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Exposition hommage au Musée Tomi Ungerer

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TOMI UNGERER FOREVER

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Tomi Ungerer vu par Christian Antonelli (détail de l’oeuvre) © Christian Antonelli.
 
Pour fêter le 85e anniversaire de Tomi Ungerer, 100 artistes de France et d’ailleurs ont taillé leurs crayons pour illustrer les liens que leur œuvre entretient avec celle de leur aîné. Si celle-ci s’est d’ores et déjà inscrite par sa diversité et sa créativité dans le vaste champ  de l’histoire de lart.
 La première rétrospective consacrée à Tomi Ungerer a eu lieu  au musée des Arts décoratifs en 1981.
 
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1981
Connue également sous le titre de « Der kleine Unterschied » (La petite différence), devenue emblématique depuis, cette affiche fut réalisée par Tomi Ungerer pour la rétrospective que François Mathey lui organisa au Musée des Arts décoratifs de Paris à l’occasion de son 50e anniversaire.

Il ne peut s’empêcher d’ironiser sur la fonction de l’artiste avec le motif de l’éléphant trempant sa queue dans un pot de peinture … Il utilise ici son principe de choc visuel, destiné à attirer l’attention du spectateur, et qu’il obtient avec une gamme de couleurs réduite sur un fond sombre, un trait noir compact et une mise en page sobre. 

Kunihiko Moriguchi, artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, est à Paris

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Du triangle au cercle, Kunihiko Moriguchi, 2012. Photo : © Kunihiro Shikata.

Kunihiko Moriguchi est un artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, cette technique tricentenaire de peinture sur des kimonos d’apparat. Il a été élevé au rang de « Trésor national vivant » par le gouvernement japonais en 2007. Son père était également « trésor national » et l’a formé à son retour au Japon. En effet, Kunihiko Moriguchi  a vécu en Europe où il a étudié les arts graphiques.

Né en 1941, il étudie la peinture de « style japonais » (nihonga) à l’université des Arts de Kyoto. Il part pour la France à l’âge de 22 ans et étudie à l’École nationale des arts décoratifs.  Il a fréquenté le musée des Arts décoratifs, où il rencontre François Mathey.  

Il se lie d’amitié avec le critique Gaëtan Picon et le peintre Balthus qui l’invite à la Villa Médicis. Ce dernier le persuade de se consacrer à l’art du yûzen, dont le père de Kunihiko est un illustre représentant. Kunihiko Moriguchi  a réalisé son premier kimono en 1967.

Une exposition rétrospective de ses œuvres,  la première, se déroule actuellement à la Maison de la Culture du Japon jusqu’au 17 décembre prochain. Elle réunit 26 kimonos et 11 peintures de l’artiste.

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Charles Gleyre : l’académisme et ses fantasmes. Rencontre avec Michel Thévoz

A l’occasion, de l’exposition temporaire « Charles Gleyre, le romantique repenti »  qui se termine le 11 septembre 2016 au musée d’Orsay, Michel Thévoz a participé à une conférence qui peut être réécoutée  ici.

Une conférence inaugurale a été donnée par les deux commissaires de l’exposition, Côme Fabre et Paul Perrin, à réécouter à partir de ce lien.

Charles Gleyre. Autoportrait© Nora Rupp, Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne.

« Dans l’épopée qu’est l’histoire de la peinture française au XIXe siècle, le rôle de Charles Gleyre est trop souvent oublié.
Certes, ce Parisien d’adoption ne s’est guère préoccupé de sa postérité française. Né en 1806 dans le canton de Vaud, Gleyre est resté toute sa vie un citoyen de la Confédération helvétique et un farouche républicain.
Après le coup d’Etat exécré de Louis-Napoléon Bonaparte en 1851, il reçoit peu, n’expose plus et dédaigne les commandes publiques ; la maladie et la guerre de 1870 le contraignent à cesser son enseignement. Taiseux et solitaire, humble et cynique, Gleyre est déjà menacé d’oubli quand il meurt, en mai 1874. C’est en vain que son ami Charles Clément s’empresse de recueillir les derniers témoignages et de recenser maints chefs-d’oeuvre déjà dispersés à l’étranger : bientôt, seules les Illusions perdues, toile mélancolique du musée du Louvre, restent dans les mémoires. On se souvient qu’il fut le premier maître de Sisley, Bazille, Renoir ».

