Archives pour la catégorie rétrospective

Les road movies de Jean Rouch

Filmer l’ Afrique dans les années 1950 jusqu’aux années 1970 : c’est ce qu’a fait Jean Rouch à qui la BnF consacre une exposition temporaire :

Jean Rouch et Damouré Zika sur le tournage de Jaguar, Gold Coast (Ghana), 1954, Département des Manuscrits/BnF © Fondation Jean-Rouch (DR).

« Jean Rouch aurait eu cent ans en 2017. L’exposition Jean Rouch, l’Homme-cinéma met en lumière la vie et l’œuvre d’un homme inclassable, explorateur, ethnographe, photographe, cinéaste. Auteur de 180 films tournés principalement en Afrique, Jean Rouch a lié le cinéma et l’ethnographie d’une manière unique. Entre ses mains, la caméra est devenue un nouvel outil d’investigation sur les hommes, leurs croyances, leurs imaginaires. Se moquant des prétentions à la neutralité de la science, Jean Rouch a assumé avec enjouement sa subjectivité et une relation de partage avec ceux qu’il filmait ».

Du 26 septembre au 26 novembre 2017, 40 films seront diffusés sur tous les écrans audiovisuels de la Bibliothèque du Haut-de-jardin, et en salle A, salle attenante à la Galerie des donateurs.

Jean Rouch est décédé en 2004 au Niger. Ces films, tournés essentiellement en Afrique dans le cadre des missions ethnographiques au Soudan et au Niger, par cet élève de Marcel Griaule, se déroulent pour les plus connus,  avant les indépendances.

Aux côtés de Jean Rouch, Damouré Zika. Infirmier, acteur preneur de son, il a participé au film Jaguar Gold coast et au célèbre Maîtres fous, de 1955,  Grand Prix de la Biennale internationale du cinéma de Venise –  dans la catégorie Film Ethnographique, en  1957.

Plus récent en 1974, le film Cocorico Monsieur poulet est un road movie franco-nigérien de Dalarou – pseudonyme pour le trio Damouré Zika, Lam Ibrahim Dia et Jean Rouch – sorti en France en 1977.

A l’occasion de l’exposition, la BnF met aussi en avant ses archives sonores :  en ligne sur Gallica, ces « échos de la forêt africaine » et ces percussions d’un festival au Ghana, extraits d’un disque  45 tours datant de 1960.

Comme le précise Clara Pacquet :

« Rouch construit sa définition de l’anthropologie à partir d’un héritage hétérogène, dans lequel il puise toujours à nouveau, afin de produire des formes de savoir par le cinéma ».

Clara Pacquet interviendra au séminaire Arts et Sociétés  le 7 mars 2018 sur le thème « Jean Rouch et les choses ».

PROGRAMME ARTS & SOCIETES

Kunihiko Moriguchi, artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, est à Paris

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Du triangle au cercle, Kunihiko Moriguchi, 2012. Photo : © Kunihiro Shikata.

Kunihiko Moriguchi est un artiste japonais, maître de l’art du Yûzen, cette technique tricentenaire de peinture sur des kimonos d’apparat. Il a été élevé au rang de « Trésor national vivant » par le gouvernement japonais en 2007. Son père était également « trésor national » et l’a formé à son retour au Japon. En effet, Kunihiko Moriguchi  a vécu en Europe où il a étudié les arts graphiques.

Né en 1941, il étudie la peinture de « style japonais » (nihonga) à l’université des Arts de Kyoto. Il part pour la France à l’âge de 22 ans et étudie à l’École nationale des arts décoratifs.  Il a fréquenté le musée des Arts décoratifs, où il rencontre François Mathey.  

Il se lie d’amitié avec le critique Gaëtan Picon et le peintre Balthus qui l’invite à la Villa Médicis. Ce dernier le persuade de se consacrer à l’art du yûzen, dont le père de Kunihiko est un illustre représentant. Kunihiko Moriguchi  a réalisé son premier kimono en 1967.

