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Dianne Bos : The Sleeping Green et ses poètes

Ploegsteert, Belgique, 2014 © Dianne Bos – Centre Culturel Canadien

L’espoir renaît toujours. Tel était le titre de l’exposition présentée au Centre  Culturel canadien qui vient de s’achever : « The Sleeping Green », sous-titré par le Centre Culturel Canadien « Un no man’s land cent ans après » :

« Dianne Bos : The Sleeping Green » est une véritable évocation enchantée d’un passé pourtant rougi du sang de millions d’hommes, de femmes et d’animaux tombés au champ d’honneur.          Coquelicot, Ploegsteert, Belgique, 2014 © Dianne Bos

Mémorial britannique de la Première Guerre mondiale à Ploegsteert.

 À l’aide de photographies réalisées via des boîtiers généralement très anciens (dont une chambre noire), Dianne Bos exploite toute la force esthétique du format carré pour parler, poétiquement, de cette guerre qui fit débuter le XXe siècle sous l’égide de l’horreur. Aberration chromatique, flou de bougé, flare et autres décolorations partielles ne doivent pas ici être considérées comme des erreurs techniques de la part d’un photographe débutant maîtrisant encore mal son appareil photo. Dianne Bos a volontairement choisi de mettre en scène les failles de ses anciens boîtiers de sorte à en faire surgir un lyrisme étonnant : utiliser des faiblesses pour mieux parler du chagrin, de l’horreur de la guerre, de la perte, mais aussi et surtout de l’espoir qui pourtant, renaît toujours ».

« Un no man’s land cent ans après ». Encore faut-il avoir en tête un code culturel typique des pays du Commonwealth pour pouvoir le déceler et comprendre le message. Dans l’exposition d’indénombrables taches écarlates, brillantes ou sourdes, fanées ou éclatantes : Ce sont des coquelicots, qui constellent de pourpre les photographies de Dianne Bos. Le coquelicot rouge, au Canada comme au Royaume-Uni, est devenu un symbole parfaitement éloquent de la question du souvenir, le « poppy » :

Comme le rappelle le musée canadien de la guerre, on trouve ses racines dans les écrits du poète et soldat canadien John McCrae et son poème le plus connu, « Au champ d’honneur » :

 

Manuscrit de « In Flanders fields. John McCrae a écrit ce poème pendant la Bataille d’Ypres. Cela deviendra le plus célèbre poème de guerre. Source : Bibliothèque et Archives Canada/C-128809).

L’exposition évoque également Break of Day in the Trenches, du poète britannique  Isaac Rosenberg, décédé en 1918 dans les tranchées.

  • Vues de l’ exposition au Centre culturel canadien :

  • Évocations canadiennes de la Bataille d’Ypres :

Richard Jack (1866-1952), La deuxième bataille d’Ypres, décembre 1917. Collection d’art militaire galerie d’art de Beaverbrook.

 

Suivre le fil à la maison rouge

Pour apprécier l’exposition Inextricabilia, enchevêtrements magiques , à la maison rouge, il peut être utile de lire la brochure fournie avec le billet d’entrée, et de débuter la visite, non pas à la suite de l’exposition parallèle, mais en suivant le chemin qui se dessine à main gauche. Deux têtes – rapiécées et recousues- ouvrent le parcours : l’une est de Louise Bourgeois, l’autre de Michel Nedjar. On entre dans le sujet grâce aux étonnants documentaires- vidéos  de l’anthropologue Manoël Pénicaud. Pour demander l’accomplissement  d’un vœu, pour qu’une prière soit exaucée, chaque année, le jour de la Saint Georges,  des femmes  des deux confessions, catholique et musulmane, déroulent des bobines de fil sur le chemin d’un monastère sur  l’île de Büyükada, au large d’Istanbul : chaque fil matérialise ce voeu, cette prière.

Dans le même esprit, toujours en Turquie, dans la région d’Éphèse, considérée comme le lieu de mort de la Vierge, un foisonnement de noeuds couvre un mur de la ville près d’un sanctuaire :  des milliers de pèlerins de toutes les confessions, nouent un ruban de tissu de papier ou de plastique, laissant ainsi des traces de leurs voeux et de leurs prières.

Le parcours de visite s’éclaire ensuite et il est  impossible de perdre le fil d’une illustration agencée dans des espaces adaptés et différenciés pour les oeuvres d’art brut, d’art religieux, d’art contemporain notamment grâce à des pièces exceptionnelles de Louise Bourgeois, Annette Messager, Chen Zhen, Max Ernst..

