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Un musée au parcours clair et fluide : deux expositions temporaires et une installation au musée Guimet

 

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Guimet est un musée au parcours clair, fluide, sans ces barrières brutales, qui se dressent en général entre les espaces consacrés aux expositions temporaires et le domaine réservé aux collections permanentes : ici, les expositions vous conduisent tout naturellement à visiter l’ensemble des collections présentées.

Des œuvres contemporaines sont en outre mêlées aux présentations des collections anciennes, juste signalées par un caraco bleu, de ce bleu caractéristique du logo du musée.

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La répartition des œuvres suit un découpage par zone géographique. Dans ce domaine des arts asiatiques, tous les modes d’expression sont confondus, exposés ensemble : sculptures, tapisseries, textiles, dessins, estampes, céramiques et  maquettes d’architectures.

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Clair, aéré, calme, c’est véritablement une scénographie agréable aux lumières douces, que ce musée propose.

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Guimet lui même est présent, dans la rotonde bibliothèque consacrée aux expositions d’arts graphiques, où quelques statues voisinent avec les livres anciens.

S’achève bientôt l’exposition de photographies d’Araki Figure incontournable de la photographie contemporaine japonaise, Nobuyoshi Araki est connu mondialement : « Un choix très important sera extrait des milliers de photographies que l’artiste a réalisées de 1965 à 2016, depuis l’une de ses séries les plus anciennes intitulée Théâtre de l’amour en 1965 jusqu’à des oeuvres inédites, dont sa dernière création de 2015 réalisée spécifiquement pour le musée sous le titre Tokyo-Tombeau. Après une première découverte de la presque totalité des livres conçus par Araki suivie d’une introduction aux grandes thématiques de son oeuvre – les fleurs, la photographie comme récit autobiographique, sa relation avec son épouse Yoko, l’érotisme, le désir, mais aussi l’évocation de la mort -, l’exposition évoquera son studio, laboratoire d’idées. […] À mi-parcours de l’exposition, le visiteur s’introduit dans l’atelier d’Araki et découvre la démesure de sa production photographique, mise en regard d’oeuvres issues des collections du MNAAG : estampes, photographies et livres anciens, illustrant les liens que l’artiste a entretenus avec la permanence d’une inspiration japonaise ».

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Les pêcheuses d’abalones, Kitagawa Utamaro (1753-1806), vers 1797-1798, Ancienne collection Louis Gonse, MA 1582 (C) RMN-Grand Palais (musée Guimet, Paris) / Thierry Ollivier.

 

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Dans la rotonde, l‘installation en bambou de Shouchiku Tanabe ( Carte Blanche jusqu’au 19 septembre), s’accompagne d’une vidéo le montrant au travail.

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A venir, une exposition de miniatures indiennes qui regroupera près de 70 oeuvres choisies parmi les plus belles pages du musée national des arts asiatiques – Guimet.

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Carambolages : interactivité et personnalisation de la visite.


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De nombreux articles paraissent sur l’exposition Carambolages. Certains  trouvent l’exposition futée. Mais, l’absence de cartels inquiète, ou surprend  : « Cette nouvelle exposition entend totalement modifier notre approche traditionnelle de l’art , avec un pêle-mêle, oeuvres de tous genres. Un pari audacieux, autant que les cartels explicatifs sont absents » (Jérôme Stern).

Une exposition pour les enfants ou que les enfants comprendraient mieux que les parents ? Les œuvres peuvent-elles en pâtir ? Interactivité et personnalisation de la visite, si courants dans les musées scientifiques, prennent ici le pas.

L’exposition, qualifiée de « ludique » et « Internet », permet de débuter ou de poursuivre la visite et la découverte des œuvres sur les applications de la Rmn à télécharger. Voici une nouvelle rubrique, le choix des visiteurs..

 Cartels ou pas cartels ? Pour mémoire,  l’exposition Équivoques; peintures françaises du XIXe siècle au Musée des arts décoratifs, (9 mars – 14 mai 1973), F. Mathey et Olivier Lépine avaient omis les cartels. Ce qui n’avait pas manqué d’étonner et d’émouvoir.

