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Une histoire de l’art du pastel


Pendant six mois (une durée exceptionnelle), le Petit Palais expose une partie de sa collection permanente de pastels : « L’Art du pastel, de Degas à Redon » est une occasion inédite d’admirer plus de cent vingt pastels du Petit Palais jamais montrés depuis 1983 et de s’intéresser au renouveau du pastel dans la seconde moitié du XIXe siècle ».

L’ exposition est à la fois belle et instructive à plus d’un titre : elle propose un voyage chronologique et thématique qui débute à la fin du XVII e siècle avec  Élisabeth Vigée Le Brun (1755-1842) et se conclut avec Odilon Redon et Ker-Xavier Roussel. Elle met ainsi en valeur les collections permanentes de ce musée de la Ville de Paris, en renouant avec une époque où  ce musée jouait  un rôle de premier plan.

En route, la commissaire Gaëlle Rio revisite en cinq sections l ‘histoire des peintres mais aussi des sculpteurs, qui ont eu recours à ce médium pour des raisons différentes. Naturalistes, impressionnistes, symbolistes traitent de thèmes plus ou moins académiques. On retrouve ainsi des artistes oubliés, méconnus et des œuvres sombres ou colorées qui réapparaissent dans la pénombre.

Des grands noms qui font l’objet d’expositions monographiques non loin de là, sont présents comme Edgar Degas (auteur de 700 pastels), Paul Gauguin ou Auguste Renoir.

Edgar Degas, Mme Alexis Rouart et ses enfants.

 

Paul Gauguin, Le sculpteur Aubé et son fils Emile.

 

 

 

Auguste Renoir. Esquisse représentant Berthe Morizot et sa fille.

Deux femmes artistes sont représentées,  à cette étape du parcours : Mary Cassat et Berthe Morizot. L’exposition illustre son temps où les nus académiques ou pas, abondent, comme cette « Contemplation » d’Eugène Emmanuel Lemercier, ou ce dessin préparatoire rehaussés de pastel de Fernand Pelez pour son grand tableau Les Danseuses, réalisé entre 1905 et 1909.

 

 

 

 

L’exposition grâce notamment à ses cartels, explique également comment se constitue une collection. Le portrait de la princesse Radziwill de 1801 réalisé par Élisabeth Vigée Le Brun,  est un achat obtenu grâce aux arrérages du legs Dutuit en 1969 ; Armand Guillaumin a fait don au Petit Palais d’un ensemble important de pastels en 1922 : « Guillaumin se consacre à la technique du pastel à partir de 1865 et ses nombreuses études de paysages, allant de simples esquisses prises sur le vif à des dessins très aboutis, donnent lieu à de multiples variations autour de la couleur et de la lumière ». 

Un cartel rapporte cette anecdote sur  cette esquisse représentant Berthe Morizot et sa fille, donnée par Auguste Renoir : Ambroise Vollard tente de vendre au nom du peintre cette esquisse aux amis du musée du Luxembourg en 1907. Ceux-ci hésitent trop au goût du peintre. Renoir vexé, offrira l’esquisse au musée du Petit Palais.

Le pastel peut être une fin en soi pour les portraits mondains, constituer des dessins préparatoires avant la réalisation d’ un décor d’église ou d’un tableau de chevalet, voire d’une affiche, le pastel renvoie donc  à plusieurs usages. Alfred Roll prépare ainsi une affiche pour les tuberculeux victimes de la guerre 14/18 ( étude pour l’affiche  » les blessés de la tuberculose ») qui ne sont pas reconnus comme blessés de guerre.

Victor Prouvé, le décorateur, a lui aussi réalisé de nombreux pastels préparatoires, comme cette étude de femme aux yeux fermés :

Des artistes très différents, notamment des sculpteurs, s’exercent  aux pastels : « Le sculpteur Jean-Baptiste Carpeaux produit de nombreux albums de croquis et dessins au crayon et au pastel, dont quelques exemples sont exposés, comme un Portrait d’homme – peut-être un autoportrait.