Amulettes et objets magiques du Musée de l’Homme collectés au Sénégal dans les décharges de Dakar,  par Alain Epelboin (médecin et anthropologue au CNRS ) côtoient un sac magique prêté par le musée du quai Branly et des reliques de saints conservées par des pèlerins du XIXe siècle.

 

 

 

 

 

 

 

 

La commissaire de l’exposition, Lucienne Peiry, est fascinée par l’oeuvre de Judith Scott.

Elle tente des interprétations de son œuvre et propose,  plus classiquement cette fois, des rapprochements formels, décelant des  affinités insolites, s’inspirant en cela de ce que réalise souvent Jean-Hubert Martin dans ses expositions, depuis Artempo,  en 2007.

Anonyme, Tomeligi, amulette (Togo, Lomé), bois, cauris, coton sans date. Musée du Quai Branly.

Elle suscite le débat, la comparaison ne valant pas raison, elle met aussi en avant des constantes : Protéger et occulter, conserver précieusement la chose en la dissimulant, la cacher en la montrant, c’est le principe qui unit toutes les œuvres de l’exposition.[…] C’est la technique (maîtrisée) orientée vers une fin (constante) qui fait de l’art humain une famille humaine.

 C’est peut être en sous-sol que les créations brutes de Marc Moret peuvent susciter, chez certains, surprise ou effroi. Mais, comme à son habitude, Lucienne Peiry, ancienne directrice à Lausanne de la Collection de l’Art Brut pendant dix ans (de 2001 à 2011),  a pris soin de faire figurer  dans le parcours un documentaire où ce créateur raconte  son cheminement.

Marc Moret, 1999-2000 – Photo : Mario Del Curto – Coll. particulière

Comme de coutume à la maison rouge, une  autre exposition se déroule en parallèle : il s’agit d’art purement contemporain, une carte blanche à Hélène Delprat :  I did it my way. Un art cultivé, coté, un art de citation, qui ne manque pas de force et d’humour,  dans un décor de « conte de fée », soutenu par une bande-son délicieuse et éclectique.

A voir jusqu’au 17 septembre.

OH COULEURS ! Todo es de color

Charpin, collection de vases Torno Subito, 1998-2001 édition limitée, Galerie Kreo, Cirva, centre international de recherche sur le verre et les arts plastiques.   

L’exposition « OH COULEURS ! LE DESIGN AU PRISME DE LA COULEUR » AU MUSÉE DES ARTS DÉCORATIFS ET DU DESIGN

Le musée des Arts décoratifs et du Design à Bordeaux, dirigé depuis 2013  par Constance Rubini, organise une exposition temporaire sur les liens entre la couleur et le design, qui se tiendra du 29 juin 2017 au 5 novembre 2017 :

« La forme est aussi couleur. Sans couleur, il n’y a pas de forme. Forme et couleur ne font qu’un. » Johannes Itten, peintre, enseignant à l’école du Bauhaus (1919-1923). « Alors que les historiens du design ont privilégié les questions liées à la forme, à la fabrication, aux matériaux et aux nouvelles technologies, peu d’entre eux se sont intéressés à la couleur. Pourtant elle influence directement notre perception des objets et la façon dont on interagit avec eux. La couleur participe également de la définition des périodes et des styles. Autant d’aspects que les visiteurs pourront découvrir à travers des exemples constitutifs de l’histoire des objets et du design : les couleurs des Tupperware ; la place de la couleur dans l’œuvre du designer Verner Panton ou encore le rôle méconnu de la décoratrice Paule Marrot pour la firme automobile Renault. Le parcours donnera également à voir des objets d’une histoire oubliée ou méconnue du public occidental, comme ces boro japonais, vêtements populaires faits de morceaux de tissus assemblés, teints à l’indigo de façon artisanale. Le musée étant voisin de la Cité Frugès de Le Corbusier, à Pessac, l’exposition fera une incursion du côté de l’architecture pour montrer le rôle qu’a joué la polychromie architecturale dans l’œuvre de ce dernier, expérimentée pour la première fois en extérieur lors de la construction de cette cité ouvrière, dans les quartiers de Pessac, au sud-ouest de Bordeaux (1924-1926)

