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Une histoire de l’art du pastel


Pendant six mois (une durée exceptionnelle), le Petit Palais expose une partie de sa collection permanente de pastels : « L’Art du pastel, de Degas à Redon » est une occasion inédite d’admirer plus de cent vingt pastels du Petit Palais jamais montrés depuis 1983 et de s’intéresser au renouveau du pastel dans la seconde moitié du XIXe siècle ».

L’ exposition est à la fois belle et instructive à plus d’un titre : elle propose un voyage chronologique et thématique qui débute à la fin du XVII e siècle avec  Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842) et se conclut avec Odilon Redon et Ker-Xavier Roussel. Elle met ainsi en valeur les collections permanentes de ce musée de la Ville de Paris, en renouant avec une époque où  ce musée jouait  un rôle de premier plan.

En route, la commissaire Gaëlle Rio revisite en cinq sections l ‘histoire des peintres mais aussi des sculpteurs, qui ont eu recours à ce médium pour des raisons différentes. Naturalistes, impressionnistes, symbolistes traitent de thèmes plus ou moins académiques. On retrouve ainsi des artistes oubliés, méconnus et des œuvres sombres ou colorées qui réapparaissent dans la pénombre.

Des grands noms qui font l’objet d’expositions monographiques non loin de là, sont présents comme Edgar Degas (auteur de 700 pastels), Paul Gauguin ou Auguste Renoir.

Edgar Degas, Mme Alexis Rouart et ses enfants.

 

Paul Gauguin, Le sculpteur Aubé et son fils Emile.

 

 

 

Auguste Renoir. Esquisse représentant Berthe Morizot et sa fille.

Deux femmes artistes sont représentées,  à cette étape du parcours : Mary Cassat et Berthe Morizot. L’exposition illustre son temps où les nus académiques ou pas, abondent, comme cette « Contemplation » d’Eugène Emmanuel Lemercier, ou ce dessin préparatoire rehaussés de pastel de Fernand Pelez pour son grand tableau Les Danseuses, réalisé entre 1905 et 1909.

 

 

 

 

L’exposition grâce notamment à ses cartels, explique également comment se constitue une collection. Le portrait de la princesse Radziwill de 1801 réalisé par Élisabeth Vigée Le Brun,  est un achat obtenu grâce aux arrérages du legs Dutuit en 1969 ; Armand Guillaumin a fait don au Petit Palais d’un ensemble important de pastels en 1922 : « Guillaumin se consacre à la technique du pastel à partir de 1865 et ses nombreuses études de paysages, allant de simples esquisses prises sur le vif à des dessins très aboutis, donnent lieu à de multiples variations autour de la couleur et de la lumière ». 

Un cartel rapporte cette anecdote sur  cette esquisse représentant Berthe Morizot et sa fille, donnée par Auguste Renoir : Ambroise Vollard tente de vendre au nom du peintre cette esquisse aux amis du musée du Luxembourg en 1907. Ceux-ci hésitent trop au goût du peintre. Renoir vexé, offrira l’esquisse au musée du Petit Palais.

Le pastel peut être une fin en soi pour les portraits mondains, constituer des dessins préparatoires avant la réalisation d’ un décor d’église ou d’un tableau de chevalet, voire d’une affiche, le pastel renvoie donc  à plusieurs usages. Alfred Roll prépare ainsi une affiche pour les tuberculeux victimes de la guerre 14/18 ( étude pour l’affiche  » les blessés de la tuberculose ») qui ne sont pas reconnus comme blessés de guerre.

Victor Prouvé, le décorateur, a lui aussi réalisé de nombreux pastels préparatoires, comme cette étude de femme aux yeux fermés :

Des artistes très différents, notamment des sculpteurs, s’exercent  aux pastels : « Le sculpteur Jean-Baptiste Carpeaux produit de nombreux albums de croquis et dessins au crayon et au pastel, dont quelques exemples sont exposés, comme un Portrait d’homme – peut-être un autoportrait.

Le peintre Pierre Carrier-Belleuse réalise des nus, préférant pour cela le pastel  à la peinture. Répondant au goût de leur époque, les pastellistes du XIXe siècle, Albert Besnard, James Tissot , Marcel Baschet ou Jacques Emile Blanche, (Portrait de Marie-Blanche Vasnier) « font des portraits mondains ou des nus féminins, témoignage du goût bourgeois qui perdure au tournant du siècle ».

La Liseuse de James Tissot. 

 

Jacques- Emile Blanche, Portrait de Marie-Blanche Vasnier.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les symbolistes concluent le parcours : « Dans des harmonies poudreuses colorées parfois étranges, ces artistes expriment leurs sentiments, leurs rêves et traduisent esthétiquement une réalité intérieure à la portée plus universelle que les paysages ou les portraits. Dans cette dernière section de l’exposition, une place particulière est réservée à Odilon Redon, figure majeure et singulière du renouveau du pastel à la fin du XIXe siècle ».

Ker-Xavier Roussel, Scène antique.