Michel Thévoz a aussi été conservateur au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne. Il est l’auteur en 1980 de l’ouvrage intitulé « Académisme et ses fantasmes : Le réalisme imaginaire de Charles Gleyre » qui vient d’être réédité.

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Il évoque, à travers plusieurs tableaux, cet  artiste vaudois qui trouve sa place à Paris (et qui est pourtant souvent obligé d’adapter son travail aux commandes qui lui sont faites), dans une société dont il partage apparemment les goûts mais dont il est aussi le symptôme, une société en voie de pétrification, qui voudrait arrêter l’histoire. Le goût prononcé du peintre pour les scènes violentes et obscènes (comme dans le tableau « Néron tuant sa mère »), s’accompagne d’audaces picturales, dignes de ses élèves impressionnistes, qui contribueront pourtant à son oubli.

Est-il « académique » ? Ce vaudois n’a pas de prix de Rome, ne sera pas membre de l’Académie, et si sa peinture semble classique, sa catégorisation ne va pas de soi.

Michel Thévoz propose d’adopter une nouvelle approche et un nouveau vocabulaire, pour analyser les rapports effectifs, les tensions, entre les tendances « modernes », avant-gardistes et les tendances classiques, « néoclassiques », comme le propose par exemple Nathalie Heinich dans son ouvrage Le paradigme de l’art contemporain. Structures d’une révolution artistique.

En effet, les peintres du XIXe siècle qui ont depuis été identifiés sous les étiquettes « d’impressionnistes » ou « d’académiques » voire de « pompiers »  se fréquentaient, interagissaient. Il faut, d’après Michel Thévoz, revisiter  régulièrement l’histoire de l’Art : ce passé est « imprévisible », il doit faire l’objet d’une relecture périodique.

C’est le constat que dressait aussi Jean Clair en 2011 lorsqu’il a évoqué à ma demande les expositions pionnières de François Mathey aux Arts Décos :

« Je me souviens très bien de l’exposition « Equivoques », en 1973, qui portait sur la peinture du XIX ème siècle à laquelle je m’intéresse tout particulièrement. Cela montrait que les exclusions et les jugements péremptoires des critiques d’art n’étaient pas fondés, qu’il n’y avait jamais eu cette dichotomie violente entre la peinture académique et la peinture novatrice : des passerelles existaient, même si elles restaient au premier coup d’œil, invisibles. Il y avait aussi dans cette exposition (outre l’ironie, la provocation, l’audace) un intérêt pour l’iconologie : pour le portrait, les physionomies, qui m’intéressait beaucoup ».

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Equivoques. peintures françaises du XIXe siècle. catalogue  et affiche de l’exposition qui a eu lieu au musée des Arts décoratifs du 9 mars au 14 mai 1973 (commissariat : Olivier Lépine et François Mathey).

 

 

L’ancien temps du design, un thème d’exposition très actuel

Fauteuil-chapigon-BFFauteuil  Mushroom, 1960. Armature en tube d’acier, garnissage en mousse de polyuréthane, revêtement de crêpe de laine et élasthanne. Artifort. Coll. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Photo B. Prévost.

Trois expositions sont consacrées à Pierre Paulin cette année : une exposition ciblant la période 1952-1959 à la galerie Pascal Cuisinier, une grande rétrospective  au Centre Pompidou et un focus sur les pièces conçues pour des Salons de l’Élysée à la Galerie Jousse Entreprise.

Le Centre Pompidou présente jusqu’au 22 août 2016 sa rétrospective :

http://culturebox.francetvinfo.fr/le-blog-de-thierry-hay/2016/05/12/pierre-paulin-au-centre-pompidou-le-design-au-service-du-corps.html

Comme le rappelle T. Hay, pour Paulin, il  existait « deux profils de designers :  les ingénieurs, qui envisagent le design de façon rationnelle et mentale et les aventuriers, les autodidactes dont je fais partie ». 100 meubles sont présentés  pour comprendre ses créations. La scénographie est de l’artiste Petra Blaisse. En 1950, Paulin fréquente le Centre d’art et de techniques, future école Camondo. qui dépend de l’Union centrale des Arts décoratifs. Il commence sa carrière dans le bureau d’études de Marcel Gascoin, lequel s’intéresse au style nordique et veut concevoir des produits en direction des jeunes.

