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Duras par Delas et autres paysages

Aller chercher une histoire qui va s’effacer avec le temps, avec la destruction sous-jacente de ces murs.L’art dans la rue est aujourd’hui un mode d’exposition qui se banalise, avec le soutien des pouvoirs publics. Au street art s’ajoutent d’autres modes d’expression qui investissent l’espace public, en cours de transformations, comme  en 2016 cette émouvante  Projection mapping d’une vidéo d’animation de Delphine Delas consacrée à Marguerite  Duras dans le quartier Belcier à Bordeaux :  Un hommage à Marguerite Duras, une histoire d’amour et puis, de peuple(s) : Rue de Saïgon, rue du Son Tay, rue Bac Ninh dans le quartier Belcier, derrière la gare Saint-Jean, à Bordeaux...Cet hommage se poursuit en 2017 avec une exposition de street art :

Delphine  Delas et Nicolas Louvancourt proposent enfin une nouvelle projection mapping d’une vidéo d’animation  incluse dans la Saison Paysage de la ville de Bordeaux, le 28 septembre prochain :

« A partir de recherches faites en collaboration avec le Musée d’Aquitaine, sur les mythes et les folklores anciens issus de la région bordelaise, le projet hybride contes de l’époque médiévale, mythes gaulois et légendes modernes pour former un seul récit où le fleuve devient divinité ».

Récit/Illustration: Delphine Delas. Musique/Animation: Nicolas Louvancourt.

Regarder « Garumna ».

Suivre les créations et les projets  de Delphine Delas :

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Sources et veille : s’informer sur les expositions, les musées, en France et ailleurs

Deux sources qui permettent de s’informer sur l’actualité des musées et des expositions et qui peuvent ainsi participer à la veille sur ces sujets de recherche :

La lettre de Raphaël Pic : http://www.artaujourdhui.info/index.php

« L’Art Aujourd’hui est une société d’édition multimédia, créée à Paris en 2001 par des professionnels de la presse, de la communication et du marketing, à l’origine de nombreuses publications innovantes qui font toujours autorité dans leur domaine, tels Stratégies pour le monde de la communication, ou le Journal des Arts pour celui de l’art. »

Rédacteur en Chef, Rafael Pic : Expositions, musées, galeries, salons, enchères, livres, multimédia, l’Art en Europe et dans le monde. La lettre évoque de nouveaux musées en Europe :
– à Bruxelles, le musée  « fin de siècle » qui a ouvert le 6 décembre 2013 :
« Ces œuvres témoigneront de la multitude des disciplines artistiques entre 1868, date de la fondation de la Société libre des Beaux-Arts et 1914. Des peintres et des sculpteurs aussi renommés que Constantin Meunier, James Ensor, Henri Evenepoel, Fernand Khnopff, Léon Spilliaert ou encore Georges Minne témoignent de l’effervescence de cette période, qui s’est aussi manifestée dans tous les autres domaines de la création : littérature, opéra, musique, architecture, photographie ou poésie (Maurice Maeterlinck, Emile Verhaeren, Octave Maus, Victor Horta, Henri Van de Velde, Maurice Kufferath, Guillaume Lekeu, …). L’architecture Art Nouveau sera également évoquée, grâce à un outil de projection en 3D. Situé en plein cœur de Bruxelles, là où entre 1884 et 1914 les expositions des cercles Les XX et La Libre Esthétique ont fait de la ville l’une des capitales artistiques de la fin du XIXe siècle, ce musée se distinguera par son caractère pluridisciplinaire, grâce à un partenariat avec la Bibliothèque royale, le Théâtre royal de la Monnaie, les Musées royaux d’Art et d’Histoire, la Cinematek, la Bibliotheca Wittockiana et la Fondation Roi Baudouin, ainsi que la Région Bruxelles-Capitale dont le dépôt de la collection Gillion Crowet constituera l’un des points forts du parcours. »

musée fin-de-siècle museum – Every end is a new beginning.

Musée Fin-de-Siècle Museum
rue de la Régence, 3
1000 Bruxelles Site web http://www.fin-de-siecle-museum.be

– La fondation Arnaud qui ouvre un musée le 22 décembre 2013,  consacré à la la peinture du XIXe à Lens (Suisse) : http://fondationpa.ch/fr/100/homepage
La Tate Britain qui adopte une nouvelle présentation : http://www.tate.org.uk/
– La réouverture du Musée de Valence à compter du 14 décembre 2013.
http://www.museedevalence.fr/
La réouverture du Musée des  Beaux-Arts de Bordeaux le 19 décembre 2013.

http://www.musba-bordeaux.fr/

Plus pointu, pensé et critique, le blog bien connu des spécialistes, d’Élisabeth Lebovici, « Le beau vice » : http://le-beau-vice.blogspot.fr/?view=mosaic

Cette ancienne journaliste du quotidien Libération, titulaire d’une thèse de doctorat sur L’Argent dans le discours des artistes américains, 1980-81 à l’Université Paris X, est l’auteure de nombreuses monographies d’artistes et coorganise depuis 2006 le séminaire « Something You Should Know: artistes et producteurs » à l’EHESS, Paris.

