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Six siècles de jardins européens au Grand Palais

Trois commissaires ont préparé l’exposition « Jardins » actuellement au Grand Palais : Laurent Le Bon, le directeur du musée  Picasso à Paris : il a dirigé l’ouvrage consacré à Pascal Cribier : itinéraires d’un jardinier,  et participé à celui consacré au Lorrain et photographe Jean-Luc Tartarin : Grands Paysages, Bestiaire, Fleurs, Ciels 1997-2003, paru en 2010 ;

 Marc Jeanson, qui est responsable de l’Herbier du Museum national d’histoire naturelle  et Coline Zellal, conservatrice du patrimoine, commissaire de l’exposition « Jardins extraordinaires » sur les grilles du jardin du Luxembourg,  et l’auteure de  l’Ombre des usines en fleurs. Genre et travail dans la parfumerie grassoise, 1900-1950, publié dans la collection « Penser le Genre » des Presses universitaires de Provence, en 2013.

« Conçue comme une « promenade jardiniste » en trois temps, le vocabulaire des jardins, l’élaboration du jardin comme œuvre totale, les représentations artistiques du jardin, l’exposition explore l’histoire et les formes revêtues par les jardins en Europe à partir de la Renaissance. Soit six siècles de création humaine autour du jardin, cette figure symbolique qui se veut miroir ordonné du monde.

Le jardin, c’est la plus petite parcelle du monde et puis c’est la totalité du monde , Michel Foucault (Dits et écrits 1954-1988). »

La scénographie « aérée » de  Laurence Fontaine  (dont le travail a déjà été souligné pour l’exposition  » Formes simples » au Centre Pompidou Metz), est conforme à l’esprit du jardin  : elle facilite des  rapprochements et des circulations qui permettent au visiteur  de créer sa promenade. Elle s’est inspirée ( selon JJ. Birgé) du film de Peter GreenawayMeurtre dans un jardin anglaisLe réalisateur qui a débuté une carrière de peintre, a eu un grand-père pépiniériste. Il témoigne de son goût des jardins dans le DVD produit à l’occasion de cette exposition.

Une peinture murale de Pompéi ouvre la marche, puis la pluralité des objets et des œuvres, des supports d’expression assemblés,  étonne :  dessins, herbiers et herbiers d’artistes, photographies, bijoux , cires et outils de jardin, panoramas de jardins royaux et tableaux de chevalet, films et vidéos ( peut être les plus difficiles à mettre en valeur), font progresser le visiteur au milieu d’ œuvres de la Renaissance, jusqu’aux créations les plus contemporaines, sans aucune sensation de rupture.

Attention, il y a aussi une surprise olfactive…

Des extraits de nombreux films et de vidéos d’art, des œuvres de grands artistes peintres sont présentées :  Brueghel, Paul Klee , Dürer, Watteau, Fragonard, Monet, Picasso, Dubuffet, Bonnard, Berthe Morisot, Caillebotte, Vuillard, Klimt, Nolde). Tetsumi Kudo est également présent. L’exposition offre également des œuvres inédites de peintres moins connus, comme Edouard Debat-Ponsan (1847-1913) que le Musée des Beaux-Arts de Tours a évoqué récemment.

 

A signaler, les aquarelles d’iris mourants de Patrick Neu.

Et enfin la présence des Acanthes de Matisse, prêtée par la Fondation Beyeler. Réalisée en 1953, restaurée en 2012, cette œuvre appartient à la série des Papiers découpés, œuvres tardives auxquelles le peintre tenait tant, mais dont l’accueil par la critique et les musées restait incertain. Elles ont été présentées par la Kunsthalle de Berne en 1959, le Stedelijk Museum d’Amsterdam en 1960 et par François Mathey, à Paris, en 1961 (avec les Acanthes) au musée des Arts décoratifs :  les gouaches découpées, pour elles-mêmes, seules, comme des œuvres légitimes, dans leur plénitude.

Exposition hommage au Musée Tomi Ungerer

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Tomi Ungerer vu par Christian Antonelli (détail de l’oeuvre) © Christian Antonelli.
 
Pour fêter le 85e anniversaire de Tomi Ungerer, 100 artistes de France et d’ailleurs ont taillé leurs crayons pour illustrer les liens que leur œuvre entretient avec celle de leur aîné. Si celle-ci s’est d’ores et déjà inscrite par sa diversité et sa créativité dans le vaste champ  de l’histoire de lart.
 La première rétrospective consacrée à Tomi Ungerer a eu lieu  au musée des Arts décoratifs en 1981.
 
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Connue également sous le titre de « Der kleine Unterschied » (La petite différence), devenue emblématique depuis, cette affiche fut réalisée par Tomi Ungerer pour la rétrospective que François Mathey lui organisa au Musée des Arts décoratifs de Paris à l’occasion de son 50e anniversaire.

