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Revue de cartels : « il n’y a rien à comprendre, il y a tout à voir »

 

 

Il fut un temps où l’on expérimentait leur suppression : Francois Mathey l’a fait lors de l’exposition   » Equivoques » en 1973, lorsqu’il a choisi de questionner la valeur des oeuvres des peintres pompiers du XIXe siècle qu’il montrait sous un jour nouveau, démarche toujours débattue  depuis.

Daniel Cordier a effectué le même choix, lors de l’exposition consacrée à sa deuxième donation déposée  aux Abbattoirs à Toulouse, en 2009, intitulée  « Les désordres du plaisir » . Il n’y a rien à comprendre, il y a tout à voir », affirmait-il. Il avait en 2006 montré une sélection d’objets pour l’exposition  intitulée « Pas le Trocadéro, pas le musée d’Athènes ». Texte de Daniel Cordier pour l’exposition « Pas le Trocadéro, pas le musée d’Athènes »

A l’heure de la révolution numérique, les cartels des expositions temporaires  subsistent mais évoluent. Effet de mode ou recherche esthétique, le recours à une signalétique plus légère, transparente, voire parfois peu lisible, semble s’affirmer. Voici une brève revue de styles.

Au Musée de la Vie romantique à l’exposition Redouté, dans la partie de la maison-musée où sont présentées les créations contemporaines : le cartel coin de table a été adopté :

 

 

 

 

 

 

 

Les cartels figurant dans les autres pièces de l’exposition sont plus classiques, mais pas nécessairement à hauteur d’oeil.  Par exemple, ici, en bas (très en bas), à droite de cette présentation murale dédiée aux papiers peints :

ou bien le cartel est comme collé sur le mur de cet escalier, à côté de l’œuvre de Christine Coste, dont voici un détail :

L’expo ‘Redouté’ qui rencontre un grand succès, vient d’être prolongée, ce qui donnera lieu à un renouvellement des velins exposés.

Vu au Palazzo Braschi – Museo di Roma,  lors de l’exposition consacrée à Artemisia Gentileschi : accrochés sur une barre amovible, en bas des œuvres, mis à distance des murs :

L’ exposition Rodin au Grand Palais, opte pour ce buste de Victor Hugo, pour une grande étiquette mise en avant, sur le socle, en relief.

 

 

 

 

 

 

A l’exposition temporaire  » Jardins « : toujours au Grand Palais, un cartel en transparence, collé sur la vitrine qui accueille les objets en question : ici  une oeuvre en cire du militaire Louis Marie Antoine Robillard d’Argentelle, qui, passionné de botanique, s’était spécialisé dans la reproduction en cire de plantes et fruits tropicaux rencontrés lors des campagnes militaires auxquelles il participait. Ses oeuvres furent exposées à Paris une année aprés sa mort puis données par sa famille au Muséum d’Histoire Naturelle en 1887 :

Les cartels amovibles, au Château de Chantilly, sont conçus pour le Cabinet d’arts graphiques qui a ouvert ses portes au printemps. Ils ne peuvent pas être accrochés aux murs et sont posés sur la cheminée (pour renseigner sur le mobilier), ou intégrés aux vitrines qui présentent les dessins, ou bien, font comme partie du cadre :

Les rapports entre objets et cartels, la façon dont le public les perçoit, sont  essentiels et étudiés de façon appronfondie  :

« L’objet dépourvu de son étiquette dans l’exposition perd aussitôt son identité, est «muet». Inversement, une étiquette n’a de sens que lorsqu’elle accompagne un objet. Par conséquent, l’étiquette constitue la première étape de la médiation entre l’objet exposé et le visiteur ».

in Alice Chatzimanassis,  « Regarder et lire : Réflexion sur le rôle du texte dans une exposition d’art », MuséologiesLa cybermuséologie, Volume 6, numéro 2, 2013.

Voir également  :

Anne-Sophie Grassin, « Le jonglage objet-cartel », La Lettre de l’OCIM, 110 | 2007 : mars – avril 2007.

Épilogue : quand il n’y a rien à voir ?

L’INHA édite  » Dits » et « Inédits »

iL’Institut national d’histoire de l’art (INHA) lance cette année ses propres collections : « Dits » et « Inédits ».

