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Colloque « Art et Camouflage »

Le colloque « Art et camouflage » se déroulera les 14 et 15 décembre prochains à l’Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts de Paris : Ce colloque est proposé par Patrice Alexandre, artiste, ancien enseignant aux Beaux-Arts de Paris, Jean Yves Jouannais, critique d’art, essayiste, enseignant (Beaux-arts de Paris), Alexandre Lafon, historien, conseiller à la Mission du centenaire de la Première Guerre mondiale, Patricia Ribault, enseignante (Beaux-arts de Paris, Humboldt Universität Berlin) et Didier Semin, enseignant, (Beaux-arts de Paris), en collaboration avec le séminaire « Spatialisation de la mémoire » de l’Université Paris 1-Panthéon Sorbonne.

Avec le soutien de la Mission du centenaire 14-18, de la Première Guerre mondiale :

« Dans Autobiographie d’Alice Toklas, paru en 1933, Gertrude Stein raconte une anecdote restée célèbre : en 1914, Picasso, voyant, boulevard Raspail à Paris, un canon recouvert de motifs zébrés noirs, kaki et ocre, en partance pour le front, se serait écrié « c’est nous qui avons fait ça ! ». « Nous », c’est-à dire, bien entendu, les cubistes. L’affirmation n’était pas absurde. Guirand de Scevola, un portraitiste qui a créé dans l’armée française, au début de la Première Guerre mondiale, les « sections de camouflage», a dit même s’être inspiré des formes brisées de la peinture cubiste pour concevoir les premiers motifs destinés à dissimuler sur les champs de bataille combattants et matériels. »

 Si en 14-18, l’armée française crée donc la première section de camouflage ( dont l’emblème est un petit caméléon brodé sur un brassard rouge et blanc), il est moins sûr que ses activités soient inspirées du cubisme :

Ce « mythe cubiste » repose sur des bases fragiles. En fait, si certains liens existent en effet entre cubisme et camouflage, les cubistes n’ont pas été à l’origine de cette activité nouvelle au sein de laquelle ils ont toujours été en minorité. Car en 1915-1918, il s’agissait bien moins de décomposer les formes que d’imiter le plus scrupuleusement possible la nature afin de dissimuler armements, positions, routes, véhicules, etc. Ainsi, même si cette vision des choses paraît moins séduisante, peut-être est-il temps de reconnaître que ce sont finalement les décorateurs de théâtre, d’opéra ou de cinéma qui ont donné le ton dans cette pratique nouvelle.

A découvrir dans le programme : prg-Colloque-CAMOUFLAGE-cahier-maison-DEF.-1.12.18

Six siècles de jardins européens au Grand Palais

Trois commissaires ont préparé l’exposition « Jardins » actuellement au Grand Palais : Laurent Le Bon, le directeur du musée  Picasso à Paris : il a dirigé l’ouvrage consacré à Pascal Cribier : itinéraires d’un jardinier,  et participé à celui consacré au Lorrain et photographe Jean-Luc Tartarin : Grands Paysages, Bestiaire, Fleurs, Ciels 1997-2003, paru en 2010 ;

 Marc Jeanson, qui est responsable de l’Herbier du Museum national d’histoire naturelle  et Coline Zellal, conservatrice du patrimoine, commissaire de l’exposition « Jardins extraordinaires » sur les grilles du jardin du Luxembourg,  et l’auteure de  l’Ombre des usines en fleurs. Genre et travail dans la parfumerie grassoise, 1900-1950, publié dans la collection « Penser le Genre » des Presses universitaires de Provence, en 2013.

« Conçue comme une « promenade jardiniste » en trois temps, le vocabulaire des jardins, l’élaboration du jardin comme œuvre totale, les représentations artistiques du jardin, l’exposition explore l’histoire et les formes revêtues par les jardins en Europe à partir de la Renaissance. Soit six siècles de création humaine autour du jardin, cette figure symbolique qui se veut miroir ordonné du monde.

Le jardin, c’est la plus petite parcelle du monde et puis c’est la totalité du monde , Michel Foucault (Dits et écrits 1954-1988). »

La scénographie « aérée » de  Laurence Fontaine  (dont le travail a déjà été souligné pour l’exposition  » Formes simples » au Centre Pompidou Metz), est conforme à l’esprit du jardin  : elle facilite des  rapprochements et des circulations qui permettent au visiteur  de créer sa promenade. Elle s’est inspirée ( selon JJ. Birgé) du film de Peter GreenawayMeurtre dans un jardin anglaisLe réalisateur qui a débuté une carrière de peintre, a eu un grand-père pépiniériste. Il témoigne de son goût des jardins dans le DVD produit à l’occasion de cette exposition.

