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L’histoire du design en France

L’histoire du design en France / The History of Design in France / Colloque international / International Conference, Institut national d’histoire de l’art (Paris, France), le 21 juin 2017 /  June 21, 2017.

Salle Vasari / Vasari conference room.

Organized by Stéphane LAURENT, HICSA/Université Paris I Panthéon-Sorbonne.

L’histoire du design en France présente une grande richesse mais paradoxalement aucun état des lieux n’a jamais été effectué. Les inventions se sont multipliées durant la révolution industrielle et les premières tentatives d’industrialisation d’un objet esthétique, aux formes modernes, ont été entreprises au début du vingtième siècle. Si l’Art nouveau n’a fait qu’une proposition timide, son vocabulaire a motivé certains industriels, qui l’ont choisi afin de diversifier leurs gammes d’articles. L’Art Déco réussit davantage une popularisation de l’objet moderne dans le cadre d’une approche commerciale qui reste fondée sur l’artisanat.

A la veille de la Seconde Guerre mondiale, un rapprochement est entrepris entre les ingénieurs, les industriels et les créateurs de modèles. Il est porté par l’Union des artistes modernes (UAM) et est mis en scène à l’Exposition des Arts et techniques de 1937.

L’impulsion vient surtout après la Seconde Guerre mondiale avec l’influence du modèle américain de « design industriel », importé en France sous la traduction d’ « esthétique industrielle » grâce à des figures comme Jacques Viénot et Raymond Loewy, qui fondent respectivement l’agence Technès et la Compagnie d’esthétique industrielle (CEI). Toutefois les tentatives antécédentes, nées du projet français d’un « art social » au travers de l’embellissement du cadre de vie, se maintiennent, grâce notamment au  mouvement  Formes  Utiles, avant de déboucher sur des recherches sur les plastiques  et  la dérision des formes dans le mouvement Pop des années soixante et soixante-dix, où s’illustrent des designers comme Olivier Mourgue, Roger Tallon et Pierre Paulin. C’est en grande partie à l’initiative de graphistes français comme Paul Colin qu’est fondée l’Alliance graphique internationale, et à celle de Viénot qu’est mise en place l’International Council of Societies of Industrial Design (ICSID). Prenant conscience de l’importance de ce nouveau champ dans les pratiques artistiques, champ qui s’ancre durablement comme le montre la réussite d’un Philippe Starck, les institutions entreprennent de soutenir le mouvement avec la création du Centre de création industrielle en 1969 ou de la Cité du design de Saint- Etienne plus récemment. Des recherches et publications récentes sur le domaine, issus de travaux universitaires, permettent de faire un point sur la question.

The history of design in France presents a great richness but paradoxically no state of the question has been really carried out. Inventions multiplied during the industrial revolution and the first attempts to industrialize an aesthetic object with modern forms were undertaken at the beginning of the twentieth century. While some of the Art Nouveau decorators made the first proposals, the style motivated some entrepreneurs, who saw an opportunity to diversify their catalogues of items. Art Déco was more successful in popularizing the modern object within a commercial approach although it remained based on craftsmanship. On the eve of the Second World War, there was a rapprochement between engineers, industrialists and creators. It was incarnated by the Union of Modern Artists (UAM) and presented at the Exhibition of Arts and Techniques of 1937. The impulse came mainly after the Second World War with the influence of the American model of « industrial design ». It was imported in France under the translation of « esthétique industrielle » thanks to figures like Jacques Viénot and Raymond Loewy, who respectively founded Technès and the Compagnie d’esthétique industrielle (CEI). Thereafter was developed an enthusiastic research on plastics through a derision of forms. It was illustrated by the Pop movement in the Sixties and Seventies, with designers like Olivier Mourgue, Roger Tallon and Pierre Paulin. It was largely on the initiative of French graphic designers such as Paul Colin, that the International Graphic Alliance was founded, and the one of Viénot that the International Council of Industrial Design Companies (ICSID, now World Design Organization) was created. Aware of the importance in artistic practices of this new field, which is demonstrated by the success of a star designer like Philippe Starck, some public institutions decided to support the movement. Thus were created the Centre de Création industrielle in Paris in 1969 or the Cité du design in Saint-Etienne more recently. Recent research and publications on the subject will help to update and address the topic.

Le Programme / Program.

 

Conférence : Un art d’État ? Commandes publiques aux artistes plasticiens (1945-1965)

A signaler la soirée de présentation/discussion qui aura lieu le Jeudi 20 avril 2017 à 19h30, autour de l’ouvrage :

« Un art d’État ? Commandes publiques aux artistes plasticiens (1945-1965) »

à la Lucarne des écrivains 115 rue de l’Ourcq  Paris 75019, autour du livre co-édité par les Archives nationales et les Presses universitaires de Rennes à l’occasion de l’exposition Un art d’État ? Commandes publiques aux artistes plasticiens (1945-1965) en présence des auteurs :

Laurence Bertrand Dorléac, historienne de l’Art,  Julie Verlaine, Historienne, le Conservateur du patrimoine, Philippe Bettinelli, responsable de la collection d’ art public au Centre national des arts plastiques,  qui comprend 1 200 œuvres installées dans l’espace public depuis 1945,

Christian Hottin  Conservateur du patrimoine, co -directeur de l’ouvrage avec Clothilde Rouillet, Conservateur du patrimoine, Archiviste, commissaire de l’exposition :

Actualité et enjeux critiques de l’Art Brut

Pour les 40 ans de la Cie de l’Art Brut installée à Lausanne, l’université  (Unil) organise un colloque début novembre, dont les actes seront publiés ultérieurement. Voir le programme détaillé, ici.