« Inédits  » publie des travaux de recherche non traduits, méconnus, qui intéresseront essentiellement les spécialistes :

La collection « Dits »  va en revanche célébrer «  la petite forme. Elle rassemble des textes d’historiens de l’art conçus en réponse à une invitation de l’INHA. Le plus souvent dits et adressés à un public, ils conservent la force de leur énonciation première. Formes brèves, leur argumentation exprime l’idée au plus proche du mouvement de la pensée qui l’a fait naître.

Les deux premiers titres viennent de paraître : Le premier titre, À livres ouverts, est la transcription de la conférence prononcée par le philosophe et historien de l’art Georges Didi-Huberman le samedi 14 janvier 2017, pour la réouverture de la bibliothèque de l’INHA, dans la salle Labrouste à Paris. L’auteur y salue l’ouverture de la bibliothèque comme celle d’un « ouvroir d’histoires de l’art potentielles ».

Photographies © Agathe Lautréamont, 2017

Le second titre, Piranèse ou l’Épaisseur de l’histoire, est un texte concis de l’archéologue et historien de la culture et ancien directeur général de l’INHA, Alain Schnapp, sur la Via Appia de Piranèse. Il y célèbre la puissance d’analyse par le trait du graveur, dont les dessins seraient des chefs-d’œuvre de l’art antiquaire voire, bien plus, des études archéologiques avant la lettre.

Le site de l’INHA en propose des extraits sur son site. Voici celui tiré du texte d’Alain Schnapp :

« Les gravures de Piranèse agrandissent ou réduisent à plaisir les monuments, elles jouent de l’infiniment grand et de l’infiniment petit, elles tordent les perspectives et modulent les premiers plans comme si le graveur, conscient de ses effets, ployait les monuments à son propre plaisir pour les faire parler à sa place. […] John Wilton Ely a attiré l’attention sur cette remarque de Piranèse : “Les ruines parlantes ont rempli mon esprit d’images que des dessins précis ne m’auraient jamais permis d’exprimer.” Les ruines savent parler à qui sait les entendre et c’est cette force même qui s’incarne dans les gravures du maître et dans les commentaires qui les accompagnent. » (p. 12-13). 

Histoires d’œils, de copies et d’authentiques

event-close-examination-fakes-mistakes-wide-bannerHistoires d’œils, de copies et d’authentiques : ces thèmes sont d’actualité. Signalons tout d’abord l’ouvrage  Histoires  d’œils, de Philippe Costamagna : « C’est un livre ami du désordre et de l’Italie, posé mais un peu fou quand même. On y parle de peinture et d’argent, d’érudits parfois bandits, mais aussi de Raphaël, de doigts de pieds christiques, de garagistes et de révélations. Philippe Costamagna est un « œil », un spécialiste du regard, l’homme qui confirme les attributions, déniche des auteurs aux tableaux oubliés, débusque les faux, tire une œuvre de l’obscurité ou l’y replonge. Révélation, intuition, coup de génie : la profession a ses légendes. Elle a aussi ses héros et ses fondateurs ».

 Moins consensuel mais aussi intéressant, une vingtaine de  pages  figurant dans un roman intitulé « Faussaire » de Jules-François Ferrillon. Un vrai faux roman ? L’auteur parle de « narration falsifiée » :  « je montre dans le livre comment on fait des faux, non du XIXème siècle, car c’est assez facile à faire ; peindre des Matisse et des Chagall ce n’est pas compliqué, mais faire un Caravage ou un Titien c’est déjà plus complexe ; cela pose une question : est-ce qu’il y a un être unique, un génie qui a fait des tableaux comme on nous le fait croire ? Non ça s’apprend, c’est une technique ». 

Les thèmes du vrai, du faux, de la copie et du pastiche, sont souvent abordés dans les expositions temporaires. Ainsi en 2010  à Londres, l’exposition intitulée « A la loupe : faux, erreurs et découvertes » Close Examination : fakes, mistakes & discoveries ») à la National Gallery, illustre par des exemples concrets les différents cas de figure.