Une peinture murale de Pompéi ouvre la marche, puis la pluralité des objets et des œuvres, des supports d’expression assemblés,  étonne :  dessins, herbiers et herbiers d’artistes, photographies, bijoux , cires et outils de jardin, panoramas de jardins royaux et tableaux de chevalet, films et vidéos ( peut être les plus difficiles à mettre en valeur), font progresser le visiteur au milieu d’ œuvres de la Renaissance, jusqu’aux créations les plus contemporaines, sans aucune sensation de rupture.

Attention, il y a aussi une surprise olfactive…

Des extraits de nombreux films et de vidéos d’art, des œuvres de grands artistes peintres sont présentées :  Brueghel, Paul Klee , Dürer, Watteau, Fragonard, Monet, Picasso, Dubuffet, Bonnard, Berthe Morisot, Caillebotte, Vuillard, Klimt, Nolde). Tetsumi Kudo est également présent. L’exposition offre également des œuvres inédites de peintres moins connus, comme Edouard Debat-Ponsan (1847-1913) que le Musée des Beaux-Arts de Tours a évoqué récemment.

 

A signaler, les aquarelles d’iris mourants de Patrick Neu.

Et enfin la présence des Acanthes de Matisse, prêtée par la Fondation Beyeler. Réalisée en 1953, restaurée en 2012, cette œuvre appartient à la série des Papiers découpés, œuvres tardives auxquelles le peintre tenait tant, mais dont l’accueil par la critique et les musées restait incertain. Elles ont été présentées par la Kunsthalle de Berne en 1959, le Stedelijk Museum d’Amsterdam en 1960 et par François Mathey, à Paris, en 1961 (avec les Acanthes) au musée des Arts décoratifs :  les gouaches découpées, pour elles-mêmes, seules, comme des œuvres légitimes, dans leur plénitude.

Copier, créer au musée en Herbe avec Geluck. Une évocation du Ready Museum

chat chatburenLes artistes belges sont actuellement à l’honneur à Paris : Magritte au Centre Pompidou, Hergé au Grand Palais. Plus adaptée aux enfants et de qualité, l’exposition de Philippe Geluck, « L’Art et Le Chat » au Musée en Herbe, rencontre un vrai succès, elle est prolongée  jusqu’au 02 janvier 2017. Elle a reçu plus de 65 000 visiteurs en six mois. Depuis septembre, un roulement de certaines œuvres est effectué. Une véritable Joconde du XVIème siècle prêtée par le Musée des Beaux-Arts de Quimper viendra figurer aux côtés des œuvres de Philippe Geluck. L’exposition présente en effet « nez à nez » une trentaine d’œuvres emblématiques de l’Histoire de l’Art et l’interprétation qu’en fait Le Chat de Geluck : Basquiat, Boudin, César, Fontana, Klein, Munch, Picasso, Soulages, Vasarely, Warhol, mais pas Daniel Buren, qui a refusé.

On y trouve aussi des pastiches de la Vénus de MiloJPEG - 21.7 koL’artiste belge Geluck avait déjà participé à une exposition similaire, consacrée exclusivement à la Vénus, créée et présentée au Palais des Beaux-Arts de Bruxelles, du 12 octobre au 11 novembre 1972, puis accueillie à Paris, au musée des Arts décoratifs, du  19 janvier au 26 février 1973 : elle s’intitulait La Vénus de Milo ou les avatars de la célébrité.

L’approche avait été saluée par Michel Conil Lacoste du journal Le Monde évoquant « Un intermède parodique  » :

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« Que n’aura-t-on pas supputé à propos de la Vénus de Milo ? Félix Ravaisson-Mollien, le philosophe, que Napoléon III avait nommé conservateur des antiques à la veille de la guerre de 1870, avait cru remarquer, en la faisant mettre en lieu sûr, que des cales de bois interposées entre les deux blocs composant la statue en « faussaient l’attitude originale » . Il pensait aussi que la déesse faisait initialement partie d’un groupe où Mars, à moins que ce ne fût Thésée, lui faisait cortège. […] Cet épisode n’a pas été retenu par les auteurs de l’amusante exposition, plus satirique que scientifique, accueillie à Paris après Bruxelles : mais c’est une gypsothèque et une bibliothèque entières que les animateurs du Ready Museum, qui l’ont imaginée, auraient dû réunir s’ils avaient voulu rendre compte de tous les essais de restitution qu’a suscités le marbre découvert en 1820 dans les Cyclades.

