Une curatrice, des expositions : un entretien avec Pauline Lisowski.

 

Pauline Lisowski est née en 1988 à Nancy :  après un diplôme national d’arts plastiques à l’école nationale supérieure d’art de Nancy, deux années d’études à l’école du paysage de Blois, un master 1 en esthétique et science de l’art et un master 2 Projets Culturels dans l’espace public, elle a développé une démarche de critique d’art en créant d’abord un blog d’actualité critique sur l’art contemporain, Le corridor de l’art. Elle publie ensuite régulièrement dans diverses revues en ligne dédiées à l’art contemporain (Inferno, Point Contemporain, BoumBang, Branded, observatoire de l’art contemporain, The Steidz, Slash Paris).  Elle écrit également dans artpress, Artension et le Mook gardenlab. Parallèlement, elle écrit des textes pour des artistes, dans des catalogues et sur leur site internet. Elle s’intéresse aux pratiques artistiques qui touchent principalement à l’espace, à l’art du paysage, installation in situ en relation avec l’architecture et à des projets qui tissent du lien avec la cartographie. Elle considère l’espace d’exposition comme un lieu porteur d’inspiration pour son histoire et son architecture. Ses projets consistent à inviter des artistes à prendre le temps de découvrir un espace, d’y trouver matière à création pour l’investir et le révéler. Elle construit ses expositions à partir d’une expérience du lieu et du territoire. Elle accompagne ainsi l’artiste dans sa réflexion et dans son processus de création. Elle vit et travaille à Aubervilliers et est membre de C.E.A. (Commissaires d’expositions associés) et de l’AICA (Association Internationale des Critiques d’Art)

Sur votre cv en ligne, vous listez au moins 45 expositions dont vous avez été la commissaire depuis le début de votre carrière, en 2015, vous êtes également commissaire de l’exposition qui a lieu du 21 mai au 3 octobre 2021 au jardin botanique J.M Pelt, à Villers-lès-Nancy.

Au cours de vos études, vous avez développé des connaissances dans deux domaines : l’art, la nature, le paysage, d’une part, mais aussi l’art contemporain, ses artistes et leur exposition, d’autre part : comment est né votre choix professionnel en faveur de l’activité d’exposition dans l’espace public ? Comment est né votre projet professionnel ?

J’ai des parents enseignants, férus d’art et de jardins. J’ai dès l’enfance eu un intérêt pour le dessin et la peinture qui s’est approfondi par un enseignement en arts plastiques donné par l’artiste Sylvie De Biasi. Mon intérêt pour les jardins s’est aussi affirmé petit à petit. J’ai donc en effet un double cursus, d’abord au sein de l’école nationale supérieure d’art de Nancy, puis à l’école du paysage à Blois, puis vers l’esthétique et les sciences de l’art, grâce à au conseil d’un de mes professeurs, Claude Eveno qui traite de l’histoire des jardins[1].

À l’université Paris Panthéon-Sorbonne à Paris, j’ai bénéficié de l’appui de Gilles Tiberghien[2], qui m’a ensuite proposé d’écrire pour les Cahiers de l’École du paysage. Puis, j’ai rencontré Paul Ardenne, qui m’a aussi donné de bons conseils, m’accompagnant dans mes réflexions.

Je souhaite en effet organiser des expositions autour du vivant végétal, de notre représentation du paysage tout en prenant appui sur l’architecture du lieu. Le thème de l’écologie est en vogue et il est en effet nécessaire d’en parler, mais, à l’issue de mon master 2 Projets Culturels dans l’espace public, je n’ai pas trouvé de centres d’art où je pouvais travailler et je suis peu intervenue dans l’espace public, hormis en accompagnant une première phase de projet de commande publique, avec Pascal Le Brun Cordier, à Tremblay-en-France. J’ai dans un premier temps, privilégié l’écriture dès mes études en créant un blog d’actualité de l’art contemporain. Je suis devenue curatrice indépendante dès l’obtention de mon diplôme Master Projets culturels dans l’espace public. J’ai en outre choisi d’habiter Aubervilliers où j’ai une terrasse où je peux soigner mes plantes, un jardin, source d’inspiration où j’ai un bureau extérieur. Les artistes avec lesquels je travaille ont souvent cette même empathie envers la nature et interrogent notre relation au paysage.

