquable) est de Véronique Dollfus. Brigitte Léal (avec Markéta Theinhardt) présente pour la RMN l’exposition dont elle fait aussi un résumé  en cent secondes. Deux autres vidéos permettent de découvrir les espaces de l’exposition : celle d’Expo in the City et celle de Connaissance des arts.

L’ampleur du parcours illustre la richesse exceptionnelle de l’œuvre qui se déploie au Grand Palais que souligne également la presse (Voir aussi l’article d’Harry Bellet dans Le Monde).

 František Kupka, dit François Kupka, né à Opočno, le 23 septembre 1871 et mort à Puteaux, le 24 juin 1957,  a été formé à Vienne capitale de l’empire austro-hongrois. Il vient vivre à Paris à Montmartre, à partir de 1896. Pacifiste, anarchiste, iI dessinera  pour les nombreuses revues qui contestent  le capitalisme du début de siècle, comme Cocorico, ou L’assiette au beurre,

Kupka s’engage aussi auprès du géographe Elisée Reclus.

L’eau (la baigneuse), 1906-1909, Centre Pompidou, Musée National d’art moderne, Paris, France.

La gamme jaune (1907), Huile sur toile (79 x79). Paris, Centre Pompidou – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. 

Plans par couleurs (Femme dans les triangles), 1910-1911, Centre Pompidou, Musée National d’art moderne, Paris, France.

Kupka s’engagera physiquement pendant la première guerre mondiale. Engagé volontaire dans la légion étrangère, combattant puis réformé, il soutient l’indépendance de la République tchécoslovaque en 1918 et jouera un rôle dans son histoire naissante.

Après de nombreuses recherches plastiques qui traversent les mouvements artistiques et philosophiques du début de siècle (théosophie, symbolisme, fauvisme) Kupka est à l’origine des premiers tableaux abstraits exposés en 1912 à Paris au Salon d’Automne :

 « Amorpha, Fugue  à deux couleurs » et « Amorpha Chromatique chaude ».

 

 

 

 

 

 

František Kupka, 1912, Amorpha, fugue en deux couleurs (Fugue in Two Colors), 210 x 200 cm, Narodni Galerie, Prague.

František Kupka, 1912, Amorpha Chromatique jaune, museum Kampa- Nadace Jada a Medy Mladkovych.

Nommé professeur à l’Académie des beaux-arts de Prague, il revient en France et participe à la création du groupe Abstraction-Création pensé par Auguste Herbin dans les années 1930. Installé dans un pavillon/atelier à Puteaux où il restera jusqu’à sa mort, Kupka y fréquente  les frères Villon, notamment  Jacques, dont il a été le voisin à Montmartre. À la différence de maîtres reconnus, Kupka restera volontairement à l’écart du jeu mondain de la communication et de la publicité. Kupka perdra son seul mécène et ami, Jindřich Waldes, déporté à Buchenwald en 1939.

Après la guerre, La jeune génération de l’abstraction géométrique consacrera Kupka en l’exposant  régulièrement au Salon des Réalités nouvelles à Paris.

Le Ruban bleu, 1910, Huile sur toile, Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne.

Le MNAM lui consacre dès 1958 (un an après sa mort)  une exposition monographique. En 1960, Jean Cassou l’inclut dans l’exposition du Conseil de l’Europe « Les sources du XXe siècle » : le musée national d’art moderne possède une collection riche constituée pour  une large part de la donation de sa veuve, Eugénie Kupka au Mnam en 1963.

 En 2010le Mnam/Cci  réalise une exposition sur Kupka,  hors-les-murs au Musée Picasso de Malaga évoquant un artiste habité par une vision spirituelle et scientiste de l’abstraction et aspirant à l’universel. 

 Frantisek Kupka, Les touches
de piano. Le Lac
, 1909, huile
sur toile, Prague, Narodni Galerie.

Comme l’écrivait en 1975 Thomas Messer, le directeur du Guggenheim, qui réunissait alors 200 oeuvres du peintre, l’exposition fera date en raison des difficultés croissantes de toutes sortes qui sont maintenant inhérentes à l’organisation des grandes expositions modernes, il est probable qu’il faille  attendre des  décennies avant qu’un effort comparable soit mené pour célébrer l’œuvre de Frantisek Kupka dans un musée à New York.

Le  nouveau cadre d’exposition offert en 2018 par le Grand Palais permet de redécouvrir un artiste qui voulait changer le monde avec la couleur.

 

Semaine Alfred Manessier à Abbeville

Pour la Commémoration du 25ème anniversaire de la pose finale des vitraux de l’église du Saint-Sépulcre d’Abbeville et du décès du peintre Alfred Manessier (1911-1993), une exposition temporaire inédite sur « Alfred Manessier et l’Espagne » est organisée au musée Boucher-de-Perthes, dans le cadre de la 3ème édition de la « Semaine Manessier à Abbeville »,  du 14 au 19 mai 2018.

Exposition du 16 mai 2018 – au 17 septembre 2018Alfred Manessier a vécu une véritable histoire d’amour avec l’Espagne, au point d’y avoir séjourné à de nombreuses reprises, des années 1960 jusqu’aux années 1980. Manessier a eu un double regard sur le pays de Cervantes : il s’est attaché aux paysages et aux vagabondages, en particulier dans la région de Valence et, parallèlement, a livré une critique mordante de l’Espagne franquiste.

