Archives de catégorie : Choses vues

Chicago, foyer d’art brut des années 70-Hey ! 4

La Halle St Pierre présente une nouvelle exposition d’art brut cette fois consacrée aux créateurs ayant vécu à Chicago, découverts pour la plupart dans les années 1970 par de jeunes artistes. Parmi les dix créateurs présentés, le plus célèbre est HENRY DARGER (1892-1973) : son lieu de création, son appartement, son univers, est suggéré à travers deux photographies agrandies en noir et blanc :

L’américain d’origine italienne ALDOBRANDO PIACENZA (1888-1976), reconstituant son village natal :

Vue de l’exposition.
Vue de l’exposition.

L’afro-américain Dr. Charles Smith (né en 1940), vétéran de la guerre du Vietnam :

Le trône de MR. IMAGINATION (1948-2012) :

Les personnages peints par LEE GODIE (1908-1994) :

Les oeuvres de l’américain d’origine grecque DROSSOS SKYLLAS (1912-1973) :

Drossos Skyllas. Détail.

Les gratte-ciel dessinés par le musicien Wesley Willis (1963-2003) :

Wesley Willis. Détail.

le dossier de presse :

Au premier étage HEY! modern art & pop culture #4, poursuit son exposition de la scène artistique alternative. Son édition 2019 réunit 36 artistes issus de 17 pays, pour une mise en valeur d’œuvres Outsider Pop, essentiellement figuratives. Certaines sculptures rappellent des temps anciens : les bustes en résine, inspirés par des portraits florentins du 15ème siècle (Gerard Mas), une sculpture – rappelant les squelettes reliquaires – de la tatoueuse Nathalie Verdon, les panneaux d’un autre artiste tatoueur, spécialisé dans l’art du vitrail médiéval (Mikaël De Poissy), de spectaculaires guerriers en armure, réalisés à base de grillage à poules (Brigitte Lajoinie) ou des sculptures proliférantes, évoquant l’univers des sagas (Kris Kuksi).

Nathalie Verdon (Suisse). Détail
Brigitte Lajoinie (France). Vue de l’exposition.
Brigitte Lajoinie (France). Vue de l’exposition.
Mikaël De Poissy. Détail.
Gerard Mas, Call center lady, 2016. Détail.
Gerard Mas. Détail.
Gerard Mas. Vue de l’exposition.
Kris Kuksi (États-Unis). Imperial Fowl. 2013. Assemblage technique mixte. 78.7 x 83.8 x 22.9 cm. Détail.

Les 36 artistes présentés :

Vasilis Avramidis (Grèce)
Gil Batle (États-Unis)
Jürg Benninger (Suisse)
Nils Bertho (France)
Troy Brooks (Canada)
Chen M (Belgique)
Maryrose Crook (Nouvelle-Zélande)
Mikaël De Poissy (France)
Fulvio Di Piazza (Italie)
Claire Fanjul (France)
Alessandro Gallo (Italie)
Séverine Gambier (France)
Davor Gromilovic (Serbie)
Masayoshi Hanawa (Japon)
Filip Hodas (République tchèque)
Nancy Josephson (États-Unis)
Kris Kuksi (États-Unis)
Brigitte Lajoinie (France)
Mathieu Lewin (France)
Lizz Lopez (États-Unis)
mad meg (France)
Gerard Mas (Espagne)
Mothmeister (Belgique)
Heather O’Shaughnessy (États-Unis)
Agathe Pitié (France)
Osvaldo Ramirez-Castillo (Canada)
David Rochline (France)
Shelter Shirrstone (Russie)
Heidi Taillefer (Canada)
The Kid (Pays-Bas, Brésil)
Paul Toupet (France)
Yannick Unfricht (France)
Henriette Valium (Canada)
Nathalie Verdon (Suisse)
Quan Wansanit Deslouis (Thaïlande)
Betsy Youngquist & R. Scott Long (États-Unis).

Révélations en quelques vues.

Le salon Révélations 2019 dédié aux métiers d’art, au Grand Palais, s’achève dimanche. Parmi les exposants figurant au banquet, à signaler :

Les dix ateliers d’art iraniens représentés :

L’espace consacré aux créateurs du Cameroun.

Un espace consacré aux créations en papier d’Ana Hagopian installée en Espagne :

Le site Internet du salon.