Une exposition rétrospective de ses œuvres,  la première, se déroule actuellement à la Maison de la Culture du Japon jusqu’au 17 décembre prochain. Elle réunit 26 kimonos et 11 peintures de l’artiste.

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Hommage au voleur de fleurs

20161006_183705WALASSE TING, LE VOLEUR DE FLEURS (DU 7 OCTOBRE AU 26 FÉVRIER 2016) est présenté actuellement au musée Cernuschi : « L’itinéraire de Walasse Ting (1928-2010), artiste inclassable né à Shanghai, actif à Paris, puis New-York et Amsterdam, préfigure l’internationalisation de l’art contemporain chinois survenue dans les années 1990. Après avoir quitté la Chine pour Hong-Kong en 1946, Walasse Ting gagne Paris en 1952. Ses créations, qui mettent l’accent sur l’expressivité du geste pictural, sont en phase avec les réalisations du groupe CoBrA dont certains membres, comme Pierre Alechinsky, manifestent leur intérêt pour les pratiques asiatiques de l’art du pinceau. À cette époque il rencontre aussi Sam Francis, qu’il retrouvera à New-York quelques années plus tard. C’est dans cette ville que Walasse Ting découvre son univers, fait d’allers et retours entre l’encre et la couleur pure, entre les codes de la peinture chinoise et la spontanéité de l’Action Painting. Il s’inscrit alors dans le paysage de la création new yorkaise à travers des réalisations collectives, comme le projet One Cent Life (1964), qui réunit aux côtés de Pierre Alechinsky et Sam Francis, Jean-Paul Riopelle, Asger Jorn, Robert Indiana, Robert Rauschenberg, Andy Warhol… En 1970, Walasse Ting a fait don au musée Cernuschi de 80 peintures représentant de manière quasi-exhaustive son univers foisonnant et ludique. Cette collection, qui n’a jamais été exposée, a fait l’objet d’une très importante campagne de restauration au cours des dernières années. Le musée Cernuschi revient sur l’ensemble du parcours de Walasse Ting en accordant une place privilégiée aux échanges qu’il a su tisser au sein des milieux artistiques européens et américains ».

Toutes les époques de cette vie de création sont mises en valeur : le travail collectif avec CoBrA,

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la période pop,  où les couleurs acidulées dominent, mais aussi  les créations en noir et blanc d’inspiration chinoise, très fortes, comme ces évocations du printemps et de ses insectes, emblématiques.

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Un  parapluie, symbole chinois d’intimité revisité, allusion aux Jeux des nuages et de la pluie, a pour titre « La naissance de Vénus » .

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La scénographie aérée,  colorée, rend le parcours très agréable. Les textes sont courts, efficaces. Cette promenade se conclut par un hommage aux femmes,  au prisme de Matisse.

Un programme de conférences accompagne cette nouvelle présentation d’un artiste chinois contemporain et nomade:  L‘université au musée: conférences le jeudi à 16h  téléchargez le programme des conférences

Signalons l’article d’Anne Kerlan paru dans le journal Libération, à l’occasion des rendez- vous de l’Histoire à Blois, qui a pour thème cette année, « Partir » :