Il ne peut s’empêcher d’ironiser sur la fonction de l’artiste avec le motif de l’éléphant trempant sa queue dans un pot de peinture … Il utilise ici son principe de choc visuel, destiné à attirer l’attention du spectateur, et qu’il obtient avec une gamme de couleurs réduite sur un fond sombre, un trait noir compact et une mise en page sobre. 

Kunihiko Moriguchi, artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, est à Paris

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Du triangle au cercle, Kunihiko Moriguchi, 2012. Photo : © Kunihiro Shikata.

Kunihiko Moriguchi est un artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, cette technique tricentenaire de peinture sur des kimonos d’apparat. Il a été élevé au rang de « Trésor national vivant » par le gouvernement japonais en 2007. Son père était également « trésor national » et l’a formé à son retour au Japon. En effet, Kunihiko Moriguchi  a vécu en Europe où il a étudié les arts graphiques.

Né en 1941, il étudie la peinture de « style japonais » (nihonga) à l’université des Arts de Kyoto. Il part pour la France à l’âge de 22 ans et étudie à l’École nationale des arts décoratifs.  Il a fréquenté le musée des Arts décoratifs, où il rencontre François Mathey.  

Il se lie d’amitié avec le critique Gaëtan Picon et le peintre Balthus qui l’invite à la Villa Médicis. Ce dernier le persuade de se consacrer à l’art du yûzen, dont le père de Kunihiko est un illustre représentant. Kunihiko Moriguchi  a réalisé son premier kimono en 1967.

Une exposition rétrospective de ses œuvres,  la première, se déroule actuellement à la Maison de la Culture du Japon jusqu’au 17 décembre prochain. Elle réunit 26 kimonos et 11 peintures de l’artiste.

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Charles Gleyre : l’académisme et ses fantasmes. Rencontre avec Michel Thévoz

A l’occasion, de l’exposition temporaire « Charles Gleyre, le romantique repenti »  qui se termine le 11 septembre 2016 au musée d’Orsay, Michel Thévoz a participé à une conférence qui peut être réécoutée  ici.

Une conférence inaugurale a été donnée par les deux commissaires de l’exposition, Côme Fabre et Paul Perrin, à réécouter à partir de ce lien.

Charles Gleyre. Autoportrait© Nora Rupp, Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne.

« Dans l’épopée qu’est l’histoire de la peinture française au XIXe siècle, le rôle de Charles Gleyre est trop souvent oublié.
Certes, ce Parisien d’adoption ne s’est guère préoccupé de sa postérité française. Né en 1806 dans le canton de Vaud, Gleyre est resté toute sa vie un citoyen de la Confédération helvétique et un farouche républicain.
Après le coup d’Etat exécré de Louis-Napoléon Bonaparte en 1851, il reçoit peu, n’expose plus et dédaigne les commandes publiques ; la maladie et la guerre de 1870 le contraignent à cesser son enseignement. Taiseux et solitaire, humble et cynique, Gleyre est déjà menacé d’oubli quand il meurt, en mai 1874. C’est en vain que son ami Charles Clément s’empresse de recueillir les derniers témoignages et de recenser maints chefs-d’oeuvre déjà dispersés à l’étranger : bientôt, seules les Illusions perdues, toile mélancolique du musée du Louvre, restent dans les mémoires. On se souvient qu’il fut le premier maître de Sisley, Bazille, Renoir ».

Michel Thévoz a aussi été conservateur au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne. Il est l’auteur en 1980 de l’ouvrage intitulé « Académisme et ses fantasmes : Le réalisme imaginaire de Charles Gleyre » qui vient d’être réédité.

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Il évoque, à travers plusieurs tableaux, cet  artiste vaudois qui trouve sa place à Paris (et qui est pourtant souvent obligé d’adapter son travail aux commandes qui lui sont faites), dans une société dont il partage apparemment les goûts mais dont il est aussi le symptôme, une société en voie de pétrification, qui voudrait arrêter l’histoire. Le goût prononcé du peintre pour les scènes violentes et obscènes (comme dans le tableau « Néron tuant sa mère »), s’accompagne d’audaces picturales, dignes de ses élèves impressionnistes, qui contribueront pourtant à son oubli.

Est-il « académique » ? Ce vaudois n’a pas de prix de Rome, ne sera pas membre de l’Académie, et si sa peinture semble classique, sa catégorisation ne va pas de soi.

Michel Thévoz propose d’adopter une nouvelle approche et un nouveau vocabulaire, pour analyser les rapports effectifs, les tensions, entre les tendances « modernes », avant-gardistes et les tendances classiques, « néoclassiques », comme le propose par exemple Nathalie Heinich dans son ouvrage Le paradigme de l’art contemporain. Structures d’une révolution artistique.

