Archives de catégorie : Choses vues

Dessins d’exception du musée Pouchkine

Le musée Pouchkine, à la Fondation Custodia, présente en 200 dessins, un condensé éblouissant de l’histoire de l’art et du dessin européens, du XVe au XXe siècle. L’ensemble des espaces d’expositions disponibles de la Fondation ont été mobilisés pour offrir une scénographie aérée, simple et bien éclairée.

Comme le précise Ger Luijten, directeur de la Fondation Custodia : « Les dessins du Musée Pouchkine sont mondialement connus mais n’ont, pour certains, jamais été montrés en Europe, et je suis heureux d’accueillir ces trésors ».

Albrecht Dürer (Nuremberg 1471 – 1528 Nuremberg), Putti danseurs et musiciens, avec un trophée antique, 1495
Plume et encre noire, 271 × 314 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Giuseppe Cesari, dit le Cavalier d’Arpin, les Collecteurs d’impôts (1591-1596).
Rembrandt Harmensz van Rijn (Leyde 1606 – 1669 Amsterdam), Étude d’une femme tenant un enfant dans les bras, vers 1650
Plume et encre brune, rehauts de blanc, 110 × 67 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Jean-Honoré Fragonard (Grasse 1732 – 1806 Paris), L’Attaque, fin des années 1770 Encre brune à la pointe du pinceau et lavis brun sur un tracé à la pierre noire, 343 × 460 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Nicolas Poussin (Les Andelys 1594 – 1655 Rome), Zénobie trouvée sur les bords de l’Araxe, vers 1640 Plume et encre brune, lavis brun, traces de pierre noire, 146 × 205 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Jacques-Louis David (Paris 1748 – 1825 Bruxelles), Étude pour la figure d’Hersilie, 1796.
Pierre noire, estompe, craie blanche sur papier beige, 488 × 395 mm
Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Caspar David Friedrich, Deux hommes au bord de la mer (1830-1835). Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Le panorama est exceptionnel : Dürer, Véronèse, Rubens, Fragonard, Tiepolo, Caspar David Friedrich, Renoir, Degas, Toulouse-Lautrec et Van Gogh,Signac, mais aussi Franz Marc, Grotz, Kandisky, puis Picasso des années 1900, Matisse, des esquisses de la Danse et des dessins des années 1940, Léger des années 1950…
Picasso, Etude pour la Composition à la tête de mort (1908). (c) Succession Picasso. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Vassili Kandinsky, Composition E (vers 1915). Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Portrait de Lydia Delektorskaya (1945). (c) Succession Matisse. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Musée Pouchkine. 500 ans de dessins de maîtres. Commissariat : Marina Lochak, directrice du Musée Pouchkine.

Figurent des oeuvres d’artistes russes moins connus, du XIXe siècle, comme Karl Brioullov :

Karl Brioullov (Saint-Pétersbourg 1799 – 1852 Manziana), Vallée d’Ithôme avant l’orage ; Chemin de Sinano après l’orage, 1835
Aquarelle sur un tracé au graphite. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

L’exposition permet également de découvrir les dessins de nombreux artistes de l’avant garde russe créés à partir des années 1900 et qui ont été conservés à Moscou : Chagall, Larionov, Gontcharova, Malevitch (alors figuratif), Tatline ..

mais aussi le peintre et illustrateur Alexandre Deineïka « qui a joué un rôle majeur dans le développement de l’art soviétique dans les années 1920 ».

Vladimir Tatline (Moscou 1885 – 1953 Moscou), Un Szlachcic de Pologne, 1913 Aquarelle, lavis d’encre noire, graphite sur carton. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.
Kasimir Malevitch (Kiev 1878 – 1935 Léningrad), Enfants dans un pré, 1908.
Graphite et  gouache. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Conformément a la politique habituelle de médiation de la Fondation Custodia, une brochure gratuite destinée aux visiteurs, rassemble les notices détaillées de chaque dessin présenté.

Francesco Mazzola, dit Parmigianino (Parme 1503 – 1540 Casal Maggiore), Études de têtes, 1525-1527 Sanguine, 198 × 135 mm Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Du 2 février au 12 mai 2019, tlj de 12 h à 18 h sf lundi. Fondation Custodia – 121, rue de Lille – 75007, Paris.

