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Le rêve des formes : Arts, sciences & cie

Œuvre de l’artiste d’art numérique, Katja Novitskova : Approximation V, 2013, photo: Nils Klinger.

Katja Novitskova  expose actuellement au Pavillon estonien de la 57e Biennale de Venise. Elle aborde les potentialités émergentes de la culture visuelle, du big-data et de l’écologie :

If Only You Could See What I’ve Seen with Your Eyes. Commissaire: Kati Ilves
Lieu d’exposition : Palazzo Malipiero.

Alain Prochiantz, titulaire de la chaire Processus morphogénétiques, au Collège de France et Alain FleischerLe Fresnoy – Studio national des arts contemporains, organisent du 5 au 7 septembre 2017, un colloque au Collège de France, ayant pour thème « Le rêve des formes : Arts, sciences & cie » (COLLOQUE LE REVE DES FORMES). Au sein de ce programme pluridisciplinaire, deux interventions  d’historiens de l’art, qui sont également commissaires d’exposition, peuvent être plus particulièrement signalées :

  • Le 5 septembre, Laurence Bertrand Dorléac, Professeure à Sciences Po, évoquera la prochaine exposition temporaire dont elle est co-commissaire, au Grand Palais, en mars 2018 : Artistes et Robots. Acte 2 ; 
  • Le 7 septembre, Georges Didi-Huberman (Directeur d’études, EHESS ) traitera de La dialectique des formes : une question disputée.

Alain Fleischer  et Claire Moulène sont par ailleurs commissaires d’une exposition temporaire intitulée « Le Rêve des formes – Art, science, etc » qui est actuellement présentée au Palais de Tokyo jusqu’au 10 septembre prochain :

«  L’exposition présentée à l’occasion du vingtième anniversaire du Fresnoy – Studio national des arts contemporains, est conçue comme un paysage imaginaire, un jardin monstrueux où se cultivent des formes périssables et des surfaces en germination, des organismes protubérants et de plates silhouettes. Les artistes et chercheurs rassemblés dans « Le Rêve des formes » témoignent de leur rencontre avec de nouvelles possibilités de représentation, issues de découvertes scientifiques et techniques récentes, qui bouleversent notre façon de voir et de montrer. En renouvelant grâce à cela le champ du perceptible – nanotechnologies, imagerie de synthèse, scan 3D, stéréolithographie… –, ces nouvelles visualisations nous laissent présumer de géométries encore inconnues. Des images, des transcriptions, des modélisations, des formes spéculatives produites par les inventeurs et savants des sciences prospectives, issues des mathématiques, de la physique, de la biologie, de l’optique ou de la chimie par exemple, rejoignent ou inspirent des œuvres qui résultent des greffes opérées entre art et science, entre spéculation et invention, par une vingtaine d’artistes contemporains ».

Toujours au Palais de Tokyo, Claire Garnier, Laurent Le Bon et Florence Ostende  présentent une exposition intitulée  » Dioramas » qui fait redécouvrir « une source d’inspiration inattendue des artistes contemporains : le diorama. L’exposition déconstruit de manière inédite l’histoire du regard, au croisement de l’histoire, de l’histoire de l’art, du cinéma, du monde de la scène, des arts populaires et forains et de l’histoire des sciences et techniques ».

Feuilleter le catalogue.

L’INHA édite  » Dits » et « Inédits »

iL’Institut national d’histoire de l’art (INHA) lance cette année ses propres collections : « Dits » et « Inédits ».

« Inédits  » publie des travaux de recherche non traduits, méconnus, qui intéresseront essentiellement les spécialistes :

La collection « Dits »  va en revanche célébrer «  la petite forme. Elle rassemble des textes d’historiens de l’art conçus en réponse à une invitation de l’INHA. Le plus souvent dits et adressés à un public, ils conservent la force de leur énonciation première. Formes brèves, leur argumentation exprime l’idée au plus proche du mouvement de la pensée qui l’a fait naître.

