Archives de catégorie : Expositions pionnières

Femmes artistes européennes et inspirées

La chaîne européenne Arte diffuse une série documentaire sur les femmes artistes – leur demandant de réaliser une exposition virtuelle mettant en avant leurs inspiratrices.

A la Villa Médicis, Tatiana Trouvé en a choisi plusieurs : voici ses coups de coeur (En ligne jusqu’au 31/05/2019) :

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Plasticienne d’origine italienne travaillant en France, Tatiana Trouvé s’est imposée en quelques décennies comme une voix originale de l’art contemporain. Exposée à la Biennale de Venise et à travers le monde, elle explore dans ses installations et ses dessins le rapport entre espace, temps et mémoire. Dans l’exposition virtuelle dont elle est la commissaire, la plasticienne convoque les travaux des femmes artistes qui l’ont inspirée : la Suissesse Heidi Bucher, la Canadienne Liz Magor, la New-Yorkaise Martha Rosler, l’Afro-Américaine Beverly Buchanan, la Brésilienne Maria Martins ou sa compatriote, Lina Bo Bardi.

Liz Magor : depuis presque trente ans elle explore la trivialité quotidienne, le statut des objets :

Liz Magor.

Maria Martins — sculptrice :

A New York de 1939 à 1948, Jacques Lipchitz lui fait connaitre le travail du bronze, lequel devient son matériau de prédilection. elle fond d’étroites lianes d’airain. Cette longue saison américaine constitue sa période la plus féconde. A New York elle rencontre Marc Chagall et Piet Mondrian, et, à partir de 1942-1943, rejoint le groupe des surréalistes en exil (André Breton, Max Ernst, André Masson et Marcel Duchamp), devient « Maria » et rallie les thématiques surréalistes.(Archives of Women Artists, Research and Exhibitions). Ses sujets, en revanche, restent brésiliens et puisent abondamment aux sources des légendes amazoniennes.

Sculptures de Maria Martins.

Heidi Bucher Official website of Heidi Bucher:

Lina Bo Bardi — architecte installée au Brésil :

Beverly Buchanan, artiste qui a créé des oeuvres rappelant les petites habitations précaires (en cours de disparition), construites par les descendants des esclaves afro-américains dans le Sud du pays.

Beverly Buchanan (1940-2015) a exploré la relation entre la mémoire – personnelle, historique et géographique – et le lieu. S’engageant avec les mouvements les plus avant-gardistes de son époque, dont le Land Art, le post-minimalisme et le féminisme, elle a lié la conscience politique et sociale à l’esthétique formelle de l’abstraction. (Brooklyn Museum).

Brooklyn Museum: Beverly Buchanan—Ruins and Rituals.

Beverly Buchanan.

L’américaine Martha Rosler :

Martha Rosler, “Empty Boys”,
de la série : “House Beautiful: Bringing the War Home”, 1967-1972.
Photomontage.

Cette série documentaire sur les femmes artistes se poursuit avec d’autres expositions virtuelles proposées par :

-Monica Bonvicini (En ligne jusqu’au 07/06/2019), qui orchestre une exposition virtuelle d’artistes engagées, parmi lesquelles Andrea Bowers :

Radical Hospitality, détail. Andrea Bowers. 2015.

Sharon Lockhart, Mona Hatoum :

et Simone Forti :

Née en 1965 à Venise, Monica Bonvicini vit et travaille à Berlin, où elle enseigne la sculpture. Décorée de nombreux prix, dont un Lion d’or à la Biennale de Venise 1999, l’artiste est célèbre pour ses installations parfois monumentales dans lesquelles elle interroge et critique les structures de pouvoir, les valeurs traditionnelles ou les codes de l’architecture.

-Ursula von Rydingsvard (En ligne jusqu’au 14/06/2019), qui rend hommage aux plasticiennes contemporaines qui ont accompagné ses années de création : Kiki Smith, Judy Pfaff :

Judy Pfaff. Vues d’expositions.

Arlene Shechet mais aussi Sarah Sze, l’une de ses anciennes élèves.

Sarah Sze.

Née en 1942 d’une famille polonaise dans l’Allemagne en guerre, Ursula von Rydingsvard a passé les premières années de sa vie ballotée d’un camp de réfugiés à l’autre. Elle avait 8 ans quand sa famille s’est installée aux États-Unis. 