A signaler également l’exposition Doppia Firma de la Fondation Michelangelo, présentant des dialogues entre maîtres d’art et designers :

BUTTERFLY
designeuse : Mathilde Bretillot
Maître d’Art : Antoine Leperlier
ANAMORPHOSIS
Designer : Atelier Lachaert Dhanis
Maitre d’Art: Studio Pieter Stockmans.
ALZATA NAPOLETANA
Designer : Marcello Panza
Maître d’Art: Pasquale De Palma, Capodimonte Porcellane d’Arte.

A découvrir en détail sur ce site, et sur le site Homo Faber.

ALZATA NAPOLETANA

Ici Toutes les créations de cette exposition.

Femmes artistes européennes et inspirées

La chaîne européenne Arte diffuse une série documentaire sur les femmes artistes – leur demandant de réaliser une exposition virtuelle mettant en avant leurs inspiratrices.

A la Villa Médicis, Tatiana Trouvé en a choisi plusieurs : voici ses coups de coeur (En ligne jusqu’au 31/05/2019) :

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Plasticienne d’origine italienne travaillant en France, Tatiana Trouvé s’est imposée en quelques décennies comme une voix originale de l’art contemporain. Exposée à la Biennale de Venise et à travers le monde, elle explore dans ses installations et ses dessins le rapport entre espace, temps et mémoire. Dans l’exposition virtuelle dont elle est la commissaire, la plasticienne convoque les travaux des femmes artistes qui l’ont inspirée : la Suissesse Heidi Bucher, la Canadienne Liz Magor, la New-Yorkaise Martha Rosler, l’Afro-Américaine Beverly Buchanan, la Brésilienne Maria Martins ou sa compatriote, Lina Bo Bardi.

Liz Magor : depuis presque trente ans elle explore la trivialité quotidienne, le statut des objets :

Liz Magor.

Maria Martins — sculptrice :

A New York de 1939 à 1948, Jacques Lipchitz lui fait connaitre le travail du bronze, lequel devient son matériau de prédilection. elle fond d’étroites lianes d’airain. Cette longue saison américaine constitue sa période la plus féconde. A New York elle rencontre Marc Chagall et Piet Mondrian, et, à partir de 1942-1943, rejoint le groupe des surréalistes en exil (André Breton, Max Ernst, André Masson et Marcel Duchamp), devient « Maria » et rallie les thématiques surréalistes.(Archives of Women Artists, Research and Exhibitions). Ses sujets, en revanche, restent brésiliens et puisent abondamment aux sources des légendes amazoniennes.

Sculptures de Maria Martins.

Heidi Bucher Official website of Heidi Bucher:

Lina Bo Bardi — architecte installée au Brésil :

Beverly Buchanan, artiste qui a créé des oeuvres rappelant les petites habitations précaires (en cours de disparition), construites par les descendants des esclaves afro-américains dans le Sud du pays.

Beverly Buchanan (1940-2015) a exploré la relation entre la mémoire – personnelle, historique et géographique – et le lieu. S’engageant avec les mouvements les plus avant-gardistes de son époque, dont le Land Art, le post-minimalisme et le féminisme, elle a lié la conscience politique et sociale à l’esthétique formelle de l’abstraction. (Brooklyn Museum).

Brooklyn Museum: Beverly Buchanan—Ruins and Rituals.

Beverly Buchanan.

L’américaine Martha Rosler :

Martha Rosler, “Empty Boys”,
de la série : “House Beautiful: Bringing the War Home”, 1967-1972.
Photomontage.

Cette série documentaire sur les femmes artistes se poursuit avec d’autres expositions virtuelles proposées par :

-Monica Bonvicini (En ligne jusqu’au 07/06/2019), qui orchestre une exposition virtuelle d’artistes engagées, parmi lesquelles Andrea Bowers :

Radical Hospitality, détail. Andrea Bowers. 2015.

Sharon Lockhart, Mona Hatoum :

et Simone Forti :

Née en 1965 à Venise, Monica Bonvicini vit et travaille à Berlin, où elle enseigne la sculpture. Décorée de nombreux prix, dont un Lion d’or à la Biennale de Venise 1999, l’artiste est célèbre pour ses installations parfois monumentales dans lesquelles elle interroge et critique les structures de pouvoir, les valeurs traditionnelles ou les codes de l’architecture.

