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OH COULEURS ! Todo es de color

Charpin, collection de vases Torno Subito, 1998-2001 édition limitée, Galerie Kreo, Cirva, centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques.   

L’exposition « OH COULEURS ! LE DESIGN AU PRISME DE LA COULEUR » AU MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS ET DU DESIGN

Le musée des Arts décoratifs et du Design à Bordeaux, dirigé depuis 2013  par Constance Rubini, organise une exposition temporaire sur les liens entre la couleur et le design, qui se tiendra du 29 juin 2017 au 5 novembre 2017 :

« La forme est aussi couleur. Sans couleur, il n’y a pas de forme. Forme et couleur ne font qu’un. » Johannes Itten, peintre, enseignant à l’école du Bauhaus (1919-1923). « Alors que les historiens du design ont privilégié les questions liées à la forme, à la fabrication, aux matériaux et aux nouvelles technologies, peu d’entre eux se sont intéressés à la couleur. Pourtant elle influence directement notre perception des objets et la façon dont on interagit avec eux. La couleur participe également de la définition des périodes et des styles. Autant d’aspects que les visiteurs pourront découvrir à travers des exemples constitutifs de l’histoire des objets et du design : les couleurs des Tupperware ; la place de la couleur dans l’œuvre du designer Verner Panton ou encore le rôle méconnu de la décoratrice Paule Marrot pour la firme automobile Renault. Le parcours donnera également à voir des objets d’une histoire oubliée ou méconnue du public occidental, comme ces boro japonais, vêtements populaires faits de morceaux de tissus assemblés, teints à l’indigo de façon artisanale. Le musée étant voisin de la Cité Frugès de Le Corbusier, à Pessac, l’exposition fera une incursion du côté de l’architecture pour montrer le rôle qu’a joué la polychromie architecturale dans l’œuvre de ce dernier, expérimentée pour la première fois en extérieur lors de la construction de cette cité ouvrière, dans les quartiers de Pessac, au sud-ouest de Bordeaux (1924-1926)

« La couleur existe-t-elle ? … Qu’est-ce que la couleur ? Les couleurs ne sont pas seulement présentes dans la lumière, ni seulement présentes dans la matière des objets éclairés, en fait, la couleur n’existe que s’il y a un spectateur pour en faire l’expérience. » Verner Panton, conférence au Bella Center, Copenhague, 1982 Si le sujet est souvent écarté de l’histoire du design, c’est qu’il est insaisissable. La couleur n’existe pas en soi, elle n’est perceptible que dans la lumière et varie selon sa quantité, le support qui la reçoit et l’œil qui la regarde. Ainsi, rien de définitif ne peut être dit sur la couleur. Le parti pris de cette exposition sera donc de l’interroger à partir de différents points de vue, en donnant notamment la parole à des spécialistes des domaines du design, de la mode, de l’industrie et de la sociologie. Ils mettront en évidence l’ambiguïté du concept, sa plasticité au regard des objets, de leur processus de fabrication et de leur perception : Irma Boom (illustratrice et typographe néerlandaise), Massimo Caiazzo (historien de la mode et viceprésident de l’IACC Italia), Michel Pastoureau (historien médiéviste, spécialiste des couleurs), Arthur Rüegg (architecte et spécialiste de l’œuvre de Le Corbusier).

Suzanne Ramié, vase, 1956 Atelier Madoura © Hervé Lewandowsky.

Martin Szekely, vase Jaune-froid Marseille, 1988 – Réalisé dans le cadre de la commande publique 30 vases au Cirva.

L’exposition est mise en scène par le designer Pierre Charpin. Des citations, des textes explicatifs très courts et des documentaires vidéos animent un parcours complet, qui donne très simplement une leçon de design, à la fois synthétique et accessible, qui donne à voir un panorama des tendances à travers les décennies, qui livre une approche pédagogique et ludique des différents domaines d’application du design : de l’architecture au design produit, de la mode aux environnements mobiliers,  des casques de chantier aux robes de créateurs,  des papiers peints aux plastiques compressés et aux plumes de paon, l’exposition accueille aussi une collection inattendue, celle d’Olivier Saillard, et réserve une salle consacrée à la théorie des couleurs de Joseph Albers.

Evoquant  à la fois des thématiques  locales ( le papier peint créé pour l’occasion par Irma Boom, ou la cité Frugès de Le Corbusier), elle retrace aussi les grands courants internationaux du design et montre le travail de grands créateurs comme Ettore Sottsas,  Martin Szekely. Cette exposition est une vraie réussite,  déjà saluée dans la presse, ici (« Un jeu de piste fascinant ») ou.

