Archives pour la catégorie Expositions pionnières

Kupka l’engagé : changer le monde avec la couleur

La reconnaissance éclatante d’un pionnier de l’abstraction,  c’est ce que l’exposition rétrospective des œuvres de František Kupka propose, au Grand Palais, du 21 mars au 30 juillet 2018. Ce peintre tchèque compte parmi les pères de l’abstraction avec Vassili Kandinsky, Gino Severini, Piet Mondrian, Kasimir Malevitch, Auguste Herbin et Robert Delaunay. Comme le rappelle le Centre tchèquePeu de noms d’origine tchèque enregistrent une réponse mondiale aussi forte que le nom de František Kupka. L’une des raisons est que la peinture abstraite est l’un des thèmes clés de l’histoire de l’art du 20ème siècle. Il est l’un des personnages fondateurs. Première rétrospective, depuis l’exposition de 1975-1976 au Solomon R. Guggenheim Museum de New York [ qui a bénéficié à l’époque du soutien de la belle-fille de l’artiste  Mme. Andrée Martinel-Kupka] et au Kunsthaus de Zurich, et celle de 1989 au Musée d’Art moderne de la Ville de Paris, elle couvre l’ensemble de l’oeuvre de l’artiste, de ses débuts marqués par le symbolisme jusqu’à ses dernières réalisations dans les années cinquante.

Plans diagonaux,Titre attribué : Orgue sur fond vert,  1925, Huile sur toile, 116,5 x 81 cm S.B.G.: Kupka Donation de Henry-Thomas en 1976 Inv. : AMVP 2426© Adagp, Paris Crédit photographique : Eric Emo/Parisienne de Photographie DR.

Grâce au parcours européen de František Kupka (1871-1957), enraciné dans sa Bohème natale, formé dans la Vienne fin de siècle et dans le Paris des avant-gardes, l’exposition conduit à une nouvelle approche de deux courants majeurs des XIXe et XXe siècles, le symbolisme et l’abstraction, dont Kupka fut l’un des principaux acteurs.

Disques de Newton, 1912, Philadelphia Museum of Art, Philadelphie, États-Unis.

Conjuguant parcours chronologique et thématique, cette exposition rassemble quelque 300 oeuvres – peintures, dessins, gravures, manuscrits, journaux, livres illustrés, photographies et films – déployées en huit sections qui permettent au public d’entrer de façon attractive dans l’univers spécifique du créateur : Autoportraits ; Allégories de la vie moderne ; Culture ancienne et histoire présente ; Sciences et correspondances ; Salons de Kupka ; Formes et couleurs ; Abstraction et Création et enfin la Consécration de l’après-guerre. Elle met l’accent sur les moments-clés de sa période créatrice, les chefs-d’oeuvre symbolistes et les premiers portraits expressionnistes parisiens, son passage à l’abstraction en 1912, le cycle des peintures organiques saturées de couleurs, l’abstraction géométrique finale tout en évoquant des épisodes moins connus comme la période dite « machiniste » à la fin des années vingt. L’exposition met également en valeur la personnalité riche et singulière de František Kupka, habité par une quête existentielle et souligne son intérêt pour la philosophie, les cultures anciennes et orientales, les religions, la poésie ou encore la science ».

 

« Plans par couleurs. Grand nu » (1909-1910), de Frantisek Kupka, huile sur toile, 150,2 x 180,7 cm. SOLOMON-GUGGENHEIM/ADAGP, PARIS 2018.
« Madame Kupka dans les verticales », 1910-1911 ‒ huile sur toile, 135,5 x 85,3 cm ADAGP, PARIS 2018/THE SOLOMON R. GUGGENHEIM FOUNDATION/ART RESOURCE, NY, DIST. RMN-GRAND PALAIS.

L’exposition sera présentée par la Galerie nationale de Prague au Palais Wallenstein du 7 septembre 2018 au 20 janvier 2019 puis à l’Ateneum Art Museum, à Helsinki, du 21 février au 19 mai 2019.

Commissariat : Brigitte Leal, conservateur général, directrice adjointe en charge des collections du Centre Georges Pompidou, Markéta Theinhardt et Pierre Brullé, historiens de l’art. La  scénographie (remarquable) est de Véronique Dollfus. Brigitte Léal (avec Markéta Theinhardt) présente pour la RMN l’exposition dont elle fait aussi un résumé  en cent secondes. Deux autres vidéos permettent de découvrir les espaces de l’exposition : celle d’Expo in the City et celle de Connaissance des arts.

L’ampleur du parcours illustre la richesse exceptionnelle de l’œuvre qui se déploie au Grand Palais que souligne également la presse (Voir aussi l’article d’Harry Bellet dans Le Monde).

