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Le précieux art textile de Marie-Rose Lortet

Tricologie monacale© DR Photo Clovis Prevost. 

Au 52 rue Jacob, face à l’emplacement historique de la galerie fondée par Alain Bourbonnais à Paris, la petite galerie d’art et librairie, représentante de la Fabuloserie, expose du 28 octobre 2017 au 30 décembre 2017, les créations de Marie-Rose Lortet.

Cette plasticienne strasbourgoise vit et « tresse » depuis plus de 40 ans à Vernon. En 1967, ses « ouvrages » sont remarqués par Jean Dubuffet qui lui achète quelques pièces.  Elle expose Galerie Delpire en 1969 puis à l’ atelier Jacob. Gilbert Lascault, Colin Rhodes, Linda Goddard, Lucienne Peiry, Laurent Danchin et bien d’autres conservateurs et critiques d’art, ont depuis rendu célèbres ses travaux délicats et poétiques, qui ont rejoint notamment  les collections permanentes nationales, mais aussi celles de la collection de la Neuve Invention à LausanneElle figure depuis longtemp au sein des collections de la Fabuloserie. Alain Bourbonnais l’a fera participer à l’exposition des Singuliers de l’art en 1978, alors que Suzanne Pagé est directrice de l’ARC2, section d’art contemporain du musée d’art moderne de la Ville de Paris.

Architectures de fil, territoires de laine, Masques de laine, théâtre de têtes, ses créations très diverses ont été exposées en 2016 au château de Laval.

Sources :

Collection en ligne du FNAC :

Marie-Rose LORTET Strasbourg (Bas-Rhin, France), 1945.

Vêtement de pluie n°44. Autre titre : Objet qui lutte contre son environnement1987. Objet-sculpture Coton, lin, sucre, résine 100 x 85 x 35 cm S. à la base : Rose Lortet Achat à l’artiste en 1989 Inv. : FNAC 89314 Centre national des arts plastiques. En dépôt depuis le 23/05/1995 : Musée d’art et d’industrie (Roubaix).

A chacun sa Fiac 2015

Organisée du 22 au 25 octobre, la FIAC, à Paris,  a accueillie cette année 171 exposants. La Directrice du salon depuis douze ans est Jennifer Flay. Au Grand Palais, il y a eu peu de galeries d’art françaises et peu de peintures d’avant les années 1950 et 1960 représentées : donc pratiquement plus d’abstraction géométrique en vue.

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A la galerie Jaeger-Bucher :  on découvre dans la pénombre des petits formats de Klee et de Kandinsky.

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et un beau tableau de Gérard  Fromanger intitulé « Florence, rue d’Orchampt », 1975. Il a figuré lors de l’exposition  » Mémoire d’un patriache » organisée à l’occasion du 90e Anniversaire de Jean-François Jaeger et de ses 66 années de galerie.

 

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Fromanger

A la galerie Applicat Prazan : une exposition exclusive dédiée à Maurice Estève très colorée,  incluant ses œuvres les plus récentes,

et à la Landau Fine art,  une galerie canadienne de Montréal  : entre autres, Magnelli , Fernand Léger, Jean Dubuffet et Le Corbusier.

Magnelli
Magnelli

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La galerie italienne Tornabuoni  a choisi de rester « en blanc« , en écho à l’une de ses expositions. Elle présentait également  une œuvre  d’ Alighiero e Boetti (1940-1994) :

 

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« Par le choix de la broderie, technique obsessionnelle souvent mise en oeuvre, Alighiero e Boetti est un artiste conceptuel sans équivalent connu dans le monde des artistes contemporains consacrés, la grande Louise Bourgeois l’utilisant de manière moins systématique pour ses auto-analyses arachnéennes.

Un nom coupé en deux, à moins que soudé : Au début des années 1970, Alighiero Boetti se rebaptise Alighiero e Boetti. Cet ajout, qui rompt autant qu’il lie son identité, mérite que l’on égrène quelques interprétations subjectives tant l’OEuvre de cet immense artiste est justement liée à la représentation de l’identité. Alighiero e Boetti comme un  dédoublement, une diférenciation entre le social et l’intime, un pied de nez à l’identité attribuée d’office, une dilution et un renforcement, un signe à la fois morcellement et réunifcation, une manière de disparaître, un point de suture….Alighiero e Boetti est principalement connu par ses grands planisphères et énigmatiques damiers aux carrés de couleur, dont chacun isole la lettre d’un mot, qu’il concevait puis faisait broder par des femmes en Afghanistan, pour un résultat esthétiquement somptueux et, comme il ne s’agit pas de décoration, une sorte de tour de passepasse éblouissant. Bien que cloisonnée par la couleur, la réalisation n’apparaît jamais fragmentée, l’oeil isole difficilement un morceau coloré, elle forme un tout dans les contradictions et le miroitement des couleurs, car la ligne-frontière n’existe pas ».