Site Fondation custodia : http://www.fondationcustodia.fr

Le catalogue : Vincent van Gogh (Groot Zundert 1853 – 1890 Auvers-sur-Oise), Portrait d’une jeune femme (La Mousmé), 1888 Plume métallique, plume de roseau et encre noire, sur un tracé au graphite. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

Le  communiqué et le Dossier de presse

Visites guidées de l’exposition sur réservation les 1er, 16 et 30 mars, le 16 avril et le 8 mai à 12h30.

Matisse, La Danse, Composition 1, 1909, esquisse, plume et encre noire, aquarelle. (c)Succession Matisse. Musée d’État des Beaux-Arts Pouchkine, Moscou.

L’art brut japonais (2)

La mise en lumière internationale de l’art brut japonais remonte à l’exposition « Art Incognito » présentée en 1997 à la Collection de l’Art Brut à Lausanne. Le même espace a présenté en 2008 une exposition intitulée « Japon », qui se consacrait entièrement à la création japonaise. En 2010, la Halle Saint-Pierre a présenté la première exposition française sur l’art brut japonais — environ 1.000 œuvres créées par 63 auteurs. 2018 sonne le retour de l’art brut japonais à la Halle Saint Pierre avec « Art Brut Japonais II ». 

Cette nouvelle exposition  qui rassemble une cinquantaine d’auteurs : elle va permettre d’identifier certains créateurs. Au Japon, l’art brut a connu un vaste essor dans la province de Shiga à la fin du XXe siècle. Cette province, située au centre de l’île de Honshü, la plus importante de l’archipel, est pionnière dans la prise en compte et l’accompagnement des artistes handicapés. Les institutions spécialisées souhaitent y laisser libre cours à l’imagination et à la créativité de leurs patients.

Ces artistes sont soit issus d’ateliers pratiquant l’art-thérapie, soit ils sont autonomes. Ils utilisent des techniques et des matériaux divers comme la céramique, l’origami, le dessin, le textile, la sculpture ou bien l’assemblage d’objets comme Reiichi Hayashida :

Reiichi HAYASHIDA,  Technique mixte.
Reiichi HAYASHIDA,Publicité pour un dîner chinois, 2016, Technique mixte, 45 x 60 x 9,5 cm Collection de l’artiste.
Reiichi HAYASHIDA,  Technique mixte.

Parmi la cinquantaine de créateurs présentés, voici quelques artistes remarquables dont certains ont été  déjà exposés  à  Nantes en décembre 2017. Chacun de ces artistes est un monde à part dépourvu de toute influence artistique extérieure. Pour autant, ils ne sont pas hors du temps et de la société, dans lesquels ils vivent.

Takeru AOKI, Aki Yashiro, 1997-2004. ©Satoshi Takaishi.
Vues de l’exposition.
Ichiro YOSHIDA
Né en 1960. Vit dans la préfecture de Tokushima. Grand personnage Pocket-Pocket. 2010. Technique mixte.
Takayuki AYAMA. Tortue bleue dans la mer. 2017.
Takayuki AYAMA. Léopard, guépard et bébé léopard – Bois de Zelkova, stylo graveur électrique, crayon de couleur, 2016 © Takayuki Ayama.

Sinichi Sawada est déjà reconnu et a intégré les collections lausannoise ; il est devenu une figure emblématique de l’art brut japonais grâce à ses céramiques, présentées lors de la Biennale de Venise 2013 :

Vue de l’exposition à la Halle Saint Pierre
(visite de Lucienne Peiry).
Création de Sinichi Sawada 
Naoya MATSUMOTO, Shachihoko, 2014,
Argile, 32 x 38 x 48 cm, OMIGAKUEN

Les autres œuvres présentées dans l’exposition sont souvent le fruit de nouvelles créations. Marie Suzuki (née en 1979) peint de vastes paravents :

Marie SUZUKI, Bara Bara So Waka, 2014, Paravent, stylo, 172 x 357 x 1,5 cm, Collection de l’artiste.

