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OH COULEURS ! Todo es de color

Charpin, collection de vases Torno Subito, 1998-2001 édition limitée, Galerie Kreo, Cirva, centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques.   

L’exposition « OH COULEURS ! LE DESIGN AU PRISME DE LA COULEUR » AU MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS ET DU DESIGN

Le musée des Arts décoratifs et du Design à Bordeaux, dirigé depuis 2013  par Constance Rubini, organise une exposition temporaire sur les liens entre la couleur et le design, qui se tiendra du 29 juin 2017 au 5 novembre 2017 :

« La forme est aussi couleur. Sans couleur, il n’y a pas de forme. Forme et couleur ne font qu’un. » Johannes Itten, peintre, enseignant à l’école du Bauhaus (1919-1923). « Alors que les historiens du design ont privilégié les questions liées à la forme, à la fabrication, aux matériaux et aux nouvelles technologies, peu d’entre eux se sont intéressés à la couleur. Pourtant elle influence directement notre perception des objets et la façon dont on interagit avec eux. La couleur participe également de la définition des périodes et des styles. Autant d’aspects que les visiteurs pourront découvrir à travers des exemples constitutifs de l’histoire des objets et du design : les couleurs des Tupperware ; la place de la couleur dans l’œuvre du designer Verner Panton ou encore le rôle méconnu de la décoratrice Paule Marrot pour la firme automobile Renault. Le parcours donnera également à voir des objets d’une histoire oubliée ou méconnue du public occidental, comme ces boro japonais, vêtements populaires faits de morceaux de tissus assemblés, teints à l’indigo de façon artisanale. Le musée étant voisin de la Cité Frugès de Le Corbusier, à Pessac, l’exposition fera une incursion du côté de l’architecture pour montrer le rôle qu’a joué la polychromie architecturale dans l’œuvre de ce dernier, expérimentée pour la première fois en extérieur lors de la construction de cette cité ouvrière, dans les quartiers de Pessac, au sud-ouest de Bordeaux (1924-1926)

« La couleur existe-t-elle ? … Qu’est-ce que la couleur ? Les couleurs ne sont pas seulement présentes dans la lumière, ni seulement présentes dans la matière des objets éclairés, en fait, la couleur n’existe que s’il y a un spectateur pour en faire l’expérience. » Verner Panton, conférence au Bella Center, Copenhague, 1982 Si le sujet est souvent écarté de l’histoire du design, c’est qu’il est insaisissable. La couleur n’existe pas en soi, elle n’est perceptible que dans la lumière et varie selon sa quantité, le support qui la reçoit et l’œil qui la regarde. Ainsi, rien de définitif ne peut être dit sur la couleur. Le parti pris de cette exposition sera donc de l’interroger à partir de différents points de vue, en donnant notamment la parole à des spécialistes des domaines du design, de la mode, de l’industrie et de la sociologie. Ils mettront en évidence l’ambiguïté du concept, sa plasticité au regard des objets, de leur processus de fabrication et de leur perception : Irma Boom (illustratrice et typographe néerlandaise), Massimo Caiazzo (historien de la mode et viceprésident de l’IACC Italia), Michel Pastoureau (historien médiéviste, spécialiste des couleurs), Arthur Rüegg (architecte et spécialiste de l’œuvre de Le Corbusier).

Suzanne Ramié, vase, 1956 Atelier Madoura © Hervé Lewandowsky.

Martin Szekely, vase Jaune-froid Marseille, 1988 – Réalisé dans le cadre de la commande publique 30 vases au Cirva.

L’exposition est mise en scène par le designer Pierre Charpin. Des citations, des textes explicatifs très courts et des documentaires vidéos animent un parcours complet, qui donne très simplement une leçon de design, à la fois synthétique et accessible, qui donne à voir un panorama des tendances à travers les décennies, qui livre une approche pédagogique et ludique des différents domaines d’application du design : de l’architecture au design produit, de la mode aux environnements mobiliers,  des casques de chantier aux robes de créateurs,  des papiers peints aux plastiques compressés et aux plumes de paon, l’exposition accueille aussi une collection inattendue, celle d’Olivier Saillard, et réserve une salle consacrée à la théorie des couleurs de Joseph Albers.

Evoquant  à la fois des thématiques  locales ( le papier peint créé pour l’occasion par Irma Boom, ou la cité Frugès de Le Corbusier), elle retrace aussi les grands courants internationaux du design et montre le travail de grands créateurs comme Ettore Sottsas,  Martin Szekely. Cette exposition est une vraie réussite,  déjà saluée dans la presse, ici (« Un jeu de piste fascinant ») ou.

