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« Face à Face » avec Henri Michaux – Centre Walloni

 

Henri Michaux n’aurait probablement pas réalisé de selfie. Face au Centre Pompidou, donnant sur la piazza, le Centre Wallonie-Bruxelles présente une exposition, jusqu’au  21 mai 2017, qui s’intitule « Face à Face » sur Henri Michaux.

L’ artiste « Cobra » Alechinsky ( l’un des prêteurs de cette exposition) découvre les oeuvres de Michaux en 1945 avec celles de Jean Dubuffet et des surréalistes. 

A la question : « quel est le premier peintre dont vous avez acheté une oeuvre  après la guerre ? » , Daniel Cordier répond : « Henri Michaux. Une toute petite gouache qui était présentée chez une libraire qui vendait des livres de la collection La Pléiade, (introuvables à ce moment-là) : elle était située à proximité du café de Flore, boulevard St-Germain. Elle avait eu une très bonne idée : on lui apportait des petits dessins, de petites sculptures et elle les vendait « .

Daniel Cordier, devenu galeriste, exposera Michaux à de nombreuses reprises. Parmi les  très nombreuses expositions temporaires d’Henri Michaux, signalons les premières expositions organisées dans les années 1960, dans des musées : les oeuvres  d’Henri Michaux ont été exposées en 1965 au musée national d’art moderne, à Paris, après avoir été présentées  au Stedelijk Museum, en 1964 à Amsterdam. L’exposition de 2017 inclut  des dessins, des peintures,  des livres  d’artistes, des lettres et des photographies, ainsi que la projection d’un film consacré au poète et dessinateur qui aimait Klee, Zao Wou Ki ou Magritte, artistes dont quelques oeuvres figurent dans l’exposition.

Anne-Elizabeth Alpern, spécialiste de son oeuvre, donnera au Centre une conférence le 7 mars prochain. 

 ☆Sur le site du Centre Wallonie Bruxelles, l’annonce d’une autre conférence en mai et d’un spectacle consacré à Henri Michaux :

Centre Wallonie Bruxelles

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Il a choisi de se retirer et refusé qu’on fixe son image, il s’agit de montrer paradoxalement tous les visages qu’il fait surgir sous nos yeux, par le texte et les images. C’est cette confrontation à laquelle fait référence le titre de l’exposition « Face à face ».

☆D’autres documents en ligne dressent son portrait ou récitent ses textes :

☆ Lecture : Dans les appartements de la Reine.

☆ Vues d’une exposition en 2013  au musée des beaux-arts de Winterthour,  le Kunstmuseum Winterthur, en Suisse.

☆  L’exposition Henri Michaux à la galerie Antoine Laurentin en 2015.

Laurent Danchin..

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Laurent Danchin par Jean-Luc Giraud.

Laurent Danchin n’est plus. Correspondant en France de Raw Vision et proche de la revue Artension, sa disparition suscite hommages et  témoignages  émus et nombreux. 

Commissaire de plusieurs expositions temporaires, à la Halle Saint-Pierre, à l’abbaye d’Auberives, Laurent Danchin est avant tout un écrivain qui se passionnait pour la création brute singulière, hors normes ou apparentée et toutes ses manifestations qui résultent d’un besoin, d’une pulsion,  bien loin d’un métier ou d’une profession. Il a souhaité défendre ces créateurs et en parler lors de très nombreux entretiens et tout récemment encore. Il insistait tout particulièrement sur le mysticisme qui caractérise de nombreux auteurs d’art brut.

Laurent Danchin qui a écrit sur Artaud,  et Dubuffet, a aussi laissé  des « bonbons », ces petits ouvrages de l’association Mycelium,  dont le nom renvoie à ce tissu créatif, ce réseau organique de connections fécondes, comme il le définissait.

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Un de ces petits ouvrages, paru en septembre 2016,  est un condensé sur Chomo, un artiste auquel il a porté un très grand intérêt et à qui il avait consacré une exposition temporaire particulièrement réussie à la Halle Saint- Pierre.