-Ursula von Rydingsvard (En ligne jusqu’au 14/06/2019), qui rend hommage aux plasticiennes contemporaines qui ont accompagné ses années de création : Kiki Smith, Judy Pfaff :

Judy Pfaff. Vues d’expositions.

Arlene Shechet mais aussi Sarah Sze, l’une de ses anciennes élèves.

Sarah Sze.

Née en 1942 d’une famille polonaise dans l’Allemagne en guerre, Ursula von Rydingsvard a passé les premières années de sa vie ballotée d’un camp de réfugiés à l’autre. Elle avait 8 ans quand sa famille s’est installée aux États-Unis. 

-Berlinde de Bruyckere, en ligne jusqu’au 21/06/2019. Elle rend hommage aux femmes artistes qui l’ont inspirée : Cristina Iglesias, Artemisia Gentileschi, Patti Smith Edith Dekyndt, Kara Walker :

Edith Dekyndt.
Kara Walker.


Berlinde de Bruyckere est connue pour ses sculptures et installations hyperréalistes, à la fois poétiques et profondément dérangeantes, la plasticienne belge se joue des frontières entre l’humain, l’animal et le végétal, le vivant et le mort :

Cette série documentaire est réalisée par Claudia Müller.

Des formes en mouvement, des couleurs en formation : Vasarely, le partage des formes

Billet (texte et photographies) de Nicolas Schmidt, Ingénieur de recherche, Institut d’histoire du temps présent. CNRS – Paris 8– UMR 8244.

Exposition au Centre Pompidou, Paris, 6 février – 6 mai 2019.

Plan de l’exposition – Dossier de presse.

Les créations de Victor Vasarely (1906-1997) font appel à un ensemble de disciplines scientifiques, auxquelles, a priori, on ne penserait pas en matière artistique : physique, géométrie, mathématique, médecine, cybernétique, psychologie, astronomie… Outre ses peintures sur toile, ses œuvres en trois dimensions sont réalisées dans divers matériaux, bois, plastique, papier, coton, métal, carton. Toutes tendent à associer tradition et contemporain, mêlent réalisme et abstraction, dans une sorte de mouvement perpétuel. Elles créent des espaces évoquant le minuscule ou l’immense, que l’œil peut saisir par des instruments adéquats, exemple « d’un tissu cellulaire vu au microscope ou d’un espace interstellaire observé à l’aide d’un télescope hyperpuissant (1). »

Vasarely, « GEA 1980-1981 », vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Comme un monde en permanente évolution

Les combinaisons de formes et de couleurs retiennent toute l’attention, demandent du temps pour saisir leur construction, invitent à la rêverie et résultent d’innombrables compositions de toute sorte : « Jeux de permutations, contrastes violents, papillotement de réseaux, vibration de couleurs complémentaires juxtaposées, superpositions de formes presque identiques, double formation convexe (par agrandissement de l’unité carrée de la base) ou concave (par rétrécissement de cette même unité), cercles concentriques aux centres mouvants sont autant de techniques appliquées par Vasarely afin de susciter la sensation du mouvement » (…), selon le désir de l’artiste de « susciter simultanément dans l’œil de chacun un effet et la conscience de sa facticité (2). »

Vasarely, “Zèbres”, 1932-1942, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’exposition montre les évolutions formelles de Vasarely, depuis le Bauhaus des années 1930 jusqu’au Pop art des années 1970, partant de la nature, animaux – zèbres, dont la robe naturelle se prête à l’élaboration d’une esthétique –, galets, polis par des siècles de mouvements de la mer – jusqu’à l’architecture et l’urbanisme un peu partout dans le monde – comme la conception d’établissements techniques, immeubles d’habitation, etc., les couleurs étant des composantes des constructions (et non un simple moyen de décorer ou d’égayer des façades), en passant par la médecine, « du corps et de l’âme », en utilisant régulièrement le « motif du ressort (3) » .