Comment organisez-vous votre temps, entre les expositions et l’activité de critique d’art que vous menez par ailleurs ? Comment envisagez -vous l’articulation entre ces deux activités ?

J’ai en fait très tôt – dès 2009 – écrit et fondé mon blog, Le corridor de l’art, afin de valoriser la création contemporaine. Je suis une passionnée d’art contemporain et j’ai souhaité dès que je visitais une exposition ou un atelier d’artiste, faire partager les œuvres que j’avais appréciées. C’est ensuite qu’est venue l’activité de curatrice, directement engagée au moment de mon diplôme. Je construis cette activité à la suite des rencontres avec des artistes, des galeristes, qui m’ont sollicitée soit pour écrire des textes dans leurs catalogues, soit pour en effet me charger du commissariat de leurs expositions. J’aime cette expression, le care, le soin, prendre soin des plantes, prendre soin des artistes. Je travaille ainsi depuis plusieurs années avec une famille d’artistes comme ceux regroupés à Nancy pour l’exposition « Le temps du Végétal » :  Karine Bonneval, Isabelle Bonté-Hessed2, Marie Denis, Snezana Gerbault, Laurence Gossart, Frédérique Hervet, Animalia Plantae (Julien Matoska).

Laurence Gossart est devenue une amie proche avec qui j’échange beaucoup sur mes pratiques curatoriales. Marie Denis également, avec laquelle je nourris mes intérêts pour l’herbier. Avec Hélène Muheim, je poursuis des réflexions sur la représentation du paysage.

Les mains aux squelettes de « Ficus Religiosa », œuvre de Marie Denis, 2018.Exposition « Métamorphoses du quotidien », du 7 septembre au 3 octobre 2020, maison des arts plastiques Rosa Bonheur à Chevilly-Larue.

Les mains aux squelettes de « Ficus Religiosa », œuvre de Marie Denis, 2018.Exposition « Métamorphoses du quotidien », du 7 septembre au 3 octobre 2020, maison des arts plastiques Rosa Bonheur à Chevilly-Larue.

Le noyau d’artistes avec qui je travaille (une dizaine) m’amène à poursuivre mes réflexions et à faire de jolies découvertes de lieux et de sites de projets. Parallèlement, je me consacre à l’écriture. Au fil des années, de ces pratiques cumulées, est née une réflexion qui me conduit à m’intéresser à des lieux plus institutionnels pour lesquels je pourrais travailler plus longtemps pour des projets sans doute moins nombreux (trois par an) mais plus qualitatifs. Pour l’instant si j’ai collaboré à des catalogues pour des artistes et des galeries, je n’ai pas, sur mes propres expositions, eu à participer à la création de livres ou de catalogues : c’est en général cher pour l’institution d’accueil.

Pour l’exposition de François Génot en 2015 (CR502p, Galerie 379, Nancy), nous avons créé une petite édition, un petit carnet de bord, format A6, écrit à quatre mains : il réalise ses propres outils in situ. Il conçoit du fusain à partir des branches qu’il ramasse et propose des ateliers de fabrication de cet outil de dessin. On poursuit ensemble une réflexion sur le travail en résidence in situ et sur la possibilité de créer en fonction du cycle des saisons.

Les catalogues coûtent chers. En outre, la covid a entraîné des réductions budgétaires : ainsi Patricia Cartereau, pour qui j’ai écrit un texte dans son catalogue d’exposition au Château-musée de Tournon-sur-Rhône (exposition maintenue mais décalée d’un an), a obtenu des financements réduits et a contribué au financement de son catalogue.