Laurent Danchin était aussi  à la tête d’une association ayant pour but de sauvegarder l’oeuvre de Chomo dans la forêt d’Achères. Il était fier d’avoir pris cette responsabilité.

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Hommage au voleur de fleurs

20161006_183705WALASSE TING, LE VOLEUR DE FLEURS (DU 7 OCTOBRE AU 26 FÉVRIER 2016) est présenté actuellement au musée Cernuschi : « L’itinéraire de Walasse Ting (1928-2010), artiste inclassable né à Shanghai, actif à Paris, puis New-York et Amsterdam, préfigure l’internationalisation de l’art contemporain chinois survenue dans les années 1990. Après avoir quitté la Chine pour Hong-Kong en 1946, Walasse Ting gagne Paris en 1952. Ses créations, qui mettent l’accent sur l’expressivité du geste pictural, sont en phase avec les réalisations du groupe CoBrA dont certains membres, comme Pierre Alechinsky, manifestent leur intérêt pour les pratiques asiatiques de l’art du pinceau. À cette époque il rencontre aussi Sam Francis, qu’il retrouvera à New-York quelques années plus tard. C’est dans cette ville que Walasse Ting découvre son univers, fait d’allers et retours entre l’encre et la couleur pure, entre les codes de la peinture chinoise et la spontanéité de l’Action Painting. Il s’inscrit alors dans le paysage de la création new yorkaise à travers des réalisations collectives, comme le projet One Cent Life (1964), qui réunit aux côtés de Pierre Alechinsky et Sam Francis, Jean-Paul Riopelle, Asger Jorn, Robert Indiana, Robert Rauschenberg, Andy Warhol… En 1970, Walasse Ting a fait don au musée Cernuschi de 80 peintures représentant de manière quasi-exhaustive son univers foisonnant et ludique. Cette collection, qui n’a jamais été exposée, a fait l’objet d’une très importante campagne de restauration au cours des dernières années. Le musée Cernuschi revient sur l’ensemble du parcours de Walasse Ting en accordant une place privilégiée aux échanges qu’il a su tisser au sein des milieux artistiques européens et américains ».

Toutes les époques de cette vie de création sont mises en valeur : le travail collectif avec CoBrA,

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la période pop,  où les couleurs acidulées dominent, mais aussi  les créations en noir et blanc d’inspiration chinoise, très fortes, comme ces évocations du printemps et de ses insectes, emblématiques.

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Un  parapluie, symbole chinois d’intimité revisité, allusion aux Jeux des nuages et de la pluie, a pour titre « La naissance de Vénus » .

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La scénographie aérée,  colorée, rend le parcours très agréable. Les textes sont courts, efficaces. Cette promenade se conclut par un hommage aux femmes,  au prisme de Matisse.

Un programme de conférences accompagne cette nouvelle présentation d’un artiste chinois contemporain et nomade:  L‘université au musée: conférences le jeudi à 16h  téléchargez le programme des conférences

Signalons l’article d’Anne Kerlan paru dans le journal Libération, à l’occasion des rendez- vous de l’Histoire à Blois, qui a pour thème cette année, « Partir » :