 

Dans un renfoncement du Grand Palais, on découvre les dernières acquisitions du FMAC (Fonds municipal d’art contemporain de la Ville de Paris) et la démarche artistique du colombien Marcos Avila Forero,  » basée sur la rencontre avec des personnes, un lieu, une histoire, et cherchant à renouer des fils perdus entre traditions ancestrales et pratiques contemporaines ».

Pour son projet Alapargatas de Zuratoque (2013), l’artiste a travaillé avec des familles déplacées par le conflit armé en Colombie. Il leur a proposé d’écrire leur histoire sur des sacs de toile de jute qui ont ensuite servi à fabriquer des chaussures tressées traditionnelles des paysans.20151022_13562820151022_135618

ALPAGATAS DE ZURATOQUE, COSTAL #2, FAMILLE RUSSO CANAS, 2013 – Installation 1 Paire de chaussures en toile de jute tissées à la main, Tirage photographique numérique couleur sur papier Classic RC, plastification matte, contrecollée sur plaque Dibond 2mm et châssis aluminium sur CC, 100 x 150 cm, Pièces uniques, Production Palais de Tokyo (Paris), Prix Découverte des Amis du Palais de Tokyo 2012. A découvrir ici.

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Gilles Drouault de la galerie de Multiples, face à l’entrée, (et à la sortie) proposait à la vente des marteaux : un « marteau au manche ondulé qui est censé représenter l’onde de choc produite quand on enfonce un clou quand on s’en sert ».

Ils rappellent un peu ceux que propose Carelman, dès les années 1970 :

 Catalogue d’Objets Introuvables (Catalogue d’Objets Impossibles) :Jacques Carelman, Français, Marseillais pour être plus précis, et un contemporain. Peintre, sculpteur, illustrateur, metteur en scène et, fondamentalement, autodidacte. Il utilise l’humour en créant. Il invente et imagine en fusionnant la logique et l’absurdité avec une grande subtilité. Il déforme la réalité que nous connaissons tous. Il amuse et s’amuse.
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Il est né en 1929 et dès 1956 il vit à Paris où il  a commencé par réaliser des décors pour théâtre et des illustrations de livres. Il est connu dans le monde entier principalement par son Catalogue d’Objets Introuvables (Catalogue d’Objets Impossibles), imaginé et publié en 1969 comme une parodie à un catalogue de vente par correspondance en imitant le style du fameux Manufrance. À partir de 1972 avec sa première exposition,[organisée au musée des Arts décoratifs à Paris avec François Mathey] et sans interruption, ses objets ont été présentés dans de nombreux musées, galeries d’art, de centres culturels, d’étrennes et salons d’Europe, du Canada, des États-Unis, de l’Amérique latine et du Japon. 

Au Grand Palais, à signaler cette année, l’activité soutenue des visites guidées  qui permettait au public de s’initier à l’ art contemporain : elles ont rencontré un grand succès. Le prix d’entrée (35 euros) reste toutefois très élevé car il s’agit bien d’une foire commerciale et non d’un musée.

L’ancien commissaire du 60 e salon de Montrouge, Stéphane Corréard dans le Quotidien de l’Art, a annoncé qu’il allait lancer une foire de galeries françaises à Paris :

« L’idée était dans l’air depuis un moment. Ancien directeur du Salon de Montrouge, Stéphane Corréard compte lancer un nouveau salon baptisé « Galeristes » en décembre 2016, sans doute au Carreau du Temple, à Paris. « J’aimerais réunir quarante des meilleures galeries indépendantes françaises, des galeries qui sont des passeurs », nous a-t-il confié. Et d’ajouter : « J’ai beaucoup d’amis marchands déboussolés par les évolutions du marché de l’art »..

Philippe Hiquily, un sculpteur « baroque » presque oublié

Né en 1925, à Montmartre, décédé en 2013, Philippe Hiquily n’a pas cessé de créer durant les  années 1950 à 1960, il appartient alors à la même génération de sculpteurs en vogue, comme César et Arman, mais sa carrière s’infléchit vers 1965. Il n’a jamais souhaité intégrer un quelconque mouvement d’artistes comme les Nouveaux Réalistes : http://www.hiquily.com/fr/biographie?PHPSESSID=pa02isoe9o88c93b7bpuiuj0n5

Ses sculptures girouettes monumentales  http://culturebox.francetvinfo.fr/expositions/sculpture/le-sculpteur-philippe-hiquily-est-mort-134071

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font l’objet d’une exposition- vente, en cours au Donjon de Vez jusqu’au 14 septembre 2014 :

affiche_vezPhilippe Hiquily, Girouettes (Marbella-Shanghaï),1963/2010, acier, 3,5m. © Bruno Simon courtesy Artcurial.

