Archives mensuelles : octobre 2015

A chacun sa Fiac 2015

Organisée du 22 au 25 octobre, la FIAC, à Paris,  a accueillie cette année 171 exposants. La Directrice du salon depuis douze ans est Jennifer Flay. Au Grand Palais, il y a eu peu de galeries d’art françaises et peu de peintures d’avant les années 1950 et 1960 représentées : donc pratiquement plus d’abstraction géométrique en vue.

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A la galerie Jaeger-Bucher :  on découvre dans la pénombre des petits formats de Klee et de Kandinsky.

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et un beau tableau de Gérard  Fromanger intitulé « Florence, rue d’Orchampt », 1975. Il a figuré lors de l’exposition  » Mémoire d’un patriache » organisée à l’occasion du 90e Anniversaire de Jean-François Jaeger et de ses 66 années de galerie.

 

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Fromanger

A la galerie Applicat Prazan : une exposition exclusive dédiée à Maurice Estève très colorée,  incluant ses œuvres les plus récentes,

et à la Landau Fine art,  une galerie canadienne de Montréal  : entre autres, Magnelli , Fernand Léger, Jean Dubuffet et Le Corbusier.

Magnelli
Magnelli

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La galerie italienne Tornabuoni  a choisi de rester « en blanc« , en écho à l’une de ses expositions. Elle présentait également  une œuvre  d’ Alighiero e Boetti (1940-1994) :

 

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« Par le choix de la broderie, technique obsessionnelle souvent mise en oeuvre, Alighiero e Boetti est un artiste conceptuel sans équivalent connu dans le monde des artistes contemporains consacrés, la grande Louise Bourgeois l’utilisant de manière moins systématique pour ses auto-analyses arachnéennes.

Un nom coupé en deux, à moins que soudé : Au début des années 1970, Alighiero Boetti se rebaptise Alighiero e Boetti. Cet ajout, qui rompt autant qu’il lie son identité, mérite que l’on égrène quelques interprétations subjectives tant l’OEuvre de cet immense artiste est justement liée à la représentation de l’identité. Alighiero e Boetti comme un  dédoublement, une diférenciation entre le social et l’intime, un pied de nez à l’identité attribuée d’office, une dilution et un renforcement, un signe à la fois morcellement et réunifcation, une manière de disparaître, un point de suture….Alighiero e Boetti est principalement connu par ses grands planisphères et énigmatiques damiers aux carrés de couleur, dont chacun isole la lettre d’un mot, qu’il concevait puis faisait broder par des femmes en Afghanistan, pour un résultat esthétiquement somptueux et, comme il ne s’agit pas de décoration, une sorte de tour de passepasse éblouissant. Bien que cloisonnée par la couleur, la réalisation n’apparaît jamais fragmentée, l’oeil isole difficilement un morceau coloré, elle forme un tout dans les contradictions et le miroitement des couleurs, car la ligne-frontière n’existe pas ».

 

Dans un renfoncement du Grand Palais, on découvre les dernières acquisitions du FMAC (Fonds municipal d’art contemporain de la Ville de Paris) et la démarche artistique du colombien Marcos Avila Forero,  » basée sur la rencontre avec des personnes, un lieu, une histoire, et cherchant à renouer des fils perdus entre traditions ancestrales et pratiques contemporaines ».

Pour son projet Alapargatas de Zuratoque (2013), l’artiste a travaillé avec des familles déplacées par le conflit armé en Colombie. Il leur a proposé d’écrire leur histoire sur des sacs de toile de jute qui ont ensuite servi à fabriquer des chaussures tressées traditionnelles des paysans.20151022_13562820151022_135618

ALPAGATAS DE ZURATOQUE, COSTAL #2, FAMILLE RUSSO CANAS, 2013 – Installation 1 Paire de chaussures en toile de jute tissées à la main, Tirage photographique numérique couleur sur papier Classic RC, plastification matte, contrecollée sur plaque Dibond 2mm et châssis aluminium sur CC, 100 x 150 cm, Pièces uniques, Production Palais de Tokyo (Paris), Prix Découverte des Amis du Palais de Tokyo 2012. A découvrir ici.

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Gilles Drouault de la galerie de Multiples, face à l’entrée, (et à la sortie) proposait à la vente des marteaux : un « marteau au manche ondulé qui est censé représenter l’onde de choc produite quand on enfonce un clou quand on s’en sert ».