Combien d’artistes, partis de Chine, de Corée, du Japon ou du Vietnam, se sont retrouvés dans notre capitale depuis le début du XXe siècle ? La rencontre avec l’art occidental ne date pas de leur arrivée mais leur condition d’exilés, et cette disjonction entre une culture d’origine, devenue «une mémoire qui ne sert à rien» (1) et ces lieux d’accueil qui ne le sont pas toujours a nécessairement résonné dans leur parcours. Pour certains, l’impossible repos fut fructueux. Walasse Ting (1928-2010) fit ainsi des passages de frontière et des transgressions un principe créateur. Arrivé à Paris en 1953, il y rencontre le mouvement CoBrA. Cet ami intime de Pierre Alechinsky se retrouve plus tard à New York, tout à son aise dans les milieux de l’expressionnisme abstrait, de l’action painting et du pop art. L’exposition parisienne qui lui est consacrée jusqu’au 26 février (une première en France) révèle une personnalité hors norme, qui ne cessa de bousculer son héritage artistique chinois mais aussi ces courants de l’art moderne occidental dont il fut un acteur important. Voici des peintures à l’encre de Chine rehaussées de projections et de coulures, ou un classique paysage monochrome doté d’une signification sexuelle explicite. Il invita ses amis new-yorkais à des œuvres collaboratives, rappelant la façon dont les lettrés chinois réalisaient autrefois peintures ou calligraphies lors d’assemblées festives. Et, traversant tout ceci comme une obsession pour celui qui se surnommait «le grand voleur de fleurs», la figure féminine, prostituée nue façon pop art ou dame chinoise du temps jadis traitée à la Matisse, sert de fil conducteur à cette œuvre foisonnante, et peut-être aussi de passerelle entre la Chine et l’Occident.

Exposition Roger Tallon aux Arts Décos : aux origines de la création

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La donation de Roger Tallon aux Arts Décos est ici célébrée à travers une exposition temporaire rue de Rivoli, qui est répartie sur deux étages. Françoise Jollant et Dominique Forest en sont les commissaires. 

L’exposition est  très riche, la revue de presse accueille l’exposition Roger Tallon avec intérêt, compte tenu de l’ingéniosité du designer et de l’incroyable diversité des objets qui l’intéressaient : Sage dans sa scénographie, l’exposition Roger Tallon des Arts décoratifs, à Paris, étonne par la diversité et la modernité des créations de ce designer disparu en 2011. Il a touché à tous les domaines, du « frigidaire » au TGV :

  • les moyens de transport ( une moto « Taon », le rail, avec une collaboration au long cours avec la SNCF : le Corail, le TGV, mais aussi le funiculaire de Montmartre, etc. );
  • la maquette du journal Artpress toujours d’actualité,
  • les mobiliers ( les sièges comme la chaise Sentou ou le lit et les sièges qui figurent dans le film  » La piscine » )
  • le tube de produit solaire Bergasol et les lunettes de soleil ;
  • les bidons d’essence ;
  • les conditionnements de produits de pharmacie,
  • jusqu’à une improbable crèche composée de sièges, commandée pour l’aéroport d’Orly  et dont on expose ici le siège César.
  • L’enfant jésus apparaissait dans une télévision, ce qui est normal pour l’auteur de la célèbre Téléavia. televiseur_portatif_tallon

Roger Tallon était très lié aux Nouveaux réalistes dont Yves Klein, décédé prématurément. César a moulé le fameux pouce de Roger Tallon pour l’une de ses sculptures les plus connues.cesar-baldaccini-vgj

Le portrait et l’histoire de Roger Tallon par Françoise Jollant Kneebonne.

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Pour les amateurs d’art et de design, Roger Tallon (1929-2011), c’est l’extraordinaire escalier hélicoïdal Module 400 en aluminium (1966 et 1974).

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Exposition des composants de l’escalier Module M400 édité par la galerie Lacloche, 1966.(©Les Arts Décoratifs, Paris/ADAGP 2016).

 

Car ces créations ont bien sûr été exposées avant cette très complète rétrospective. Michel Ragon, écrivain, critique d’art, a participé avec François Mathey à une exposition de la galerie Lacloche : « Je travaillais sur l’architecture, les objets, je connaissais bien Lacloche un bijoutier de grand luxe de la place Vendôme. Il avait ouvert sa galerie au premier étage, il faisait des expositions de peinture que je soutenais. Un jour, il m’a proposé de faire une exposition sur l’objet. L’exposition chez Lacloche était innovante : les artistes étaient invités à faire des sièges, des bijoux. J’ai incité Lacloche à faire des bijoux d’artistes, comme avec Penalba, puis la seconde exposition, je l’ai faite avec Mathey : ce qu’il avait réalisé au musée des Arts décoratifs sur le même thème m’avait beaucoup plu ».