Elle se fait l’écho notamment des rapports parfois malaisés entre recherche et musées, « au temps présent ». E. Lebovici note par exemple que le MoMA prend en compte les travaux de recherche les plus récents et modifient dans le cadre d’une prochaine exposition, ses cartels : le musée reconnaît ainsi l’apport des chercheurs, ce n’est pas toujours le cas ailleurs :

« Pour tenir compte de la recherche, qui  s’efforce de repenser l’histoire des représentations modernes au tamis des questions de genre et de sexualités, le musée a décidé de changer ses cartels pour une exposition à l’automne prochain et le fait savoir à celle qui a fait bouger les lignes. »

http://le-beau-vice.blogspot.fr/?view=mosaic#!/2013/12/qui-peur-des-etudes-de-genre-et-de.html

 

 

Sigma à Bordeaux : souvenirs, souvenirs

Le quotidien Libération signale l’exposition que consacre le CAPC de Bordeaux au festival Sigma créé dans les années 1960, à l’initiative de Roger Lafosse et à l’origine entièrement financé par le maire de Bordeaux, Jacques Chaban-Delmas : http://next.liberation.fr/arts/2013/11/15/generation-sigma_944683

De cette génération Sigma, est issu notamment François Barré, qui rejoint ensuite le musée des Arts décoratifs à Paris, fort de cette expérience : François Mathey le recrute pour contribuer à la naissance et à l’animation du Centre de Création industrielle (CCI) en 1969.

L’exposition (du 14.11.2013 au 02.03.2014) rappelle le caractère innovant de ce festival et met en valeur les archives de son fondateur qui ont été déposées aux archives municipales  : http://www.capc-bordeaux.fr/programme/sigma

« Creuset de la création avant-gardiste, le festival Sigma (1965 –1996), éclaté dans toute la ville, électrisa Bordeaux pendant près de trois décennies. Sous l’impulsion de son créateur Roger Lafosse, la manifestation provoqua une véritable onde de choc dans la ville et au delà. Sigma fut un moment exemplaire d’expérimentations fondatrices, qu’il s’agisse du théâtre, de la danse, de la musique ou des arts visuels, en interaction avec des formes alors méconnues comme le happening ou la performance parmi tant d’autres. »

Le festival Sigma et le CAPC vont se succéder dans le même lieu : le CAPC s’installe en effet dès 1974 dans l’Entrepôt Lainé, un ancien entrepôt de denrées coloniales, occupé auparavant par le festival.

Un carnet de recherche retrace l’exploration du fonds d’archives déposé aux Archives Municipales de Bordeaux, « SIGMA L’ARCHIVE VIVANTE » : http://sigma.hypotheses.org/

De 1965 aux années quatre-vingt-dix, le festival SIGMA fait de Bordeaux l’un des rendez-vous européens des avant-gardes. Il fait reconnaître en France quelques unes des figures les plus marquantes de la contre-culture américaine (le Living Theatre, le Bread & Puppet, le Barbwire Theatre) ou européenne (Arrabal, le Grand Magic Circus), popularise les œuvres de Silvano Bussoti, Webern, Varese, Xenakis, Sun Ra ou Pierre Henry, coexister happenings (Jean-Jacques Lebel) et art cinétique (Nicolas Schöffer), Mondrian et les Pink Floyd. Télévision, design, écologie ou cybernétique nourrissent expositions et conférences. Pendant une semaine chaque année, Bordeaux placée au centre de l’attention des médias, devient une capitale internationale de « la recherche dans tous les arts ».

L’exposition consiste en une sélection de cet ensemble considérable d’archives réalisée par le CAPC, les Archives municipales de Bordeaux et l’INA, mise en espace dans la nef du musée sous la forme de reproductions et de montages audiovisuels. Cette sélection incarne le point de vue spécifique, le « regard » que portent sur Sigma, les institutions qui ont élaboré ce projet.