« La couleur existe-t-elle ? … Qu’est-ce que la couleur ? Les couleurs ne sont pas seulement présentes dans la lumière, ni seulement présentes dans la matière des objets éclairés, en fait, la couleur n’existe que s’il y a un spectateur pour en faire l’expérience. » Verner Panton, conférence au Bella Center, Copenhague, 1982 Si le sujet est souvent écarté de l’histoire du design, c’est qu’il est insaisissable. La couleur n’existe pas en soi, elle n’est perceptible que dans la lumière et varie selon sa quantité, le support qui la reçoit et l’œil qui la regarde. Ainsi, rien de définitif ne peut être dit sur la couleur. Le parti pris de cette exposition sera donc de l’interroger à partir de différents points de vue, en donnant notamment la parole à des spécialistes des domaines du design, de la mode, de l’industrie et de la sociologie. Ils mettront en évidence l’ambiguïté du concept, sa plasticité au regard des objets, de leur processus de fabrication et de leur perception : Irma Boom (illustratrice et typographe néerlandaise), Massimo Caiazzo (historien de la mode et viceprésident de l’IACC Italia), Michel Pastoureau (historien médiéviste, spécialiste des couleurs), Arthur Rüegg (architecte et spécialiste de l’œuvre de Le Corbusier).

Suzanne Ramié, vase, 1956 Atelier Madoura © Hervé Lewandowsky.

Martin Szekely, vase Jaune-froid Marseille, 1988 – Réalisé dans le cadre de la commande publique 30 vases au Cirva.

L’exposition est mise en scène par le designer Pierre Charpin. Des citations, des textes explicatifs très courts et des documentaires vidéos animent un parcours complet, qui donne très simplement une leçon de design, à la fois synthétique et accessible, qui donne à voir un panorama des tendances à travers les décennies, qui livre une approche pédagogique et ludique des différents domaines d’application du design : de l’architecture au design produit, de la mode aux environnements mobiliers,  des casques de chantier aux robes de créateurs,  des papiers peints aux plastiques compressés et aux plumes de paon, l’exposition accueille aussi une collection inattendue, celle d’Olivier Saillard, et réserve une salle consacrée à la théorie des couleurs de Joseph Albers.

Evoquant  à la fois des thématiques  locales ( le papier peint créé pour l’occasion par Irma Boom, ou la cité Frugès de Le Corbusier), elle retrace aussi les grands courants internationaux du design et montre le travail de grands créateurs comme Ettore Sottsas,  Martin Szekely. Cette exposition est une vraie réussite,  déjà saluée dans la presse, ici (« Un jeu de piste fascinant ») ou.

C’est donc un vrai plaisir de la visiter, dans cet endroit  à part,  qui vient compléter le musée et ses collections permanentes. Certaines créations de l’exposition temporaire sont aussi visibles dans le parcours permanent.

Un lieu à part

Comme beaucoup d’hôtels particuliers, l’hôtel de Lalande de Bordeaux, siège du musée des arts décoratifs et du design, a été construit entre cour et jardin. L’exposition prend place dans l’ancienne prison de la rue Boulan, située à l’arrière du musée et construite au 19e siècle par la ville de Bordeaux pour les services de police occupant alors l’hôtel de Lalande. Transformée en lieu de stockage pour les réserves du musée dans les années 1980, elle a été vidée et rénovée afin d’ouvrir ses portes au public en septembre 2016. 

La municipalité de Bordeaux, qui prend possession des lieux en 1880, y installe l’hôtel de police et rase le jardin pour construire cette prison qui demeure active jusque dans les années 1960. Les anciennes portes, les cellules, les graffitis sur les murs rappellent au visiteur le quotidien des détenus. Des archives et des photographies redécouvertes au fil des recherches permettent également de retracer l’évolution de ce dépôt de sûreté devenu un espace dédié aux expositions temporaires du musée.

 

 

 

 

 

 

Pour compléter la visite, il manque pour l’instant le catalogue qui est en cours d’édition. Il comprendra des photographies de l’exposition, qui se poursuit jusqu’au début novembre.

Télécharger le dossier de presse

Revue de cartels : « il n’y a rien à comprendre, il y a tout à voir »

 

 

Il fut un temps où l’on expérimentait leur suppression : Francois Mathey l’a fait lors de l’exposition   » Equivoques » en 1973, lorsqu’il a choisi de questionner la valeur des oeuvres des peintres pompiers du XIXe siècle qu’il montrait sous un jour nouveau, démarche toujours débattue  depuis.

Daniel Cordier a effectué le même choix, lors de l’exposition consacrée à sa deuxième donation déposée  aux Abbattoirs à Toulouse, en 2009, intitulée  « Les désordres du plaisir » . Il n’y a rien à comprendre, il y a tout à voir », affirmait-il. Il avait en 2006 montré une sélection d’objets pour l’exposition  intitulée « Pas le Trocadéro, pas le musée d’Athènes ». Texte de Daniel Cordier pour l’exposition « Pas le Trocadéro, pas le musée d’Athènes »

A l’heure de la révolution numérique, les cartels des expositions temporaires  subsistent mais évoluent. Effet de mode ou recherche esthétique, le recours à une signalétique plus légère, transparente, voire parfois peu lisible, semble s’affirmer. Voici une brève revue de styles.

