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Histoires d’œils, de copies et d’authentiques

event-close-examination-fakes-mistakes-wide-bannerHistoires d’œils, de copies et d’authentiques : ces thèmes sont d’actualité. Signalons tout d’abord l’ouvrage  Histoires  d’œils, de Philippe Costamagna : « C’est un livre ami du désordre et de l’Italie, posé mais un peu fou quand même. On y parle de peinture et d’argent, d’érudits parfois bandits, mais aussi de Raphaël, de doigts de pieds christiques, de garagistes et de révélations. Philippe Costamagna est un « œil », un spécialiste du regard, l’homme qui confirme les attributions, déniche des auteurs aux tableaux oubliés, débusque les faux, tire une œuvre de l’obscurité ou l’y replonge. Révélation, intuition, coup de génie : la profession a ses légendes. Elle a aussi ses héros et ses fondateurs ».

 Moins consensuel mais aussi intéressant, une vingtaine de  pages  figurant dans un roman intitulé « Faussaire » de Jules-François Ferrillon. Un vrai faux roman ? L’auteur parle de « narration falsifiée » :  « je montre dans le livre comment on fait des faux, non du XIXème siècle, car c’est assez facile à faire ; peindre des Matisse et des Chagall ce n’est pas compliqué, mais faire un Caravage ou un Titien c’est déjà plus complexe ; cela pose une question : est-ce qu’il y a un être unique, un génie qui a fait des tableaux comme on nous le fait croire ? Non ça s’apprend, c’est une technique ». 

Les thèmes du vrai, du faux, de la copie et du pastiche, sont souvent abordés dans les expositions temporaires. Ainsi en 2010  à Londres, l’exposition intitulée « A la loupe : faux, erreurs et découvertes » Close Examination : fakes, mistakes & discoveries ») à la National Gallery, illustre par des exemples concrets les différents cas de figure.

Le sujet semble aussi d’actualité s’agissant  du mobilier, comme le rappelle la Une du dernier Journal des Arts. Il aborde également le rôle des experts en quête de reconnaissance. Il se fait l’écho enfin du colloque Art et Droit qui s’est tenu à l’INHA en mai dernier et qui a permis de faire le point sur les comités d’artistes et les certificats d’authentification.

L’ancien temps du design, un thème d’exposition très actuel

Fauteuil-chapigon-BFFauteuil  Mushroom, 1960. Armature en tube d’acier, garnissage en mousse de polyuréthane, revêtement de crêpe de laine et élasthanne. Artifort. Coll. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Photo B. Prévost.

Trois expositions sont consacrées à Pierre Paulin cette année : une exposition ciblant la période 1952-1959 à la galerie Pascal Cuisinier, une grande rétrospective  au Centre Pompidou et un focus sur les pièces conçues pour des Salons de l’Élysée à la Galerie Jousse Entreprise.

Le Centre Pompidou présente jusqu’au 22 août 2016 sa rétrospective :

http://culturebox.francetvinfo.fr/le-blog-de-thierry-hay/2016/05/12/pierre-paulin-au-centre-pompidou-le-design-au-service-du-corps.html

Comme le rappelle T. Hay, pour Paulin, il  existait « deux profils de designers :  les ingénieurs, qui envisagent le design de façon rationnelle et mentale et les aventuriers, les autodidactes dont je fais partie ». 100 meubles sont présentés  pour comprendre ses créations. La scénographie est de l’artiste Petra Blaisse. En 1950, Paulin fréquente le Centre d’art et de techniques, future école Camondo. qui dépend de l’Union centrale des Arts décoratifs. Il commence sa carrière dans le bureau d’études de Marcel Gascoin, lequel s’intéresse au style nordique et veut concevoir des produits en direction des jeunes.

Pierre Paulin est influencé par la simplicité du design scandinave qui marquera sa carrière. Il cherche aussi son inspiration du côté des designers américains : Eames, Bertoia, Saarinen.

Il s’intéresse très tôt au métal et réalise son premier fauteuil, dit fauteuil anneau à cause de son assise circulaire. Il participe à XIe Triennale de Milan en 1957. Il crée  notamment le fauteuil, dit Butterfly. Pierre Paulin est aussi le premier designer à utiliser le tissu élastique pour un meuble.