C’est donc un vrai plaisir de la visiter, dans cet endroit  à part,  qui vient compléter le musée et ses collections permanentes. Certaines créations de l’exposition temporaire sont aussi visibles dans le parcours permanent.

Un lieu à part

Comme beaucoup d’hôtels particuliers, l’hôtel de Lalande de Bordeaux, siège du musée des arts décoratifs et du design, a été construit entre cour et jardin. L’exposition prend place dans l’ancienne prison de la rue Boulan, située à l’arrière du musée et construite au 19e siècle par la ville de Bordeaux pour les services de police occupant alors l’hôtel de Lalande. Transformée en lieu de stockage pour les réserves du musée dans les années 1980, elle a été vidée et rénovée afin d’ouvrir ses portes au public en septembre 2016. 

La municipalité de Bordeaux, qui prend possession des lieux en 1880, y installe l’hôtel de police et rase le jardin pour construire cette prison qui demeure active jusque dans les années 1960. Les anciennes portes, les cellules, les graffitis sur les murs rappellent au visiteur le quotidien des détenus. Des archives et des photographies redécouvertes au fil des recherches permettent également de retracer l’évolution de ce dépôt de sûreté devenu un espace dédié aux expositions temporaires du musée.

 

 

 

 

 

 

Pour compléter la visite, il manque pour l’instant le catalogue qui est en cours d’édition. Il comprendra des photographies de l’exposition, qui se poursuit jusqu’au début novembre.

Télécharger le dossier de presse

Exposition Roger Tallon aux Arts Décos : aux origines de la création

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La donation de Roger Tallon aux Arts Décos est ici célébrée à travers une exposition temporaire rue de Rivoli, qui est répartie sur deux étages. Françoise Jollant et Dominique Forest en sont les commissaires. 

L’exposition est  très riche, la revue de presse accueille l’exposition Roger Tallon avec intérêt, compte tenu de l’ingéniosité du designer et de l’incroyable diversité des objets qui l’intéressaient : Sage dans sa scénographie, l’exposition Roger Tallon des Arts décoratifs, à Paris, étonne par la diversité et la modernité des créations de ce designer disparu en 2011. Il a touché à tous les domaines, du « frigidaire » au TGV :

  • les moyens de transport ( une moto « Taon », le rail, avec une collaboration au long cours avec la SNCF : le Corail, le TGV, mais aussi le funiculaire de Montmartre, etc. );
  • la maquette du journal Artpress toujours d’actualité,
  • les mobiliers ( les sièges comme la chaise Sentou ou le lit et les sièges qui figurent dans le film  » La piscine » )
  • le tube de produit solaire Bergasol et les lunettes de soleil ;
  • les bidons d’essence ;
  • les conditionnements de produits de pharmacie,
  • jusqu’à une improbable crèche composée de sièges, commandée pour l’aéroport d’Orly  et dont on expose ici le siège César.
  • L’enfant jésus apparaissait dans une télévision, ce qui est normal pour l’auteur de la célèbre Téléavia. televiseur_portatif_tallon

Roger Tallon était très lié aux Nouveaux réalistes dont Yves Klein, décédé prématurément. César a moulé le fameux pouce de Roger Tallon pour l’une de ses sculptures les plus connues.cesar-baldaccini-vgj

Le portrait et l’histoire de Roger Tallon par Françoise Jollant Kneebonne.

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Pour les amateurs d’art et de design, Roger Tallon (1929-2011), c’est l’extraordinaire escalier hélicoïdal Module 400 en aluminium (1966 et 1974).

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Exposition des composants de l’escalier Module M400 édité par la galerie Lacloche, 1966.(©Les Arts Décoratifs, Paris/ADAGP 2016).

 

Car ces créations ont bien sûr été exposées avant cette très complète rétrospective. Michel Ragon, écrivain, critique d’art, a participé avec François Mathey à une exposition de la galerie Lacloche : « Je travaillais sur l’architecture, les objets, je connaissais bien Lacloche un bijoutier de grand luxe de la place Vendôme. Il avait ouvert sa galerie au premier étage, il faisait des expositions de peinture que je soutenais. Un jour, il m’a proposé de faire une exposition sur l’objet. L’exposition chez Lacloche était innovante : les artistes étaient invités à faire des sièges, des bijoux. J’ai incité Lacloche à faire des bijoux d’artistes, comme avec Penalba, puis la seconde exposition, je l’ai faite avec Mathey : ce qu’il avait réalisé au musée des Arts décoratifs sur le même thème m’avait beaucoup plu ».