 František Kupka, dit François Kupka, né à Opočno, le 23 septembre 1871 et mort à Puteaux, le 24 juin 1957,  a été formé à Vienne capitale de l’empire austro-hongrois. Il vient vivre à Paris à Montmartre, à partir de 1896. Pacifiste, anarchiste, iI dessinera  pour les nombreuses revues qui contestent  le capitalisme du début de siècle, comme Cocorico, ou L’assiette au beurre,

Kupka s’engage aussi auprès du géographe Elisée Reclus.

L’eau (la baigneuse), 1906-1909, Centre Pompidou, Musée National d’art moderne, Paris, France.

La gamme jaune (1907), Huile sur toile (79 x79). Paris, Centre Pompidou – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. 

Plans par couleurs (Femme dans les triangles), 1910-1911, Centre Pompidou, Musée National d’art moderne, Paris, France.

Kupka s’engagera physiquement pendant la première guerre mondiale. Engagé volontaire dans la légion étrangère, combattant puis réformé, il soutient l’indépendance de la République tchécoslovaque en 1918 et jouera un rôle dans son histoire naissante.

Après de nombreuses recherches plastiques qui traversent les mouvements artistiques et philosophiques du début de siècle (théosophie, symbolisme, fauvisme) Kupka est à l’origine des premiers tableaux abstraits exposés en 1912 à Paris au Salon d’Automne :

 « Amorpha, Fugue  à deux couleurs » et « Amorpha Chromatique chaude ».

 

 

 

 

 

 

František Kupka, 1912, Amorpha, fugue en deux couleurs (Fugue in Two Colors), 210 x 200 cm, Narodni Galerie, Prague.

František Kupka, 1912, Amorpha Chromatique jaune, museum Kampa- Nadace Jada a Medy Mladkovych.

Nommé professeur à l’Académie des beaux-arts de Prague, il revient en France et participe à la création du groupe Abstraction-Création pensé par Auguste Herbin dans les années 1930. Installé dans un pavillon/atelier à Puteaux où il restera jusqu’à sa mort, Kupka y fréquente  les frères Villon, notamment  Jacques, dont il a été le voisin à Montmartre. À la différence de maîtres reconnus, Kupka restera volontairement à l’écart du jeu mondain de la communication et de la publicité. Kupka perdra son seul mécène et ami, Jindřich Waldes, déporté à Buchenwald en 1939.

Après la guerre, La jeune génération de l’abstraction géométrique consacrera Kupka en l’exposant  régulièrement au Salon des Réalités nouvelles à Paris.

Le Ruban bleu, 1910, Huile sur toile, Musée d’Art Moderne de Saint-Etienne.

Le MNAM lui consacre dès 1958 (un an après sa mort)  une exposition monographique. En 1960, Jean Cassou l’inclut dans l’exposition du Conseil de l’Europe « Les sources du XXe siècle » : le musée national d’art moderne possède une collection riche constituée pour  une large part de la donation de sa veuve, Eugénie Kupka au Mnam en 1963.

 En 2010le Mnam/Cci  réalise une exposition sur Kupka,  hors-les-murs au Musée Picasso de Malaga évoquant un artiste habité par une vision spirituelle et scientiste de l’abstraction et aspirant à l’universel. 

 Frantisek Kupka, Les touches
de piano. Le Lac
, 1909, huile
sur toile, Prague, Narodni Galerie.

Comme l’écrivait en 1975 Thomas Messer, le directeur du Guggenheim, qui réunissait alors 200 oeuvres du peintre, l’exposition fera date en raison des difficultés croissantes de toutes sortes qui sont maintenant inhérentes à l’organisation des grandes expositions modernes, il est probable qu’il faille  attendre des  décennies avant qu’un effort comparable soit mené pour célébrer l’œuvre de Frantisek Kupka dans un musée à New York.

Le  nouveau cadre d’exposition offert en 2018 par le Grand Palais permet de redécouvrir un artiste qui voulait changer le monde avec la couleur.

 

Artistes & robots d’hier et d’aujourd’hui

Le Grand Palais entraîne le visiteur dans un grand tour consacré aux robots d’hier et d’aujourd’hui ; l’exposition est sonore,  interactive, ludique, immersive, poétique et pédagogique. C’est la première exposition muséographique consacrée à Paris, exclusivement à l’imagination artificielle

Les robots de Tinguely,  l’oeuvre de Nam June Paik, la machine de Nicolas Schöffer de 1959,

sont remplacés aujourd’hui par des robots invisibles (souvent un algorithme), d’Elias Crespin ou de Miguel Chevalier.

C’est le robot qui, chez Orlan, récite des mots générés aléatoirement.