 Les origamis en feuille d’arbre de Yoshihiro Watanabe, qui sont d’une grande délicatesse, représentent des animaux :

Kasu Suzuki tisse et réalise un tissage inversé pour des formes volumineuses qu’ il suspend sous forme des cordes polychromes de 4,40 m :

Textiles et abstraction avec Misuzu Seko (née en 1981) qui emploie des fils de coton et de laine colorés qu’elle brode. Elle est présente dans la collection de Bruno Decharme :

Satoshi Morita (né en 1978) conserve des restes de fils dans des boîtes en carton : il les brode sur un tissu irrégulier. Il figure également dans la collection Decharme :

De nombreux dessins sont présents  dans l’exposition, comme la série des véhicules de Takumi MATSUHASHI :

Takumi Matsuhashi, Camion de papier, 2014.

ou bien les panoramas réalisés au stylo par Norimitsu Kokubo, artiste qui réside dans la Préfecture de Shiga;

ou les dessins et écrits de l’artiste Hiroyuki Komatsu résidant dans la même région :

Makoto Toya (né en 1944) a peint 61 rouleaux gigantesques de papier japon à l’acrylique :

Les motos jouets d’Akira YAMANE :

Akira YAMANE Metal Ranger V, 20152018, Technique mixte, 10 x 27 x 16 cm, Collection de l’artiste.

Une salle à part présente les travaux de deux survivants de la bombe atomique d’Hiroshima, deux artistes hibakusha, Masaki HIRONAKA et Yukio KARAKI,  qui, comme beaucoup d’hibakusha, témoins de la bombe d’Hiroshima, n’ont pu témoigner de ces visions qu’à un âge avancé.

Yokio Karaki avait quinze ans ; il vivait à seulement trois kilomètres du bombardement atomique : à partir de 1984 et pendant huit ans, il a réalisé onze peintures à l’huile et a fait don de ses œuvres au musée de Kyoto. 

Masaki HIRONAKA avait alors cinq ans et dix mois.

Alors qu’il cesse, bien des années plus tard de travailler, en 2000, il décide de rassembler ses souvenirs sous forme de carnets dessinés :

 

Masaki HIRONAKA, La bombe atomique d’Hiroshima, 2002, Stylos sur papier (copie d’originaux), 21 x 29,7 cm Collection de l’artiste.

A voir jusqu’en mars 2019.

Quelques ouvrages et biographies en français :

Quelques liens :

Diamants bruts du Japon.

Diamants bruts du Japon
durée 145’, japonais et sous-titres français, Collection de l’Art Brut/Lokomotiv films, Lausanne/Le Tourne, 2007.

artbrut.ch
hallesaintpierre.org
abcd-artbrut.net
musee-lam.fr
outsiderartassociation.eu
rawvision.com
josefhofer.at
prinzhorn.ukl-hd.de
gugging.at
folkartmuseum.org
outsider-environments.blogspot.org

https://abcd-artbrut.net/collection/

Mantegna et Bellini : Venise, Londres, Berlin

Les oeuvres d’Andrea Mantegna (né près de Padoue) et celles de son jeune beau-frère Giovanni Bellini (né à Venise) sont réunies dans une suite d’expositions temporaires exceptionnelles, à Venise, à Londres puis à Berlin. Si quelques unes de ces oeuvres ne seront pas de toutes les étapes du voyage, chaque lieu mettra en valeur les caractéristiques des deux artistes.

La présentation de Jésus au temple. Andrea Mantegna. Vue de l ‘exposition à la National Gallery. Londres.
Présentation de l’exposition temporaire qui ouvre à Londres en octobre.
Giovanni Villa raconte : Bellini et Mantegna à la Fondation Querini Stampalia à Venise. Les deux "présentations au temple" de Bellini et de Mantegna ont été exposées ensemble, du 21 mars 2018 au 1er juillet 2018 à la Fondazione Querini Stampalia à Venise.

A Londres et à Berlin, ce sont près de cent d’œuvres qui seront réunies.  L’ivresse de Noé (1515) de Giovanni Bellini est une œuvre identifiée par Roberto Longhi en son temps et notamment exposée par Michel Laclotte pour  clore l’exposition De Giotto à Bellini en 1956 puis ouvrir en 1993 Le Siècle de Titien au Grand Palais. Elle vient d’être restaurée : figurant à Londres, elle rejoindra son propriétaire, le Musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon, pour sa réouverture prochaine, le 16 novembre 2018.