Cette exposition rassemblait des sculptures, des mobiliers, des meubles de François Arnal, Arman, Alexandre Babeanu, Jef Banc, Berrocal, Martine Boileau, Cesar, Celine Chalem, Louis Chavignier, Michel Guino, James Guitet, Philippe Hiquily, Jacobsen, Radivoje Knezevic, Caroline Lee, Robert Malaval, Matta, Metcalf, Alicia Moi, Nikos, Marta Pan, Georges Patrix, Alicia Penalba, Philolaos, Bernard Rancillac, Day Schnabel, Jurgen Schneyder, François Stahly, Jose Subira Puig, Roger Tallon, Aurello Teno, Claude Viseux, Artigas, Bondt, Din Vanh, Filhos, Knoop, Torun.

C’était un clin d’œil à la célèbre exposition Antagonismes 2 , l’Objet organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs.

 

 

 

L’ancien temps du design, un thème d’exposition très actuel

Fauteuil-chapigon-BFFauteuil  Mushroom, 1960. Armature en tube d’acier, garnissage en mousse de polyuréthane, revêtement de crêpe de laine et élasthanne. Artifort. Coll. Centre Pompidou, Musée national d’art moderne / Photo B. Prévost.

Trois expositions sont consacrées à Pierre Paulin cette année : une exposition ciblant la période 1952-1959 à la galerie Pascal Cuisinier, une grande rétrospective  au Centre Pompidou et un focus sur les pièces conçues pour des Salons de l’Élysée à la Galerie Jousse Entreprise.

Le Centre Pompidou présente jusqu’au 22 août 2016 sa rétrospective. Comme le rappelle T. Hay, pour Paulin, il  existait « deux profils de designers :  les ingénieurs, qui envisagent le design de façon rationnelle et mentale et les aventuriers, les autodidactes dont je fais partie ». 100 meubles sont présentés  pour comprendre ses créations. La scénographie est de l’artiste Petra Blaisse. En 1950, Paulin fréquente le Centre d’art et de techniques, future école Camondo. qui dépend de l’Union centrale des Arts décoratifs. Il commence sa carrière dans le bureau d’études de Marcel Gascoin, lequel s’intéresse au style nordique et veut concevoir des produits en direction des jeunes.

Pierre Paulin est influencé par la simplicité du design scandinave qui marquera sa carrière. Il cherche aussi son inspiration du côté des designers américains : Eames, Bertoia, Saarinen.

Il s’intéresse très tôt au métal et réalise son premier fauteuil, dit fauteuil anneau à cause de son assise circulaire. Il participe à XIe Triennale de Milan en 1957. Il crée  notamment le fauteuil, dit Butterfly. Pierre Paulin est aussi le premier designer à utiliser le tissu élastique pour un meuble.

Ces années essentielles pour le design français, qui correspondent  peu ou prou aux « 30 glorieuses », sont retracées dans un ouvrage de référence  qui vient de paraître :site_56bc96f650415« Le temps des objets. Une histoire du design industriel en France (années 1950-1970)  » écrit par Claire Leymonerie, qui avait notamment consacré ses premiers travaux à la création du CCI par l’équipe  du musée des Arts décoratifs, alors dirigée  par Francois Mathey.

Résumé  de l’ouvrage par l’auteure  : L’engouement contemporain pour le design tendrait à faire oublier que ce terme a connu une entrée récente et d’emblée controversée dans la langue française. De fait, l’histoire du design français reste encore à écrire, la rareté des études récentes et l’ancienneté des monographies et ouvrages de synthèse contrastant avec la production britannique, américaine, allemande ou scandinave. Le design et son histoire soulèvent des enjeux importants : quelles sont les conséquences de l’industrialisation sur les formes de l’environnement quotidien, comment émerge et se définit une figure de créateur des formes pour l’industrie et comment trouve-t-elle sa place au sein ou aux marges de l’entreprise ? Quel positionnement ces créateurs ont-ils adopté face à l’essor de ce qui a bientôt été identifié, dans les années 1960, comme la « société de consommation » ?

A travers des portraits des personnalités qui font émerger les pratiques et la culture du design en France dès les années 50, mais aussi de projets de design emblématiques, d’objets quotidiens phares, ce livre propose de raconter la genèse de cette profession.

Celle-ci vit encore une situation ambiguë  entre création industrielle et art, qui se traduit dans ses rapports parfois complexes, voire conflictuels avec les artistes.

Contrepoint : les expositions Ronan et Erwan BOUROULLEC à Rennes

Ronan et Erwan Bouroullec, après une belle exposition au musée des Arts Décos à Paris en 2013, exposent dans trois lieux à Rennes et notamment aux champs libres :

//www.leschampslibres.fr/expositions/temporaires/exposition-ronan-erwan-bouroullec/

Visite mode d’emploi : samedis et dimanches à 14h30 et 17h (30min)

visite en famille : samedis et dimanches à 15h30 (1h30).