Parmi les multiples œuvres exposées, signalons, par exemple,  Nicolas Darrot, qui a bénéficié d’une exposition monographique à la Maison rouge en 2016 :

On peut également apprécier l’oeuvre interactive d’Edmond Couchot et Michel Bret, Pissenlits :

 

 

 

 

A signaler que Nicolas Schöffer fait actuellement l’objet d’une rétrospective : L’art cybernétique de Nicolas Schöffer au LaM de Villeneuve-d’Ascq.

 

 

Artistes & robots au Grand Palais, du 5 avril au 9 juillet 2018.

Commissariat : Laurence Bertrand Dorléac et Jérôme Neutres.

Conseil artistique de Miguel Chevalier, direction technique de Nicolas Gaudelet. Scénographie et mise en lumière Sylvie Jodar, Atelier Jodar Architecture. L’application mobile téléchargeable permet de poursuivre et d’approfondir la visite, d’en conserver un souvenir à la fois sonore et visuel, grâce notamment à des vidéos de robots artistes en fonctionnement.

L’art vidéo en ligne : les précurseurs suisses

L’art vidéo a très tôt été salué en Suisse  grâce notamment au directeur du Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne, René Berger, qui inaugure la collection de vidéos du musée par l’acquisition d’une œuvre de Jean Otth, Limite E (1973). Le musée lausannois fait ainsi œuvre de précurseur (il faudra attendre la fin des années 1970 pour que les musées de Bâle, Zurich et Berne commencent à introduire la vidéo dans leurs collections), en réponse aux œuvres des pionniers  romands de l’art vidéo. Ceux que René Berger, alors directeur du Musée, nommera les « mousquetaires de l’invisible » (René Bauermeister, Gérald Minkoff, Muriel Olesen, Jean Otth, Janos Urban) participent non seulement à créer, mais également à faire connaître l’art vidéo grâce aux évènements qu’ils organisent dès 1972, notamment dans le cadre du groupe Impact. Depuis, de l’expérimentation avec le médium à son utilisation pour capter des actions, du poste de télévision à la projection, du rapport frontal avec les spectateurs à leur implication dans l’espace de l’installation, la vidéo s’est déclinée sur des modes radicalement divers« .

Autre grand nom de la vidéo montré dès ses débuts à Lausanne et que le Musée a invité pour une exposition monographique en 1991 : Bruce Nauman. Bill Viola croisait les «mousquetaires» dès 1974 à Lausanne C’est ce qu’avait rappelé l’exposition temporaire de Lausanne, en  2016, intitulée « Interactions fictives, Making space 40 d’art vidéo ».  

Les textes de René Bergé sur l’art vidéo ont été rassemblés dans un ouvrage paru en 2014.

L’intérêt pour ce mode d’expression ne faiblit pas en Suisse. La Fondation SIKART vient de mettre en ligne  de nouvelles vidéos :

Gherkins Natural History de Christian Gonzenbach

 Les vidéos, si elles ne constituent pas la part la plus immédiatement visible de SIKART Dictionnaire sur l’art en Suisse, n’en sont pas moins un appoint essentiel. D’entente avec les artistes, de nombreuses pièces ont pu être mises en ligne sur SIKART. Des formes d’art basées sur la temporalité, telles que le film, la vidéo ou la performance, trouvent ainsi une résonance médiatique dans le dictionnaire.

Les séquences filmées invitent à l’immersion: faites l’expérience de l’histoire naturelle avec Gherkins Natural History<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-i/> de Christian Gonzenbach ou mettez-vous dans la peau d’une femme d’Amazonie équatorienne avec Forest Law<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-d/> d’Ursula Biemann, où il est question du droit de la nature face à l’exploitation des ressources premières. Osez une excursion dans l’étrange Scanner<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-h/> de Max Philipp Schmid ou voyez combien le quotidien est transfiguré dans Mare Mitochondrium<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-k/> de Saskia Edens. Roman Signer vous emmènera dans une course en Kajak<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-u/> cahoteuse, Sonja Feldmeier quant à elle dans une ascension tranquille mais très imagée dans Neverending<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-o/>. Si vous souhaitez en revanche demeurer dans le fleuve du temps, optez pour Denkmal<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-b/> d’Herbert Distel. Des vidéos de Judith Albert<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-n/>, Thomas Kneubühler<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-p/> et Rémy Markowitsch<http://sik-isea.cmail19.com/t/t-l-urjibl-ohjlrdtuu-x/> sont dorénavant aussi en ligne.

Forest Law d’Ursula Biemann

sikart.ch

« Réactiver la collection » et faire participer le public

En 2014, ce carnet a fait référence à de nouvelles pistes pour la démocratisation culturelle à travers une politique d’accrochage inédite des musées d’art et d’histoire.