Ces années essentielles pour le design français, qui correspondent  peu ou prou aux « 30 glorieuses », sont retracées dans un ouvrage de référence  qui vient de paraître :site_56bc96f650415« Le temps des objets. Une histoire du design industriel en France (années 1950-1970)  » écrit par Claire Leymonerie, qui avait notamment consacré ses premiers travaux à la création du CCI par l’équipe  du musée des Arts décoratifs, alors dirigée  par Francois Mathey.

Résumé  de l’ouvrage par l’auteure  : L’engouement contemporain pour le design tendrait à faire oublier que ce terme a connu une entrée récente et d’emblée controversée dans la langue française. De fait, l’histoire du design français reste encore à écrire, la rareté des études récentes et l’ancienneté des monographies et ouvrages de synthèse contrastant avec la production britannique, américaine, allemande ou scandinave. Le design et son histoire soulèvent des enjeux importants : quelles sont les conséquences de l’industrialisation sur les formes de l’environnement quotidien, comment émerge et se définit une figure de créateur des formes pour l’industrie et comment trouve-t-elle sa place au sein ou aux marges de l’entreprise ? Quel positionnement ces créateurs ont-ils adopté face à l’essor de ce qui a bientôt été identifié, dans les années 1960, comme la « société de consommation » ?

A travers des portraits des personnalités qui font émerger les pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d’objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession.

Celle-ci vit encore une situation ambiguë  entre création industrielle et art, qui se traduit dans ses rapports parfois complexes, voire conflictuels, avec la maison des artistes :

http://www.telerama.fr/scenes/des-designers-prives-de-protection-sociale-envahissent-la-maison-des-artistes,142344.php

Exposer l’internationale situationniste (IS)

Un documentaire du Centre d’histoire sociale d’une  durée de 54 mn, richement illustré par sa réalisatrice, Jeanne Menjouletdonne la parole 9782130619703_v100à Anna Trespeuch-Berthelot qui raconte l’histoire de l’IS et de sa réception, relatées dans son ouvrage : L’internationale  situationniste. De l’histoire au mythe (1948-2013).L’historienne fait allusion à trois expositions temporaires consacrées à ce mouvement, incarné notamment par Isidore Isou, lettriste, Asger Jorn , Constant, Raoul Vaneigem et Guy Debord.

Une exposition de 1989 au Centre Pompidou,  intitulée « Sur le passage de quelques personnes sur une assez courte unité de temps : à propos de l’internationale situationniste ».

Du 22 novembre 2003 au 29 février 2004, l’exposition  « Après la fin de l’art (1945-2003) » organisée par le musée d’art moderne de Saint-Étienne y rassemble tout ce qui a pu, depuis l’après la guerre constituer « l’aventure des avant-gardes de la « fin de l’art » ». Paris musées

Un ouvrage, « Figures de la négation », est publié par Paris musées : il est la prolongation, sous forme de livre, de la réflexion abordée lors de cette exposition, « Une étude des « avant-gardes du dépassement de l’art » que furent l’Internationale Situationniste, l’Internationale Lettriste (et les mouvements satellites) à travers leurs protagonistes principaux : Guy Debord, Asger Jorn, Gil Wolman

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Enfin, l’exposition de la BnF (intitulée Guy Debord. Un art de la guerre”),  du 27 mars 2013 au 13 juillet 2013, organisée à l’occasion de la patrimonialisation des archives de Guy Debord déclarées « trésor national « , aujourd’hui déposées à  la BnF alors qu’elles étaient convoitées par l’université de Yale :