Vasarely, Dessins humoristiques, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).
Vasarely, Dessins humoristiques, cartels, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Logiquement, l’artiste a contribué aux secteurs culturel et artistique – couverture d’ouvrages, pochettes de disque – en passant par l’industrie – sigle des automobiles Renault ; objets utilitaires ou décoratifs…

Vasarely, Couvertures de la collection Tel, Gallimard, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’animation des images

La suggestion du mouvement et le fait de voir l’œuvre dans une temporalité, renvoient bien évidemment au cinéma, des réalisateurs les plus variés n’ayant pas manqué d’utiliser le « style » Vasarely, et plus largement l’art cinétique : c’est avec deux artistes du GRAV (Yvaral et Joël Stein) que « Dès 1964, Clouzot tourne L’Enfer avec Romy Schneider et Serge Reggiani, un film sur la jalousie dans lequel il s’inspire, pour des scènes expérimentales de délire névrotique, de l’univers de l’art cinétique avec des projections et des effets moirés (4). » On sait également que le cinéaste avait eu le projet de tourner un film sur Vasarely, comme il l’avait fait avec Picasso, mais l’artiste n’ayant pas donné suite, c’est avec les mêmes artistes (Yvaral et Joël Stein) que Clouzot reprend ces formes pour La Prisonnière (1968), où un personnage de galeriste et collectionneur, amateur d’objets d’art et de photos érotiques, expose nombre d’œuvres d’artistes versant dans l’abstraction – comme Agam ou Soto, artistes réunis pour l’exposition pionnière « Le Mouvement » en 1955 organisée à la galerie Denise René (5).

“La Prisonnière”, G.H. Clouzot, 1968. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Le film donne l’occasion de parcourir un ensemble indescriptible de colonnes, reflets, labyrinthe, trompe-l’œil, panneaux mobiles, etc., tandis que le maître des lieux semble se faire le porte-parole de Vasarely, quand il prône « l’art cinétique », dit vouloir « démocratiser le produit artistique par l’idée de multiples » et n’hésite pas à revendiquer un « supermarché artistique ».

Cinémathèque Française, Paris – Essais de logos pour le Musée du Cinéma. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Ailleurs, dans une haute tour proche de la Seine, l’appartement parisien d’une actrice de films pornographiques est décoré d’un tableau de Vasarely dans l’entrée, tandis les murs sont occupés par de grandes photos érotiques, dans Peur sur la ville, d’Henri Verneuil (1975). Ou encore, un peintre, dans Les Demoiselles de Rochefort, de Jacques Demy (1967), réalisant des œuvres en tirant au pistolet sur des petites poches remplies de peinture qui vont s’étaler sur une toile (comme le faisait Niki de Saint Phalle), évoluant dans une grande pièce lumineuse portant, outre un Vasarely en noir et blanc, également un mobile de Calder, artiste ayant contribué, entre autres, avec Vasarely à l’animation des formes (6).

Pour sa part, Erotissimo, de Gérard Pirès (1968), moque publicité, érotisme, fiscalité, modernité, contestation, narcissisme, consommation, etc., tout en incluant quelques toiles de type Vasarely, étalant aussi des objets design (lampes et abat-jour, poste de télévision de forme sphérique, sculpture tarabiscotée en métal, etc.) caractéristiques de l’époque.

Le générique du film de Jacques Doniol-Valcroze, Le Viol (1967) se déroule sur un long travelling vers une œuvre de Vasarely, qui se détache progressivement d’une pénombre, sur une musique de Michel Portal. Le tableau – carrés, cercles, losanges, en différentes nuances de rouge notamment – sera revu tout au long du film, huis clos entre une jeune femme et un inconnu qui s’est introduit chez elle, pour des raisons inconnues, et la retient dans son spacieux appartement ; un gros plan sur un cercle au milieu de la peinture clôt une séquence, finissant en surexposition suivie d’un fondu au noir, contribue au trouble général.

Il n’est pas étonnant que l’artiste inspire également Jean-Christophe Averty à la télévision, lequel utilise ses recherches cinétiques pour les décors d’émissions, avec Gilbert Bécaud, Barbara, Charles Trenet, Gérard Manset, Michel Polnareff, dans des décors non signés Vasarely mais reprenant « trait pour trait son langage visuel aux tonalités futuristes (7). » Exemples de Bécaud and Co, 7 avril 1968, 2ème chaîne ou de Quatre temps, 27 décembre 1968, 1ère chaîne, ORTF.

Enfin, dans Le Celluloïd et le Marbre, d’Eric Rohmer (1965), Vasarely, entre autres, est interviewé sur « les apports plastiques décisifs du cinéma aux autres arts ancestraux qu’il qualifie de “muséaux” (8). »

Décor pour l’Opéra Tannhäuser, Opéra de Paris, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt ( DR).