C’est donc un vrai plaisir de la visiter, dans cet endroit  à part,  qui vient compléter le musée et ses collections permanentes. Certaines créations de l’exposition temporaire sont aussi visibles dans le parcours permanent.

Un lieu à part

Comme beaucoup d’hôtels particuliers, l’hôtel de Lalande de Bordeaux, siège du musée des arts décoratifs et du design, a été construit entre cour et jardin. L’exposition prend place dans l’ancienne prison de la rue Boulan, située à l’arrière du musée et construite au 19e siècle par la ville de Bordeaux pour les services de police occupant alors l’hôtel de Lalande. Transformée en lieu de stockage pour les réserves du musée dans les années 1980, elle a été vidée et rénovée afin d’ouvrir ses portes au public en septembre 2016. 

La municipalité de Bordeaux, qui prend possession des lieux en 1880, y installe l’hôtel de police et rase le jardin pour construire cette prison qui demeure active jusque dans les années 1960. Les anciennes portes, les cellules, les graffitis sur les murs rappellent au visiteur le quotidien des détenus. Des archives et des photographies redécouvertes au fil des recherches permettent également de retracer l’évolution de ce dépôt de sûreté devenu un espace dédié aux expositions temporaires du musée.

 

 

 

 

 

 

Pour compléter la visite, il manque pour l’instant le catalogue qui est en cours d’édition. Il comprendra des photographies de l’exposition, qui se poursuit jusqu’au début novembre.

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Retour aux années 1920 : la Villa Bouilhet, « L’ ange volant » Garches, Paris, France – Giò Ponti

La revue « Connaissance des arts » rend hommage à Albert Bouilhet :  » Celui qui a consacré toute sa vie à la maison de luxe familiale Christofle est décédé le 14 février à l’âge de 86 ans.
C’est à Garches dans les Hauts-de-Seine, là où il naquit en 1929, qu’Albert Bouilhet s’est  éteint dimanche dernier.
Diplômé d’Oxford, il était rentré en 1949 comme stagiaire aux cotés de son père chez Christofle, la marque d’orfèvrerie française fondée en 1830 par son aïeul, le bijoutier Charles Christofle. Devenu PDG de la maison familiale en 1969, Albert Bouilhet fut le grand artisan de l’expansion de la marque à l’international. […] il quitte son fauteuil de PDG en 1993. La trajectoire d’Albert Bouilhet était étroitement liée au monde de l’art. Comme il l’avait rappelé lors d’une interview pour le magazine italien Living en 2008, son grand-père Henri Bouilhet était l’un des fondateurs du musée des Arts décoratifs à Paris.

Albert Bouilhet est mort à « L’Ange Volant », villa conçue en 1928 par son grand-oncle, l’architecte milanais Giò Ponti, dans laquelle il aura vécu sa vie durant ».

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Retour aux années 1920 : Giò Ponti souhaitait d’abord surnommer la villa «  La Saint-Cloudienne », pour cette construction « palladienne »  conçue en 1926 pour Tony Bouilhet et construite à Garches, en dehors de Paris à proximité du club de golf de Saint-Cloud : un endroit qui semblait stimuler les créations architecturales  dans les années 1920 : la villa conçue par Le Corbusier construite entre 1927 et 1928 pour les quatre Américains de Paris, Gertrude, Leo, Michael et Sarah Stein 420px-Stein_11

ou la Villa construite par Auguste Perret pour Nubar BeyCNAM-30-03-0119

Giò Ponti a finalement donné à cette maison familiale le nom de « L’Ange Volant », en référence à Carla Borletti, l’épouse de Tony Bouihet, mais aussi la nièce par alliance de Gio Ponti (par son épouse milanaise Giulia Vimercati).

Cette villa à deux étages a été la première maison que Ponti  a construite à l’étranger.  Il reprendra  sa conception pour d’autres projets. Son plafond peint a été conçu par Ponti, il s’agit d’une sorte de grande tente colorée, suspendue au-dessus de la salle.

Il est aussi l’architecte de la villa Borletti à Milan en 1928, il crée également en 1929-1931  le caveau familial des Borletti sur le bord du lac d’Orta,  au Cimitero monumentale de Milan.

A l’époque Gio Ponti est  déjà un designer reconnu qui a remporté un grand prix à  l’Exposition internationale des Arts décoratifs  en 1925. Il travaillera beaucoup pour la maison Christofle, comme le rappelle une exposition de 2008 qui se tiendra dans le cadre du salon du meuble de Milan dans l’enceinte du Palais de la Triennale.