Ils rappellent un peu ceux que propose Carelman, dès les années 1970 :

 Catalogue d’Objets Introuvables (Catalogue d’Objets Impossibles) :Jacques Carelman, Français, Marseillais pour être plus précis, et un contemporain. Peintre, sculpteur, illustrateur, metteur en scène et, fondamentalement, autodidacte. Il utilise l’humour en créant. Il invente et imagine en fusionnant la logique et l’absurdité avec une grande subtilité. Il déforme la réalité que nous connaissons tous. Il amuse et s’amuse.
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Il est né en 1929 et dès 1956 il vit à Paris où il  a commencé par réaliser des décors pour théâtre et des illustrations de livres. Il est connu dans le monde entier principalement par son Catalogue d’Objets Introuvables (Catalogue d’Objets Impossibles), imaginé et publié en 1969 comme une parodie à un catalogue de vente par correspondance en imitant le style du fameux Manufrance. À partir de 1972 avec sa première exposition,[organisée au musée des Arts décoratifs à Paris avec François Mathey] et sans interruption, ses objets ont été présentés dans de nombreux musées, galeries d’art, de centres culturels, d’étrennes et salons d’Europe, du Canada, des États-Unis, de l’Amérique latine et du Japon. 

Au Grand Palais, à signaler cette année, l’activité soutenue des visites guidées  qui permettait au public de s’initier à l’ art contemporain : elles ont rencontré un grand succès. Le prix d’entrée (35 euros) reste toutefois très élevé car il s’agit bien d’une foire commerciale et non d’un musée.

L’ancien commissaire du 60 e salon de Montrouge, Stéphane Corréard dans le Quotidien de l’Art, a annoncé qu’il allait lancer une foire de galeries françaises à Paris :

« L’idée était dans l’air depuis un moment. Ancien directeur du Salon de Montrouge, Stéphane Corréard compte lancer un nouveau salon baptisé « Galeristes » en décembre 2016, sans doute au Carreau du Temple, à Paris. « J’aimerais réunir quarante des meilleures galeries indépendantes françaises, des galeries qui sont des passeurs », nous a-t-il confié. Et d’ajouter : « J’ai beaucoup d’amis marchands déboussolés par les évolutions du marché de l’art »..

Anne Tronche, d’actualité, pour toujours.

Anne Tronche,  née en 1938, vient de disparaître brutalement. Critique d’art, membre du directoire de la revue Opus International jusqu’en 1989,elle a été également Inspecteur à la Création artistique du Ministère de la Culture de 1982 à 1999, et le témoin de 40 ans d’art contemporain. Elle participa avec François Mathey aux commissions d’acquisition de la délégation aux arts plastiques à partir de 1982. C’est en qualité de témoin qu’elle avait bien voulu me recevoir en 2008 et évoqué ses premières visites au musée des Arts décoratifs :

« La première exposition de lui [Mathey] dont je me souviens c’est celle de Picasso, en 1955, j’avais fait de nombreuses heures de queue, avant d’accéder dans les salles. J’étais alors très jeune, j’étais encore au lycée, et devant les œuvres que je découvrais, je me souviens d’avoir été émue aux larmes. À cette époque, Picasso était très connu, mais on n’avait guère l’occasion de voir ses œuvres dans leur diversité. On peut se demander si ce ne sont pas ces premiers chocs qui orientent nos existences, je ne sais pas ce que cette exposition a généré en moi, mais cela a été très important ».

Son portrait aux archives de la critique d’art, sa bibliographie.

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Crédits : © Philippe Curval.‎

Elle est notamment l’auteure de deux ouvrages de synthèse :

– Anne Tronche, Hervé Gloasguen, L’Art actuel en France : du Cinétisme à l’Hyperréalisme, Paris : Balland, 1973.

– Anne Tronche, L’art des années 1960, chroniques d’une scène parisienne, paru en 2012 aux éditions Hazan :

« L’évocation de la vie artistique à Paris dans les années 1960, époque où les artistes affirmaient des ambitions avant-gardistes : Arman, Raymond Hains, Jacques Villeglé… La vie artistique à Paris, dans les années 60 : une époque où les artistes affirmaient encore des ambitions avant-gardistes : Arman, Buren, César, Yves Raynaud, Raymond Hains, Jacques Villeglé, Christian Boltanski… Une chronique rédigée par un témoin privilégié : une des critiques les plus informées de ces années clefs ».

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Photo de l’exposition Kudo. La Maison Rouge.

On doit également à Anne Tronche, comme le rappelle Le Journal des Arts, l’exposition Tetsumi Kudo,  »  La Montagne que nous cherchons est dans la serre », à La Maison Rouge, (18 février – 13 mai 2007).  Le récit d’Anne Tronche sur Kudo est en ligne. Elle développe notamment le thème favori de Kudo « La métamorphose ».

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Anne Tronche, La  montagne que nous cherchons est dans la serre, Paris, Editions Fage, 2007.

L’art des tranchées vu par Jean-Jacques Lebel

La lettre du séminaire « arts et sociétés » numéro  79  est en en ligne . Elle est consacrée  à  la conférence de Bertrand Tillier sur l’art  des tranchées vu par l’un  de ses plus grands collectionneurs,  l’artiste Jean-Jacques Lebel.

B. TILLIER dans ses travaux interroge en particulier les rapports entre les arts et la politique aux XIXe et XXe siècles, dans la perspective d’une histoire culturelle et sociale des imaginaires et des sensibilités.