EN SAVOIR + :

Pour l’exposition « Le temps du végétal » au jardin botanique Jean-Marie Pelt, à Villers-les-Nancy, nous avons créé un dépliant d’aide à la visite et le chargé de la communication du jardin botanique a réalisé des vidéos de deux minutes, environ, avec les artistes.  Compte tenu de la crise sanitaire, il n’y a pas eu de vernissage.

Le prochain projet se déroule au Préau, Maxéville, près de Nancy, il a pour thème la question de la forêt. Je travaille avec les artistes Ming-Chun Tu et Caroline Antoine, qui ont à plusieurs reprises exploré. Leur exposition « Sœurs d’arbres – Couleurs et cendres de la forêt de Haye » restitue leurs expériences et rend compte des différentes atmosphères de ce milieu, à la fois sauvage et entretenu par l’homme.

J’ai tissé des liens avec des critiques d’art, des artistes, des galeristes et directeurs de centres d’art. j’ai réussi dans certains cas à ce que les artistes exposés lors de mes commissariats, puissent à nouveau être exposés ailleurs. Avoir ainsi suscité d’autres expositions me procure une grande satisfaction dans mes projets de curatrice. Je travaille dans ce contexte d’émulation, dans ce ping-pong avec d’autres curateurs, des artistes, des critiques. Il y a un effet de partage, de retours, d’échanges permanents.

Vous êtes membre de l’association C.E.A. (Commissaires d’expositions associés) qui est un peu moins connue que l’AICA : pouvez-vous m’en dire quelques mots ?

L’association C.E.A. a été fondée en 2007 avec pour but de réfléchir au statut de commissaire indépendant, essayant par exemple de proposer des grilles tarifaires, comme pour les critiques d’art. Cela permet également de voir des expositions et des ateliers ensemble. Il y a des appels à projets réguliers. Ainsi, le réseau Devenir Art  en région Centre-Val de Loire  a organisé avec l’association C.E.A. une visite des ateliers d’artistes. C.E.A. met en place également Public POOL, des rencontres sous la forme d’interventions pluridisciplinaires. La forme « appel à projet » permet de proposer des formes inédites de présentation, tel un laboratoire de recherches.

Quelles sont les spécificités d’une exposition dans un espace extérieur, paysagé par rapport aux expositions dans des musées ou galeries (auxquelles vous contribuez également) ?

J’aime beaucoup travailler en fonction des lieux : voir l’espace, dialoguer avec le responsable de la structure, qu’il ou elle m’explique le pourquoi de telle architecture, son histoire, son inscription dans le territoire. S’instaure ensuite une discussion à trois, avec le responsable du lieu et l’artiste sur la scénographie, je ne souhaite pas intervenir de manière autoritaire.

Une exposition en extérieur comme celle que j’organise au 6B, à Saint-Denis, intitulée « Semer, tracer, cligner des yeux » (26 juin – 30 octobre) nécessite de prendre en compte l’espace, la végétation et de négocier avec les acteurs qui entretiennent le milieu. Les œuvres sont amenées à s’adapter à des sites et à jouer avec l’environnement. Dans cette exposition, j’ai proposé aux artistes résidents de réaliser des œuvres qui répondaient au paysage et pouvaient s’intégrer au jardin. Par exemple, Barbara Portailler propose un projet d’installation in situ qui se construit dans toute la durée de l’exposition.

Ces expositions qui touchent principalement à l’espace, à l’art du paysage, à des projets qui tissent du lien avec la cartographie, sont-elles plus nombreuses qu’auparavant ?  Si oui depuis quand ?

Ces expositions sont plus nombreuses qu’auparavant car les enjeux liés à la nature et au paysage sont devenus très importants et même urgents. Depuis près de 20 ans, des expositions hors-les-murs continuent d’être organisées par différentes structures qu’elles soient associatives ou institutionnelles. J’ai commencé à m’y intéresser d’autant plus lors de ma formation en Master 2. J’ai l’occasion d’expérimenter régulièrement ces itinéraires artistiques où les œuvres se fondent parfois dans la nature ou la mettent en scène. Par ailleurs, j’écris sur l’art en relation avec l’écologie et l’environnement dans la lettre mensuelle Impact art news, diffusée par l’association Art of Change 21, dont la présidente est Alice Audouin.