La matière de la présentation est essentiellement parodique. La Vénus grêlée (Cocteau) trône à l’entrée sous les espèces d’une réplique de plâtre, suffisamment patinée, du Palais des Beaux-Arts de Bruxelles. Autour d’elle, on lira d’abord, sous la signature de Philippe Géluck, le récit en bande dessinée, fertile en rebondissements, de la trouvaille, de la rocambolesque acquisition, du transport et de la présentation de la statue à Louis XVIII, et des documents photocopiés sur les interprétations et reconstitutions, chacune affirmée comme la seule plausible. Surtout, on verra tout un échantillonnage des variantes que les peintres et sculpteurs, à commencer par les surréalistes, ont brodées autour du célèbre marbre comme autant de mini-sacrilèges : de la Vénus restaurée encordée par Man Ray à la Déesse aux tiroirs de Dali et à la Vénus otorhinologique du même. Autour de l’Autopsie de la Vénus par Journiac (bois, plâtre et acrylique), et des Soldats soldés picorant la Vénus de Miralda, la jeune génération n’est pas en reste avec la séquence photographique et modelée d’Anne et Patrick Poirier (Arrachement à la terre et reconstitution artificielle d’un mythe), les transpositions négatives d’Adzac ou les compléments pileux de Topor. De l’édification culturelle aux entreprises du commerce, la Vénus disparaît sous un conteneur à destination du Japon ou donne lieu à toutes les dérivations publicitaires et philatéliques […]. Musée sans murs, le Ready Museum (Colette Lambrichs, Corneille Annoset) se présente comme une simple   boîte à idées qui propose des thèmes d’exposition hors des sentiers battus et les fait circuler par les circuits officiels […]. Aussi bien sommes-nous avertis qu’il s’agit d’une exposition ouverte, à laquelle chacun peut apporter sa pierre – tout en appréciant ce qu’il y a d’entrain, parfois d’esprit, dans cette exégèse visuelle sur le mode dérisoire, – par certains côtés stimulante ».

Carlo Carrà et l’Italie s’invitent chez le douanier Rousseau

Après avoir été présentée en 2015 au Palazzo Ducale de Venise, l’exposition  « Le Douanier Rousseau : L’innocence archaïque  » est en ce moment au Musée d’Orsay. Elle propose une nouvelle approche  : Rousseau  est un inspirateur pour les artistes de son temps. Sa réception en est donc modifiée. De peintre naïf il devient l’une des souces du renouveau de la peinture du siècle qui commence.

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Il y a dix ans, l’exposition itinérante à la Tate Modern à Londres, au Grand Palais à Paris  ( 15 mars – 19 juin 2006) et à la National Gallery à Washington en 2005-2006, « Le Douanier Rousseau. Jungles à Paris », sous le commissariat de Serge Lemoine, se focalisait sur sa période tardive. L’exposition du musée d’Orsay reprend les jungles mais illustre tous les a priori sur le peintre en le confrontant aux peintres du passé, mais aussi à ses contemporains des années 1900, notamment aux peintres italiens venus à Paris à cette époque.

Henri Rousseau, dit Le douanier Rousseau, La Cascade, 1910, huile sur toile, 116,2 x 150,2 (Chicago, the Art Institute of Chacago).
Henri Rousseau, dit Le douanier Rousseau, La Cascade, 1910, huile sur toile, 116,2 x 150,2 (Chicago, the Art Institute of Chicago).

Le  Douanier Rousseau devient peintre à 40 ans :  son sens des proportions, sa difficulté à mettre en place les corps dans l’espace ou ses perspectives sont bien à lui et le positionne dans la catégorie alors moquée des peintres naïfs. La présentation d’Orsay met ses portraits issus des collections permanentes du musée en regard de tableaux de peintres Primitifs comme Ucello, mais aussi aux côtés d’œuvres de Seurat, Delaunay, Kandinsky ou Picasso, et d’artistes moins connus, comme le futuriste Carlo Carrà aux oeuvres remarquées, qui puise manifestement dans les tableaux de Rousseau une nouvelle forme d’inspiration. Une autre de ses oeuvres  figurent à l’Orangerie pour l’exposition « Apollinaire . Le regard du poète »:

Les Nageurs, Carlo Carrà - Musée de L'Orangerie.
Les Nageurs, Carlo Carrà – Musée de L’Orangerie.