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Installation par Jean-Jacques Lebel en hommage aux poilus anonymes lors de l’exposition Les désastres de la guerre. 1800-2014 au Louvre-Lens, 2015.

Extraits : « L’inscription, dans l’histoire de l’art, des objets fabriqués par les soldats de la Grande Guerre, à partir de douilles d’obus récupérées et transformées, mérite réflexion. Car leur vie d’objets découpés, martelés, façonnés, ciselés et gravés par les poilus – ce qu’on appelle d’ordinaire l’artisanat de tranchée –, est le lieu d’un changement de statut, de l’objet patrimonial à l’œuvre d’art, qui montre comment ils sont entrés dans le champ des approches esthétiques. L’histoire de l’art des tranchées de la Grande Guerre tiré du recyclage des métaux de l’armement industriel de la guerre moderne, telles les douilles, têtes ou ceintures d’obus, pourrait s’ouvrir, en compagnie de Jean-Jacques Lebel,  sur une scène fondatrice ».[…]

« L’artiste  salue-t-il ainsi, par extension, l’expressivité brute caractérisant l’art des poilus, dont les qualités seront explorées par des artistes d’avant-garde mobilisés dans le conflit, à la suite de Fernand Léger qui avoue avoir reçu dans les tranchées la révélation de la réalité des objets et de leur puissance plastique : « […] je fus ébloui par une culasse de 75 ouverte en plein soleil, magie de la lumière sur le métal blanc […]. Cette culasse […] m’en a plus appris pour mon évolution plastique que tous les musées du monde ».

Bibliographie  :

Catalogue de l’exposition Soulèvements, Jean-Jacques Lebel, Paris, La Maison rouge / Lyon, Fage éditions, 2009.

Catalogue de l’exposition 1917, Metz, Centre Pompidou-Metz, 2012.

Nicole DURAND, De l’horreur à la l’art, Dans les tranchées de la Première Guerre mondiale, Paris, Seuil, 2006.

Nicholas J. SAUNDERS, Trench Art, Materialities and Memories of War, Oxford/New York, Berg, 2003.

Patrice WARIN, Artisanat de tranchée & Briquets de poilus de la guerre 14-18, Louviers, Ysec éditions, 2001.

Patrice WARIN, Artisanat de tranchée de la Grande Guerre, Louviers, Ysec éditions, 2005.

Vient de paraître sous la direction de Philippe Poirrier : La grande guerre, une histoire culturelle :

« Ce volume a l’ambition de valoriser les résultats de recherches en cours et à en promouvoir une appropriation par un large public. Les thématiques choisies relèvent d’une histoire culturelle au sens large. Deux entrées sont privilégiées : comment les acteurs, essentiellement des mondes de l’art et de la culture, ont-ils vécu, à l’arrière comme au front, la Grande Guerre ? Comment la culture matérielle, notamment les artefacts et objets culturels, a-t-elle été marquée par ce conflit ? Ces deux approches ne sont évidemment pas opposées : elles sont complémentaires et permettent, en déclinant des méthodologies différentes et en articulant des échelles variées, de mieux saisir la place des mondes de la culture dans la Grande Guerre. Artistes plasticiens, écrivains, journalistes, musiciens, scientifiques, sportifs et urbanistes participent de ces sociétés en guerre. Le langage des poilus, les chansons, les patrimoines et la « culture visuelle » – qui se matérialise sous des formes très diverses – portent l’empreinte de la Grande Guerre. Pour chaque expression culturelle, les auteurs proposent une histoire qui souligne les modalités de la reproduction, les formes de la circulation et les caractéristiques de la réception ».

 

 

 

 

 

 

Michel Ragon en ligne

Le site internet du Centre Pompidou a mis en ligne un entretien filmé avec Michel Ragon :

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« Écrivain, poète, historien, essayiste, romancier, critique d’art et d’architecture, Michel Ragon s’engage très tôt aux côtés des artistes de CoBrA, de l’art abstrait, de l’art informel, de l’art cinétique ainsi que de l’art brut. En 1965, il fonde le GIAP (Groupe international d’architecture prospective), qui défend la prospective architecturale. Dans le cadre de la nouvelle présentation des collections modernes 1905-1965 du Centre Pompidou, une salle est consacrée à ce passeur immense, « visionnaire » engagé dans son temps ».

Dans cet entretien filmé inédit de 45 minutes avec Bernard Blistène, il évoque notamment Martin Barré et James Guittet, ses amis de jeunesse,à Nantes,   Poulaille qui l’accueille  à Paris, la critique d’ art et d’architecture, Le Corbusier,  l’art abstrait, les américains, mais aussi Dubuffet Chaissac et l’art brut,  les modes d’expression populaire.

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Voir sur le site de Michel Ragon : le Colloque « Michel Ragon, critique d’art et d’architecture », 3, 4 et 5 juin 2010, INHA et d’autres vidéos.