Colloque : Actualité et enjeux critiques de l’Art Brut

UNIL, IDHEAP, Lausanne, 03-04/11/2016.

Charles Gleyre : l’académisme et ses fantasmes. Rencontre avec Michel Thévoz

A l’occasion, de l’exposition temporaire « Charles Gleyre, le romantique repenti »  qui se termine le 11 septembre 2016 au musée d’Orsay, Michel Thévoz a participé à une conférence qui peut être réécoutée  ici.

Une conférence inaugurale a été donnée par les deux commissaires de l’exposition, Côme Fabre et Paul Perrin, à réécouter à partir de ce lien.

Charles Gleyre. Autoportrait© Nora Rupp, Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne.

« Dans l’épopée qu’est l’histoire de la peinture française au XIXe siècle, le rôle de Charles Gleyre est trop souvent oublié.
Certes, ce Parisien d’adoption ne s’est guère préoccupé de sa postérité française. Né en 1806 dans le canton de Vaud, Gleyre est resté toute sa vie un citoyen de la Confédération helvétique et un farouche républicain.
Après le coup d’Etat exécré de Louis-Napoléon Bonaparte en 1851, il reçoit peu, n’expose plus et dédaigne les commandes publiques ; la maladie et la guerre de 1870 le contraignent à cesser son enseignement. Taiseux et solitaire, humble et cynique, Gleyre est déjà menacé d’oubli quand il meurt, en mai 1874. C’est en vain que son ami Charles Clément s’empresse de recueillir les derniers témoignages et de recenser maints chefs-d’oeuvre déjà dispersés à l’étranger : bientôt, seules les Illusions perdues, toile mélancolique du musée du Louvre, restent dans les mémoires. On se souvient qu’il fut le premier maître de Sisley, Bazille, Renoir ».

Michel Thévoz a aussi été conservateur au Musée cantonal des Beaux-Arts de Lausanne. Il est l’auteur en 1980 de l’ouvrage intitulé « Académisme et ses fantasmes : Le réalisme imaginaire de Charles Gleyre » qui vient d’être réédité.

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Il évoque, à travers plusieurs tableaux, cet  artiste vaudois qui trouve sa place à Paris (et qui est pourtant souvent obligé d’adapter son travail aux commandes qui lui sont faites), dans une société dont il partage apparemment les goûts mais dont il est aussi le symptôme, une société en voie de pétrification, qui voudrait arrêter l’histoire. Le goût prononcé du peintre pour les scènes violentes et obscènes (comme dans le tableau « Néron tuant sa mère »), s’accompagne d’audaces picturales, dignes de ses élèves impressionnistes, qui contribueront pourtant à son oubli.

Est-il « académique » ? Ce vaudois n’a pas de prix de Rome, ne sera pas membre de l’Académie, et si sa peinture semble classique, sa catégorisation ne va pas de soi.

Michel Thévoz propose d’adopter une nouvelle approche et un nouveau vocabulaire, pour analyser les rapports effectifs, les tensions, entre les tendances « modernes », avant-gardistes et les tendances classiques, « néoclassiques », comme le propose par exemple Nathalie Heinich dans son ouvrage Le paradigme de l’art contemporain. Structures d’une révolution artistique.

En effet, les peintres du XIXe siècle qui ont depuis été identifiés sous les étiquettes « d’impressionnistes » ou « d’académiques » voire de « pompiers »  se fréquentaient, interagissaient. Il faut, d’après Michel Thévoz, revisiter  régulièrement l’histoire de l’Art : ce passé est « imprévisible », il doit faire l’objet d’une relecture périodique.

C’est le constat que dressait aussi Jean Clair en 2011 lorsqu’il a évoqué à ma demande les expositions pionnières de François Mathey aux Arts Décos :

« Je me souviens très bien de l’exposition « Equivoques », en 1973, qui portait sur la peinture du XIX ème siècle à laquelle je m’intéresse tout particulièrement. Cela montrait que les exclusions et les jugements péremptoires des critiques d’art n’étaient pas fondés, qu’il n’y avait jamais eu cette dichotomie violente entre la peinture académique et la peinture novatrice : des passerelles existaient, même si elles restaient au premier coup d’œil, invisibles. Il y avait aussi dans cette exposition (outre l’ironie, la provocation, l’audace) un intérêt pour l’iconologie : pour le portrait, les physionomies, qui m’intéressait beaucoup ».

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Equivoques. peintures françaises du XIXe siècle. catalogue  et affiche de l’exposition qui a eu lieu au musée des Arts décoratifs du 9 mars au 14 mai 1973 (commissariat : Olivier Lépine et François Mathey).

 

 

Raphaël Cuir : un critique d’art sur internet

Epoux de l’artiste Orlan, Raphaël  Cuir est un spécialiste de la représentation du corps humain dans l’histoire de l’art. Il vient de publier un ouvrage intitulé  « Renaissance de l’anatomie ».

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Il est  également  président de la section française  de l’Association internationale des critiques d’art (AICA) .

Il intervient ici avec Didi-Huberman :

Il a été l’un des précurseurs de l’art à la télévision en lançant la chaîne « Mémoires actives » sur Internet en 1999, dont voici un best of.

Le critique a clos à la Villa Arson en 2012 un colloque sur la performance. Il évoque  les questions de champ et de définition que pose ce terme, qui renvoie à des actions et des pratiques artistiques très différentes. Un autre mode d’exposition   » de la vie même ».

Intervention dans le cadre du colloque « La performance : vie de l’archive et actualité », AICA-France/Villa Arson.2012.