Entre 1899 et 1900, Carlo Carrà est à Paris pour décorer des pavillons de l’exposition universelle. Lui aussi peintre autodidacte à ses débuts, Carrà décide de relier Giotto, Paolo della Francesca, Ucello et le Douanier Rousseau : Avec Henri Rousseau, je construis la nouvelle peinture Européenne » affirmera-t-il.

 

Carlo Carra – Les romantiques (1916).Carlo Carra - Les romantiques (1916)

 

 

Carlo Carrà : Le fiacre, hommage à La Carriole du père Junier du Douanier Rousseau. rousseau24-590x393

Carrà dessinera beaucoup, en réduisant les images à l’essentiel, pour retrouver ces “élémentaires de la peinture” perdus au sein des élaborations du XXème siècle.

La commissaire Gabriella Belli, qui a initié cette exposition en 2015 à Venise,  révèle donc l’influence méconnue de Rousseau sur d’autres artistes, italiens, liés à la peinture métaphysique et du réalisme magique, comme Morandi, présenté italia nuovadéjà en 2006 au Grand Palais par la même commissaire italienne.

Cette exposition d’il y a dix ans, était co-produite par la RMN et le MART (musée d’Art moderne et contemporain de Trente et de Rovereto) sous la direction scientifique de Gabriella Belli, directrice du MART. L’exposition a été conçue en collaboration avec trois grands musées italiens : le musée communal de Milan, la Galerie d’Art moderne de Turin et la Galerie nationale d’Art moderne de Rome.

Anne Tronche, d’actualité, pour toujours.

Anne Tronche,  née en 1938, vient de disparaître brutalement. Critique d’art, membre du directoire de la revue Opus International jusqu’en 1989,elle a été également Inspecteur à la Création artistique du Ministère de la Culture de 1982 à 1999, et le témoin de 40 ans d’art contemporain. Elle participa avec François Mathey aux commissions d’acquisition de la délégation aux arts plastiques à partir de 1982. C’est en qualité de témoin qu’elle avait bien voulu me recevoir en 2008 et évoqué ses premières visites au musée des Arts décoratifs :

« La première exposition de lui [Mathey] dont je me souviens c’est celle de Picasso, en 1955, j’avais fait de nombreuses heures de queue, avant d’accéder dans les salles. J’étais alors très jeune, j’étais encore au lycée, et devant les œuvres que je découvrais, je me souviens d’avoir été émue aux larmes. À cette époque, Picasso était très connu, mais on n’avait guère l’occasion de voir ses œuvres dans leur diversité. On peut se demander si ce ne sont pas ces premiers chocs qui orientent nos existences, je ne sais pas ce que cette exposition a généré en moi, mais cela a été très important ».

Son portrait aux archives de la critique d’art, sa bibliographie.

Anne Tronche (1999)‎
Crédits : © Philippe Curval.‎

Elle est notamment l’auteure de deux ouvrages de synthèse :

– Anne Tronche, Hervé Gloasguen, L’Art actuel en France : du Cinétisme à l’Hyperréalisme, Paris : Balland, 1973.

– Anne Tronche, L’art des années 1960, chroniques d’une scène parisienne, paru en 2012 aux éditions Hazan :

« L’évocation de la vie artistique à Paris dans les années 1960, époque où les artistes affirmaient des ambitions avant-gardistes : Arman, Raymond Hains, Jacques Villeglé… La vie artistique à Paris, dans les années 60 : une époque où les artistes affirmaient encore des ambitions avant-gardistes : Arman, Buren, César, Yves Raynaud, Raymond Hains, Jacques Villeglé, Christian Boltanski… Une chronique rédigée par un témoin privilégié : une des critiques les plus informées de ces années clefs ».

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Photo de l’exposition Kudo. La Maison Rouge.

On doit également à Anne Tronche, comme le rappelle Le Journal des Arts, l’exposition Tetsumi Kudo,  »  La Montagne que nous cherchons est dans la serre », à La Maison Rouge, (18 février – 13 mai 2007).  Le récit d’Anne Tronche sur Kudo est en ligne. Elle développe notamment le thème favori de Kudo « La métamorphose ».

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Anne Tronche, La  montagne que nous cherchons est dans la serre, Paris, Editions Fage, 2007.