L’ivresse de Noé. Giovanni Bellini après restauration. Septembre 2018.
Visite de l’exposition.
La présentation de Jésus au temple. Giovanni Bellini.
©Fondazione Querini Stampalia. Venise.
La présentation de Jésus  au temple. Andrea Mantegna.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie.

Après Londres (Commissariat : Caroline Campbell), l’exposition sera présentée à Berlin ( Commissariat: Neville Rowley) du 01.03.2019 au 30.06.2019 :

For the first time, the Staatliche Museen zu Berlin and the National Gallery, London are presenting the intricately related work of the artists Andrea Mantegna (ca. 1431-1506) and Giovanni Bellini (ca. 1435-1516). With around 100 works, this will be the first full-scale exhibition to present the work of these two masters of the Italian Renaissance side by side.

In 1453 the ambitious, dynamic painter and printmaker Andrea Mantegna, who was active in Padua, married into the Bellini family, who were among the leading painters in nearby Venice. Mantegna’s brilliant compositional innovations and his deep interest in classical antiquity made a major impact on his youngest brother-in-law, Giovanni Bellini. During this time, Bellini’s distinctive painterly style also made a deep impression on Mantegna’s work. After just 10 years of close collaboration, their paths parted. In 1460 Andrea moved to Mantua, where he remained Court Painter to the princely Gonzaga family until his death. Giovanni, on the other hand, spent his entire artistic career in Venice. They were active in very different environments, and their artistic styles developed in very different directions. Yet through all phases of their creative lives, their work provides evidence of their continuing artistic dialogue, something that can be sensed even today.

The collections of the National Gallery and the Gemäldegalerie boast an extraordinary range of high-quality works by Mantegna and Bellini. The collections include masterpieces from all creative phases of these two extraordinary artists. Additionally, the Kupferstichkabinett and the British Museum house rich collections of works on paper by Mantegna and Bellini, by their family members, and by their protégés. Around this nucleus, the exhibition gathers together a number of outstanding loans. This allows the differences and similarities in the work of these two major artists of the Renaissance to be teased out in an exemplary fashion. These unexpected connections and breathtaking juxtapositions make up the unique attraction of this exhibition.

Les travaux sur papier des deux artistes ne sont pas oubliés. Mantegna fut aussi graveur. Ces dessins et gravures proviennent notamment  de Berlin et de Londres (Kupferstichkabinett :  commissariat Dagmar Korbacher ; British Museum : commissariat Sarah Vowles).

Andrea Mantegna. Flagellation de Jésus Christ
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
Andrea Mantegna, Jésus Christ dans les limbes 
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
G. Bellini, Saint Marcus heals the hand of the cobbler Anianus 
© Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett / Jörg P. Anders.
Muse dansant. Andrea Mantegna.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemaldegalerie/ Jörg P. Anders.
Résurrection du Christ. Giovanni Bellini.
© Staatliche Museen zu Berlin, Gemäldegalerie / Jörg P. Anders.

L’exposition à Berlin s’accompagne d’une autre exposition consacrée à la restauration d’œuvres : Bellini plus Research and restoration (14.10.2018 – 21.07.2019) : il s’agit là d’un groupe d’œuvres peintes par Jacopo Bellini et son atelier : elles n’ont pas été montrées depuis la seconde guerre mondiale.

Andrea Mantegna, The Agony in the Garden, vers 1455-6.
©National Gallery
Caroline Campbell, Head of Curatorial, discusses ‘The Agony in the Garden’, by Giovanni Bellini, an incredible painting by one of the most influential and celebrated Venetian artists. The talk also looks at Bellini’s pioneering portrayal of natural light, and compares his depiction of this biblical story to a painting
Giovanni Bellini, The Agony in the Garden, about 1458-60. ©National Gallery

Roman Cieslewicz : les coupes sombres d’un chirurgien de l’image

« Un simple assortiment de rêve sans les associations d’idées du rêveur,  sans connaître les circonstances dans lesquelles ils survinrent, ne m’intéressent guère, et j’imagine difficilement  qu’ils puissent intéresser qui que ce soit » écrivit un jour Freud à André Breton. Pour John Barnicoat citant Freud : « Le rêve ainsi détaché de son contexte est peut-être en effet dénué de sens pour un diagnostic,  mais utilisé  en tant que méthode et principe d’art visuel,  il a apporté à toute l’histoire de l’art et à celle de l’affiche en particulier, quelques idées d’une grande richesse. » (John Barnicoat, Histoire concise de l’affiche, Hachette, 1972, p. 181).