Le peintre Pierre Carrier-Belleuse réalise des nus, préférant pour cela le pastel  à la peinture. Répondant au goût de leur époque, les pastellistes du XIXe siècle, Albert Besnard, James Tissot , Marcel Baschet ou Jacques Emile Blanche, (Portrait de Marie-Blanche Vasnier) « font des portraits mondains ou des nus féminins, témoignage du goût bourgeois qui perdure au tournant du siècle ».

La Liseuse de James Tissot. 

 

Jacques- Emile Blanche, Portrait de Marie-Blanche Vasnier.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Les symbolistes concluent le parcours : « Dans des harmonies poudreuses colorées parfois étranges, ces artistes expriment leurs sentiments, leurs rêves et traduisent esthétiquement une réalité intérieure à la portée plus universelle que les paysages ou les portraits. Dans cette dernière section de l’exposition, une place particulière est réservée à Odilon Redon, figure majeure et singulière du renouveau du pastel à la fin du XIXe siècle ».

Ker-Xavier Roussel, Scène antique.

Il n’ y a pas d’audioguide pour cette exposition mais une application qui peut être téléchargée gratuitement : elle commente les œuvres phares du parcours (dont les textes ont été partiellement cités ci- dessus) et renvoie vers deux vidéos :

L’affiche de l’exposition est une œuvre présentée en 1897, par Charles Léandre pour sa première participation à l’exposition de la Société de Pastellistes français, elle s’intitule « Sur champ d’or ».Pour prolonger la visite, l’application renvoie vers l’ensemble des pastels de la collection du Petit Palais qui est en ligne sur le site des collections des musées de la Ville de Paris. En sortant de l’ exposition, au sein du musée, des tableaux de Monet, Sisley, illustrent la richesses de ces collections permanentes. Les photographies de  l’exposition temporaire d’Andres Serrano se confrontent avec l’art du passé.

Les œuvres au sol de Sheila Hicks, quant à elles, marquent, dans le monumental hall d’entrée du Petit Palais, l’irruption de l’art contemporain présenté par la FIAC, et qui a investi en face pour quelques jours le Grand Palais.

 

Odilon Redon. Femme nue dans les rochers.

Odilon Redon- Anémones dans un vase bleu (détail).

Les expositions temporaires et la mondialisation : la fin d’une époque ?