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© Studio Bouroullec.

Du 25 mars au 28 août 2016, Rennes accueille  un événement culturel exceptionnel : Les Champs Libres, le Frac Bretagne et le parlement de Bretagne s’associent pour présenter les créations de Ronan et Erwan Bouroullec, designers de renommée internationale.

Les quatre expositions, organisées dans trois lieux emblématiques de la vie artistique, culturelle et historique de la Métropole de Rennes et de la Région Bretagne, invitent à découvrir les réalisations les plus récentes de Ronan et Erwan Bouroullec développées dans trois domaines distincts : l’espace public, la microarchitecture et le design d’objet. Les Champs Libres proposent leurs premiers projets pensés pour l’espace public créant les conditions d’une rêverie urbaine à travers mobiliers, pergolas, ruisseaux et chapiteaux. Ce projet vise a réenchanter les lieux de promenades :

« La présentation « Rêveries urbaines », enfin, rassemble à travers une vingtaine de propositions des réflexions diverses quant à des aménagements possibles de l’espace public. Ces maquettes en tous genres, réalisées minutieusement, sont agrémentées de sons d’ambiance et de films. Une « rêverie » qui, dans la cour intérieure du Parlement de Bretagne, devient réalité. Les frères Bouroullec y ont, en effet, installé l’un de leur dernier projet « d’architecture », un kiosque, structure démontable en acier intégrant de grandes baies vitrées. On pourra également tester leurs sièges d’extérieur de la gamme Palissade (Hay). » Christian Simenc. ( Le Journal des Arts).20160423_144228

A signaler une excellente médiation  : une visite de 30 mns  » mode d’emploi  » , gratuite.

Les expositions au Frac Bretagne et au parlement de Bretagne sur : www.bouroullec.com/rennes

 

Quelles expositions temporaires pour un musée des arts décoratifs ?

Dans un article documenté de Roxana Azimi, paru dans le journal Le Monde du 6 avril 2016, intitulé « Le Musée des Arts décoratifs veut devenir le temple de la French touch », sont mis en regard les stratégies respectives des deux musées consacrés aux arts décoratifs et à la mode, au champ des arts appliqués : le français, ( Les Arts Décoratifs) et le britannique, le Victoria & Albert Museum (V & A).  La fréquentation des Arts décoratifs a chuté, alors que l’autre grand musée le Victoria & Albert Museum (V & A), a le vent en poupe, comme le montrent  ces chiffres :

 Date de naissance : 1851 pour le V & A, 1882 pour les Arts décoratifs.

  1. Fréquentation : 3,3 millions de visiteurs pour le V & A, Le V & A a triplé sa fréquentation de 2001 à 2009. Aux arts décoratifs : 300 000 visiteurs en 2015 , contre 603 000 en 2012.
  2.  Surface : 50 000 mètres carrés pour le V & A, rue de Rivoli à peine 10 000 m2.
  3. Stratégie de rénovation :  les collections permanentes  du Musée des arts décoratifs ont fermé leurs portes  pendant dix ans (1996/ 2006). Au V & A, la rénovation n’a conduit qu’à des fermetures partielles.
  4. Complexité et articulation : pas toujours évidente entre le Musée des arts décoratifs, la bibliothèque des Arts décoratifs, le Musée Nissim de Camondo à la Plaine-Monceau, et l’école Camondo, qui forme en architecture intérieure et en design. Les musées des Arts décoratifs  : il s’agit en fait de plusieurs départements-musées : celui de la Mode et du Textile, celui des arts décoratifs et de la Publicité, le musée Nissim de Camondo.
  5. La subvention octroyée au musée parisien a augmenté de 1,5 million d’euros depuis 2014. Le V&A, lui, « a ses tutelles dans la poche » et perçoit de 2 à 3 millions de livres sterling (2,4 à 3,7 millions d’euros) grâce à ses produits dérivés. Aux Arts décoratifs, la concession de redevance du restaurant et de la boutique ne rapporte que 630 000 euros.

La programmation du V & A : une exposition consacrée au styliste Alexander McQueen en 2015,  une  exposition, érudite, consacrée au postmodernisme en 2011.

Aux arts Décos, la collection d’art asiatique a été sortie des réserves. Et pour l’année France -Corée, le musée a organisé l’exposition « Korea Now ! design, mode et graphisme en Corée »,  du 19 septembre 2015 au 3 janvier 2016. L’exposition retour prévue à Séoul n’aura pas lieu et a eu des conséquences inattendues en Corée.