-Berlinde de Bruyckere, en ligne jusqu’au 21/06/2019. Elle rend hommage aux femmes artistes qui l’ont inspirée : Cristina Iglesias, Artemisia Gentileschi, Patti Smith Edith Dekyndt, Kara Walker :

Edith Dekyndt.
Kara Walker.


Berlinde de Bruyckere est connue pour ses sculptures et installations hyperréalistes, à la fois poétiques et profondément dérangeantes, la plasticienne belge se joue des frontières entre l’humain, l’animal et le végétal, le vivant et le mort :

Cette série documentaire est réalisée par Claudia Müller.

Des formes en mouvement, des couleurs en formation : Vasarely, le partage des formes

Billet (texte et photographies) de Nicolas Schmidt, Ingénieur de recherche, Institut d’histoire du temps présent. CNRS – Paris 8– UMR 8244.

Exposition au Centre Pompidou, Paris, 6 février – 6 mai 2019.

Plan de l’exposition – Dossier de presse.

Les créations de Victor Vasarely (1906-1997) font appel à un ensemble de disciplines scientifiques, auxquelles, a priori, on ne penserait pas en matière artistique : physique, géométrie, mathématique, médecine, cybernétique, psychologie, astronomie… Outre ses peintures sur toile, ses œuvres en trois dimensions sont réalisées dans divers matériaux, bois, plastique, papier, coton, métal, carton. Toutes tendent à associer tradition et contemporain, mêlent réalisme et abstraction, dans une sorte de mouvement perpétuel. Elles créent des espaces évoquant le minuscule ou l’immense, que l’œil peut saisir par des instruments adéquats, exemple « d’un tissu cellulaire vu au microscope ou d’un espace interstellaire observé à l’aide d’un télescope hyperpuissant (1). »

Vasarely, « GEA 1980-1981 », vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Comme un monde en permanente évolution

Les combinaisons de formes et de couleurs retiennent toute l’attention, demandent du temps pour saisir leur construction, invitent à la rêverie et résultent d’innombrables compositions de toute sorte : « Jeux de permutations, contrastes violents, papillotement de réseaux, vibration de couleurs complémentaires juxtaposées, superpositions de formes presque identiques, double formation convexe (par agrandissement de l’unité carrée de la base) ou concave (par rétrécissement de cette même unité), cercles concentriques aux centres mouvants sont autant de techniques appliquées par Vasarely afin de susciter la sensation du mouvement » (…), selon le désir de l’artiste de « susciter simultanément dans l’œil de chacun un effet et la conscience de sa facticité (2). »

Vasarely, “Zèbres”, 1932-1942, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’exposition montre les évolutions formelles de Vasarely, depuis le Bauhaus des années 1930 jusqu’au Pop art des années 1970, partant de la nature, animaux – zèbres, dont la robe naturelle se prête à l’élaboration d’une esthétique –, galets, polis par des siècles de mouvements de la mer – jusqu’à l’architecture et l’urbanisme un peu partout dans le monde – comme la conception d’établissements techniques, immeubles d’habitation, etc., les couleurs étant des composantes des constructions (et non un simple moyen de décorer ou d’égayer des façades), en passant par la médecine, « du corps et de l’âme », en utilisant régulièrement le « motif du ressort (3) » .

Vasarely, Dessins humoristiques, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).
Vasarely, Dessins humoristiques, cartels, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Logiquement, l’artiste a contribué aux secteurs culturel et artistique – couverture d’ouvrages, pochettes de disque – en passant par l’industrie – sigle des automobiles Renault ; objets utilitaires ou décoratifs…

Vasarely, Couvertures de la collection Tel, Gallimard, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

L’animation des images

La suggestion du mouvement et le fait de voir l’œuvre dans une temporalité, renvoient bien évidemment au cinéma, des réalisateurs les plus variés n’ayant pas manqué d’utiliser le « style » Vasarely, et plus largement l’art cinétique : c’est avec deux artistes du GRAV (Yvaral et Joël Stein) que « Dès 1964, Clouzot tourne L’Enfer avec Romy Schneider et Serge Reggiani, un film sur la jalousie dans lequel il s’inspire, pour des scènes expérimentales de délire névrotique, de l’univers de l’art cinétique avec des projections et des effets moirés (4). » On sait également que le cinéaste avait eu le projet de tourner un film sur Vasarely, comme il l’avait fait avec Picasso, mais l’artiste n’ayant pas donné suite, c’est avec les mêmes artistes (Yvaral et Joël Stein) que Clouzot reprend ces formes pour La Prisonnière (1968), où un personnage de galeriste et collectionneur, amateur d’objets d’art et de photos érotiques, expose nombre d’œuvres d’artistes versant dans l’abstraction – comme Agam ou Soto, artistes réunis pour l’exposition pionnière « Le Mouvement » en 1955 organisée à la galerie Denise René (5).