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Les scénographes, architectes, designers : rythmer et coloriser l’espace d’exposition

imagesbonnard Qui est le commissaire de l’exposition Bonnard ? Isabelle Cahn : https://www.youtube.com/watch?v=kdoHoi3fY2o Elle parle du peintre, de sa psychologie, du scénario de l’exposition, composée en neuf sections. Et voici le scénographe : Hubert Le Gall : la scénographie de l’exposition « Pierre Bonnard. Peindre l’Arcadie. »   https://youtu.be/LYXEZpbXTCk Il évoque de façon très concrète son travail de scénographe,  parle des 5 couleurs utilisées pour rythmer les différentes phases de l’exposition, de la période Nabi vers la modernité. Une couleur est là pour évoquer une ambiance  Pour que les tableaux ressortent au mieux, pour que les blancs ressortent. L’exposition rime avec « mouvements et flux », mise en perspective et architecture. Autre exemple de commentaires par un scénographe sur son travail : veniseEntretien avec Guillaume Lord, scénographe de l’exposition « Splendore a Venezia », présentée du 12 octobre 2013 au 19 janvier 2014 au Musée des beaux-arts de Montréal. Découvrez le processus créatif et les enjeux de la scénographie de l’exposition et le coup de cœur de son créateur :https://www.youtube.com/watch?v=yY5UROMaStc

 

montrealLa démarche est également essentielle s’agissant d’opéra : pour Samson et Dalila à l’Opéra de Montréal ( janvier 2015)https://www.youtube.com/watch?v=iw-0xFd3RxA , Anick La Bissonnière et Éric-Olivier Lacroix, architectes et scénographes expliquent comment ils ont conçu les décors de Samson et Dalila: https://www.youtube.com/watch?v=xwgtmBMU1lg

Retour au sentiment et à l’art social avec le brésilien Portinari

Autre exposition au Grand Palais, celle du retour au sentiment et à l’art social avec le brésilien Portinari et sa fresque Guerre et paix, installée dans le Hall d’entrée de l’Assemblée Générale du siège de l’ONU en 1957, offerte par le gouvernement brésilien : http://www.grandpalais.fr/fr/evenement/guerre-et-paix-de-portinari#sthash.hf3V5uu2.dpuf

aff-portinari-rmn2014_0_0be490bdd1a362863ca72cb23d3559af5Portinari n’a pas eu le visa souhaité pour assister à son installation à New York.

La scénographie de l’exposition est variée, étonnante et ces espaces du Grand Palais rarement visibles pour le grand public. Profitant dès 2007 des travaux de rénovation à l’ONU et de la restauration de la fresque qui s’est déroulée au Brésil, le fils de l’artiste a lancé une  imposante exposition itinérante dont la dernière étape est Paris. Ensuite ces fresques (constituées de 14 parties différentes) retourneront à leur place au siège de l’ONU.

Candido Torquato Portinari est né à Brodowski le 29 décembre 1903. Il décède à Rio de Janeiro le 6 février 1962 : sa maladie est liée aux produits toxiques contenues dans les encres qu’il utilisait. Il était à la fois, illustrateur d’ouvrages comme Graham Greene chez Gallimard : GREENE~2

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ou Dom Quixote de Cervantes , avec Carlos Drummond de Andradequixote-039789722028608

 

soit plus de 250 illustrations. Il est aussi muraliste, portraitiste, peintre d’art sacré. Il peint  son village et ses habitants, témoignage d’humanité  : fils d’immigrés italiens (du Nord de la Vénétie), il passe son enfance dans ce milieu rural, puis se forme aux beaux-arts à Rio puis à Paris dans les années vingt. Il étudie le dessin figuratif avec Lucílio de Albuquerque (1877-1939) et la peinture avec Rodolfo Amoedo (1857-1941), Baptista da Costa (1865-1926) et Rodolfo Chambelland (1879-1967). Ayant obtenu le prix du voyage d´études à l´étranger, il part en Europe, en 1929, et parcourt plusieurs pays pendant deux ans. En 1935, il reçoit le prix du Canegie Institute, de Pittsburgh, pour la toile Café [Café] : coffeeet devient ainsi le premier moderniste brésilien à obtenir un prix à l´étranger […] En 1941, il peint les panneaux muraux de la Bibliothèque du Congrès, à Washington D.C.,Réalisés en tempera, d´une grande luminosité, les panneaux présentent à nouveau les ouvriers :  http://www.itaucultural.org.br/aplicExternas/enciclopedia_ic/index.cfm?fuseaction=artistas_biografia_fra&cd_verbete=3745&cd_item=1&cd_idioma=28556

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Proches des artistes et architectes  modernistes ( voir Portinari e Niemeyer no lvoradailLe partenariat entre Oscar Niemeyer et Candido Portinari a commencé avec la construction du siège du ministère de l’éducation et de la santé publique en 1936. Dans les années 40, Portinari collaboré à d’autres projets conçus par Niemeyer, parmi eux, l’Église Pampulha 6408002_b2be4934_640et

le Collège Cataguases, dans la région du Minas Gerais. En 1956, Niemeyer se consacre aux premiers projets de la nouvelle capitale, Brasilia: http://www.docomomo.org.br/seminario%208%20pdfs/164.pdf

Portinari s’engage politiquement, s’inspire de Picasso et de Guernica.