 L’INA garde trace du 25e anniversaire du festival le 18 novembre 1989,  ce « mélange efficace de poésie, de violence d’humour, et de provocation » : http://www.ina.fr/video/CAB89048903/sygma-a-bordeaux-video.html

Un portrait enfin, par le journal Sud-Ouest, du fondateur du festival, l’homme d’affaires Roger Lafosse, décédé en juin 2011 :

http://www.sudouest.fr/2011/06/30/le-denicheur-de-sigma-439853-729.php

Goya, peintre témoin de son temps ou la vitalité du négatif

Désespoir noir et permanent chez Goya dans les séries d’œuvres (essentiellement des gravures issues de fonds privés) présentées actuellement à la pinacothèque de Paris, jusqu’en 16 mars 2014, Goya et la modernité :

http://www.pinacotheque.com/index.php?id=897

5-Francisco de Goya Y LucientesMême lorsqu’il s’agit de décrire des jeux d’enfants, c’est le pugilat qui domine. L’Inquisition et la décadence de la monarchie espagnole en cette fin du XVIIIe siècle, la répression issue de l’invasion française qui brouille définitivement l’image d’une France des Lumières, puis le retour de l’Inquisition, rien n’est épargné à l’artiste: censurées, ces gravures paraissent bien plus tard, se vendent mal.

Né en 1746, près de Saragosse, il est le fils d’un doreur qui travaille pour l’église. Il bénéficie à ses débuts du mécénat de l’Eglise espagnole de Saragosse, puis de celui de la Cour : au service des Bourbons d’Espagne (1775-1785), il fait des cartons de tapisserie pour décorer les demeures princières, puis nommé peintre du roi d’Espagne en 1786, il fait des portraits de Cour qui ne cachent rien des défauts physiques de ses modèles. Quelque unes de ces peintures-portraits figurent dans l’exposition, elles sont saisissantes de vérité. Un portrait d’un ami, plus humain, et une dame noble, très habillée et très sinistre, allongée comme dans la Maya nue.

Une série impressionnante de gravures sur les « désastres de guerre », « les caprices », les « proverbes » et autres productions, dont des scènes de tauromachie, sont exposées dans la pénombre, ce qui renforce le caractère cafardeux de cette présentation, fidèle aux productions de l’artiste. Parmi les tableaux, un dont la mise en scène fait penser au Dos di Mayo, mais la personne mise en joue est une femme.

expo-peinture-goya-et-la-modernite-pinacotheque-paris

Frappé par la maladie, écœuré par la répression politique qui s’abat sur Espagne avec le retour d’exil de Ferdinand VII, Goya  se réfugie en France en 1824 pour s’installer à Bordeaux, où il retrouve d’autres libéraux espagnols qualifiés d’afrancesados. Il renoue alors avec des sujets sur la tauromachie. Il décèdera dans cette ville en avril 1828.
Sur les gravures de Goya, les « désastres de guerre », voir la publication à venir sur le site  du séminaire « Arts et Sociétés »  ( http://www.artsetsocietes.org/), Goya et les stratégies visuelles des « guerres asymétriques » par Godehard Janzing, Directeur-adjoint, Deutsches Forum für Kunstgeschichte, Centre allemand d’histoire de l’art :

« Yo lo vì!“ – je l’ai vu –, assure la légende d’une gravure de la collection des Désastres de la guerre, créée par Francisco de Goya à partir de 1810, face à la guerre d’indépendance espagnole. Le titre semble faire preuve de la volonté de l’artiste de témoigner, et de souligner que les scènes de violence, presque prises sur le vif, se sont produites telles qu’il les représente. Cette affirmation, citée autant de fois que sont exposées ou reproduites ces gravures, a marqué notre idée de l’artiste engagé, en opposition critique à la guerre.
Pourtant, l’impact politique de ces gravures resta limité à son époque – la série n’étant réellement publiée et diffusée qu’en 1863, dans une publication posthume de l’académie royale de Madrid. Est-ce un hasard si la découverte tardive des gravures de guerre de Goya a lieu au moment même où un nouveau medium entre sur le champ de bataille : la photo, qui, se plaçant du point de vue des victimes, fournit pour la première fois des preuves visuelles de la mort au combat et des horreurs de la guerre ? Le succès tardif des gravures de Goya semble fortement lié à l’apparition de cette nouvelle possibilité technique, engendrant aussi une nouvelle volonté de fournir un témoignage critique.
Toutefois, la maxime de Goya, « je l’ai vu », renvoie davantage à sa créativité en tant qu’artiste qu’à un simple acte de témoignage. Dans les gravures, c’est d’abord Goya lui-même qui fait émerger la violence, qui donne forme aux atrocités et les rend visible en recréant leurs dégénérescences. Dans ses compositions, aussi complexes que réfléchies, Goya nous livre plutôt une analyse des mécanismes de la guerre que son véritable portrait. Et c’est justement cette capacité à penser visuellement le conflit qui confère à ses images un pouvoir durable, qui continue encore aujourd’hui à offenser ou même à blesser le spectateur. »