Bonbonnière Flèche, créée par Gio Ponti en 1928 à l’oChristofle_Bonbonniereccasion du mariage de Carla Borletti avec Tony Bouilhet, héritier et directeur à l’époque de Christofle.

Gio Ponti crée en 1928 la revue Domus, une revue d’architecture et de design qui fera l’objet d’une exposition rétrospective au musée des Arts décoratifs à Paris en 1973.

A chacun sa Fiac 2015

Organisée du 22 au 25 octobre, la FIAC, à Paris,  a accueillie cette année 171 exposants. La Directrice du salon depuis douze ans est Jennifer Flay. Au Grand Palais, il y a eu peu de galeries d’art françaises et peu de peintures d’avant les années 1950 et 1960 représentées : donc pratiquement plus d’abstraction géométrique en vue.

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A la galerie Jaeger-Bucher :  on découvre dans la pénombre des petits formats de Klee et de Kandinsky.

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et un beau tableau de Gérard  Fromanger intitulé « Florence, rue d’Orchampt », 1975. Il a figuré lors de l’exposition  » Mémoire d’un patriache » organisée à l’occasion du 90e Anniversaire de Jean-François Jaeger et de ses 66 années de galerie.

 

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Fromanger

A la galerie Applicat Prazan : une exposition exclusive dédiée à Maurice Estève très colorée,  incluant ses œuvres les plus récentes,

et à la Landau Fine art,  une galerie canadienne de Montréal  : entre autres, Magnelli , Fernand Léger, Jean Dubuffet et Le Corbusier.

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Magnelli

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La galerie italienne Tornabuoni  a choisi de rester « en blanc« , en écho à l’une de ses expositions. Elle présentait également  une œuvre  d’ Alighiero e Boetti (1940-1994) :

 

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« Par le choix de la broderie, technique obsessionnelle souvent mise en oeuvre, Alighiero e Boetti est un artiste conceptuel sans équivalent connu dans le monde des artistes contemporains consacrés, la grande Louise Bourgeois l’utilisant de manière moins systématique pour ses auto-analyses arachnéennes.

Un nom coupé en deux, à moins que soudé : Au début des années 1970, Alighiero Boetti se rebaptise Alighiero e Boetti. Cet ajout, qui rompt autant qu’il lie son identité, mérite que l’on égrène quelques interprétations subjectives tant l’OEuvre de cet immense artiste est justement liée à la représentation de l’identité. Alighiero e Boetti comme un  dédoublement, une diférenciation entre le social et l’intime, un pied de nez à l’identité attribuée d’office, une dilution et un renforcement, un signe à la fois morcellement et réunifcation, une manière de disparaître, un point de suture….Alighiero e Boetti est principalement connu par ses grands planisphères et énigmatiques damiers aux carrés de couleur, dont chacun isole la lettre d’un mot, qu’il concevait puis faisait broder par des femmes en Afghanistan, pour un résultat esthétiquement somptueux et, comme il ne s’agit pas de décoration, une sorte de tour de passepasse éblouissant. Bien que cloisonnée par la couleur, la réalisation n’apparaît jamais fragmentée, l’oeil isole difficilement un morceau coloré, elle forme un tout dans les contradictions et le miroitement des couleurs, car la ligne-frontière n’existe pas ».

 

Dans un renfoncement du Grand Palais, on découvre les dernières acquisitions du FMAC (Fonds municipal d’art contemporain de la Ville de Paris) et la démarche artistique du colombien Marcos Avila Forero,  » basée sur la rencontre avec des personnes, un lieu, une histoire, et cherchant à renouer des fils perdus entre traditions ancestrales et pratiques contemporaines ».

Pour son projet Alapargatas de Zuratoque (2013), l’artiste a travaillé avec des familles déplacées par le conflit armé en Colombie. Il leur a proposé d’écrire leur histoire sur des sacs de toile de jute qui ont ensuite servi à fabriquer des chaussures tressées traditionnelles des paysans.20151022_13562820151022_135618

ALPAGATAS DE ZURATOQUE, COSTAL #2, FAMILLE RUSSO CANAS, 2013 – Installation 1 Paire de chaussures en toile de jute tissées à la main, Tirage photographique numérique couleur sur papier Classic RC, plastification matte, contrecollée sur plaque Dibond 2mm et châssis aluminium sur CC, 100 x 150 cm, Pièces uniques, Production Palais de Tokyo (Paris), Prix Découverte des Amis du Palais de Tokyo 2012. A découvrir ici.