Au Musée de la Vie romantique à l’exposition Redouté, dans la partie de la maison-musée où sont présentées les créations contemporaines : le cartel coin de table a été adopté :

 

 

 

 

 

 

 

Les cartels figurant dans les autres pièces de l’exposition sont plus classiques, mais pas nécessairement à hauteur d’oeil.  Par exemple, ici, en bas (très en bas), à droite de cette présentation murale dédiée aux papiers peints :

ou bien le cartel est comme collé sur le mur de cet escalier, à côté de l’œuvre de Christine Coste, dont voici un détail :

L’expo ‘Redouté’ qui rencontre un grand succès, vient d’être prolongée, ce qui donnera lieu à un renouvellement des velins exposés.

Vu au Palazzo Braschi – Museo di Roma,  lors de l’exposition consacrée à Artemisia Gentileschi : accrochés sur une barre amovible, en bas des œuvres, mis à distance des murs :

L’ exposition Rodin au Grand Palais, opte pour ce buste de Victor Hugo, pour une grande étiquette mise en avant, sur le socle, en relief.

 

 

 

 

 

 

A l’exposition temporaire  » Jardins « : toujours au Grand Palais, un cartel en transparence, collé sur la vitrine qui accueille les objets en question : ici  une oeuvre en cire du militaire Louis Marie Antoine Robillard d’Argentelle, qui, passionné de botanique, s’était spécialisé dans la reproduction en cire de plantes et fruits tropicaux rencontrés lors des campagnes militaires auxquelles il participait. Ses oeuvres furent exposées à Paris une année aprés sa mort puis données par sa famille au Muséum d’Histoire Naturelle en 1887 :

Les cartels amovibles, au Château de Chantilly, sont conçus pour le Cabinet d’arts graphiques qui a ouvert ses portes au printemps. Ils ne peuvent pas être accrochés aux murs et sont posés sur la cheminée (pour renseigner sur le mobilier), ou intégrés aux vitrines qui présentent les dessins, ou bien, font comme partie du cadre :

Les rapports entre objets et cartels, la façon dont le public les perçoit, sont  essentiels et étudiés de façon appronfondie  :

« L’objet dépourvu de son étiquette dans l’exposition perd aussitôt son identité, est «muet». Inversement, une étiquette n’a de sens que lorsqu’elle accompagne un objet. Par conséquent, l’étiquette constitue la première étape de la médiation entre l’objet exposé et le visiteur ».

in Alice Chatzimanassis,  « Regarder et lire : Réflexion sur le rôle du texte dans une exposition d’art », MuséologiesLa cybermuséologie, Volume 6, numéro 2, 2013.

Voir également  :

Anne-Sophie Grassin, « Le jonglage objet-cartel », La Lettre de l’OCIM, 110 | 2007 : mars – avril 2007.

Épilogue : quand il n’y a rien à voir ?

Art urbain : entre abstraction géométrique et trompe-l’oeil en 3D

L’art urbain,  les graffitis,  ont la cote et  leur reconnaissance s’accroît depuis quelques années déjà, comme l’indiquent les blogs et les revues qui recensent les  nombreux artistes qui sont rassemblés sous cette étiquette.

Une tendance de l’art urbain, de l’Art de rue, parmi d’autres, remet au premier plan l’abstraction géométrique. En 2016, des  abstractions en 3D remarquables, avaient été réalisées par un collectif, dans une ancienne école à Saint-Jean-de-Luz :

L’artiste LX. One, qui partipait à cette création, avait réalisé  deux ans auparavant dans une villa à Biarritz,  un environnement  similaire :© Photos Damien Dohmen de  Gardères & Dohmen Photography. 

Le projet s’intitulait : « 40 jours » le projet artistique de Lx.One : website / Instagram (lx1one) / Vimeo.

Il s’agit dans les deux cas de graffitis, d ‘un travail éphémère de quelques semaines à quelques mois, où  domine l’abstraction géométrique en 3 D, et qui intervient avant la rénovation ou la reconstruction d’un site. 

La démarche rappelle certaines créations observées en Allemagne, où l’art urbain est souvent lié à la culture industrielle .

Parfois, c’est le retour du trompe -l’oeil , qui surprend dans l’art de rue, en recréant des  motifs figuratifs des plus saisissants,  comme cette oeuvre d’Edgard Mueller,

« Lava Burst »,  réalisée pour fêter le trentième anniversaire du festival international de l’art urbain à Geldern en Allemagne.