Pierre Paulin est influencé par la simplicité du design scandinave qui marquera sa carrière. Il cherche aussi son inspiration du côté des designers américains : Eames, Bertoia, Saarinen.

Il s’intéresse très tôt au métal et réalise son premier fauteuil, dit fauteuil anneau à cause de son assise circulaire. Il participe à XIe Triennale de Milan en 1957. Il crée  notamment le fauteuil, dit Butterfly. Pierre Paulin est aussi le premier designer à utiliser le tissu élastique pour un meuble.

Ces années essentielles pour le design français, qui correspondent  peu ou prou aux « 30 glorieuses », sont retracées dans un ouvrage de référence  qui vient de paraître :site_56bc96f650415« Le temps des objets. Une histoire du design industriel en France (années 1950-1970)  » écrit par Claire Leymonerie, qui avait notamment consacré ses premiers travaux à la création du CCI par l’équipe  du musée des Arts décoratifs, alors dirigée  par Francois Mathey.

Résumé  de l’ouvrage par l’auteure  : L’engouement contemporain pour le design tendrait à faire oublier que ce terme a connu une entrée récente et d’emblée controversée dans la langue française. De fait, l’histoire du design français reste encore à écrire, la rareté des études récentes et l’ancienneté des monographies et ouvrages de synthèse contrastant avec la production britannique, américaine, allemande ou scandinave. Le design et son histoire soulèvent des enjeux importants : quelles sont les conséquences de l’industrialisation sur les formes de l’environnement quotidien, comment émerge et se définit une figure de créateur des formes pour l’industrie et comment trouve-t-elle sa place au sein ou aux marges de l’entreprise ? Quel positionnement ces créateurs ont-ils adopté face à l’essor de ce qui a bientôt été identifié, dans les années 1960, comme la « société de consommation » ?

A travers des portraits des personnalités qui font émerger les pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d’objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession.

Celle-ci vit encore une situation ambiguë  entre création industrielle et art, qui se traduit dans ses rapports parfois complexes, voire conflictuels, avec la maison des artistes :

http://www.telerama.fr/scenes/des-designers-prives-de-protection-sociale-envahissent-la-maison-des-artistes,142344.php

Claude Parent, un architecte utopique parmi les artistes

L’architecte Claude Parent, qui vient de décéder,  est « connu pour son architecture originale au service de l’imaginaire et de l’utopie, Claude Parent est le créateur de l’architecture oblique. Élu membre de l’Académie des beaux-arts en 2005, au fauteuil de l’architecte Jean Balladur, il raconte d’un humour distancié, son parcours, son engagement passionnel au service de l’architecture et ses rencontres avec les artistes du monde de la peinture et du théâtre. Fernand Léger, Yves Klein, Michel Carrade, Sylvain Dhomme, Polieri, les architectes Nicolas Shöffer, Lionel Mirabaud, le théoricien Paul Virilio et beaucoup d’autres ont nourri ses expériences de créateur. »

Dans une émission proposée par  Marianne Durand-Lacaze, l’Académie a salué en 2008 l’un des siens : Claude Parent, l’architecte de l’oblique , entretien avec l’académicien des beaux-arts  :

Avant l’académisme,  dans les années 1950 et 1960, Claude Parent a en effet été l’acteur d’une époque qui associait dans un même mouvement utopique, sans distinction, artistes peintres, sculpteurs et architectes  : Claude Parent a revendiqué pour sa création l’importance primordiale des rencontres et compagnonnages successifs. Les duos formés avec Ionel Schein, André Bloc, et Paul Virilio en témoignent, marquant l’actualité architecturale et intellectuelle des années 1950 et 1960.

Dès le début des années 1950, il multiplie les collaborations artistiques (Nicolas Schöffer, Yves Klein, Jean Tinguely, André Bloc) et adhère au Groupe Espace créé par André Bloc en 1951 (avec Jean Dewasne, Étienne Béothy, Jean Gorin, Félix Del Marle, Edgard Pillet, Victor Vasarely et Nicolas Schöffer), qui défend une nouvelle synthèse des arts.