Annick Notter, conservatrice des Musées d’Art et d’Histoire de La Rochelle http://www.franceinter.fr/emission-carnets-de-campagne-la-charente-maritime-25, avait trouvé une approche audacieuse et unique pour lever les blocages socio-culturels et valoriser l’ensemble de ses collections permanentes « Depuis 2008, le Musée des Beaux-arts de La Rochelle http://www.ville-larochelle.fr/ a mis en place une politique d’accrochage inédite de ses collections. Chaque année, c’est un groupe de citoyens rochelais qui choisit, parmi les collections du musée, les œuvres qu’il aimerait voir exposées pendant un an. Les collections sont constituées « d’environ 800 à 850 tableaux, pour une surface d’exposition de 400m2. L’espace disponible « permet d’exposer qu’environ 70 à 80 œuvres, ce qui représente seulement 10 % de la collection ».

Il s’agit « pour ces groupes de choisir des œuvres qu’ils aiment, qui leur font plaisir et qu’ils aimeraient voir accrochées dans le musée. La première étape consiste à convaincre un groupe de personnes de le faire et ce n’est pas toujours facile ! Le travail de préparation commence une année en amont. Un groupe de travail est constitué, il se réunit lors de plusieurs séances. Au programme : consultation des catalogues photographiques des œuvres, sélection individuelle d’images dans un premier temps puis mise en commun ensuite ».

L’exposition dure un an : ont été par exemple invités les gardiens du musée,  les élèves de la classe de terminale en histoire des arts d’un lycée, la société des amis des arts, un collectif d’artistes locaux, les agents du centre technique municipal, un groupe de femmes d’un quartier, et pour  la 8ème édition les rugbymen du Stade Rochelais. Cette expérience s’est installée dans la durée puisqu’elle en est à sa onzième édition : ce sont les élèves du lycée hôtelier qui ont choisi les œuvres  présentées lors de leur exposition : Le palais des sens.

« Après avoir cherché à explorer la notion de plaisir, les lycéens ont réorienté leur travail autour des cinq sens.  Ils ont porté leur regard sur les 900 oeuvres des collections du musée et ont retenu 70 peintures et dessins de grands maîtres et de peintres régionaux, du XVIe siècle à nos jours.  Les jeunes muséographes ont organisé l’exposition en six espaces thématiques distincts : les coups de coeur, la vue, l’ouïe, l’odorat, le toucher et le goût.  Pour ce dernier, ils ont dressé une table du XVIIIe siècle évoquant la cérémonie du thé et le repas contemporain ».  L’exposition dure de septembre 2017 à septembre 2018.

A découvrir ici, la richesse de la programmation des musées de la Rochelle.

 

Exposer l’art textile contemporain

Rares sont les musées qui exposent en France l’art textile :  Françoise de Loisy conservateur en chef aux musées d’Angers, en dressait le constat en 2014 : 

En France, on aime trop cloisonner les choses. On ghettoïse des artistes, sous prétexte qu’ils utilisent une matière, longtemps associée à la manufacture, à l’artisanat. Sheila Hicks, par exemple, est une grande artiste américaine, une des pionnières du renouveau de l’art textile dans les années 1960. Elle vit en France. Qui le sait ? Elle vient pourtant d’exposer une oeuvre monumentale au Palais de Tokyo, mais là encore, en toute discrétion. D’un autre côté, le mouvement est tellement multiple.

Les oeuvres de Sheila Hicks ( Portrait par Giulia Noni) obtiennent ces dernières années un écho grandissant. Elle a participé au festival d’automne en 2016 au musée Carnavalet avant sa fermeture pour travaux : La sculpture ambrée de l’artiste américaine Sheila Hicks, installée par le Festival d’automne, est visible depuis la rue des Francs-Bourgeois. «Nous souhaitions renouer avec la tradition du festival qui trouvait des lieux alternatifs aux lieux habituels de l’art contemporain. Nous voulions sortir du white cube, avance Clément Dirié, le commissaire.

L’artiste a exposé à la Biennale de Venise en mai dernier.

Installation de Sheila Hicks dans l’exposition « Viva arte viva ». Photo Mirco Toniolo. Sipa DR.

C’est à Sheila Hicks qu’a été confiée la quatrième des commandes triennales de la Région Centre-Val de Loire pour le Domaine de Chaumont-sur-Loire (2017-2019). Elle a participé au parcours hors les murs de la Fiac 2017, au Petit Palais.

En févier 2018, le Centre Pompidou  lui consacrera une exposition monographique, une reconnaissance qui interviendra plus de quarante cinq ans après l’hommage rendu au travail de l’artiste par François Mathey (autre pionnier) qui a exposé son travail et celui de Niki de Saint Phalle au Grand Palais lors de l’exposition bilan sur l’art contemporain organisée en 1972.

Rappelons qu’en 1974, Sheila Hicks fêtait ses 40 ans quand le Stedelijk Museum d’Amsterdam lui consacrait une première rétrospective.