Roman Cieslewicz a été l’un de ces brillants illustrateurs, un artiste/artisan, un affichiste qui a oscillé entre expressionnisme et surréalisme. Sa grande efficacité visuelle, ses découpages et collages ont fait son succès. Mais si son inspiration vient des grands mouvements artistiques d’avant-garde, elle est aussi liée directement aux manifestations de l’histoire politique de son temps.

 Cette exposition rétrospective, si réussie (et dont la commissaire est Amélie Gastaut), s’achève le 23 septembre prochain.  C’est grâce à la donation effectuée en 2013 par la veuve de Cieslewicz au musée des Arts Décoratifs (MAD) et aux nombreux prêts effectués par l’IMEC, et par le musée de Grenoble, que l’exposition est en mesure de retracer le parcours de ce graphiste de talent. Les créations de  Roman Cieslewicz  sont ici en pays connu. Il a  en effet (avec Jean Widmer)  réalisé les plus belles affiches des expositions et les couvertures de catalogues du  musée des Arts décoratifs, du CCI, puis du Centre Pompidou, mais aussi les couvertures de la revue Opus international dès 1967 ou bien l’affiche de la première exposition d’art contemporain, organisée par la RMN,  au Grand Palais en 1972.

Il est fêté en 1972  (18 février /17 avril 1972) par le Centre de Création Industrielle (CCI) au Musée des Arts décoratifs, l’exposition est alors vue par 3000 personnes.

Roman Cieslewicz a fait l’objet d’un livre et d’une exposition (1993), réalisés par Margo Rouard au Centre Pompidou :  il a d’ailleurs activement apporté son concours à cette première rétrospective.

 La presse évoque aujourd’hui « La grande rétrospective autour de celui qui se définissait comme « chirurgien de l’image » ou « aiguilleur de rétine », Roman Cieslewicz, […] exposition où se télescope l’incroyable travail de l’artiste avec l’histoire du XXe siècle, l’histoire de l’art, graphique et visuelle, l’histoire de la presse, du cinéma ou encore de l’édition… ». Et  surtout l’histoire politique de l’Europe, celle de la guerre, de l’après-guerre et sa  guerre froide, des tentatives de libération des pays d’Europe centrale, des années 68 et 70. Les cartels rappellent la biographie d’un créateur  au cœur de toutes les propagandes, où l’art  est éminemment politique.

Roman Cieslewicz est d’origine polonaise, né en 1930 à Lvov, Lemberg, là où ont eu lieu des pogroms, puis des exterminations de masse exécutées par les Einsatzgruppen. Ce lieu de naissance n’est pas anecdotique pour cet enfant de la guerre qui évoquera beaucoup ensuite la période nazie dans son travail.

Il entame à l’âge de douze ans dans cette ville, de 1943 à 1946, sa formation à l’École de l’Industrie Artistique de Lwów (1943-1946). La ville polonaise devient ukrainienne à la suite des accords de Yalta et intègre l’URSS. La famille de Roman Cieslewicz se déplace alors à Opole. En 1947, il va étudier à Cracovie. Diplômé en 1955 de l’école des beaux-arts, il part s’installer ensuite à Varsovie où il est engagé comme graphiste dans l’agence d’Etat WAG, qui éditait des affiches de propagande à thématique sociale, culturelle, politique.

La Pologne connaît alors une période d’ouverture qui ne dure que huit ans, et le retour au réalisme socialiste l’incitera au départ.

En 1961, il reçoit un prix du ministère de la Culture et de l’Art de son pays, pour l’ensemble de son travail. Avant de quitter la Pologne pour la France en 1963, Roman Cieslewicz a en effet réalisé une cinquantaine d’affiches, essentiellement pour des spectacles de théâtre qui sont dûment  représentées dans l’ exposition.