Le sujet semble aussi d’actualité s’agissant  du mobilier, comme le rappelle la Une du dernier Journal des Arts. Il aborde également le rôle des experts en quête de reconnaissance. Il se fait l’écho enfin du colloque Art et Droit qui s’est tenu à l’INHA en mai dernier et qui a permis de faire le point sur les comités d’artistes et les certificats d’authentification.

L’ancien temps du design, un thème d’exposition très actuel

Fauteuil-chapigon-BFFauteuil  Mushroom, 1960. Armature en tube d’acier, garnissage en mousse de polyuréthane, revêtement de crêpe de laine et élasthanne. Artifort. Coll. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Photo B. Prévost.

Trois expositions sont consacrées à Pierre Paulin cette année : une exposition ciblant la période 1952-1959 à la galerie Pascal Cuisinier, une grande rétrospective  au Centre Pompidou et un focus sur les pièces conçues pour des Salons de l’Élysée à la Galerie Jousse Entreprise.

Le Centre Pompidou présente jusqu’au 22 août 2016 sa rétrospective. Comme le rappelle T. Hay, pour Paulin, il  existait « deux profils de designers :  les ingénieurs, qui envisagent le design de façon rationnelle et mentale et les aventuriers, les autodidactes dont je fais partie ». 100 meubles sont présentés  pour comprendre ses créations. La scénographie est de l’artiste Petra Blaisse. En 1950, Paulin fréquente le Centre d’art et de techniques, future école Camondo. qui dépend de l’Union centrale des Arts décoratifs. Il commence sa carrière dans le bureau d’études de Marcel Gascoin, lequel s’intéresse au style nordique et veut concevoir des produits en direction des jeunes.

Pierre Paulin est influencé par la simplicité du design scandinave qui marquera sa carrière. Il cherche aussi son inspiration du côté des designers américains : Eames, Bertoia, Saarinen.

Il s’intéresse très tôt au métal et réalise son premier fauteuil, dit fauteuil anneau à cause de son assise circulaire. Il participe à XIe Triennale de Milan en 1957. Il crée  notamment le fauteuil, dit Butterfly. Pierre Paulin est aussi le premier designer à utiliser le tissu élastique pour un meuble.

Ces années essentielles pour le design français, qui correspondent  peu ou prou aux « 30 glorieuses », sont retracées dans un ouvrage de référence  qui vient de paraître :site_56bc96f650415« Le temps des objets. Une histoire du design industriel en France (années 1950-1970)  » écrit par Claire Leymonerie, qui avait notamment consacré ses premiers travaux à la création du CCI par l’équipe  du musée des Arts décoratifs, alors dirigée  par Francois Mathey.

Résumé  de l’ouvrage par l’auteure  : L’engouement contemporain pour le design tendrait à faire oublier que ce terme a connu une entrée récente et d’emblée controversée dans la langue française. De fait, l’histoire du design français reste encore à écrire, la rareté des études récentes et l’ancienneté des monographies et ouvrages de synthèse contrastant avec la production britannique, américaine, allemande ou scandinave. Le design et son histoire soulèvent des enjeux importants : quelles sont les conséquences de l’industrialisation sur les formes de l’environnement quotidien, comment émerge et se définit une figure de créateur des formes pour l’industrie et comment trouve-t-elle sa place au sein ou aux marges de l’entreprise ? Quel positionnement ces créateurs ont-ils adopté face à l’essor de ce qui a bientôt été identifié, dans les années 1960, comme la « société de consommation » ?

A travers des portraits des personnalités qui font émerger les pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d’objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession.

Celle-ci vit encore une situation ambiguë  entre création industrielle et art, qui se traduit dans ses rapports parfois complexes, voire conflictuels avec les artistes.

Exposer l’internationale situationniste (IS)

Un documentaire du Centre d’histoire sociale d’une  durée de 54 mn, richement illustré par sa réalisatrice, Jeanne Menjouletdonne la parole 9782130619703_v100à Anna Trespeuch-Berthelot qui raconte l’histoire de l’IS et de sa réception, relatées dans son ouvrage : L’internationale  situationniste. De l’histoire au mythe (1948-2013).L’historienne fait allusion à trois expositions temporaires consacrées à ce mouvement, incarné notamment par Isidore Isou, lettriste, Asger Jorn , Constant, Raoul Vaneigem et Guy Debord.