Ses œuvres proches au début de celles de Germaine Richier, sont d’inspiration fantastique, onirique, et qualifiées en 1962 de baroques :  http://www.hiquily.com/fr/oeuvres

Pour une liste de ses expositions personnelles, voir : http://www.hiquily.com/en/expositions?PHPSESSID=pa02isoe9o88c93b7bpuiuj0n5

Le musée des Arts décoratifs à Paris met en valeur actuellement l’une de ses créations datant de 1960, un guéridon au cristal de roche : Linda Pinto propose un « piano-bar  à vin » avec un guéridon Onirique en laiton doré et cristal de roche créé à la fin des années 60 par Philippe Hiquily. Les claviers, que l’on retrouve d’un côté et de l’autre du guéridon, et son centre faisant office de « bar » projettent le visiteur dans une ambiance « jazzy » : http://galeriecaroledecombe.com/2014/08/19/ad-au-musee-des-arts-decoratifs/

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Philippe Hiquily a créé au cours des années 1960 d’autres objets- sculptures comme ce plafonnier exposé en 1962 au musée des Arts décoratifs :

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Feuille de laiton martelée, 48 cm x 100 cm. Edition limitée à 8 exemplaires + 4 E.A., signés et numérotés, Edition suivant un modèle original de 1960 Ancienne Collection de la Galerie du Dragon : http://www.jmlelouch.com/268/

(l’exposition Antagonisme II l’Objet, mars 1962 ), a réuni de très nombreux artistes qui ont proposé près de 500 objets : sculpture, peinture, dessin, bijoux d’artistes, meubles, mobilier, lampe, luminaires, architecture, céramique, tapis, tapisserie, vitrail (commissariat François Mathey et Yolande Amic): http://www.librairiedesarchives.com/Antagonismes-2-L-Objet.html

Yolande Amic, 1962Yolande Amic, au milieu des « objets » de l’exposition, 1962 (INA)

Dans cette exposition, Philippe Hiquily figure auprès de : Henri-Georges Adam, Yaacov Agam, Kosta Alex, Constantin Andréou, Willy Anthoons, Jean Hans Arp, Helen Ashbee, François Baschet, Frédéric Benrath, Harry Bertoia, André Bloc, Hans Bischoffshausen, Bocian, Martine Boileau, André Borderie, Marc Boussac, René Brault dit Bro, James Brown, Nino Calos, Alexander Calder, Agustin Cardenas, Carlos, Léonora Carrington, César Baldaccini dit César, Gaston Chaissac, Jean-Claude Champagnat, Louis Chavignier, Jean-Marie Chourgnoz, Jean Cocteau, Christo Coetzee, Gio Colucci, Pietro Consagra, William N. Copley, Costas Coulentianos, Michel Courcelle, Harold Cousins, Vincent de Crozals, Gérard Cyne, Olivier Debré, Jacques Delahaye, Jean Dubuffet, Nadine Effront, Max Ernst, Claire Falkenstein, Jean Filhos, Lucio Fontana, Günter Fruhtrunk, André Gaillard, Frans de Geetere, Michel Genier, Piotr Kowalski, Philippe Muel, Alberto & Diego Giacometti, Marcel Gili, Émile Gilioli, Roseline Granet, Juan Gris, Julio Gonzales, Michel Guino, Brion Gysin, Shamal Haber, Étienne Hajdu, Davos Hanich, Pierre Héricher dit Herry, George Him & Jean Le Witt, Paul van Hoeydonck, Ping Ming Hsiung, Jean Ipousteguy, Robert Jacobsen, Marcel Jean, Paul Jenkins, Élisabeth Joulia, Iaroslav-Jean Kapera, Alain de la Bourdonnaye, Norbert Kricke, Berto Lardera, Guy Lartigue, Henri Laurens, Le Corbusier, Adrien Liegme, Frank J. Malina, Michel Mangematin & Roger Bruny, Marie-Laure, Étienne-Martin, Georges Mathieu, Janine Matthey, Roberto Echaurren Matta, Brigitte Meier-Denninghoff, Claude Mercier, Jean Messagier, James Metcalf, Meylan, Luiza Miller, Richard Mortensen, Alicia Moï, Isamu Noguchi, Alexandre Noll, Meret Oppenheim, Joan Pala, Martha Pan, Georges Patrix, Alicia Penalba, Charlotte Perriand, Philolaos, Pablo Picasso, Édouard Pignon, Edgar Pillet, Marie-Thérèse Pinto, Marc du Plantier, Henri Plisson, Gio Pomodoro, Arnaldo Pomodoro, Antoine Poncet, Man Ray, Germaine Richier, Larry Rivers, Suzanne Rodillon, Félix Roulin, Saint-Maur, Valentine Schlegel, Nicolas Schöffer, Signori, Adam Sjohölm, Yerassimos Sklavos, K.R.H. Sönderborg, Ettore Sottsass, François Stahly, Pierre Szekely, Antoni Starczewski, Vassilakis Takis, Yves Tanguy, Dorothea Tanning, Torun Bulow-Hube, Marino di Teana, Paolo Vallorz, Victor Vasarely, Raymond Veysset, André Vigneau, Claude Viseux, Jean Weinbaum, Ossip Zadkine…).