Considérant que les biens pour lesquels le certificat d’exportation est demandé sont un ensemble exceptionnel d’archives personnelles de Guy Debord (1931-1994), essayiste et réalisateur français, principalement connu pour avoir été le fondateur de l’Internationale situationniste, mouvement de pensée avant-gardiste dans le sillon des courants dadaïste, surréaliste et lettriste ; que cet ensemble est composé de manuscrits et de documents divers, triés et organisés par Guy Debord, qui n’a conservé que les pièces considérées par lui comme essentielles pour la compréhension de son œuvre ; que les dossiers constitués contiennent l’ensemble des états préparatoires puis définitifs de ses œuvres, des premiers jets sur fiches jusqu’aux épreuves corrigées, en ce qui concerne les ouvrages, et au découpage, en ce qui concerne les films, notamment pour son ouvrage majeur, La Société du spectacle (1967) ; que ces archives, couvrant les années 1950 à 1994, sont demeurées encore largement inexploitées et représentent un matériel précieux pour la recherche ; que ces documents, qui illustrent le processus créatif complet de la pensée de l’auteur, permettent d’appréhender sa façon assidue de travailler, sa grande érudition et son style, héritier des plus grands classiques, mis au service de son analyse critique de la société moderne ; qu’il faut souligner la rareté d’un tel fonds intégral, resté dans un parfait état de conservation, dans la mesure où il n’en existe aucun dans les collections publiques françaises recouvrant si largement un même courant de pensée ; que cet ensemble s’avère unique pour l’étude de la genèse de l’œuvre de Guy Debord, l’un des penseurs contemporains les plus importants, et capital dans l’histoire des idées de la seconde moitié du xxe siècle ;
Qu’en conséquence cet ensemble d’œuvres présente un intérêt majeur pour le patrimoine national du point de vue de l’histoire et de l’art et doit être considéré comme un trésor national « .

« Classées en janvier 2009 trésor national, les archives de Guy Debord (1931-1994) ont rejoint les collections du département des Manuscrits de la BnF. Bruno Racine, président de la BnF, se réjouit « d’accueillir au sein des collections patrimoniales un penseur dont l’œuvre théorique et poétique a profondément influencé le dernier demi-siècle. La générosité de nos mécènes et le soutien du ministère de la Culture et de la Communication nous permettent de faire aujourd’hui cette exceptionnelle acquisition. » « Bien sûr, l’exposition ne pouvait pas manquer de soulever des sarcasmes quant à la récupération, l’édulcoration, la stérilisation, la fétichisation, la réification… de la pensée situationniste.”

A signaler également l’ouvrage de Fabien Danesi paru en 2008,

 Le Mythe brisé de l’Internationale situationniste. danesi_F

L’aventure d’une avant-garde au cœur de la culture de masse (1945-2008).

 

 

Une exposition, un livre, au croisement de l’Histoire et de l’histoire de l’art

– Sur le carnet d’ hypothèses  » Mémoires d’Indochine »,  un rappel sur l’exposition « Vivre au Kampuchéa démocratique ».

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L’exposition s’est déroulée « Dans le cadre du 40e anniversaire de la création de l’Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (EHESS), les SHS face aux images d’archives :

« 1975: tandis qu’à Paris naissait l’EHESS, au Cambodge, les Khmers rouges arrivaient au pouvoir. Quarante années plus tard, Andrea Morales Acero et Adriana Escobar, deux doctorantes du CESPRA, mettent en lumière vingt-trois photographies d’archive qui montrent une partie du quotidien des Cambodgiens durant le régime du Kampuchéa démocratique. Dans le cadre du 40e anniversaire de l’EHESS, elles présentent ces clichés dans l’atrium du France, jusqu’au 28 novembre prochain, à travers une exposition qu’elles ont intitulée « Vivre au Kampuchéa démocratique ». Là où un œil non averti voit des photographies de propagande qui vantent les travaux des champs et le mariage heureux, les chercheuses décryptent les changements, souvent extrêmement violents, imposés à la société cambodgienne et à son mode de vie, que ces photos trahissent malgré elles. Sont ainsi posées la question de l’utilisation des photographies comme source d’information en histoire et en science politique, et celle de l’impératif méthodologique de leur recontextualisation ».

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Vient de paraître le dernier ouvrage d’Eric Michaud,  directeur d’études à l’EHESS : Les invasions barbares. Une généalogie de l’histoire de l’art :  Comment les arts ont-ils accompagné, sous-tendu, préfiguré, les fantasmes de pureté raciale ou de génie des peuples ? Comment l’art s’est-il présenté comme l’essence d’une culture en s’assignant à un sol et à un peuple déterminés ?

 Eric Michaud et  Johann Chapoutot, (IHTP), professeur à l’université Paris III Sorbonne nouvelle, ont commenté cet ouvrage le 27.11.2015 sur France Culture, dans l’émission La grande table : partie 2.