Pouvez-vous parler de la dernière exposition en cours, à Saint-Denis ?

Oui, cela a lieu au 6B, j’avais déjà réalisé une exposition en 2016 dans la grande salle de 600 m2. Dans ce cadre, j’avais demandé à des artistes de réfléchir à sa localisation : ce lieu de résidence d’artistes (autofinancé) est en effet situé entre la Seine et le canal Saint-Denis : je les ai incités à réfléchir sur cette localisation. Pendant la crise sanitaire, les artistes se sont retrouvés de manière conviviale dans le jardin. Ce lieu de vie, festif m’a inspiré un projet d’exposition, pour inviter à découvrir la nature environnante. Laurent Gongora, Taylor Smith, Valentina Canseco, Barbara Portailler, Fergus Sindall et Aurélie Slonina ont ainsi créé des œuvres des œuvres in situ en réfléchissant à une relation aux arbres, au cycle des saisons et à notre rapport à la nature en ville.

Les artistes qui travaillent sur ces questions sont de plus en plus nombreux également : quelles sont les figures emblématiques qui caractérisent ce champ de la création contemporaine ?

Andy Goldsworthy, Nils Udo, Bob Verschueren et Cornelia Konrads, pour n’en citer que quatre alors qu’ils sont très nombreux, font partie d’un courant d’artistes internationaux qui travaillent in situ et bien souvent avec des matériaux naturels glanés lors de promenades. Ces artistes m’intéressent car ils travaillent directement avec la nature et en prenant le temps de créer avec ce qu’ils trouvent au fil des saisons. Leurs œuvres s’immiscent dans les paysages, se fondant presque parmi la nature. Depuis 2007, je poursuis mes visites dans de nombreux lieux d’expositions d’art, en plein air, en forêt, en campagne et dans les jardins. Je suis allée plusieurs fois au Centre International d’Art et du Paysage de Vassivière-en-Limousin… J’ai pu à plusieurs reprises parcourir certains circuits du Vent des forêts en Meuse, devenu centre d’art en milieu rural.

Avant d’aborder en détail votre dernière exposition, quelle autre exposition temporaire dont vous avez été commissaire vous tient à cœur et pourquoi ?

Natacha De Mol, “We have been waiting so long for you to arrive” (détail), 2017. Empreintes de fleurs d’hortensia sur enduit posé au mur, huile, 50 x 70 cm, crédits photo ©Zoé Namêche (DR).

Y croître au CACLB, Centre d’Art Contemporain du Luxembourg belge, à Montauban, en Belgique, fut ma première exposition collective organisée ailleurs qu’en France. En milieu rural, au cœur d’une forêt, le centre d’art contemporain offre aux artistes un contexte particulièrement inspirant et nécessitant de prendre le temps de l’explorer pour créer et proposer des œuvres qui prennent appui sur les éléments de l’architecture. J’ai invité des artistes vivant à Paris à participer à cette exposition… Ils furent enchantés par ce lieu qui allie nature et patrimoine (situé sur un lieu d’anciennes forges).

Cécile Beau, « Cladonia », diverses variétés de mousses et lichens, lampes de croissance, 2019. Crédits photo : J.-P. Ruelle (DR).

Dans quel contexte a été organisée l’exposition que l’on peut visiter actuellement «  Le temps du végétal », une exposition d’art contemporain du 21 mai au 3 octobre 2021, au jardin botanique Jean-Marie Pelt, à Villers-lès-Nancy ?