Les remèdes avancés pour le musée parisien sont les suivants :

  • S’investir sur des projets ambitieux d’expositions temporaires plafonnés à 6 ou 8, contre 12 en moyenne actuellement ;
  • Adopter une présentation des collections à l’horizon 2017, avec de plus fortes ponctuations extra-occidentales. A l’accrochage patrimonial par siècle va se greffer un autre parcours davantage pluridisciplinaire, mêlant mode, design, graphisme, photos, livres et vidéos. Histoire d’épouser le rythme et le foisonnement de la création contemporaine.

Il semblerait en fait qu’il ne s’agisse pas d’un match entre la French touch  et la Britishitude, mais plutôt d’un débat entre art contemporain et Design : « A Paris, on a l’impression que l’art contemporain a le monopole de la créativité  » dixit Pierre-Alexis Dumas, président des Arts décoratifs, directeur artistique d’Hermès, « On doit emmener le public vers l’idée que ce musée est celui de tous ceux qui travaillent dans le champ des arts appliqués. On doit faire en sorte que les jeunes designers âgés de 20 à 30 ans aient envie d’exposer ici plutôt qu’au Palais de Tokyo. ».

Les créateurs qui, depuis le milieu des années 1960,  ont été formés dans des écoles d’arts décoratifs sont devenus des phares de l’art contemporain (Daniel Buren ouvrant le bal).

. Mot clé « Design » sur le site du Palais de Tokyo.

Voir l’entretien d’Olivier Gabet, directeur des musées des Arts Décos, sur les perspectives et la stratégie des Arts Décos.

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Pour de belles photographies de l’exposition temporaire en cours, aux Arts Décos, « Fashion Forward. Trois siècles de mode – 1715 – 2016 », du 7 avril au 14 août, voir le carnet d’hypothèse :  (Histoire de mode).

L’autre exposition en cours aux Arts décos,  porte sur « Barbie »: elle est source de produits dérivés et devrait contribuer aux finances du musée.

A signalerlast but not least,  Le Contemporain dessiné – Parcours aux Arts Décoratifs, présenté à l’occasion de la 10e édition de DRAWING NOW PARIS I LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN
du 17 mars au 28 juin 2016, aux Arts décoratifs, 107 rue de Rivoli, Pavillon de Marsan, étages 5 à 9, commissariat d’Agnès Callu.

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enfin, les Papiers peints sont de retour aux Arts décos, du 21 janvier au 12 juin 2016 : présenté dans les galeries d’études, cet événement révèle le fonds exceptionnel du département des papiers peints, en rendant publiques trois cents pièces emblématiques de la collection qui compte aujourd’hui plus de 400 000 œuvres en réserve.

  • mais aussi au musée des maisons comtoises à Nancray, « Paper is not dead #2 », du 27 mars au 3 juillet 2016.
  • Au musée de Rixiem : à voir actuellement  « MADE IN FRANCE » Le papier peint en 2015 12 juin 2015 – 31 octobre 2016.
  •  « La collection Zuber : 100 000 documents, du début du XIXème siècle à 1983) et celle du Musée de l’impression sur étoffes de Mulhouse ont été complétées par des milliers d’autres documents acquis depuis l’ouverture du Musée; ils restituent un panorama complet, des dominos du XVIIIème siècle aux créations les plus récentes, avec des papiers peints de toutes origines géographiques ». 

Actuellement, au V&A, à Londres, l’exposition en cours est consacrée aux chefs-d’œuvre des Lumières :

  • Les vingt conservateurs du département ont réuni une sélection de deux cents chefs-d’œuvre, sous la direction de Lesley Miller, qui leur avait demandé de dresser « la liste des objets les plus importants pour raconter des histoires ». « On a eu dix-huit mois de débats, reconnaît-elle, le département est riche de 90 000 pièces de cette période. » Au total, les 1 100 retenues – 300 françaises, 800 européennes – proviennent pour la plupart de la donation John Jones, un collectionneur de la fin du XIXe siècle, fan absolu de l’art décoratif du XVIIIe. Entrée libre : www.vam.ac.uk

 D’autres musées du Design développent des stratégies alternatives de présentation de l’objet, très originales, à partir de collections plus modestes, c’est le cas du musée de Francfort le Museum Angewandte Kunst :

Depot Show. Happiness and Promise February – 10. April 2016 more

Richard Meier. A Style Room Continuing Presentation more

Elementary Parts. From the Collections Continuing Presentation more

Stylerooms. From the Collections Continuing Presentation more

Secret Compartments July 2015 – 06. March 2016 more