“La Prisonnière”, G.H. Clouzot, 1968. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Le film donne l’occasion de parcourir un ensemble indescriptible de colonnes, reflets, labyrinthe, trompe-l’œil, panneaux mobiles, etc., tandis que le maître des lieux semble se faire le porte-parole de Vasarely, quand il prône « l’art cinétique », dit vouloir « démocratiser le produit artistique par l’idée de multiples » et n’hésite pas à revendiquer un « supermarché artistique ».

Cinémathèque Française, Paris – Essais de logos pour le Musée du Cinéma. Vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt (DR).

Ailleurs, dans une haute tour proche de la Seine, l’appartement parisien d’une actrice de films pornographiques est décoré d’un tableau de Vasarely dans l’entrée, tandis les murs sont occupés par de grandes photos érotiques, dans Peur sur la ville, d’Henri Verneuil (1975). Ou encore, un peintre, dans Les Demoiselles de Rochefort, de Jacques Demy (1967), réalisant des œuvres en tirant au pistolet sur des petites poches remplies de peinture qui vont s’étaler sur une toile (comme le faisait Niki de Saint Phalle), évoluant dans une grande pièce lumineuse portant, outre un Vasarely en noir et blanc, également un mobile de Calder, artiste ayant contribué, entre autres, avec Vasarely à l’animation des formes (6).

Pour sa part, Erotissimo, de Gérard Pirès (1968), moque publicité, érotisme, fiscalité, modernité, contestation, narcissisme, consommation, etc., tout en incluant quelques toiles de type Vasarely, étalant aussi des objets design (lampes et abat-jour, poste de télévision de forme sphérique, sculpture tarabiscotée en métal, etc.) caractéristiques de l’époque.

Le générique du film de Jacques Doniol-Valcroze, Le Viol (1967) se déroule sur un long travelling vers une œuvre de Vasarely, qui se détache progressivement d’une pénombre, sur une musique de Michel Portal. Le tableau – carrés, cercles, losanges, en différentes nuances de rouge notamment – sera revu tout au long du film, huis clos entre une jeune femme et un inconnu qui s’est introduit chez elle, pour des raisons inconnues, et la retient dans son spacieux appartement ; un gros plan sur un cercle au milieu de la peinture clôt une séquence, finissant en surexposition suivie d’un fondu au noir, contribue au trouble général.

Il n’est pas étonnant que l’artiste inspire également Jean-Christophe Averty à la télévision, lequel utilise ses recherches cinétiques pour les décors d’émissions, avec Gilbert Bécaud, Barbara, Charles Trenet, Gérard Manset, Michel Polnareff, dans des décors non signés Vasarely mais reprenant « trait pour trait son langage visuel aux tonalités futuristes (7). » Exemples de Bécaud and Co, 7 avril 1968, 2ème chaîne ou de Quatre temps, 27 décembre 1968, 1ère chaîne, ORTF.

Enfin, dans Le Celluloïd et le Marbre, d’Eric Rohmer (1965), Vasarely, entre autres, est interviewé sur « les apports plastiques décisifs du cinéma aux autres arts ancestraux qu’il qualifie de “muséaux” (8). »

Décor pour l’Opéra Tannhäuser, Opéra de Paris, vue de l’exposition. Photographie N. Schmidt ( DR).

Reproduire à l’infini…

Faites pour être reprises, donnant lieu à réinventions de tous ordres, les œuvres de Vasarely semblent suivre, ou même anticiper cette possibilité de reproduction, par la photographie, qui s’est imposée au XIXe siècle : « L’œuvre d’art reproduite devient, de plus en plus, la reproduction d’une œuvre d’art destinée à être reproduite. Quantité d’épreuves sont par exemple possibles à partir d’une plaque photographique ; la question du tirage authentique n’a aucun sens (9). » Cette thèse se retrouve chez Vasarely, qui avait un moment travaillé dans la publicité :