Combien d’artistes, partis de Chine, de Corée, du Japon ou du Vietnam, se sont retrouvés dans notre capitale depuis le début du XXe siècle ? La rencontre avec l’art occidental ne date pas de leur arrivée mais leur condition d’exilés, et cette disjonction entre une culture d’origine, devenue «une mémoire qui ne sert à rien» (1) et ces lieux d’accueil qui ne le sont pas toujours a nécessairement résonné dans leur parcours. Pour certains, l’impossible repos fut fructueux. Walasse Ting (1928-2010) fit ainsi des passages de frontière et des transgressions un principe créateur. Arrivé à Paris en 1953, il y rencontre le mouvement CoBrA. Cet ami intime de Pierre Alechinsky se retrouve plus tard à New York, tout à son aise dans les milieux de l’expressionnisme abstrait, de l’action painting et du pop art. L’exposition parisienne qui lui est consacrée jusqu’au 26 février (une première en France) révèle une personnalité hors norme, qui ne cessa de bousculer son héritage artistique chinois mais aussi ces courants de l’art moderne occidental dont il fut un acteur important. Voici des peintures à l’encre de Chine rehaussées de projections et de coulures, ou un classique paysage monochrome doté d’une signification sexuelle explicite. Il invita ses amis new-yorkais à des œuvres collaboratives, rappelant la façon dont les lettrés chinois réalisaient autrefois peintures ou calligraphies lors d’assemblées festives. Et, traversant tout ceci comme une obsession pour celui qui se surnommait «le grand voleur de fleurs», la figure féminine, prostituée nue façon pop art ou dame chinoise du temps jadis traitée à la Matisse, sert de fil conducteur à cette œuvre foisonnante, et peut-être aussi de passerelle entre la Chine et l’Occident.

Charles Gleyre : l’académisme et ses fantasmes. Rencontre avec Michel Thévoz

A l’occasion, de l’exposition temporaire « Charles Gleyre, le romantique repenti »  qui se termine le 11 septembre 2016 au musée d’Orsay, Michel Thévoz a participé à une conférence qui peut être réécoutée  ici.

Une conférence inaugurale a été donnée par les deux commissaires de l’exposition, Côme Fabre et Paul Perrin, à réécouter à partir de ce lien.

Charles Gleyre. Autoportrait© Nora Rupp, Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne.

« Dans l’épopée qu’est l’histoire de la peinture française au XIXe siècle, le rôle de Charles Gleyre est trop souvent oublié.
Certes, ce Parisien d’adoption ne s’est guère préoccupé de sa postérité française. Né en 1806 dans le canton de Vaud, Gleyre est resté toute sa vie un citoyen de la Confédération helvétique et un farouche républicain.
Après le coup d’Etat exécré de Louis-Napoléon Bonaparte en 1851, il reçoit peu, n’expose plus et dédaigne les commandes publiques ; la maladie et la guerre de 1870 le contraignent à cesser son enseignement. Taiseux et solitaire, humble et cynique, Gleyre est déjà menacé d’oubli quand il meurt, en mai 1874. C’est en vain que son ami Charles Clément s’empresse de recueillir les derniers témoignages et de recenser maints chefs-d’oeuvre déjà dispersés à l’étranger : bientôt, seules les Illusions perdues, toile mélancolique du musée du Louvre, restent dans les mémoires. On se souvient qu’il fut le premier maître de Sisley, Bazille, Renoir ».

Michel Thévoz a aussi été conservateur au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne. Il est l’auteur en 1980 de l’ouvrage intitulé « Académisme et ses fantasmes : Le réalisme imaginaire de Charles Gleyre » qui vient d’être réédité.

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Il évoque, à travers plusieurs tableaux, cet  artiste vaudois qui trouve sa place à Paris (et qui est pourtant souvent obligé d’adapter son travail aux commandes qui lui sont faites), dans une société dont il partage apparemment les goûts mais dont il est aussi le symptôme, une société en voie de pétrification, qui voudrait arrêter l’histoire. Le goût prononcé du peintre pour les scènes violentes et obscènes (comme dans le tableau « Néron tuant sa mère »), s’accompagne d’audaces picturales, dignes de ses élèves impressionnistes, qui contribueront pourtant à son oubli.

Est-il « académique » ? Ce vaudois n’a pas de prix de Rome, ne sera pas membre de l’Académie, et si sa peinture semble classique, sa catégorisation ne va pas de soi.