Cette exposition est le fruit d’une proposition personnelle adressée à l’équipe de direction du jardin botanique. Originaire de la région, j’ai commencé mes études à l’école supérieure d’art de Nancy et lors de ma troisième année d’étude, nos enseignants ont entamé un partenariat avec le jardin botanique. Nos visites nous ont permis de réaliser des œuvres qui furent présentées dans un espace d’exposition. Cette expérience toujours en tête, fidèle exploratrice de ce jardin qui m’a permis de découvrir les expositions suivantes, j’ai songé à ce lieu pour proposer une exposition collective. L’origine de ce projet remonte à quelques années déjà, il fait suite à mes nombreux échanges avec des artistes avec lesquels je tisse des relations et organise des expositions. L’herbier, entre art et science est devenu un sujet de prédilection pour certains artistes plasticiens et cette observation m’a incité à tisser des relations entre plusieurs démarches artistiques. Au fur et à mesure de mes recherches m’est venue l’idée de réfléchir à la représentation du végétal chez ces artistes, attentifs au vivant et aux formes de la nature.

Qui a décidé de votre désignation comme commissaire ?

Je me suis proposée comme curatrice auprès de la direction du jardin botanique. J’ai d’ailleurs pu bénéficier du soutien de deux artistes qui connaissaient le directeur actuel.

J’ai proposé un thème d’exposition, une liste d’artistes et un budget détaillé en fonction de l’enveloppe qui m’était proposée suite à un premier rendez-vous avec le directeur et la directrice adjointe du jardin botanique. Les choix artistiques ont presque tous été acceptés. Le projet a été quelque peu remanié pour répondre aux connexions qu’ils souhaitaient établir avec la rénovation du « jardin de l’évolution » et avec la programmation de rencontres scientifiques qui devaient avoir lieu à l’origine (mais qui furent reportées ultérieurement à cause de la pandémie). Le Grand Nancy, partenaire financier du jardin botanique, a financé l’exposition.

A-t-elle été reportée ?

Oui, d’un an, comme de nombreuses expositions qui devaient ouvrir en 2020.

Comment se sont organisés les rapports avec l’institution d’accueil ?

L’équipe du jardin botanique a l’habitude d’accueillir l’exposition des étudiants de l’école d’art de Nancy dans une salle, qui précède le parcours de visite des serres. Pour cette exposition, j’ai proposé à des artistes non lorrains de participer. Ainsi, il a fallu organiser un transport d’œuvres depuis Paris. Karine Bonneval est venue en voiture directement depuis Bourges. Au départ, j’envisageais des micro-résidences d’artistes afin que les œuvres soient toutes produites pour l’exposition… Cependant, le budget habituel du jardin botanique ne permettait pas de couvrir des frais de résidence d’artiste et cela paraissait quelque peu complexe par rapport aux habitudes de ce jardin, lieu de connaissance et de partage.

Jour, 2020, installation de Frédérique Hervet, crédits Photo Julien Decollogne (DR).

La direction du jardin m’a fait alors confiance et m’a permis de mettre en œuvre l’exposition tout en bénéficiant d’une régie technique et d’un accompagnement au projet artistique.

Qui a fait son scénario ?  Quel était-il ? Quelle est sa scénographie ? Qui a choisi les artistes participant(e)s ?

J’ai choisi le sujet de l’exposition, au départ, l’herbier contemporain. Un jardin de l’évolution fut recréé au sein du jardin et pour l’équipe, il était nécessaire que la thématique de l’exposition y fasse écho. Donc, le scénario de départ a quelque peu évolué vers la thématique du « temps du végétal ».

Au fur et à mesure de la précision du sujet de l’exposition, qui fut centré sur l’évolution des plantes, les artistes Karine Bonneval, Isabelle Bonté-Hessed2, Marie Denis, Snezana Gerbault, Laurence Gossart, Frédérique Hervet, Julien Matoska ont été invités à participer.

L’herbier estampé, 2021, Installation de Marie Denis, crédits photo Jullien Decollogne (DR).