« Conscient que l’œuvre d’art perd sa qualité d’objet de prestige et n’est plus réservée à une élite de connaisseurs, Vasarely entend concrétiser l’idéal d’une démocratisation totale de l’art, sans hiérarchie entre un original et sa copie ; une utopie qui n’a pu être totalement réalisée, le fétichisme et la valeur marchande de l’original étant restés des moteurs du marché de l’art (10). »

Tout se passe comme si le plasticien avait conçu dès le départ des œuvres faites pour être « autoreproductrices », pouvant être réutilisées par d’autres, servant en quelque sorte de matrice, pour être répétées indéfiniment, selon la volonté de Vasarely d’inscrire ses œuvres en « série », celle-ci héritée de l’artisanat, « non pas la gravure mais la tapisserie », et ayant lui-même réalisé « dès 1950 des motifs pour les ateliers d’Aubusson (11). » Plasticien et graphiste, Vasarely avait conçu un « alphabet plastique » à partir des formes de base, carré, cercle, visant une universalité de langage : manière d’aboutir à une sorte d’ « art social total » ?

VICTOR VASARELY 1953. Photographie de Sabine Weiss, vue de l’exposition, N. Schmidt (DR).

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(1)« Un folklore planétaire », L’Objet d’art, Hors-série, n° 134, février 2019. Vasarely. Le partage des formes. Exposition au Centre Pompidou, p. 49.

(2) Ibid. p. 46-47

(3) « Vasarely avant Vasarely », Ibid. p. 19.

(4)« Multiples et dérivés »,  Ibid. p. 57.

(5) « Les années cinétiques », ibid. p. 32.

(6) « De l’art cinétique à l’op. art »,  Ibid. p. 37.

(7) « Multiples et dérivés », Ibid. p. 57.

(8) Ibid. p. 56 ; guillemets de l’auteur.

(9) Walter Benjamin, L’œuvre d’art à l’époque de sa reproductibilité technique [1936] Allia, 2012, p. 29-30.

(10) « Multiples et dérivés », op. cit. p. 55.

(11) Ibid. p. 59.

——————————————————-Références : Liens vers le site Centre Pompidou : – L’événement Vasarely. Présentation générale : – Vasarely – Le partage des formes Bande-annonce, reproduction d’œuvres :

Présentation par les commissaires de l’exposition Michel Gauthier et Arnauld Pierre. Programmation associée.

Décembre 1968 : Michel POLNAREFF interviewe le peintre Victor VASARELY dans son atelier. Source INA.

La dernière exposition rétrospective de Vasarely à Paris, a eu lieu en 1963 au musée des Arts décoratifs Palais du Louvre au Pavillon de Marsan. Source INA. Journal télévisé 13h, 7 avril 1963 – 4’15’’ .

Autres sources INA.

Op’ Art et Pop : en 1969, David Bowie demande à Vasarely de créer la pochette de son nouvel album, Space Oddity :

Pochette de l’album Space Oddity, créée par Vasarely.
Space Oddity.

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Pour en savoir plus : cinq journalistes -critiques évoquent l’exposition :

On repeint L’expo.
(Guy Boyer. Connaissance des arts).

Vasarely, l’expérience intacte au Centre Pompidou. Valérie Duponchelle.

L’héritage décalé de Vasarely. Philippe Dagen.

Exposition : Vasarely, la star des trente glorieuses. Yves Jaeglé.

WOOL WAR ONE – Une œuvre participative de Délit Maille

WOOL WAR ONE : HORIZONS
15 SEPTEMBRE – 11 NOVEMBRE 2018.
Qu’est-ce que la Wool War One ?

Un projet extraordinaire, réalisé par l’artiste Délit Maille et 500 paires de mains anonymes du monde entier, pour tricoter la Grande Guerre. Une installation artistique faite d’une immense armée de soldats minuscules. Sur plus de quinze mètres sont alignés ces 780 petits soldats tricotés, de toutes les nationalités, ayant combattu pendant le premier conflit mondial.

La Wool War One a voyagé partout dans le monde : elle est née au musée La Piscine à Roubaix, elle est allée au Grand Palais à Paris et jusqu’à Montréal, au musée des Beaux-Arts.

Du 15 septembre au 11 novembre 2018, elle se termine au Mémorial 14-18 Notre-Dame-de-Lorette, au milieu des champs de bataille. 

Wool War One est un hommage rendu aux millions de soldats morts pendant la Première Guerre Mondiale.