En effet, les peintres du XIXe siècle qui ont depuis été identifiés sous les étiquettes « d’impressionnistes » ou « d’académiques » voire de « pompiers »  se fréquentaient, interagissaient. Il faut, d’après Michel Thévoz, revisiter  régulièrement l’histoire de l’Art : ce passé est « imprévisible », il doit faire l’objet d’une relecture périodique.

C’est le constat que dressait aussi Jean Clair en 2011 lorsqu’il a évoqué à ma demande les expositions pionnières de François Mathey aux Arts Décos :

« Je me souviens très bien de l’exposition « Equivoques », en 1973, qui portait sur la peinture du XIX ème siècle à laquelle je m’intéresse tout particulièrement. Cela montrait que les exclusions et les jugements péremptoires des critiques d’art n’étaient pas fondés, qu’il n’y avait jamais eu cette dichotomie violente entre la peinture académique et la peinture novatrice : des passerelles existaient, même si elles restaient au premier coup d’œil, invisibles. Il y avait aussi dans cette exposition (outre l’ironie, la provocation, l’audace) un intérêt pour l’iconologie : pour le portrait, les physionomies, qui m’intéressait beaucoup ».

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Equivoques. peintures françaises du XIXe siècle. catalogue  et affiche de l’exposition qui a eu lieu au musée des Arts décoratifs du 9 mars au 14 mai 1973 (commissariat : Olivier Lépine et François Mathey).

 

 

L’ancien temps du design, un thème d’exposition très actuel

Fauteuil-chapigon-BFFauteuil  Mushroom, 1960. Armature en tube d’acier, garnissage en mousse de polyuréthane, revêtement de crêpe de laine et élasthanne. Artifort. Coll. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Photo B. Prévost.

Trois expositions sont consacrées à Pierre Paulin cette année : une exposition ciblant la période 1952-1959 à la galerie Pascal Cuisinier, une grande rétrospective  au Centre Pompidou et un focus sur les pièces conçues pour des Salons de l’Élysée à la Galerie Jousse Entreprise.

Le Centre Pompidou présente jusqu’au 22 août 2016 sa rétrospective. Comme le rappelle T. Hay, pour Paulin, il  existait « deux profils de designers :  les ingénieurs, qui envisagent le design de façon rationnelle et mentale et les aventuriers, les autodidactes dont je fais partie ». 100 meubles sont présentés  pour comprendre ses créations. La scénographie est de l’artiste Petra Blaisse. En 1950, Paulin fréquente le Centre d’art et de techniques, future école Camondo. qui dépend de l’Union centrale des Arts décoratifs. Il commence sa carrière dans le bureau d’études de Marcel Gascoin, lequel s’intéresse au style nordique et veut concevoir des produits en direction des jeunes.

Pierre Paulin est influencé par la simplicité du design scandinave qui marquera sa carrière. Il cherche aussi son inspiration du côté des designers américains : Eames, Bertoia, Saarinen.

Il s’intéresse très tôt au métal et réalise son premier fauteuil, dit fauteuil anneau à cause de son assise circulaire. Il participe à XIe Triennale de Milan en 1957. Il crée  notamment le fauteuil, dit Butterfly. Pierre Paulin est aussi le premier designer à utiliser le tissu élastique pour un meuble.

Ces années essentielles pour le design français, qui correspondent  peu ou prou aux « 30 glorieuses », sont retracées dans un ouvrage de référence  qui vient de paraître :site_56bc96f650415« Le temps des objets. Une histoire du design industriel en France (années 1950-1970)  » écrit par Claire Leymonerie, qui avait notamment consacré ses premiers travaux à la création du CCI par l’équipe  du musée des Arts décoratifs, alors dirigée  par Francois Mathey.

Résumé  de l’ouvrage par l’auteure  : L’engouement contemporain pour le design tendrait à faire oublier que ce terme a connu une entrée récente et d’emblée controversée dans la langue française. De fait, l’histoire du design français reste encore à écrire, la rareté des études récentes et l’ancienneté des monographies et ouvrages de synthèse contrastant avec la production britannique, américaine, allemande ou scandinave. Le design et son histoire soulèvent des enjeux importants : quelles sont les conséquences de l’industrialisation sur les formes de l’environnement quotidien, comment émerge et se définit une figure de créateur des formes pour l’industrie et comment trouve-t-elle sa place au sein ou aux marges de l’entreprise ? Quel positionnement ces créateurs ont-ils adopté face à l’essor de ce qui a bientôt été identifié, dans les années 1960, comme la « société de consommation » ?

A travers des portraits des personnalités qui font émerger les pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d’objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession.

Celle-ci vit encore une situation ambiguë  entre création industrielle et art, qui se traduit dans ses rapports parfois complexes, voire conflictuels avec les artistes.