Une exposition de 1989 au Centre Pompidou,  intitulée « Sur le passage de quelques personnes sur une assez courte unité de temps : à propos de l’internationale situationniste ».

Du 22 novembre 2003 au 29 février 2004, l’exposition  « Après la fin de l’art (1945-2003) » organisée par le musée d’art moderne de Saint-Étienne y rassemble tout ce qui a pu, depuis l’après la guerre constituer « l’aventure des avant-gardes de la « fin de l’art » ». Paris musées

Un ouvrage, « Figures de la négation », est publié par Paris musées : il est la prolongation, sous forme de livre, de la réflexion abordée lors de cette exposition, « Une étude des « avant-gardes du dépassement de l’art » que furent l’Internationale Situationniste, l’Internationale Lettriste (et les mouvements satellites) à travers leurs protagonistes principaux : Guy Debord, Asger Jorn, Gil Wolman

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Enfin, l’exposition de la BnF (intitulée Guy Debord. Un art de la guerre”),  du 27 mars 2013 au 13 juillet 2013, organisée à l’occasion de la patrimonialisation des archives de Guy Debord déclarées « trésor national « , aujourd’hui déposées à  la BnF alors qu’elles étaient convoitées par l’université de Yale :

Considérant que les biens pour lesquels le certificat d’exportation est demandé sont un ensemble exceptionnel d’archives personnelles de Guy Debord (1931-1994), essayiste et réalisateur français, principalement connu pour avoir été le fondateur de l’Internationale situationniste, mouvement de pensée avant-gardiste dans le sillon des courants dadaïste, surréaliste et lettriste ; que cet ensemble est composé de manuscrits et de documents divers, triés et organisés par Guy Debord, qui n’a conservé que les pièces considérées par lui comme essentielles pour la compréhension de son œuvre ; que les dossiers constitués contiennent l’ensemble des états préparatoires puis définitifs de ses œuvres, des premiers jets sur fiches jusqu’aux épreuves corrigées, en ce qui concerne les ouvrages, et au découpage, en ce qui concerne les films, notamment pour son ouvrage majeur, La Société du spectacle (1967) ; que ces archives, couvrant les années 1950 à 1994, sont demeurées encore largement inexploitées et représentent un matériel précieux pour la recherche ; que ces documents, qui illustrent le processus créatif complet de la pensée de l’auteur, permettent d’appréhender sa façon assidue de travailler, sa grande érudition et son style, héritier des plus grands classiques, mis au service de son analyse critique de la société moderne ; qu’il faut souligner la rareté d’un tel fonds intégral, resté dans un parfait état de conservation, dans la mesure où il n’en existe aucun dans les collections publiques françaises recouvrant si largement un même courant de pensée ; que cet ensemble s’avère unique pour l’étude de la genèse de l’œuvre de Guy Debord, l’un des penseurs contemporains les plus importants, et capital dans l’histoire des idées de la seconde moitié du xxe siècle ;
Qu’en conséquence cet ensemble d’œuvres présente un intérêt majeur pour le patrimoine national du point de vue de l’histoire et de l’art et doit être considéré comme un trésor national « .

« Classées en janvier 2009 trésor national, les archives de Guy Debord (1931-1994) ont rejoint les collections du département des Manuscrits de la BnF. Bruno Racine, président de la BnF, se réjouit « d’accueillir au sein des collections patrimoniales un penseur dont l’œuvre théorique et poétique a profondément influencé le dernier demi-siècle. La générosité de nos mécènes et le soutien du ministère de la Culture et de la Communication nous permettent de faire aujourd’hui cette exceptionnelle acquisition. » « Bien sûr, l’exposition ne pouvait pas manquer de soulever des sarcasmes quant à la récupération, l’édulcoration, la stérilisation, la fétichisation, la réification… de la pensée situationniste.”

A signaler également l’ouvrage de Fabien Danesi paru en 2008,

 Le Mythe brisé de l’Internationale situationniste. danesi_F

L’aventure d’une avant-garde au cœur de la culture de masse (1945-2008).