Cette exposition rassemblait des sculptures, des mobiliers, des meubles de François Arnal, Arman, Alexandre Babeanu, Jef Banc, Berrocal, Martine Boileau, Cesar, Celine Chalem, Louis Chavignier, Michel Guino, James Guitet, Philippe Hiquily, Jacobsen, Radivoje Knezevic, Caroline Lee, Robert Malaval, Matta, Metcalf, Alicia Moi, Nikos, Marta Pan, Georges Patrix, Alicia Penalba, Philolaos, Bernard Rancillac, Day Schnabel, Jurgen Schneyder, François Stahly, Jose Subira Puig, Roger Tallon, Aurello Teno, Claude Viseux, Artigas, Bondt, Din Vanh, Filhos, Knoop, Torun.

C’était un clin d’œil à la célèbre exposition Antagonismes 2 , l’Objet organisée en 1962 au musée des Arts décoratifs.

 

 

 

Un musée au parcours clair et fluide : deux expositions temporaires et une installation au musée Guimet

 

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Guimet est un musée au parcours clair, fluide, sans ces barrières brutales, qui se dressent en général entre les espaces consacrés aux expositions temporaires et le domaine réservé aux collections permanentes : ici, les expositions vous conduisent tout naturellement à visiter l’ensemble des collections présentées.

Des œuvres contemporaines sont en outre mêlées aux présentations des collections anciennes, juste signalées par un caraco bleu, de ce bleu caractéristique du logo du musée.

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La répartition des œuvres suit un découpage par zone géographique. Dans ce domaine des arts asiatiques, tous les modes d’expression sont confondus, exposés ensemble : sculptures, tapisseries, textiles, dessins, estampes, céramiques et  maquettes d’architectures.

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Clair, aéré, calme, c’est véritablement une scénographie agréable aux lumières douces, que ce musée propose.

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Guimet lui même est présent, dans la rotonde bibliothèque consacrée aux expositions d’arts graphiques, où quelques statues voisinent avec les livres anciens.

S’achève bientôt l’exposition de photographies d’Araki Figure incontournable de la photographie contemporaine japonaise, Nobuyoshi Araki est connu mondialement : « Un choix très important sera extrait des milliers de photographies que l’artiste a réalisées de 1965 à 2016, depuis l’une de ses séries les plus anciennes intitulée Théâtre de l’amour en 1965 jusqu’à des oeuvres inédites, dont sa dernière création de 2015 réalisée spécifiquement pour le musée sous le titre Tokyo-Tombeau. Après une première découverte de la presque totalité des livres conçus par Araki suivie d’une introduction aux grandes thématiques de son oeuvre – les fleurs, la photographie comme récit autobiographique, sa relation avec son épouse Yoko, l’érotisme, le désir, mais aussi l’évocation de la mort -, l’exposition évoquera son studio, laboratoire d’idées. […] À mi-parcours de l’exposition, le visiteur s’introduit dans l’atelier d’Araki et découvre la démesure de sa production photographique, mise en regard d’oeuvres issues des collections du MNAAG : estampes, photographies et livres anciens, illustrant les liens que l’artiste a entretenus avec la permanence d’une inspiration japonaise ».

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Les pêcheuses d’abalones, Kitagawa Utamaro (1753-1806), vers 1797-1798, Ancienne collection Louis Gonse, MA 1582 (C) RMN-Grand Palais (musée Guimet, Paris) / Thierry Ollivier.

 

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Dans la rotonde, l‘installation en bambou de Shouchiku Tanabe ( Carte Blanche jusqu’au 19 septembre), s’accompagne d’une vidéo le montrant au travail.

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A venir, une exposition de miniatures indiennes qui regroupera près de 70 oeuvres choisies parmi les plus belles pages du musée national des arts asiatiques – Guimet.

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