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Il expose en 1939, au pavillon brésilien, à la foire mondiale de New York ( au pavilhão brasileiro da Feira Mundial de Nova York ) : http://blogs.estadao.com.br/arquivo/2012/02/06/antes-da-onu-portinari-ja-havia-conquistado-eua/cenas_emNY_1940_ed

 

 

 

 

 

 

 Le projet Portinari par  Vincent Noce : Figure contradictoire, artiste polymorphe, Cândido Portinari n’est pas aisément définissable. A l’instar de Guerre et Paix, mis à l’honneur au Grand Palais, il est l’auteur de grandes compositions aux angles cassés et aux découpes chromatiques : http://next.liberation.fr/arts/2014/05/05/portinari-du-village-au-monde_1011095

Rafael Schacter – Atlas du Street Art et du Graffiti

Sortie depuis mars en France de l’ouvrage de Rafael Schacter – Atlas du Street Art et du Graffiti  :
http://yalepress.yale.edu/yupbooks/book.asp?isbn=9780300199420
9780300199420Rafael Schacter est anthropologue et conservateur à Londres. Il a été l’un des organisateurs et commissaires de l’exposition « Street Art » à la TateModern de Londres, en 2008. Auteur de nombreuses publications, il a donné des conférences sur « l’Art public indépendant» dans le monde entier. Son étude ethnographique « Ornament and Order » se fonde sur un engagement constant et sur plus de deux ans de recherches, avec les plus grands représentants de ce domaine artistique.
Atlas du street art et du graffiti est l’ouvrage le plus approfondi jamais publié sur le sujet. 113 artistes, 25 pays, 750 illustrations, 16 villes et 12 cartes originales créées par des artistes pour mieux comprendre les enjeux et la portée de l’art populaire le plus développé dans le monde, du désert à la métropole la plus active.
 http://www.artistikrezo.com/2014021015370/actualites/street-art/atlas-du-street-art-et-du-graffiti.html » Ecrire et/ou dessiner sur des murs ou des parois sont des actes aussi élémentaires qu’universels, liés au désir primal de l’être humain de modeler ou de décorer son environnement matériel. Le street art est la réponse moderne à ce besoin ».

http://www.connaissancedesarts.com/art-contemporain/actus/une-geographie-du-street-art-106511.php

Quelques anciens qui font appel aux graffitis :

Tapiès écrit en 1971 que l’évocation de son pays est dans les années cinquante, associée à des moments d’angoisse, de destructions, de frustrations, à l’oppression et à la misère.  Son opposition au régime espagnol s’exprime à travers ses « murs » recouverts de graffitis.

La scénographie adoptée par Quasar qui regroupe en vrac ses réalisations dans un espace couvert de graffitis lors de l’exposition du CCI « Gaetano Pesce et Quasar », du 25 septembre au 2 novembre 1971, au musée des Arts décoratifs.

 Préface de François Mathey in Lucien Hervé, Le Beau court dans la rue, 1970 :

« On était devant un mur. Partout des murs. Un monde clos comme une prison. Il n’y avait rien d’autre à voir. Le ciel était trop haut, impossible. Il n’y avait pas d’autres horizons. Alors, on s’est mis à les contempler, à les scruter, à les ausculter pour savoir chaque nouveau jour, quel nouveau signe apparaîtrait qui nous donnerait l’espoir. C’étaient de grandes taches humides, de vétusté suintant l’angoisse ou l’abandon. Sur la trame d’immenses plages inconsolées, boursouflées, écaillées, déchirées, peineuses, pendaient en lambeaux le désespoir, la fatigue, notre déchéance. Puis on y décela bientôt les traits hâtivement incisés des amours furtives, cachées, des initiales, des sigles, les symboles de bitume, au minium, tracés avant le couvre-feu, entre deux patrouilles nocturnes ; les murs vivaient, témoignaient. L’immense imagerie  clandestine des murs veillait et toute la ville palpitait. On ne parlait pas encore du tachisme ; les graffitis n’avaient rien à voir avec la calligraphie, le signe signifiant. Il ne s’agissait pas d’abstraction. La réalité était sur les murs, et les images d’Hervé nous font revivre les rêves éveillés que nous faisions alors avec Wols, Staël ou Dubuffet ».