On retrouve dans les catalogues de vente des objets exposés en 1962 au musée des Arts décoratifs, une occasion de redécouvrir des créateurs comme Michel Mangematin (né en 1928) :  une grande table basse ovale, circa 1962, piètement tripode en bronze :

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François Mathey et les collectionneurs

En écho au thème retenu cette année au Festival d’histoire de l’art de Fontainebleau, voici un nouvel article déposé sous Hal SHS– Il reprend l’essentiel des questions développées lors de mon intervention du 30 mai dernier :
En 1974, le conservateur en chef du musée des Arts décoratifs, François Mathey (1917-1993) organise une exposition collective intitulée  » Ils collectionnent « . Considérée à l’époque comme une exposition  » sociologique  » inédite, elle suscite l’intérêt et pose plusieurs questions : quelles sont les fonctions sociales de la collection ? Pourquoi crée-t-on une collection ? Que révèle la collection de l’identité de son auteur ? Quels objets collectionnent-on et pourquoi ? Dès lors que les objets de la collection évoluent et que de nouveaux collectibles apparaissent, quelles en sont les implications esthétiques ? François Mathey a depuis longtemps exposé des collections privées dans son musée : en 1957,celles des mécènes collectionneurs de Franche-Comté, données et rassemblées (depuis 1694) au musée de Besançon, en 1958 la collection privée américaine de Solomon R. Guggenheim, puis en 1967, la collection d’art brut de Dubuffet. Il a exposé également très tôt des créations qui n’étaient pas encore légitimes au musée : la photographie dès 1955, la science-fiction, la bande dessinée, l’art populaire, l’art brut dès 1967, etc. Il montre en 1974 80 collections privées :
http://halshs.archives-ouvertes.fr/halshs-01001983

L’art « dégénéré » bientôt en ligne

La lettre d’information du célèbre magasine d’art brut Raw Vision, relaie l’information selon laquelle le Victoria et Albert Museum de Londres va mettre en ligne, vers la fin de ce mois,  le seul inventaire subsistant des œuvres qui ont été listées et qualifiées par le régime nazi de « dégénérées » et dont certaines ont été exposées lors de la fameuse exposition itinérante (1937/1938) sur l’art dégénéré, « Entartete Kunst ». Le régime nazi a ainsi répertorié 16 558 œuvres d’art qui furent ensuite vendues, prêtées ou détruites.

Pour en savoir plus sur cette future publication en ligne voir :

V &A to publish German 1941-1942 list of ‘Degenerate Art’ :  « Scholars internationally have used the document since its arrival at the Museum, and copies have been shared with institutions around the world. However, images of the original pages have not been available online so far. Martin Roth, V&A Director, said: “This list is so significant for all those who work in the field of provenance research. The recent Gurlitt case highlights how important it is for this original document to be made available in its entirety to as wide an audience as possible by publishing it online.” The document will be accessible on the V&A website from late January 2014. online »http://www.vam.ac.uk/b/blog/network/history-page-va-publish-german-1941-1942-list-degenerate-art-online

La liste en question inclut tout aussi bien Picasso que Van Gogh, et d’autres artistes de la collection d’art brut d’Hans Prinzhorn.  Psychiatre et historien d’art, Prinzhorn a constitué une importante collection d’art des « fous » : http://www.rzuser.uni-heidelberg.de/~gf7/index_eng.shtml

Adresse

La collection Prinszhorn, cachée et sauvegardée, a été redécouverte et exposée en 1963 par Harald Szeemann à la Kunsthalle de Berne. Il considère  alors qu’il s’agit d’art psycho-pathologique.

Ce n’est pas la démarche qu’adoptera Jean Dubuffet, qui a constitué sa propre collection et qui crée le concept d’art brut, regroupant sous ce vocable les productions de personnes exemptes de culture artistique . C’est ainsi que des œuvres de sa collection personnelle seront présentées et exposées pour la première fois au musée des Arts décoratifs de Paris en 1967 à l’initiative de François Mathey.