Une salle allouée à l’exposition et des panneaux et des cloisons ont permis de créer des correspondances entre les œuvres. Marie Denis a conçu une installation dans un angle. Dans une vitrine, on peut découvrir les flores qui ont inspiré Laurence Gossart pour la réalisation de sa série de dessins Rosas. Julien Matoska a conçu un cabinet de curiosités. Frédérique Hervet a proposé une installation en prenant appui sur les fenêtres de l’espace… Je me suis servi des vitrines pour composer une scénographie qui fait écho aux modalités de présentation d’herbiers tout en présentant également des séries de photographies et d’œuvres sur papier, aux murs et sur des cloisons.

Dossier-de-presse-exposition-Le-temps-du-vegetal-Nancy

De quelle équipe disposiez-vous pour la réaliser ?

Certains artistes ont pu venir sur place pour le montage des œuvres qui nécessitaient leur présence. Un régisseur du jardin botanique nous a apporté une aide précieuse notamment en affinant le montage et en collaborant à l’accrochage des œuvres.

Peut-on la qualifier d’exposition – fille ou pour le dire autrement quelles expositions antérieures peuvent être à son sujet évoquées ?

Cette exposition porte sur un thème que je travaille depuis quelques années. Certains artistes choisis pour celle-ci furent déjà présents dans certaines de mes expositions tels que Marie Denis, Laurence Gossart, Karine Bonneval et Isabelle Bonté Hessed 2. Avant celle-ci, j’avais déjà proposé des expositions « Retours aux sources » chez artéfact project space à Paris, « Natura » au Muséum aquarium de Nancy, La forêt des esprits, à Plateforme, Paris, chacune traitant différemment d’une représentation de la nature, de notre relation aux plantes, au vivant mais aussi à l’expérience du paysage.

Pouvez-vous énoncer le budget alloué pour « Le temps du végétal » ?

Environ 9000 euros de budget global, ce qui comprend mes honoraires de curatrice, un budget de production ou de monstration par artiste, les déplacements des artistes pour le montage de l’exposition, le transport des œuvres…

Quid du catalogue, quelles exigences ? Pouvez-vous évoquer le dossier de presse, et éventuellement le guide de visite ? Quels publics visés ?

Il n’y a pas eu de catalogue par manque de budget, mais j’aurais bien aimé. Le dossier de presse fut réalisé par la stagiaire graphiste, à l’époque en poste, au jardin botanique. Aucun guide de visite ne fut produit compte tenu des mesures liées à la sécurité sanitaire. Des cartels (avec textes présentant l’œuvre) sont présents dans l’exposition. Le dossier de presse est en ligne et sur le parcours, accessible grâce à un QR code. Les conditions d’organisation et de médiation de l’exposition sont quelques peu bouleversées par les nouvelles réglementations engendrées par la crise sanitaire (J’aurai aimé éditer un livret de visite à disposition des visiteurs, par exemple).

Quelles difficultés inattendues rencontrées ? avec qui et pourquoi ?

Nous ne pouvions pas percer les murs donc il a fallu trouver des solutions d’accrochage différentes. Le régisseur du jardin botanique a apporté son aide technique, si précieuse.

Avez-vous eu des surprises ?

Ce temps de maturation du travail sur un lieu donné qui peut porter sur deux trois ans peut avoir en effet des conséquences : ainsi, à Nancy, des travaux ont été réalisés dans le jardin botanique pour le rénover, mais cela a également conduit à la suppression d’une ancienne grande vitrine. Nous avons dû repenser la scénographie. Nous avons installé une cloison centrale afin de pouvoir disposer d’un autre espace mural pour accrocher des œuvres. Cloison qui permet, en cette période de division des flux de visiteurs, de créer aussi un sens de visite.

 

Dessins Rosas de Laurence Gossart, crédits photo Frédéric Pautz (DR).