Reproduire à l’infini…

Faites pour être reprises, donnant lieu à réinventions de tous ordres, les œuvres de Vasarely semblent suivre, ou même anticiper cette possibilité de reproduction, par la photographie, qui s’est imposée au XIXe siècle : « L’œuvre d’art reproduite devient, de plus en plus, la reproduction d’une œuvre d’art destinée à être reproduite. Quantité d’épreuves sont par exemple possibles à partir d’une plaque photographique ; la question du tirage authentique n’a aucun sens (9). » Cette thèse se retrouve chez Vasarely, qui avait un moment travaillé dans la publicité :

« Conscient que l’œuvre d’art perd sa qualité d’objet de prestige et n’est plus réservée à une élite de connaisseurs, Vasarely entend concrétiser l’idéal d’une démocratisation totale de l’art, sans hiérarchie entre un original et sa copie ; une utopie qui n’a pu être totalement réalisée, le fétichisme et la valeur marchande de l’original étant restés des moteurs du marché de l’art (10). »

Tout se passe comme si le plasticien avait conçu dès le départ des œuvres faites pour être « autoreproductrices », pouvant être réutilisées par d’autres, servant en quelque sorte de matrice, pour être répétées indéfiniment, selon la volonté de Vasarely d’inscrire ses œuvres en « série », celle-ci héritée de l’artisanat, « non pas la gravure mais la tapisserie », et ayant lui-même réalisé « dès 1950 des motifs pour les ateliers d’Aubusson (11). » Plasticien et graphiste, Vasarely avait conçu un « alphabet plastique » à partir des formes de base, carré, cercle, visant une universalité de langage : manière d’aboutir à une sorte d’ « art social total » ?

VICTOR VASARELY 1953. Photographie de Sabine Weiss, vue de l’exposition, N. Schmidt (DR).

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(1)« Un folklore planétaire », L’Objet d’art, Hors-série, n° 134, février 2019. Vasarely. Le partage des formes. Exposition au Centre Pompidou, p. 49.

(2) Ibid. p. 46-47

(3) « Vasarely avant Vasarely », Ibid. p. 19.

(4)« Multiples et dérivés »,  Ibid. p. 57.

(5) « Les années cinétiques », ibid. p. 32.

(6) « De l’art cinétique à l’op. art »,  Ibid. p. 37.

(7) « Multiples et dérivés », Ibid. p. 57.

(8) Ibid. p. 56 ; guillemets de l’auteur.

(9) Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique [1936] Allia, 2012, p. 29-30.

(10) « Multiples et dérivés », op. cit. p. 55.

(11) Ibid. p. 59.

——————————————————-Références : Liens vers le site Centre Pompidou : – L’événement Vasarely. Présentation générale : – Vasarely – Le partage des formes Bande-annonce, reproduction d’œuvres :

Présentation par les commissaires de l’exposition Michel Gauthier et Arnauld Pierre. Programmation associée.

Décembre 1968 : Michel POLNAREFF interviewe le peintre Victor VASARELY dans son atelier. Source INA.

La dernière exposition rétrospective de Vasarely à Paris, a eu lieu en 1963 au musée des Arts décoratifs Palais du Louvre au Pavillon de Marsan. Source INA. Journal télévisé 13h, 7 avril 1963 – 4’15’’ .

Autres sources INA.

Op’ Art et Pop : en 1969, David Bowie demande à Vasarely de créer la pochette de son nouvel album, Space Oddity :

Pochette de l’album Space Oddity, créée par Vasarely.
Space Oddity.

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Pour en savoir plus : cinq journalistes -critiques évoquent l’exposition :

On repeint L’expo.
(Guy Boyer. Connaissance des arts).

Vasarely, l’expérience intacte au Centre Pompidou. Valérie Duponchelle.

L’héritage décalé de Vasarely. Philippe Dagen.

Exposition : Vasarely, la star des trente glorieuses. Yves Jaeglé.

Dessins d’exception du musée Pouchkine

Le musée Pouchkine, à la Fondation Custodia, présente en 200 dessins, un condensé éblouissant de l’histoire de l’art et du dessin européens, du XVe au XXe siècle. L’ensemble des espaces d’expositions disponibles de la Fondation ont été mobilisés pour offrir une scénographie aérée, simple et bien éclairée.