 

L’histoire par petites touches : pastels, dessins et gravures au Louvre

La première exposition, qui vient d’ouvrir en juin : “En Société”, au musée du Louvre, jusqu’au 10 septembre 2018 (Commissariat de Xavier Salmon, auteur du catalogue raisonné des pastels du Louvre) est organisée par le département des Arts graphiques du Louvre : il s’agit d’une exposition essentiellement de portraits, autour de la collection de référence du musée, soit plus de 120 pastels du 17 e et du 18 e siècles, restaurés et protégés grâce au mécénat des American Friends of the Louvre.

Ce type de création est d’une extrême fragilité, puisque les pastels sont créés « à partir de poussière colorée que l’on a souvent comparée à celle couvrant les ailes de papillon ».

Si Jean-Etienne Liotard, (1702-1789), Maurice Quentin Delatour (1704 – 1788), François Boucher  (1703-1770), Elisabeth-Louise Vigée Le Brun (1755-1842),  Jean-Baptiste Siméon Chardin  (1699-1779) ou encore Jean-Marc Nattier (1685 -1766) sont les plus connus, ils ne sont pas les seuls  à être exposés : parmi eux figurent d’autres d’artistes, souvent anciens élèves de Quentin Delatour.

( Jean-Etienne Liotard, (Ecole suisse) Portrait de Madame Jean Tronchin, née Anne de Molesnes).

Joseph Ducreux (1735-1802) élève de Quentin,  se focalise sur les traits de son modèle ( sa mère ) dans ce pastel sur papier beige. Tous illustrent la société de l’Ancien régime en offrant un beau parcours ponctué de multiples indications techniques (sur les supports et les matériaux), mais aussi historiques, grâce à  des cartels clairs qui documentent  des thèmes de société jusque-là peu évoqués de façon aussi explicite dans une exposition d’art ancien :

Ce portrait réalisé par Jean-Baptiste Perronneau (1715 -1783 ) est celui de Jean Couturier de Flotte,   qui, comme le précise le cartel, appartenait à la bonne société huguenote de la région bordelaise qui s’était enrichie dans le commerce triangulaire  en particulier avec Saint Domingue.

 

 

 

 

L’exposition comprend des artistes femmes, pastellistes  comme  Adélaïde Labille-Guiard  (1749-1803) qui précise le cartel, a dû multiplier les portraits d’académiciens (ici le sculpteur Augustin Pajou)- avant de pouvoir à son tour être reçue à l’Académie en 1783, en même temps qu’ Élisabeth Vigée-Lebrun.

 

 

 

 

Le théâtre de Voltaire avec Simon Bernard Lenoir ( 1729-1791) est évoqué  avec ce  portrait de l’acteur Henri-Louis Caïn, dit Lekain (1728/29-1778) dans le rôle d’Orosmane dans  Zaïre.

Le parcours, à plusieurs reprises, évoque l’erreur passée ou l’incertitude quant à l’attribution  d’une œuvre : les conservateurs des collections mentionnent explicitement avec davantage de simplicité,  les désaccords  pouvant exister entre spécialistes : ainsi pour ce Portrait de jeune homme entouré d’une bordure ovale, attribué à Gandolfi Ubaldo ( 1728-1781), ou à son neveu Mauro Gandolfi (1764- 1834).

La concurrence entre les pastellistes et les choix qu’ils ont finalement dû opérer pour y faire face sont aussi mis en avant : Jean-Baptiste Perronneau, concurrencé (férocement dit le cartel), par Quentin, se tourne vers la province et trouve de nombreux clients chez les négociants d’Orléans comme Augustin Prosper Tassin de La Renardière, qui fut un industriel et collectionneur d’art orléanais ayant fait  fortune dans le raffinage du sucre.

Les cadres d’origine de ces œuvres sont également remarquables. (Une exposition temporaire consacrée aux cadres est actuellement en préparation)

La dernière salle présente notamment des pastels anglais, comme ce portrait de 1790 réalisé par John Russel  :

Cette époque marque la fin du succès du pastel, qui déclinera ensuite au profit de l’art des miniatures.

Le catalogue

Base des collections du département des arts graphiques du musée du Louvre

L’exposition s’achève par la présentation  de pastels MNR : un grand panneau rappelle en trois langues, la situation de ces œuvres spoliées,  récupérées à l’issue de la deuxième guerre mondiale, et les différentes étapes de recherches et de restitutions menées depuis lors. Les cartels extrêmement détaillés  précisent ensuite pour chacune des œuvres présentées, leur histoire, telle qu’on a pu la reconstituer, après leur récupération en Allemagne à partir de 1945 et  pour qui on est  toujours à la recherche des propriétaires et de leurs descendants, comme ce pastel remis au Cabinet des Dessins par la Commission de récupération artistique le 23 décembre 1949 :

Pour l’ensemble des œuvres concernées, voir la Base MNR.