Sur ce thème déjà évoqué dans le cadre des musées en 2007, voici un très bon dossier réalisé par le Journal des arts sur l’économie des grandes expositions temporaires dont le modèle économique est manifestement aujourd’hui menacé : « Les expositions temporaires : à tout prix ? – Le Journal des Arts – n° 431 – 13 mars 2015. touthDans son article, Maureen Marozeau, indique que la date de naissance en France de ces expositions à grande échelle est Février 1967, l’exposition Toutankhamon , au Petit Palais. Les files d’attente devant le musée sont devenues légendaires et nombreux furent, parmi la première dizaine de milliers de visiteurs, ceux à contracter des engelures. Six mois et demi plus tard, 1,24 million de personnes avaient déboursé 5 francs (6 euros valeur 2015) chacune pour admirer l’exposition supervisée par l’égyptologue Christiane Desroches-Noblecourt et dont les bénéfices (obtenus sur une recette de 6,2 millions de francs bruts) sont allés à la restauration des temples de Nubie.  Depuis ce succès retentissant, la mode de l’exposition temporaire créant l’événement ne s’est pas démentie et a même pris une ampleur sans précédent ».[…] En janvier 2011, la Réunion des musées nationaux-Grand Palais affiche « 913 064 visiteurs de la rétrospective « Monet », venus braver le froid et la nuit dans les dernières heures d’ouverture 24 heures sur 24 de l’exposition ».   Quels coûts aujourd’hui pour quelles expositions ? « L’autonomie financière aidant, les grands établissements publics se sont dotés de services spécialement dévolus à l’organisation des expositions. Avec 7 millions d’euros dépensés en moyenne annuellement, le Centre Pompidou est l’institution qui consacre le plus d’argent pour cette activité, suivie par le Musée du Louvre, le Quai Branly et le Musée d’Orsay (environ 5 millions d’euros) – selon le Palmarès des musées que publie Le Journal des Arts, ce budget démarre autour de quelques milliers d’euros pour les institutions les plus modestes, et s’élève en moyenne à 320 000 euros ». « Les services des expositions ont cependant une véritable bête noire : les valeurs d’assurance, le taux des primes (entre 0,04 ‰ et 0,1 ‰ en moyenne, selon les négociations) a certes fortement baissé depuis une quinzaine d’années, mais la facture ne cesse de s’alourdir car les estimations des œuvres à assurer sont indexées sur les prix toujours plus fous du marché de l’art ». Francine Guillou dans un autre article, apporte les précisions suivantes : « Une exposition présentée au Louvre ou au Musée d’Orsay coûte en moyenne 1,5 million d’euros, tandis que le budget d’une exposition d’envergure nationale dans un musée « services à compétence nationale » s’élève à 200 000-300 000 euros ». Gardiennage et logistique  peuvent représenter entre 20 % à 30 % du budget total. Les équipes scientifiques qui travailleront pendant deux, trois, voire quatre ans sur le dossier. Dans la plupart des musées, ces lignes de dépenses sont prises sur la masse salariale. Mais il arrive qu’un commissaire indépendant soit rémunéré, entre 20 000 et 30 000 euros en moyenne, selon le degré d’investissement et le statut de la personnalité invitée : paradoxalement, le coût de la rémunération scientifique ne représente souvent qu’une part minime du budget global. Le transport, l’accrochage et la scénographie,  puis la communication :  ce seul dernier poste peut atteindre 40 % de l’enveloppe. Serge Chaumier, enseignant-chercheur et professeur des universités, en poste à l’université d’Artois (Arras) depuis janvier 2011 où il dirige le master « Expographie, Muséographie », après dix années passées à l’université de Bourgogne (Dijon) interrogé par Maureen Marozeau, synthétise ces évolutions dans un article intitulé :  » Les oeuvres sont au service des hommes et non l’inverse « : « L’évolution des expositions, tant sur la forme que sur le fond, reflète la professionnalisation du monde des musées depuis trente ans. Nous sommes passés d’expositions présentant de simples objets à des manifestations développant des discours mis en scène, avec des scénographies audacieuses, des outils de médiation et des façons multiples d’accompagner le public. Les budgets s’en ressentent car, depuis vingt ans, les conditions de présentation se sont développées en faveur de la compréhension et du confort des visiteurs d’une part, et au profit de la conservation préventive des œuvres d’autre part. Les convoiements d’œuvres toujours plus protégées, par exemple à l’aide de caisses spécifiques pour chaque objet, se traduisent par une augmentation significative des coûts liés au transport ; c’est également vrai des assurances. Le troisième poste à avoir fait preuve d’une montée en puissance singulière est la communication, pour laquelle on peut consacrer jusqu’à 30 % ou 40 % du budget. À cela s’ajoutent tous les frais d’emploi des personnels d’accueil, de médiation et de sécurité… L’augmentation des coûts se double pour les musées publics d’un resserrement des crédits, tant et si bien que l’on assiste à un effet réel de diminution du nombre de projets dans les institutions, et à une tendance vers des expositions moins coûteuses« . Les expositions « blockbusters » servent à faire du chiffre et l’on peut les considérer comme des produits de l’industrie culturelle. Celles-ci sont plus proches du système de l’industrie cinématographique que des petites expositions d’antan ; il suffit de voir les bandes-annonces qui sont produites pour en faire la promotion comme s’il s’agissait d’un film. Ce phénomène est très éloigné de la culture française, pour laquelle un film reste un produit artistique et non un produit de consommation, […] Le risque est de voir se généraliser des expositions prêtes à consommer, qui sont des prétextes à vendre des produits dérivés . […] On entrerait alors dans un autre registre de valeur et d’économie ».