Les deux premiers titres viennent de paraître : Le premier titre, À livres ouverts, est la transcription de la conférence prononcée par le philosophe et historien de l’art Georges Didi-Huberman le samedi 14 janvier 2017, pour la réouverture de la bibliothèque de l’INHA, dans la salle Labrouste à Paris. L’auteur y salue l’ouverture de la bibliothèque comme celle d’un « ouvroir d’histoires de l’art potentielles ».

Photographies © Agathe Lautréamont, 2017

Le second titre, Piranèse ou l’Épaisseur de l’histoire, est un texte concis de l’archéologue et historien de la culture et ancien directeur général de l’INHA, Alain Schnapp, sur la Via Appia de Piranèse. Il y célèbre la puissance d’analyse par le trait du graveur, dont les dessins seraient des chefs-d’œuvre de l’art antiquaire voire, bien plus, des études archéologiques avant la lettre.

Le site de l’INHA en propose des extraits sur son site. Voici celui tiré du texte d’Alain Schnapp :

« Les gravures de Piranèse agrandissent ou réduisent à plaisir les monuments, elles jouent de l’infiniment grand et de l’infiniment petit, elles tordent les perspectives et modulent les premiers plans comme si le graveur, conscient de ses effets, ployait les monuments à son propre plaisir pour les faire parler à sa place. […] John Wilton Ely a attiré l’attention sur cette remarque de Piranèse : “Les ruines parlantes ont rempli mon esprit d’images que des dessins précis ne m’auraient jamais permis d’exprimer.” Les ruines savent parler à qui sait les entendre et c’est cette force même qui s’incarne dans les gravures du maître et dans les commentaires qui les accompagnent. » (p. 12-13). 

Raphaël Cuir : un critique d’art sur internet

Epoux de l’artiste Orlan, Raphaël  Cuir est un spécialiste de la représentation du corps humain dans l’histoire de l’art. Il vient de publier un ouvrage intitulé  « Renaissance de l’anatomie ».

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Il est  également  président de la section française  de l’Association internationale des critiques d’art (AICA) .

Il intervient ici avec Didi-Huberman :

Il a été l’un des précurseurs de l’art à la télévision en lançant la chaîne « Mémoires actives » sur Internet en 1999, dont voici un best of.

Le critique a clos à la Villa Arson en 2012 un colloque sur la performance. Il évoque  les questions de champ et de définition que pose ce terme, qui renvoie à des actions et des pratiques artistiques très différentes. Un autre mode d’exposition   » de la vie même ».

Intervention dans le cadre du colloque « La performance : vie de l’archive et actualité », AICA-France/Villa Arson.2012.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Le dernier ouvrage de Didi-Huberman : Malraux versus Walter Benjamin, Duthuit, Resnais et Marker

Pour celles et ceux qui n’ont pu assister aux conférences du Louvre voici l’ouvrage de G. Didi-Huberman reprenant son propos sur le musée imaginaire conçu par Malraux :

http://www.louvre.fr/la-reproductibilite-de-l-art-et-l-ouverture-du-champ-imaginaire

De multiples références et contrepoints à la construction intellectuelle de Malraux sont évoqués : le fameux musée inimaginable de G. Duthuit , l’opposition de Gombrich, ou le documentaire de Resnais et Chris Marker de 1953, censuré à sa sortie :  » Les statues meurent aussi » : il s’agit là de créations et critiques essentielles et pourtant parfois difficiles à retrouver aujourd’hui, à l’heure de la frénétique reproduction numérique.
Un aperçu du documentaire : http://m.youtube.com/watch?v=hzFeuiZKHcg&desktop_uri=%2Fwatch%3Fv%3DhzFeuiZKHcg

Tout sur Malraux « littéraire » : http://malraux.org/
et ses critiques :
– G. Duthuit, Le Musée inimaginable, 3 t., Paris, J. Corti, 1956.
Ernst H Gombrich, « André Malraux and the crisis of expressionism », The Burhington Magazine, décembre 1954, p. 374-378.
Sur l’ouvrage de Walter Benjamin : http://initiation.histoiredelart.info/initiation/loeuvre-dart-lepoque-de-sa-reproductibilite-technique

L’art exposé est-il ou doit-il être élitiste ou démocratique ?