Le décalage dans le temps de l’exposition, a permis aux artistes de revisiter leur projet de départ. Laurence Gossart a pu bénéficier des éclairages de la conservatrice de la bibliothèque du jardin et a découvert une flore de Louis Van Houtte à partir de laquelle elle a réalisé une série de dessins de roses. Marie Denis, elle aussi, ayant eu plus temps pour concevoir une installation et a proposé une œuvre in situ, en fonction des dimensions d’un angle que je lui avais réservé. Julien Matoska a peaufiné son cabinet de curiosités Animalia Plantae durant une longue période de maturation, en bénéficiant des rebuts des éléments végétaux confiés par l’équipe du jardin botanique.

Comment s’est organisée la médiation ?

Le jardin botanique ne pouvant employer une personne spécifiquement dédiée à la médiation, je m’en occupe : lorsque je reviens à Nancy, je propose des visites. En juin, j’ai pris plaisir à organiser une médiation pour deux classes de Primaire. Les élèves ont pu faire des correspondances entre les œuvres et les végétaux présents dans le jardin et dans les serres. Le 11 septembre, j’anime une rencontre-débat avec trois des artistes de l’exposition. Celle-ci sera précédée d’une visite guidée.

Quelles leçons en tirez-vous ?

Cette exposition m’a demandé d’être prévoyante et notamment pour pouvoir mieux gérer les besoins éventuels d’accrochage dans un lieu, qui pas uniquement dédié aux expositions d’art contemporain. Nous avons dû nous adapter : la situation sanitaire n’a pas permis l’organisation d’un vernissage qui aurait réuni en même temps tous les artistes. Toutefois, cette exposition s’est concrétisée et a donné l’occasion à des artistes de développer un projet spécifique. Je suis donc particulièrement reconnaissante de la confiance que l’équipe du jardin botanique m’a accordée pour cette exposition qui tisse du lien entre art et botanique.

Quels autres projets vous tiennent à cœur actuellement ?

Je collabore à l’association Forest Art Project, association d’artistes qui travaillent autour de la notion de forêt primaire. Cette association œuvre en écho à l’association Francis Hallé pour la forêt primaire.

Je m’engage également dans le projet du FACAC, Fonds d’Art Contemporain Agricole de Clinamen. Noémie Sauve en est à l’origine et je poursuis avec elle la sélection d’œuvres qui pourraient entrer dans ce fonds.


J’ai fondé enfin l’association Art nature et paysage 93,  en juin 2017, de façon à pouvoir proposer des projets d’exposition en relation avec la thématique du paysage et en invitant des artistes qui travaillent sur cette problématique. L’exposition Une île, au 6b était portée par cette association.

Et puis en 2018, est né le collectif Sous les pavés, les arbres, composé des associations Transverselle, dont la présidente est Anne-Marie Morice (critique d’art et commissaire d’exposition) et Art Paysage Nature 93. Durant l’été 2018, le collectif a organisé une série d’événements : interventions artistiques dans les jardins, murs peints, expositions dans les commerces. En 2019, il avait passé commande à dix artistes pour interpréter visuellement des parcs et jardins d’Aubervilliers. Les originaux ont été exposés à la Ferme Mazier et les images ont été imprimées en cartes postales éditées et distribuées par la Ville d’Aubervilliers pendant les Journées du Patrimoine. En décembre 2019 et janvier 2020, le collectif a initié et produit la manifestation L’Art en fête qui a eu lieu dans les commerces du centre-ville d’Aubervilliers en partenariat avec les services “commerce et culture” de la Ville d’Aubervilliers. D’autres projets sont en préparation…

 Je vous remercie.

 

[1] Claude Eveno a été documentariste, éditeur du Centre de création industrielle (CCI) et enseignant au département d’urbanisme de l’université Paris-VIII. Il a également exercé comme directeur des études à l’École nationale supérieure de création industrielle et a publié des ouvrages sur les thèmes de l’espace et du paysage.

[2] Gilles Tiberghien est agrégé de philosophie, il enseigne l’esthétique à l’université de Paris 1 – Panthéon Sorbonne et intervient à l’école nationale du paysage de Versailles. Il est membre du comité de rédaction des Cahiers du musée d’Art moderne et des Carnets du paysage.

 


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