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Gilles Drouault de la galerie de Multiples, face à l’entrée, (et à la sortie) proposait à la vente des marteaux : un « marteau au manche ondulé qui est censé représenter l’onde de choc produite quand on enfonce un clou quand on s’en sert ».

Ils rappellent un peu ceux que propose Carelman, dès les années 1970 :

 Catalogue d’Objets Introuvables (Catalogue d’Objets Impossibles) :Jacques Carelman, Français, Marseillais pour être plus précis, et un contemporain. Peintre, sculpteur, illustrateur, metteur en scène et, fondamentalement, autodidacte. Il utilise l’humour en créant. Il invente et imagine en fusionnant la logique et l’absurdité avec une grande subtilité. Il déforme la réalité que nous connaissons tous. Il amuse et s’amuse.
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Il est né en 1929 et dès 1956 il vit à Paris où il  a commencé par réaliser des décors pour théâtre et des illustrations de livres. Il est connu dans le monde entier principalement par son Catalogue d’Objets Introuvables (Catalogue d’Objets Impossibles), imaginé et publié en 1969 comme une parodie à un catalogue de vente par correspondance en imitant le style du fameux Manufrance. À partir de 1972 avec sa première exposition,[organisée au musée des Arts décoratifs à Paris avec François Mathey] et sans interruption, ses objets ont été présentés dans de nombreux musées, galeries d’art, de centres culturels, d’étrennes et salons d’Europe, du Canada, des États-Unis, de l’Amérique latine et du Japon. 

Au Grand Palais, à signaler cette année, l’activité soutenue des visites guidées  qui permettait au public de s’initier à l’ art contemporain : elles ont rencontré un grand succès. Le prix d’entrée (35 euros) reste toutefois très élevé car il s’agit bien d’une foire commerciale et non d’un musée.

L’ancien commissaire du 60 e salon de Montrouge, Stéphane Corréard dans le Quotidien de l’Art, a annoncé qu’il allait lancer une foire de galeries françaises à Paris :

« L’idée était dans l’air depuis un moment. Ancien directeur du Salon de Montrouge, Stéphane Corréard compte lancer un nouveau salon baptisé « Galeristes » en décembre 2016, sans doute au Carreau du Temple, à Paris. « J’aimerais réunir quarante des meilleures galeries indépendantes françaises, des galeries qui sont des passeurs », nous a-t-il confié. Et d’ajouter : « J’ai beaucoup d’amis marchands déboussolés par les évolutions du marché de l’art »..

Michel Ragon en ligne

Le site internet du Centre Pompidou a mis en ligne un entretien filmé avec Michel Ragon :

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« Écrivain, poète, historien, essayiste, romancier, critique d’art et d’architecture, Michel Ragon s’engage très tôt aux côtés des artistes de CoBrA, de l’art abstrait, de l’art informel, de l’art cinétique ainsi que de l’art brut. En 1965, il fonde le GIAP (Groupe international d’architecture prospective), qui défend la prospective architecturale. Dans le cadre de la nouvelle présentation des collections modernes 1905-1965 du Centre Pompidou, une salle est consacrée à ce passeur immense, « visionnaire » engagé dans son temps ».

Dans cet entretien filmé inédit de 45 minutes avec Bernard Blistène, il évoque notamment Martin Barré et James Guittet, ses amis de jeunesse,à Nantes,   Poulaille qui l’accueille  à Paris, la critique d’ art et d’architecture, Le Corbusier,  l’art abstrait, les américains, mais aussi Dubuffet Chaissac et l’art brut,  les modes d’expression populaire.

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Voir sur le site de Michel Ragon : le Colloque « Michel Ragon, critique d’art et d’architecture », 3, 4 et 5 juin 2010, INHA et d’autres vidéos.

Les Bunkers s’exposent

 Les Bunkers s’exposent : cette démarche avait été entreprise par Paul Virilio en 1975 dans le cadre d’une exposition pionnière ( Bunker archéologie  au CCI,  musée des arts décoratifs)

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« Il découvre sur les plages de l’Atlantique les blockhaus de l’organisation Todt, ces puissantes architectures en attente face au vide et à l’horizon et, dès lors, il s’intéresse au paysage de la guerre, y compris dans sa dimension technique. Sa démarche est esthétique et philosophique. Esthétique, car il est d’abord captivé par la plasticité massive des bunkers qu’il photographie durant des années, travail qui aboutira, en 1975, à l’exposition « Bunker archéologie ». Dans la sensibilité de l’époque, la modernité de ces monolithes fait écho à cette nouvelle expressivité du béton armé, dite brutaliste, qui se développe dans le sillage de Le Corbusier«  : http://www.editions-galilee.fr/f/index.php?sp=livAut&auteur_id=2051