Son processus de création part d’images hachées menues, les critiques soulignent cette caractéristique :

Plus qu’il ne les crée, Roman Cieslewicz fabrique de toutes pièces les images. Grâce à une paire de ciseaux, de la colle, une photocopieuse, et surtout un œil acéré, il devient une figure majeure de l’art visuel en France, où il s’installe dès 1963.
Le graphiste (décédé en 1996) aura une brillante carrière de directeur artistique pour le magazine Elle, grâce à Peter Knapp, puis pour l’agence de pub Mafia dans les années 1970. Il crée l’identité visuelle des éditions 10/18 et des Guides bleus. Il s’engage au sein du groupe Panique aux côtés de Topor et d’Arrabal et de Jodorowsky et crée en 1976, la revue Kamikaze (revue d’information du groupe Panique).

La boîte rouge.

« Inlassablement, il découpe, classe, archive méthodiquement dans des boîtes thématisées : les yeux, la bouche, les mains, le cercle, la guerre, Auschwitz, États-Unis, etc., qui pourront lui servir de matériaux de création ».

L’exposition comprend 700 documents, son processus créatif et ses références sont souvent puisées dans l’iconographie de l’histoire. 

« Là, le corps féminin est disséqué et passé à sa propre moulinette, dans un esprit parfois surréaliste. On s’aperçoit que les couleurs rouge, blanche et noir, l’offset ou la trame du papier le fascinent. Il décortique absolument tout. »

Affiche polonaise de Roman Cieslewicz pour le film d’Hitchcock « Sueurs froides » (1958).

L’histoire par petites touches : pastels, dessins et gravures au Louvre

La première exposition, qui vient d’ouvrir en juin : « En Société », au musée du Louvre, jusqu’au 10 septembre 2018 (Commissariat de Xavier Salmon, auteur du catalogue raisonné des pastels du Louvre) est organisée par le département des Arts graphiques du Louvre : il s’agit d’une exposition essentiellement de portraits, autour de la collection de référence du musée, soit plus de 120 pastels du 17 e et du 18 e siècles, restaurés et protégés grâce au mécénat des American Friends of the Louvre.

Ce type de création est d’une extrême fragilité, puisque les pastels sont créés « à partir de poussière colorée que l’on a souvent comparée à celle couvrant les ailes de papillon ».

Si Jean-Etienne Liotard, (1702-1789), Maurice Quentin Delatour (1704 – 1788), François Boucher  (1703-1770), Elisabeth-Louise Vigée Le Brun (1755-1842),  Jean-Baptiste Siméon Chardin  (1699-1779) ou encore Jean-Marc Nattier (1685 -1766) sont les plus connus, ils ne sont pas les seuls  à être exposés : parmi eux figurent d’autres d’artistes, souvent anciens élèves de Quentin Delatour.

( Jean-Etienne Liotard, (Ecole suisse) Portrait de Madame Jean Tronchin, née Anne de Molesnes).

Joseph Ducreux (1735-1802) élève de Quentin,  se focalise sur les traits de son modèle ( sa mère ) dans ce pastel sur papier beige. Tous illustrent la société de l’Ancien régime en offrant un beau parcours ponctué de multiples indications techniques (sur les supports et les matériaux), mais aussi historiques, grâce à  des cartels clairs qui documentent  des thèmes de société jusque-là peu évoqués de façon aussi explicite dans une exposition d’art ancien :

Ce portrait réalisé par Jean-Baptiste Perronneau (1715 -1783 ) est celui de Jean Couturier de Flotte,   qui, comme le précise le cartel, appartenait à la bonne société huguenote de la région bordelaise qui s’était enrichie dans le commerce triangulaire  en particulier avec Saint Domingue.

 

 

 

 

L’exposition comprend des artistes femmes, pastellistes  comme  Adélaïde Labille-Guiard  (1749-1803) qui précise le cartel, a dû multiplier les portraits d’académiciens (ici le sculpteur Augustin Pajou)- avant de pouvoir à son tour être reçue à l’Académie en 1783, en même temps qu’ Élisabeth Vigée-Lebrun.

 

 

 

 

Le théâtre de Voltaire avec Simon Bernard Lenoir ( 1729-1791) est évoqué  avec ce  portrait de l’acteur Henri-Louis Caïn, dit Lekain (1728/29-1778) dans le rôle d’Orosmane dans  Zaïre.