 

 

L’art des tranchées vu par Jean-Jacques Lebel

La lettre du séminaire « arts et sociétés » numéro  79  est en en ligne . Elle est consacrée  à  la conférence de Bertrand Tillier sur l’art  des tranchées vu par l’un  de ses plus grands collectionneurs,  l’artiste Jean-Jacques Lebel.

B. TILLIER dans ses travaux interroge en particulier les rapports entre les arts et la politique aux XIXe et XXe siècles, dans la perspective d’une histoire culturelle et sociale des imaginaires et des sensibilités.

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Installation par Jean-Jacques Lebel en hommage aux poilus anonymes lors de l’exposition Les désastres de la guerre. 1800-2014 au Louvre-Lens, 2015.

Extraits : « L’inscription, dans l’histoire de l’art, des objets fabriqués par les soldats de la Grande Guerre, à partir de douilles d’obus récupérées et transformées, mérite réflexion. Car leur vie d’objets découpés, martelés, façonnés, ciselés et gravés par les poilus – ce qu’on appelle d’ordinaire l’artisanat de tranchée –, est le lieu d’un changement de statut, de l’objet patrimonial à l’œuvre d’art, qui montre comment ils sont entrés dans le champ des approches esthétiques. L’histoire de l’art des tranchées de la Grande Guerre tiré du recyclage des métaux de l’armement industriel de la guerre moderne, telles les douilles, têtes ou ceintures d’obus, pourrait s’ouvrir, en compagnie de Jean-Jacques Lebel,  sur une scène fondatrice ».[…]

« L’artiste  salue-t-il ainsi, par extension, l’expressivité brute caractérisant l’art des poilus, dont les qualités seront explorées par des artistes d’avant-garde mobilisés dans le conflit, à la suite de Fernand Léger qui avoue avoir reçu dans les tranchées la révélation de la réalité des objets et de leur puissance plastique : « […] je fus ébloui par une culasse de 75 ouverte en plein soleil, magie de la lumière sur le métal blanc […]. Cette culasse […] m’en a plus appris pour mon évolution plastique que tous les musées du monde ».

Bibliographie  :

Catalogue de l’exposition Soulèvements, Jean-Jacques Lebel, Paris, La Maison rouge / Lyon, Fage éditions, 2009.

Catalogue de l’exposition 1917, Metz, Centre Pompidou-Metz, 2012.

Nicole DURAND, De l’horreur à la l’art, Dans les tranchées de la Première Guerre mondiale, Paris, Seuil, 2006.

Nicholas J. SAUNDERS, Trench Art, Materialities and Memories of War, Oxford/New York, Berg, 2003.

Patrice WARIN, Artisanat de tranchée & Briquets de poilus de la guerre 14-18, Louviers, Ysec éditions, 2001.

Patrice WARIN, Artisanat de tranchée de la Grande Guerre, Louviers, Ysec éditions, 2005.

Vient de paraître sous la direction de Philippe Poirrier : La grande guerre, une histoire culturelle :

« Ce volume a l’ambition de valoriser les résultats de recherches en cours et à en promouvoir une appropriation par un large public. Les thématiques choisies relèvent d’une histoire culturelle au sens large. Deux entrées sont privilégiées : comment les acteurs, essentiellement des mondes de l’art et de la culture, ont-ils vécu, à l’arrière comme au front, la Grande Guerre ? Comment la culture matérielle, notamment les artefacts et objets culturels, a-t-elle été marquée par ce conflit ? Ces deux approches ne sont évidemment pas opposées : elles sont complémentaires et permettent, en déclinant des méthodologies différentes et en articulant des échelles variées, de mieux saisir la place des mondes de la culture dans la Grande Guerre. Artistes plasticiens, écrivains, journalistes, musiciens, scientifiques, sportifs et urbanistes participent de ces sociétés en guerre. Le langage des poilus, les chansons, les patrimoines et la « culture visuelle » – qui se matérialise sous des formes très diverses – portent l’empreinte de la Grande Guerre. Pour chaque expression culturelle, les auteurs proposent une histoire qui souligne les modalités de la reproduction, les formes de la circulation et les caractéristiques de la réception ».