Comme le précise Ger Luijten, directeur de la Fondation Custodia : « Les dessins du Musée Pouchkine sont mondialement connus mais n’ont, pour certains, jamais été montrés en Europe, et je suis heureux d’accueillir ces trésors ».

Albrecht Dürer (Nuremberg 1471 – 1528 Nuremberg), Putti danseurs et musiciens, avec un trophée antique, 1495
Plume et encre noire, 271 × 314 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Giuseppe Cesari, dit le Cavalier d’Arpin, les Collecteurs d’impôts (1591-1596).
Rembrandt Harmensz van Rijn (Leyde 1606 – 1669 Amsterdam), Étude d’une femme tenant un enfant dans les bras, vers 1650
Plume et encre brune, rehauts de blanc, 110 × 67 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Jean-Honoré Fragonard (Grasse 1732 – 1806 Paris), L’Attaque, fin des années 1770 Encre brune à la pointe du pinceau et lavis brun sur un tracé à la pierre noire, 343 × 460 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Nicolas Poussin (Les Andelys 1594 – 1655 Rome), Zénobie trouvée sur les bords de l’Araxe, vers 1640 Plume et encre brune, lavis brun, traces de pierre noire, 146 × 205 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Jacques-Louis David (Paris 1748 – 1825 Bruxelles), Étude pour la figure d’Hersilie, 1796.
Pierre noire, estompe, craie blanche sur papier beige, 488 × 395 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Caspar David Friedrich, Deux hommes au bord de la mer (1830-1835). Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Le panorama est exceptionnel : Dürer, Véronèse, Rubens, Fragonard, Tiepolo, Caspar David Friedrich, Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec et Van Gogh,Signac, mais aussi Franz Marc, Grotz, Kandisky, puis Picasso des années 1900, Matisse, des esquisses de la Danse et des dessins des années 1940, Léger des années 1950…
Picasso, Etude pour la Composition à la tête de mort (1908). (c) Succession Picasso. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Vassili Kandinsky, Composition E (vers 1915). Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Portrait de Lydia Delektorskaya (1945). (c) Succession Matisse. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Musée Pouchkine. 500 ans de dessins de maîtres. Commissariat : Marina Lochak, directrice du Musée Pouchkine.

Figurent des oeuvres d’artistes russes moins connus, du XIXe siècle, comme Karl Brioullov :

Karl Brioullov (Saint-Pétersbourg 1799 – 1852 Manziana), Vallée d’Ithôme avant l’orage ; Chemin de Sinano après l’orage, 1835
Aquarelle sur un tracé au graphite. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

L’exposition permet également de découvrir les dessins de nombreux artistes de l’avant garde russe créés à partir des années 1900 et qui ont été conservés à Moscou : Chagall, Larionov, Gontcharova, Malevitch (alors figuratif), Tatline ..

mais aussi le peintre et illustrateur Alexandre Deineïka “qui a joué un rôle majeur dans le développement de l’art soviétique dans les années 1920”.

Vladimir Tatline (Moscou 1885 – 1953 Moscou), Un Szlachcic de Pologne, 1913 Aquarelle, lavis d’encre noire, graphite sur carton. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Kasimir Malevitch (Kiev 1878 – 1935 Léningrad), Enfants dans un pré, 1908.
Graphite et  gouache. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Conformément a la politique habituelle de médiation de la Fondation Custodia, une brochure gratuite destinée aux visiteurs, rassemble les notices détaillées de chaque dessin présenté.

Francesco Mazzola, dit Parmigianino (Parme 1503 – 1540 Casal Maggiore), Études de têtes, 1525-1527 Sanguine, 198 × 135 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Du 2 février au 12 mai 2019, tlj de 12 h à 18 h sf lundi. Fondation Custodia – 121, rue de Lille – 75007, Paris.

Site Fondation custodia : http://www.fondationcustodia.fr

Le catalogue : Vincent van Gogh (Groot Zundert 1853 – 1890 Auvers-sur-Oise), Portrait d’une jeune femme (La Mousmé), 1888 Plume métallique, plume de roseau et encre noire, sur un tracé au graphite. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Le  communiqué et le Dossier de presse

Visites guidées de l’exposition sur réservation les 1er, 16 et 30 mars, le 16 avril et le 8 mai à 12h30.

Matisse, La Danse, Composition 1, 1909, esquisse, plume et encre noire, aquarelle. (c)Succession Matisse. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.