Intéressantes remarques de Simon Bruneel-Millon (Monde Académie, « Les gardiens d’exposition face au trouble suscité par Huyghe et Parreno ») relatives à la perception du public face aux deux expositions d’art contemporain de Parreno et Huygue actuellement en cours à Paris :

http://mondeaccult.blog.lemonde.fr/2013/11/04/les-gardiens-temoins-des-situations-de-huyghe-et-parreno/

 » Pierre Huyghe et son ami Philippe Parreno – auquel le Palais de Tokyo a donné carte blanche, au même moment – ont transformé la notion même d’exposition, donnant ainsi la pleine mesure du renouveau qu’ils ont apporté dans le champ de l’art. Les oeuvres présentées y ont moins d’importance que les situations qu’elles créent chez celui qui les regarde ou les traverse. Ce qui ne manque pas de désarçonner le visiteur. […] l’acteur de l’exposition n’est autre que celui qui la découvre. »

Les gardiens sont surpris par les réactions des visiteurs : l’animation procurée par les portes automatiques d’une installation de Parreno, par exemple :

“Ils veulent tous traverser la porte automatique: on dirait des gamins”, s’amuse t-il. “Ils ont beau en voir tous les jours au supermarché, ils veulent traverser celle-là, alors qu’elle ne mène nulle part…” Dans l’exposition Huyghe, l’excitation est à son comble quand arrive l’un des performers du moment : un élégant lévrier blanc affublé d’une patte rose. “C’est très étrange ce qui se passe avec ce chien », constate Pascal. “ Dès qu’il survient, tout le monde s’agglutine et dégaine les appareils photo; on dirait une star poursuivie par des paparazzi ”.[…]  « On me demande parfois: mais où est l’œuvre ? », explique un gardien chargé de surveiller une scène vide. Il s’agit d’une oeuvre de Parreno destinée à stimuler l’imaginaire du visiteur. Simplement suggéré par le son des pas des danseurs, il doit reconstituer le ballet qui s’exécute devant ses yeux.
 » On distingue rapidement ceux qui viennent pour Huyghe de ceux qui sont là par hasard, perdus au Centre Pompidou.. C’est une exposition pour classe supérieure »  suggère Pascal. Un avis qui tranche avec celui du critique d’art et théoricien Nicolas Bourriaud pour qui ces situations « régies par un strict souci de laisser sa chance à chacun » confèrent à cette pratique un caractère « foncièrement démocratique ».

L’ art exposé est-il ou doit-il être élitiste ou démocratique ? Dès lors que l’on choisit de le distinguer, de le faire figurer au musée, l’art est forcément élitiste, contemporain ou pas, d’ailleurs l’artiste fort justement veut être distingué, élu, pour figurer au musée.

Mais peut-il exister un art démocratique, accessible au quotidien ? Dans la culture au quotidien ? Où retrouver cet art, dans les traces laissées par Keith Haring, qui avait tout compris, mais auquel ses marchands reprochaient « sa générosité » ? Dans le street art, qui s’encadre, l’art populaire, l’art naïf, le mail art, l’art brut, qui font le bonheur des ventes aux enchères les plus chics d’aujourd’hui ? L’art en question est parfois imbriqué dans la culture au quotidien : Art des femmes du Mithilâ en Inde, l’art des quilts aux USA, l’art des papiers découpés en Suisse ?  Ces pratiques déjà anciennes, parfois d’inspiration religieuse, relèvent-elles plutôt aujourd’hui des loisirs créatifs, d’un Low art, comme il existerait un High art ?

La traversée du temps modifie la perception des catégories et ces classements, cette taxinomie frénétique qui se développe allègrement au XIXe siècle en Occident, est commode mais dépassée car la perception de ces différentes créations évolue, rendant la hiérarchisation des arts entre Low et High art, inopérante. Le design des objets quotidiens d’Égypte, n’était probablement pas remarquable en son temps, ces objets du quotidien figurent depuis au musée.