Il n’ y a pas d’audioguide pour cette exposition mais une application qui peut être téléchargée gratuitement : elle commente les œuvres phares du parcours (dont les textes ont été partiellement cités ci- dessus) et renvoie vers deux vidéos :

L’affiche de l’exposition est une œuvre présentée en 1897, par Charles Léandre pour sa première participation à l’exposition de la Société de Pastellistes français, elle s’intitule « Sur champ d’or ».Pour prolonger la visite, l’application renvoie vers l’ensemble des pastels de la collection du Petit Palais qui est en ligne sur le site des collections des musées de la Ville de Paris. En sortant de l’ exposition, au sein du musée, des tableaux de Monet, Sisley, illustrent la richesses de ces collections permanentes. Les photographies de  l’exposition temporaire d’Andres Serrano se confrontent avec l’art du passé.

Les œuvres au sol de Sheila Hicks, quant à elles, marquent, dans le monumental hall d’entrée du Petit Palais, l’irruption de l’art contemporain présenté par la FIAC, et qui a investi en face pour quelques jours le Grand Palais.

 

Odilon Redon. Femme nue dans les rochers.

Odilon Redon- Anémones dans un vase bleu (détail).

Charles Gleyre : l’académisme et ses fantasmes. Rencontre avec Michel Thévoz

A l’occasion, de l’exposition temporaire « Charles Gleyre, le romantique repenti »  qui se termine le 11 septembre 2016 au musée d’Orsay, Michel Thévoz a participé à une conférence qui peut être réécoutée  ici.

Une conférence inaugurale a été donnée par les deux commissaires de l’exposition, Côme Fabre et Paul Perrin, à réécouter à partir de ce lien.

Charles Gleyre. Autoportrait© Nora Rupp, Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne.

« Dans l’épopée qu’est l’histoire de la peinture française au XIXe siècle, le rôle de Charles Gleyre est trop souvent oublié.
Certes, ce Parisien d’adoption ne s’est guère préoccupé de sa postérité française. Né en 1806 dans le canton de Vaud, Gleyre est resté toute sa vie un citoyen de la Confédération helvétique et un farouche républicain.
Après le coup d’Etat exécré de Louis-Napoléon Bonaparte en 1851, il reçoit peu, n’expose plus et dédaigne les commandes publiques ; la maladie et la guerre de 1870 le contraignent à cesser son enseignement. Taiseux et solitaire, humble et cynique, Gleyre est déjà menacé d’oubli quand il meurt, en mai 1874. C’est en vain que son ami Charles Clément s’empresse de recueillir les derniers témoignages et de recenser maints chefs-d’oeuvre déjà dispersés à l’étranger : bientôt, seules les Illusions perdues, toile mélancolique du musée du Louvre, restent dans les mémoires. On se souvient qu’il fut le premier maître de Sisley, Bazille, Renoir ».

Michel Thévoz a aussi été conservateur au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne. Il est l’auteur en 1980 de l’ouvrage intitulé « Académisme et ses fantasmes : Le réalisme imaginaire de Charles Gleyre » qui vient d’être réédité.

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Il évoque, à travers plusieurs tableaux, cet  artiste vaudois qui trouve sa place à Paris (et qui est pourtant souvent obligé d’adapter son travail aux commandes qui lui sont faites), dans une société dont il partage apparemment les goûts mais dont il est aussi le symptôme, une société en voie de pétrification, qui voudrait arrêter l’histoire. Le goût prononcé du peintre pour les scènes violentes et obscènes (comme dans le tableau « Néron tuant sa mère »), s’accompagne d’audaces picturales, dignes de ses élèves impressionnistes, qui contribueront pourtant à son oubli.

Est-il « académique » ? Ce vaudois n’a pas de prix de Rome, ne sera pas membre de l’Académie, et si sa peinture semble classique, sa catégorisation ne va pas de soi.

Michel Thévoz propose d’adopter une nouvelle approche et un nouveau vocabulaire, pour analyser les rapports effectifs, les tensions, entre les tendances « modernes », avant-gardistes et les tendances classiques, « néoclassiques », comme le propose par exemple Nathalie Heinich dans son ouvrage Le paradigme de l’art contemporain. Structures d’une révolution artistique.

En effet, les peintres du XIXe siècle qui ont depuis été identifiés sous les étiquettes « d’impressionnistes » ou « d’académiques » voire de « pompiers »  se fréquentaient, interagissaient. Il faut, d’après Michel Thévoz, revisiter  régulièrement l’histoire de l’Art : ce passé est « imprévisible », il doit faire l’objet d’une relecture périodique.