Le parcours, à plusieurs reprises, évoque l’erreur passée ou l’incertitude quant à l’attribution  d’une œuvre : les conservateurs des collections mentionnent explicitement avec davantage de simplicité,  les désaccords  pouvant exister entre spécialistes : ainsi pour ce Portrait de jeune homme entouré d’une bordure ovale, attribué à Gandolfi Ubaldo ( 1728-1781), ou à son neveu Mauro Gandolfi (1764- 1834).

La concurrence entre les pastellistes et les choix qu’ils ont finalement dû opérer pour y faire face sont aussi mis en avant : Jean-Baptiste Perronneau, concurrencé (férocement dit le cartel), par Quentin, se tourne vers la province et trouve de nombreux clients chez les négociants d’Orléans comme Augustin Prosper Tassin de La Renardière, qui fut un industriel et collectionneur d’art orléanais ayant fait  fortune dans le raffinage du sucre.

Les cadres d’origine de ces œuvres sont également remarquables. (Une exposition temporaire consacrée aux cadres est actuellement en préparation)

La dernière salle présente notamment des pastels anglais, comme ce portrait de 1790 réalisé par John Russel  :

Cette époque marque la fin du succès du pastel, qui déclinera ensuite au profit de l’art des miniatures.

Le catalogue

Base des collections du département des arts graphiques du musée du Louvre

L’exposition s’achève par la présentation  de pastels MNR : un grand panneau rappelle en trois langues, la situation de ces œuvres spoliées,  récupérées à l’issue de la deuxième guerre mondiale, et les différentes étapes de recherches et de restitutions menées depuis lors. Les cartels extrêmement détaillés  précisent ensuite pour chacune des œuvres présentées, leur histoire, telle qu’on a pu la reconstituer, après leur récupération en Allemagne à partir de 1945 et  pour qui on est  toujours à la recherche des propriétaires et de leurs descendants, comme ce pastel remis au Cabinet des Dessins par la Commission de récupération artistique le 23 décembre 1949 :

Pour l’ensemble des œuvres concernées, voir la Base MNR.

Voir également la recension de l exposition par des spécialistes du dessin de l’association Bella Maniera et celle effectuée par le GRHAM, Groupe de Recherche en Histoire de l’Art Moderne.

La seconde exposition temporaire de dessins présentée simultanément  au Louvre est consacrée au graveur topographe  Israël  Silvestre  :  « La France vue du Grand Siècle » et présente des dessins inédits. Une soixantaine de « vues » dessinées du célèbre graveur sont exposées au Musée du Louvre. Parmi celles-ci, les châteaux et jardins de Vaux, Versailles, Meudon  ou Montmorency ( château aujourd’hui disparu).

L’exposition débute avec le brevet de logement au Louvre accordé à  l’artiste,  par faveur royale,  en 1675, après le premier obtenu en 1668. Parmi les nombreux dessins et gravures présentés,  à signaler ceux qu’il réalise lors de son voyage à Rome :

Vue du Forum depuis le Colisée, vers 1643/44-1653. Paris. Fondation Custodia, collection Frits Lugt, 4996 © Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Paris.

Si l’exposition valorise le fonds du Louvre, elle bénéficie aussi des nombreux prêts accordés par la Fondation Custodia. Cette exposition est organisée avec le concours de la Bibliothèque nationale de France, de la Fondation Custodia, de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, du Mobilier national et de l’Institut national d’histoire de l’art (Voir la conférence organisée par les deux commissaires Bénédicte Gady, du musée des Arts décoratifs et Juliette Trey, du musée du Louvre). Silvestre réalise   de nombreux dessins et gravures  à une époque où il lui faut imaginer des vues aériennes pour dessiner les villes conquises aux portes du Royaume: Colbert l’envoya  en effet dessiner des vues de Toul, Metz, Charleville ou Verdun, récemment devenues françaises.

Ami de Charles Le Brun, Silvestre dessinera sa demeure à Montmorency (aujourd’hui disparue) mais aussi  à Meudon, le parc et le château du ministre du Roi,  le marquis de Louvois  :

Israël Silvestre, Château et parc de Meudon, vus du côté du village de Fleury, 1687. Paris, musée du Louvre, département des Arts graphiques, Inv 33039 © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Michel Urtado. 

Cette exposition est notamment décrite dans le journal Le Monde.