Voir également la recension de l exposition par des spécialistes du dessin de l’association Bella Maniera et celle effectuée par le GRHAM, Groupe de Recherche en Histoire de l’Art Moderne.

La seconde exposition temporaire de dessins présentée simultanément  au Louvre est consacrée au graveur topographe  Israël  Silvestre  :  “La France vue du Grand Siècle” et présente des dessins inédits. Une soixantaine de « vues » dessinées du célèbre graveur sont exposées au Musée du Louvre. Parmi celles-ci, les châteaux et jardins de Vaux, Versailles, Meudon  ou Montmorency ( château aujourd’hui disparu).

L’exposition débute avec le brevet de logement au Louvre accordé à  l’artiste,  par faveur royale,  en 1675, après le premier obtenu en 1668. Parmi les nombreux dessins et gravures présentés,  à signaler ceux qu’il réalise lors de son voyage à Rome :

Vue du Forum depuis le Colisée, vers 1643/44-1653. Paris. Fondation Custodia, collection Frits Lugt, 4996 © Fondation Custodia, Collection Frits Lugt, Paris.

Si l’exposition valorise le fonds du Louvre, elle bénéficie aussi des nombreux prêts accordés par la Fondation Custodia. Cette exposition est organisée avec le concours de la Bibliothèque nationale de France, de la Fondation Custodia, de l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts, du Mobilier national et de l’Institut national d’histoire de l’art (Voir la conférence organisée par les deux commissaires Bénédicte Gady, du musée des Arts décoratifs et Juliette Trey, du musée du Louvre). Silvestre réalise   de nombreux dessins et gravures  à une époque où il lui faut imaginer des vues aériennes pour dessiner les villes conquises aux portes du Royaume: Colbert l’envoya  en effet dessiner des vues de Toul, Metz, Charleville ou Verdun, récemment devenues françaises.

Ami de Charles Le Brun, Silvestre dessinera sa demeure à Montmorency (aujourd’hui disparue) mais aussi  à Meudon, le parc et le château du ministre du Roi,  le marquis de Louvois  :

Israël Silvestre, Château et parc de Meudon, vus du côté du village de Fleury, 1687. Paris, musée du Louvre, département des Arts graphiques, Inv 33039 © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Michel Urtado. 

Cette exposition est notamment décrite dans le journal Le Monde.

Artistes & robots d’hier et d’aujourd’hui

Le Grand Palais entraîne le visiteur dans un grand tour consacré aux robots d’hier et d’aujourd’hui ; l’exposition est sonore,  interactive, ludique, immersive, poétique et pédagogique. C’est la première exposition muséographique consacrée à Paris, exclusivement à l’imagination artificielle

Les robots de Tinguely,  l’oeuvre de Nam June Paik, la machine de Nicolas Schöffer de 1959,

sont remplacés aujourd’hui par des robots invisibles (souvent un algorithme), d’Elias Crespin ou de Miguel Chevalier.

C’est le robot qui, chez Orlan, récite des mots générés aléatoirement.

Parmi les multiples œuvres exposées, signalons, par exemple,  Nicolas Darrot, qui a bénéficié d’une exposition monographique à la Maison rouge en 2016 :

On peut également apprécier l’oeuvre interactive d’Edmond Couchot et Michel Bret, Pissenlits :

 

 

 

 

A signaler que Nicolas Schöffer fait actuellement l’objet d’une rétrospective : L’art cybernétique de Nicolas Schöffer au LaM de Villeneuve-d’Ascq.

 

 

Artistes & robots au Grand Palais, du 5 avril au 9 juillet 2018.

Commissariat : Laurence Bertrand Dorléac et Jérôme Neutres.

Conseil artistique de Miguel Chevalier, direction technique de Nicolas Gaudelet. Scénographie et mise en lumière Sylvie Jodar, Atelier Jodar Architecture. L’application mobile téléchargeable permet de poursuivre et d’approfondir la visite, d’en conserver un souvenir à la fois sonore et visuel, grâce notamment à des vidéos de robots artistes en fonctionnement.