Sur les vitraux, vient de paraître Manessier – Hymne à la lumière. Les vitraux de l’église du Saint-Sépulcre d’Abbeville.(Souscription.Invenit.AAM)

Le programme  de la semaine :

Information sur l ‘association Alfred Manessier (utf-8 »Info.AAM&Bulletin adhésion.2018).

Bijoux d’artistes au Musée des Arts Déco

Très agréable promenade pour les amateurs de bijoux au Musée des Arts Décoratifs à Paris : du 7 mars au 1er juillet 2018, le musée présente l’exposition Bijoux d’artistes, de Picasso à Jeff Koons, inspirée des collections personnelles de Diane Venet, journaliste de formation, épouse de l’artiste Bernar Venet, qui collectionne depuis trente ans les bijoux d’artistes et cherche à comprendre le cheminement de chaque objet, leurs histoires et garde les souvenirs de ses rencontres avec les artistes qu’elle évoque  dans un livre paru  en 2011 : Bijoux d’artistes, de Picasso à Jeff Koons.

Le parcours  est essentiellement chronologique et revisite les courants artistiques internationaux, de l’art moderne à l’art contemporain, en mettant en regard quelques tableaux face aux vitrines :  des surréalistes aux nouveaux réalistes, du pop art au cinétisme, les bijoux dans leur vitrine  sont valorisés face aux quelques oeuvres de Dali, Ernst, Hains, Soto ou Roy Lichenstein,  Niki de Saint-Phalle, qui sortent de la  pénombre. La scénographie a été confiée à l’architecte d’intérieur Antoine Plazanet et aux graphistes Éricand Marie.

Niki de Saint-Phalle fait partie des donatrices qui ont enrichi le fonds des collections permanentes du musée. Alexandre Calder, Louise Bourgeois, Arman, Mathieu, César,  Wilfredo Lam, les young british artists et Weiwei, ont aussi créé des bijoux qui figurent dans ce parcours.

soit 15artistes français et internationaux et 230 bijoux. 

Le bijou d’artiste est une œuvre en soi et la joaillerie,  un terrain d’expérimentations.  Avec cette exposition, Diane Venet et la commissaire Karine Lacquemant illustrent un chapitre de l’histoire de l’art peu connu.

Claude Lévêque  et Jean-Luc Moulène ont réalisé, à la demande de Diane Venet, des bijoux inédits. Le parcours s’achève sur une scène contemporaine anglaise très active, la Young British Artists, à l’instar de Damien Hirst. 

L’ exposition est effectivement Non exhaustive, subjective et poétique. Ce peut être l’occasion aussi de revisiter les collections permanentes du musée des Arts décoratifs, qui en ce domaine, également, sont d’une grande richesse.

Les treillis soudés d’Edoardo Tresoldi

Edoardo Tresoldi, Locus  (Photographie Roberto Conte DR).

L’artiste Edoardo Tresoldi né en 1987 dans la province de Milan, est considéré comme l’un des nouveaux talents italiens. Depuis 2016, il est à l’origine de  créations différentes : la « reconstitution » de la Basilique de Siponto et une création architecturale éphémère vu au Bon Marché cet automne. Ces créations sont réalisées à partir de treillis soudés.

Photographies de  Giacomo Peppo (DR).

Le souvenir d’une basilique : «  De ses treillis soudés, il crée des architectures qui sont lien entre le ciel et la terre. En 2016, Il fait revivre dans le sud de l’Italie (entre Pescara et Bari sur la mer Adriatique) la basilique Santa Maria Maggiore di Siponto qui était en ruine depuis le XIIIème siècle. Linstallazione-di-Edoardo-Tresoldi-per-la-Basilica-paleocristiana-di-Siponto-©-Giacomo-Pepe-6[1]4 500 mètres carrés de treillis soudé, un poids de 7 tonnes, une structure haute de 15 mètres et 3 mois de travail pour l’équipe de jeunes architectes et d’ingénieurs chargés du projet. C’est aussi un projet pertinent qui va changer radicalement la perception d’un site historique majeur.  Dans son tissage de fil de fer, de ses treillis tressés, Edoardo Tresoldi crée une architecture transparente en rappel d’un tremblement de terre. […] Au départ, pour le ministère de la culture, il s’agissait de créer une couverture pour protéger une très ancienne mosaïque chrétienne.

L’ artiste précise que « le  projet a évolué plusieurs fois, jusqu’à ce que l’architecte Francesco Longobardi voit mon travail et ma pensée” .

Il sera soutenu par le surintendant archéologue Luigi La Rocca. C’est à ce moment-là que le projet a pris forme et que l’idée a été de composer une installation contemporaine dialoguant avec l’architecture du passé.

Autre réalisation cette fois à Paris : le Bon Marché, centre commercial de luxe, a présenté une nouvelle exposition pour  ses clients , sous le nom de  « Aura » : Edoardo Tresoldi a monté deux grandes structures métalliques représentant des fantômes de l’architecture italienne ancienne. Ces structures ont été construites à partir d’armatures de fil métallique.

L’œuvre  a été réutilisée dans le cadre  de la soirée caritative annuelle de la Elton John AIDS Foundation  qui s’est tenue récemment à Londres :