Michel Thévoz propose d’adopter une nouvelle approche et un nouveau vocabulaire, pour analyser les rapports effectifs, les tensions, entre les tendances « modernes », avant-gardistes et les tendances classiques, « néoclassiques », comme le propose par exemple Nathalie Heinich dans son ouvrage Le paradigme de l’art contemporain. Structures d’une révolution artistique.

En effet, les peintres du XIXe siècle qui ont depuis été identifiés sous les étiquettes « d’impressionnistes » ou « d’académiques » voire de « pompiers »  se fréquentaient, interagissaient. Il faut, d’après Michel Thévoz, revisiter  régulièrement l’histoire de l’Art : ce passé est « imprévisible », il doit faire l’objet d’une relecture périodique.

C’est le constat que dressait aussi Jean Clair en 2011 lorsqu’il a évoqué à ma demande les expositions pionnières de François Mathey aux Arts Décos :

« Je me souviens très bien de l’exposition « Equivoques », en 1973, qui portait sur la peinture du XIX ème siècle à laquelle je m’intéresse tout particulièrement. Cela montrait que les exclusions et les jugements péremptoires des critiques d’art n’étaient pas fondés, qu’il n’y avait jamais eu cette dichotomie violente entre la peinture académique et la peinture novatrice : des passerelles existaient, même si elles restaient au premier coup d’œil, invisibles. Il y avait aussi dans cette exposition (outre l’ironie, la provocation, l’audace) un intérêt pour l’iconologie : pour le portrait, les physionomies, qui m’intéressait beaucoup ».

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Equivoques. peintures françaises du XIXe siècle. catalogue  et affiche de l’exposition qui a eu lieu au musée des Arts décoratifs du 9 mars au 14 mai 1973 (commissariat : Olivier Lépine et François Mathey).

 

 

La très attendue exposition « Cy Twombly »

Au Centre Pompidou : du 30 novembre 2016 au 24 avril 2017, est programmée la première rétrospective de l’œuvre de Cy Twombly, organisée en Europe depuis le décès de l’artiste survenu en 2011. Elle est donc très  attendue.

Elle bénéficiera  de la collaboration de la Cy Twombly Foundation et de son président Nicola del Roscio, de la Fondazione Nicola Del Roscio, à Gaeta et du soutien d’Alessandro Twombly, le fils de l’artiste.

« Elle reviendra sur la carrière de ce grand artiste américain. Construite autour de trois grands cycles: Nine Discourses on Commodus (1963), Fifty Days at Iliam (1978) et Coronation of Sesostris (2000), cette rétrospective propose un parcours chronologique de 140 peintures, sculptures, dessins et photographies entre l’héritage de l’expressionnisme abstrait américain et les origines de la culture méditerranéenne.

Si ses premiers travaux des années 1950 sont marquées par le primitivisme de l’époque, l’artiste achèvera sa carrière avec une oeuvre particulière, un plafond « bleu Giotto » rectangulaire réunissant une quarantaine de cercles d’autres couleurs figurant des boucliers antiques et sept cartouches portant le nom de sept sculpteurs célèbres de l’Antiquité grecque, commande du Musée du Louvre.

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Rétrospective complète de l’oeuvre de Cy Twombly, elle souhaite souligner l’importance que celui-ci accorde aux cycles et aux séries dans lesquels il réinvente la grande peinture d’histoire. »

Toujours d’actualité pour découvrir l’oeuvre  de cet artiste, cette monographie intitulée  » Cy Twombly. Peindre, dessiner, écrire « (Paris, Éditions du Regard, 2004).

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Et un site dédié à l’artiste retrace sa carrière artistique

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Cy Twombly : Blooming, 2001 – 2008 Courtesy Archives Fondazione Nicola Del Roscio Photo : Studio Silvano, Gaeta © Cy Twombly Foundation
En savoir plus sur http://www.evous.fr/Exposition-Cy-Twombly-1190381.html#quGHmXqGKQwxXSih.99