C’est le constat que dressait aussi Jean Clair en 2011 lorsqu’il a évoqué à ma demande les expositions pionnières de François Mathey aux Arts Décos :

« Je me souviens très bien de l’exposition « Equivoques », en 1973, qui portait sur la peinture du XIX ème siècle à laquelle je m’intéresse tout particulièrement. Cela montrait que les exclusions et les jugements péremptoires des critiques d’art n’étaient pas fondés, qu’il n’y avait jamais eu cette dichotomie violente entre la peinture académique et la peinture novatrice : des passerelles existaient, même si elles restaient au premier coup d’œil, invisibles. Il y avait aussi dans cette exposition (outre l’ironie, la provocation, l’audace) un intérêt pour l’iconologie : pour le portrait, les physionomies, qui m’intéressait beaucoup ».

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Equivoques. peintures françaises du XIXe siècle. catalogue  et affiche de l’exposition qui a eu lieu au musée des Arts décoratifs du 9 mars au 14 mai 1973 (commissariat : Olivier Lépine et François Mathey).

 

 

Une nouvelle extension du musée de l’Ermitage : un hommage aux frères Morozov et à Sergueï Chtchoukine

Le musée de l’Ermitage est encyclopédique. Il s’ouvre à l’art contemporain et depuis 1997, il a acquis de nouvelles œuvres d’art du XXe siècle,  comme celles de Soulages (Peinture 220 x 324cm, 19 janvier 1995 (cat. n° 1135) acquise en 2002) ou de Louise Bourgeois. qui a bénéficié d’une exposition temporaire au musée en 2001.

Le bizot groupe a salué en ces termes le 250e anniversaire de ce musée : « On 26 November 2014, Directors of the world’s largest museums, the Bizot Group members, congratulated Mikhail Piotrovsky and all the employees of the State Hermitage Museum on the 250-year anniversary of the museum. The greeting says: “The State Hermitage Museum is a unique cultural institution and the world’s leading museum. Russian history and culture are represented here as nowhere else, yet the museum is also an outstanding scientific centre. Over these 250 years the Hermitage has remained a centre of international museum cooperation”.

A l’occasion de cet anniversaire, le musée de l’Ermitage a ouvert progressivement depuis décembre 2014, de nouvelles salles  consacrées à un musée de l’art européen des XIX-XX siècles, installé dans les salles de l’Etat-Major général de la garde impériale, situées de l’autre côté de la place du Palais, et qui n’avaient jamais été utilisées jusque-là à des fins muséales. Ces salles accueillent désormais des expositions temporaires nombreuses.

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« Petersburg-square ». Sous licence CC BY 2.0 via Wikimedia Commons –

Ce changement considérable de la structure et de la disposition des collections se présente au quatrième étage par un hommage à la mémoire des célèbres collectionneurs russes, les frères Morozov et  Sergueï Chtchoukine, évoqués en 2014 au festival de l’histoire de l’art de Fontainebleau,  par Tatiana Mojenok-Ninin  » Deux conceptions de la maison-musée, une même influence fondamentale sur l’avant-garde russe : De 1900 à 1917, Chtchoukine et Morozov rassemblèrent à Moscou des dizaines de Monet, Gauguin, Cézanne, Matisse, Picasso. L’un ne suivait que son intuition et ouvrait largement ses portes aux jeunes peintres. L’autre avait besoin de conseils, et sa collection n’était connue qu’au travers de revues. Mais tous deux inspirèrent une génération entière ».

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Grâce à eux, l’Ermitage peut réunir une brillante collection de peinture française, de l’impressionnisme aux mouvements du XXe siècle. Ce nouveau parcours de la peinture française débute avec la salle Claude Monet qui réunit quatorze tableaux du maître, puis une autre salle consacrée aux natures mortes d’Henri Fantin-Latour, la salle des paysages de Camille Pissarro et d’Alfred Sisley, le parcours se poursuit avec la salle d’Edgard Degas, et sa « Place de la Concorde ». Dans les deux salles suivantes sont installées les travaux d’Auguste Renoir. Ensuite figurent les œuvres de Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, les peintres du groupe « Nabi » :  Pierre Bonnard, Edward Vuillard, Maurice Denis. les salles consacrées à Matisse, Picasso et leurs contemporains, ferment la marche et viennent d’ouvrir en juin de cette année.

Le musée de L’Ermitage souhaite que ce nouvel accrochage, cette nouvelle exposition permanente de ses collections, qu’il a réalisée à titre expérimental, « devienne l’objet d’une discussion publique » : « Il  est important pour nous de recueillir les opinions des visiteurs du musée sur ses aspects positifs comme sur ses lacunes. Nous vous proposons de laisser une inscription sur le livre d’or spécial situé dans le bâtiment  de l’Etat-Major général de la garde impériale. Vous pouvez écrire aussi un commentaire sur le blog du musée, sur le site de l’Ermitage ou adresser un  message à cette adresse redactor@hermitage.ru ».

Pour le directeur du musée, le meilleur moyen de célébrer les 250 ans de l’Ermitage,  est d’organiser « un nombre encore plus grand d’expositions et de s’ouvrir encore plus au public ».

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Sur le musée de l’Ermitage voir également le documentaire de 83 minutes de  Margy Kinmonth : L’ermitage dévoilé, 250 ans d’histoire, sorti en salle, en France en septembre 2014.