 

 Voici deux nouvelles visites-expositions qui mettent en scène ce mode de construction militaire :

En  Albanie : l’art contemporain investit le bunker d’Enver Hoxha comme le précise Le Courrier des Balkans : http://balkans.courriers.info/article26086.html

Bunkart« Inauguré en 1978, ce bunker a été officiellement baptisé « objet souterrain 0774 ». C’était le quartier-général de l’état-major des forces armées albanaises. Sa construction a commencé en 1972 et s’est achevée en 1978. 2 685 m² répartis sur cinq niveaux, 106 bureaux et une salle de réunion ou de projection, le tout construit pour garantir le fonctionnement politique et militaire du pays en temps de crise, mais aussi protéger les élites. Ce bunker est la seule structure capable d’accueillir l’ensemble du Parlement albanais en cas de guerre. L’idée de la salle de réunion revient aux chefs de l’armée, inspirés par une visite en Corée du Nord en 1964.[…]Les mystères de cet espace souterrain aménagé pour protéger la dictature communiste d’un éventuel danger impérialiste ont été dévoilés dans une exposition intitulée Bunk’art, sous la tutelle de l’historienne Sonila Boçi et de la journaliste Admirina Peçi. Grâce à des photos et documents d’archives, l’exposition a pour but de mieux faire comprendre l’Albanie des années communistes. L’exposition commémore également le 70e anniversaire de la Seconde Guerre mondiale. « En utilisant diverses formes d’expression, photos, documents d’archives, vidéos et objets authentiques, l’exposition revient sur la Seconde Guerre mondiale en Albanie et sur ses conséquences d’une façon plus équilibrée, sans se limiter à la résistance, et présente d’autres aspects de la vie politique et sociale »

Bunkart-1« Grâce aux œuvres de jeunes artistes albanais et étrangers Bunk’art réunit diverses approches historiques et artistiques pour illustrer la Seconde Guerre mondiale et le régime communiste, deux périodes particulièrement controversées de l’histoire nationale albanaise ».

En Allemagne, c’est le Bunker Valentin  qui devient un un lieu de visite dans le cadre d’un atelier de recherche qui porte sur  la « stratégie des émotions dans les expositions muséales » : « Emotional Strategies in Museum Exhibitions ».
« The Bunker Valentin is a monumental concrete structure set on the edge of the quiet town Bremen Farge. It was built by the Nazis towards the end of the Second World War using forced labour and approximately two thousand workers died during its construction. After decades being used as storage by the Bundeswehr, part of the Bunker site has recently been turned over to the Landeszentrale für politische Bildung Bremen for transformation into a ‘Denkort’ – a place for thinking ». http://musermeku.hypotheses.org/2031?utm_source=alert

L’ancien bunker à sous-marins « Valentin » est considéré de nos jours comme étant le deuxième plus grand bunker aérien d’Europe. Il est l’héritage le plus visible de trois grands projets d’armements nazis qui dès le milieu des années 1930 transformèrent radicalement une région, à l’origine agricole. Déjà dès 1935, la société de recherches économiques Forschungsgesellschaft mbH (Wifo), une société écran du ministère du Reich à l’Économie, commença la construction d’un dépôt de carburant souterrain entre Farge et Neuenkirchen. En 1938, d’autres bunkers à carburant furent érigés aux alentours par la Kriegsmarine (marine de guerre). Ces deux aménagements servirent comme préparatifs de guerre. À partir de la mi-1943, on réutilisa l’infrastructure existante et les camps de travail destinés au projet du « bunker à sous-marins Valentin ». De nos jours, il ne reste que très peu de témoignages des projets de dépôts de carburant des années 1930, de l’immense chantier de construction du bunker à sous-marins et des camps. Seul le bunker subsiste, nous offrant un témoignage indubitable de la machine de guerre nazie.

 a.cundy_bunker1-672x372Pour la première fois dans son histoire – bientôt vieille de soixante-dix ans – le bunker est utilisé à des fins civiles depuis janvier 2011. Le « Bunker Valentin » a laissé la place au « lieu de mémoire du bunker Valentin », créant ainsi un mémorial. De nombreux citoyens de Farge, Rekum et Neuenkirchen virent enfin leur vœu se réaliser. En collaboration avec les associations d’anciens détenus, ceux-ci s’investissent depuis les années 1980 pour que l’on n’oublie pas les événements survenus entre 1935 et 1945.  http://www.denkort-bunker-valentin.de/index.php?id=231&PHPSESSID=1e21195f97e76590858cffce9bce0cdc