L’art conceptuel de Parreno et Huygue est-il élitiste ? L’interaction qu’ils souhaitent instaurer avec le visiteur, illusoire ? C’est ce que pense Dominique Baqué (Pour un nouvel art politique: de l’art contemporain au documentaire, Flammarion, 2014). Voir la note de lecture de Michel Poivert : http://etudesphotographiques.revues.org/400

La vraie question réside plutôt dans l’accès à l’œuvre qui figure au musée ou au centre d’art : qu’il s’agisse de Poussin ou de Parreno, les clefs de compréhension ne sont pas données mais à conquérir et  parfois on parvient même à les mettre à disposition du public, au lieu de « laisser sa chance à chacun » comme au Loto ! Pour preuve cette émission sur Arte, évoquant les tableaux de Poussin et leur complexité : La vie cachée des œuvres, diffusé le 24 novembre dernier :  http://telescoop.tv/browse/369291/11/la-vie-cachee-des-oeuvres.html

Il serait enrichissant pour les visiteurs de musées et de centres d’art, que des émissions similaires fassent apparaître les ressorts poétiques, ou non, des « expositions parcours » proposées par les artistes contemporains et ce d’autant plus que les artistes contemporains pratiquent en général  un art de la citation qui nécessite pour être compris que les œuvres et artistes du passé soient connus.

« L’immédiateté de l’art », notion sacrée par Malraux, existe : on peut être séduit, frappé,sidéré par une image, un discours, un parcours, une sculpture : au demeurant on peut aussi l’être par un défilé militaire ou une foule en délire..mais c’est surtout  la découverte approfondie d’une œuvre et de ses différents niveaux de lecture, d’un artiste et de son propos qui importent : éducation et culture sont nécessairement mêlées et l’ancienne dichotomie suggérée par Malraux dans les années 1960 (était-ce pour laisser une chance à son ministère d’exister, face au puissant ministère de l’Instruction publique ?)  ne devrait donc plus avoir lieu d’être. Mais est-ce aux artistes de délivrer des clefs de lecture de leurs œuvres ? Non, la médiation importe, c’est le rôle de tous les « sachant » de partager ce qu’ils auront vu dans  l’œuvre, « l’image ouverte » souvent évoquée par Georges Didi-Huberman.

Pierre Huyghe : Centrepompidou.fr et Philippe Parreno, Anywhere, Anywhere Out Of the World. Palais de Tokyo, jusqu’au 12 janvier 2014 : Palaisdetokyo.com

Le match perdu des néo conceptuels face à la « peinture/ peinture » : http://musearti.hypotheses.org/?p=1133

Mais aussi :

Art des femmes du Mithilâ, au musée des arts d’Afrique et d’Asie, à Vichy : http://musee-aaa.com/?page_id=655

9782343015101r

voir également  l’ouvrage de Martine Le Coz, Mithilâ. L’honneur des femmes, paru en septembre 2013 : http://www.editions-harmattan.fr/index.asp?navig=catalogue&obj=livre&no=41133

Sur le objets quotidiens d’Égypte: voir le Musée des Beaux-Arts de Limoges (Musée de l’Évêché)  : http://www.bubastis.be/art/musee/limoges_01.html

http://www.museebal.fr/sites/default/files/img/PDF03/egypte-panneaux-gros-caracteres.pdf

Le Quilt art au centre culturel américain Mona Bismark : http://monabismarck.org/pdf/DP%20-%20QUILT%20ART%20FR.pdf

Les papiers découpés : http://musearti.hypotheses.org/1161

L’art brut : http://musearti.hypotheses.org/?p=465

et  l’art populaire dans les ventes aux enchères : http://www.interencheres.com/fr/meubles-objets-art/art-populaire-ie_s204.html

L’univers de Keith Haring : The universe of Keith Haring , documentaire sorti en DVD, de Christina Clausen : http://www.avoir-alire.com/keith-haring-le-petit-prince-de-la-rue-la-critique-test-dvd

et Les jeans de Keith Haring, retour chez l’encadreur : http://musearti.hypotheses.org/?p=273

Enfin, une liste des ouvrages de Georges Didi-Huberman : https://www.franceculture.fr/oeuvres/210621