De sa rencontre en 1963 avec Paul Virilio naîtra le groupe Architecture Principe (1963 – 68) – dont l’Église Sainte-Bernadette du Banlay (1963 – 66) à Nevers deviendra le projet-manifeste. Paul Virilio et Claude Parent imaginent le concept de « fonction oblique » cherchant ainsi à redéfinir nos espaces de vie en édifiant des bâtiments perturbateurs, aux sols et aux murs inclinés. L’expérimentation est son champ d’investigation permanent. Des bâtiments faits de rampes, de pentes, d’angles, privés d’ameublement – l’espace lui-même est censé déterminer la surface. Des concepts tels que « mur », « sol », « au dessus », « en dessous » sont écartés de leur signification première. Les relations sociales sont dynamisées par l’oblique et par une compréhension de l’espace pleine de spiritualité.

A la fin des années 1950, il mène une collaboration pionnière et intense avec l’artiste Yves Klein :

Au printemps 1959, Yves Klein travaille avec l’architecte Claude Parent sur son projet de Fontaines d’eau et de feu ; il dessine un projet de sculpture aéromagnétique. L’architecte Claude Parent évoque le projet des fontaines de feu dont Klein souhaitait doter les jardins du palais de Chaillot : « Ce qui intéressait Klein au maximum c’était la rencontre de l’eau et du feu avec le dégagement des fumées produites qui flattait certainement le goût wagnérien du théâtre qu’il avait. Il m’avait demandé de travailler aux fontaines de Varsovie devant le palais de Chaillot. Avec ce principe de l’eau et du feu de la rencontre d’un peu d’eau frappée diagonalement à son sommet par un jet de flamme qui dégage à ce moment-là une vapeur d’eau, une fumée dans l’atmosphère ». À travers son délire créatif, Klein avait su conférer un mythe à son personnage, celui du vide. En échange d’une « zone de sensibilité picturale et immatérielle », il exigeait suivant les dimensions de son œuvre entre un kilogramme et quelques grammes d’or fin, et dans son journal du vide, il écrivait, « Le territoire doit ressembler aux yeux de l’espace ». Actualités cinématographiques de Gaumont-Pathé « Yves Klein, quatrième dan », 3 mns 38 s, 1969.

Ainsi, Claude Parent a participé à l’exposition pionnière organisée par François Mathey, au musée des Arts décoratifs à Paris : l’exposition Antagonismes II, l’Objet, au printemps 1962 : elle associait aussi bien des peintres et sculpteurs, que des architectes : Michel Ragon, critique d’art, a salué la maquette d’un théâtre à scènes multiples d’AGAM réalisée avec l’aide de Claude Parent, mais aussi, la création d’Yves Klein présentée au sein de l’exposition : un panneau documentaire, présentant   » l’architecture de l’air » et « la climatisation de l’atmosphère à la surface de notre globe ». Le panneau était composé d’esquisses d’architecture immatérielle, faites par l’architecte.

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Michel Ragon a écrit sur Parent une monographie critique d’un architecte.

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A la demande de Michel Ragon, en 1963, Claude Parent expose à la galerie Anderson-Mayer, aux côtés de Gilioli, Chavignier, Kowalski, Niemeyer, Gaudi, André Bloc, Claude Parent, Jacques Polieri, Alain Bourbonnais, Labourdette, Stahly, di Tinea, Schöffer, Szekely, Ionel Schein.

L’Espace de l’Art Concret à Mouans-Sartoux a consacré une exposition sur la collaboration entre l’architecte Claude Parent et l’artiste Yves Klein, du 31 mars au 25 août 2013 : YVES KLEIN / CLAUDE PARENT À MOUANS—SARTOUX.

Claude Parent a prolongé cette collaboration unique avec Yves Klein avec un projet de monument qui vise, selon ses termes, « à une interprétation architecturale de la pensée d’Yves Klein dans ce qu’elle propose de plus fondamental ».

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Claude Parent/Mémorial Yves Klein, 1964 -1965/Maquette Bois 40 x 49.5 x 49.5 cm, inv. 008 59 01, Collection FRAC Centre.